Having landed in Campania Felix, I begin to recover my life and work. Combined with support of my Italian ancestry, friends near and far, and my artistic research with Aesthetic Resonances involving Geological Empathy and Sublime Rheology; I shared an introduction to these ideas on air with Storytime Radio Canale Italia. My speaking goals are going to take awhile to reach, so I invite you to view my work and writing at https://mariamman.net/ Connect with me on WhatsApp or Email to collaborate. I look forward to welcome you someday soon to my studio in the south. Until then <3

The text in the following audio is below in Italian and English:

💠 1. Mari, il tuo percorso unisce arte, filosofia ed esplorazione interiore: come si è formata la tua visione creativa e quali esperienze ne hanno influenzato l’evoluzione?

È una domanda profonda, a cui è difficile rispondere. In parole povere, mi sono sempre occupato di comprendere la natura e di come l’umanità, con tutti i suoi comfort e orrori, sia arrivata a questo punto della storia solo lottando per gli stessi problemi secolo dopo secolo. Domande esistenziali e filosofiche come: perché c’è ancora così tanta sofferenza e perché siamo tutti incoraggiati a essere così soddisfatti di noi stessi?

Ciò a cui le persone si riferiscono come “natura” è spesso inteso come l’ambiente non mitigato dall’uomo. In realtà, qualunque cosa sia la natura, è qualcosa che fa parte e che funziona insieme all’implacabile invenzione umana. E in questo modo, la natura ha una struttura, ma una struttura costruita per supportare la maggior quantità di vita, il che è molto diverso dal controllo.

💠 2. Il tuo lavoro esplora i temi della sinestesia, della memoria e della percezione del colore: come traduci queste dimensioni sensoriali nei diversi linguaggi artistici che utilizzi?

mia convinzione che tutti siano nati con la sinestesia e che questa ci sia stata tolta, vera o falsa che sia, mi ha portato a comprendere il valore di coltivare l’alfabetizzazione visiva, ad aprire un interesse per il pensiero critico sui risultati delle idee.

Il colore, il suono e la maggior parte dei sensi umani dipendono fortemente dalla fisiologia, dalle tolleranze culturali e dal regno dell’immaginario. Il mio lavoro offre l’opportunità di liberarsi dalla cromofobia, ovvero la paura del colore, invitando al contempo a uno spazio di pace per contemplare non solo i nostri mondi interiori ed esteriori, ma anche i modi in cui gli strati della nostra realtà si fondono.

I pesi climatici, emotivi e mentali che l’umanità sta attraversando sono osservabili sia dai grandi guadagni che dalle perdite di grande valore. La grave perdita di professioni, libertà e gli effetti incessanti della tecnologia alimentano i transiti da una forma di dipendenza all’altra.

L’arte è uno strumento per creare un modo per contrastare l’ascesa della violenza silenziosa e per incoraggiare qualcosa che persiste nonostante le convinzioni o la mente.

💠 3. Hai lavorato e studiato in molte parti del mondo. In che modo le diverse culture hanno influenzato la tua poetica e la tua comprensione dell’arte come linguaggio universale?

In ogni parte del mondo, l’arte viene troppo spesso usata impropriamente per segnalare una classe sociale. Invece, l’arte è meglio utilizzata per migliorare il pensiero critico e la connessione. Mentre gli effetti performativi dell’arte in diverse culture stimolano la consapevolezza e i ricordi inconsci, l’arte presenta una sorta di richiesta di attenzione, non molto diversa dalla partecipazione a funzioni religiose. Quindi la domanda che mi pongo in ogni luogo è: a cosa servono l’arte e la cultura?

C’è sofferenza ovunque io sia stato. Quindi arrivo in ogni luogo, un po’ come un bambino, cercando di notare e apprezzare le sfumature, nonostante alcune tendenze simili in crescita.

La politica dei sistemi fa parte del fare arte, poiché si dà per scontato che essere definita un linguaggio universale dipenda in realtà da moltissimi fattori. Un po’ come i film hanno fatto immaginare alle persone come sono i luoghi e le persone in culture diverse, finisce per ricapitolare e l’immaginazione, l’arte nell’era di Internet tende a creare nuove allucinazioni.

Ora che ci viene chiesto a tutti cosa stia realmente accadendo, credo che la richiesta all’arte di aiutare l’umanità sia aumentata, che lo faccia davvero o meno, ed è forse per questo che spesso sembra profondamente precaria.

In realtà devo dire che qui c’è più umanità. Sono solo le persone. E con qui intendo ogni posto in cui vivi in ​​Italia.

💠 4. I tuoi lavori recenti includono poesia, fotografia e ricerca sul mito femminile dell’acqua. Qual è il collegamento tra questi elementi e la tua attuale identità artistica?

Stranamente, Mari Amman è una misteriosa divinità indù dell’acqua, della fertilità, che può guarire le malattie. Pur non avendo poteri speciali, trovo che le coincidenze siano uno degli aspetti più confortanti della vita. Si dice anche che Mari sia stata citata come un luogo della Mesopotamia sumera, Tell Hariri.

La mia comprensione dell’Identità è che si tratti di un costrutto basato su realtà fisiche e ricordi immaginari. Quindi una persona, o nel caso del modo in cui la società odierna guarda al mito di un artista, è soggetta al potenziale della memoria pubblica come un aggregato di opere d’arte contrassegnate da un nome; quindi un’Identità in vita è una sorta di tentativo di performance della memoria, ripetuta e quindi subordinata a informazioni ricercabili.

L’idea che l’acqua o la natura siano in qualche modo femminili preclude qualsiasi realtà vissuta, poiché la natura sulla Terra esiste a prescindere dai concetti. Le storie ripetute possono fingere di essere vere, ma l’acqua si presenta in molte forme e densità e quindi è in qualche modo sempre soggetta alla mente e alla volontà umana, finché esistiamo.

Le storie su luoghi ed entità, reali o immaginarie, sono rilevanti per gli effetti traumatici dell’idealismo tecnologico. Le conseguenze della vita a partire dall’integrazione di Internet hanno creato inutili camere di risonanza che rafforzano le idee sul cambiamento del nostro rapporto con la natura – un cambiamento che non arriva mai – una sorta di apocalisse perpetua con opposizioni forzate che si rafforzano a vicenda. Questo cambiamento nello stesso, perpetua sia verità che miti, disconnettendo contesti, soggetti e oggetti, con il risultato di condizioni di confusione in perenne mutamento.

💠 5. Guardando ai progetti futuri, quali direzioni desideri esplorare attraverso il tuo lavoro e in che modo l’arte può contribuire a creare consapevolezza e connessioni autentiche tra le persone?

Oltre dieci anni di ricerca e sviluppo sono stati dedicati ai concetti di Empatia Geologica e Reologia Sublime per dare priorità alla comprensione. Nel modo in cui le impressioni visive e sonore emergono dall’ineffabile, la metafora geologica del cambiamento lento nel tempo attraverso una moltitudine di forze rispecchia il modo in cui concepisco i concetti come forme malleabili e ricercabili.

Dopo essermi stancato delle grandi teorie del tutto, ho deciso di orientare la mia pratica concettuale nell’arte verso il mondo dei materiali tattili. Credo che siamo tutti sopraffatti dalla quantità di spazzatura che ingombra internet e il pianeta, creando a sua volta una tentazione apatica verso la malinconia intensificata dal fatto che i sistemi e le intelligenze artificiali ci guidano. Mi sto muovendo in modo più collaborativo e a un ritmo diverso rispetto a prima.

Per approfondire il sentimento e la connessione umana, oltre al modo in cui l’arte funge da mezzo di discussione per riflettere sulla granularità della differenza, i progetti sviluppati attraverso la mia ricerca generale, Risonanze Estetiche, coinvolgono Pozzlana (cemento romano), i Campi Flegrei, la Solfatara. Questi e altri siti servono da riferimento per i residui magnetici e le risonanze registrate nella Terra, continuamente sottoposta a forze note e ignote. La ricerca, sebbene scientificamente problematica a causa dell’inesorabilità di errori meccanici e misurabili, è perfetta per la creazione artistica, poiché all’arte è concesso il privilegio di fallire, forse verso la scoperta.

Non voglio ritrovarmi in una sorta di idea romantica di un artista solo nel suo studio. Quindi, allontanandomi dal metodo tipico delle scuole d’arte, che ha diviso gli artisti in vari silos (ovvero in camere di stoccaggio isolate che hanno una certa eco), e contribuendo alla mercificazione del mercato dell’arte che stiamo vedendo implodere, sto trovando nuove applicazioni per vecchi metodi, come le tecniche di smaltatura di Gualdo Tadino, le sottigliezze delle essenze floreali o i suoni della natura, insieme alla ricerca scientifica, e le traduco in opere visive e fisiche, creando un’esperienza condivisa di qualcosa che di solito è così personale e soggettivo.

In questo modo, l’arte aiuta a recuperare parti di memoria collettiva che potrebbero essere andate perdute lungo il cammino. Riformando queste relazioni come opere d’arte su cui fare ricerca, lentamente nel tempo questi progetti, anziché un atto rivoluzionario insensato, costruiscono connessioni tra le persone, così che possiamo continuare a vivere con più profonda riverenza e una nuova comprensione reciproca e della natura.

ENGLISH

💠 1. Mari, your journey combines art, philosophy, and inner exploration: how was your creative vision formed, and what experiences have influenced its evolution?

That’s a profound question, difficult to answer. In the most simplistic terms, I’ve always been occupied with understanding nature and how humanity- with all its comforts and horrors has only arrived to this juncture in history fighting for the same issues century after century. Existential and philosophical questions like: Why is there still so much suffering, and why are we all encouraged to be so self satisfied?

What people refer to as “nature” is often intended to mean the environment not mitigated by humans. In reality, whatever nature really is- is something both part of and functioning alongside the relentlessness of human invention. And in this way, nature has a structure, but a structure built to support the most amount of life- which is very different than control.

💠 2. Your work explores themes of synesthesia, memory, and color perception: how do you translate these sensorial dimensions into the various artistic languages ​​you use?

My belief everyone was born with synesthesia and that it was shaken out of us, whether true or not, brought me to understand the value of cultivating Visual Literacy, to open interests in critically thinking about the outcomes of ideas.

Color, sound, and most human senses rely heavily on physiology, cultural tolerances and the imaginary realm. My work invites the opportunity to break away from chromophobia, or the fear of colour, while inviting a peaceful space to contemplate more than just our internal and external worlds, but the ways the layers of our reality come together.

The climatic emotional and mental weights humanity is passing through are observable by both great gains and losses of great cost. The gross loss of professions, freedoms, and relentless effects of technology fuel transits from one form of addiction to another.

Art is a tool to create a way to work against the rise of quiet violence and inviting something that persists despite beliefs or the mind.

💠 3. You have worked and studied in many parts of the world. How have different cultures influenced your poetics and your understanding of art as a universal language?

In each part of the world, art is too often misused for signaling class. Instead art is better used to improve critical thinking and connection. While the performative effects of art in different cultures animates awarenesses and unconscious memories, art presents a type of demand on attention-not terribly unlike attending religious services. So the question I face each place with is: what is the art and culture in service of?

There’s suffering everywhere I’ve been. So arrive to each place, much like a baby, trying to notice and appreciate nuances, despite some growing similar trends.

The politics of systems are part of making art, as it’s sort of assumed to be referred to as a universal language is really contingent upon so many factors. Sort of how movies made people imagine how places and people are in different cultures ends up recapitulating and imagination, art in the age of the internet tends to make up new hallucinations.

Now as we all are being asked to ask what is really going on, I think the demand on art to aid humanity has increased whether or not it actually does, is perhaps why it often feels deeply precarious.

💠 4. Your recent work includes poetry, photography, and research on the feminine myth of water. What is the connection between these elements and your current artistic identity?

Mari Amman funnily enough happens to be a mysterious Hindu deity of water, fertility, that can heal diseases. While I have no such special powers, I find coincidences to be one of the relieving aspects of life. Mari also happens to have been written about as a place in Sumerian Mesopotamia, Tell Hariri.

My understanding of Identity, is that it is a construct based on physical realities and imaginary memories. So a person, or in the case of the way society today looks at the myth of an artist is subject to the potential of public memory as an aggregate of artworks marked with a name; therefore an Identity while alive is a type of an attempt at a performance of memory, repeated and then contingent upon researchable information.

The idea water or nature is somehow female precludes any lived reality since nature on earth exists regardless of concepts. Stories repeated can pretend to be truth, but yet water comes in many forms and densities and therefore is somehow always subject to human mind and will, so as long as we exist.

Stories about places and entities, real or imagined, are relevant to the traumatic effects of technological idealism. The consequences of life since the integration of the internet has created futile echo chambers reinforcing ideas about changing our relationship with nature- a change that never arrives- sort of like a perpetual apocalypse with forced oppositions reinforcing each other. This change to the same, perpetuates both truths and myths while disconnecting the contexts, subjects and objects resulting in perpetually shifting conditions of confusion.

💠 5. Looking ahead to future projects, what directions do you wish to explore through your work, and how can art contribute to building awareness and authentic connections between people?

Over ten years of research and development went into concepts of Geological Empathy and Sublime Rheology to prioritise understanding. In the way visual and sonic impressions emerge from the ineffable, the geological metaphor of change slowly over time through a multitude of forces, mirrors the way I think of concepts as malleable and researchable forms.

After I grew bored of in grand theories of everything, I decided to pivot my conceptual practice in art toward working with the realm of tactile materials. I think we are all overwhelmed by the amount of garbage cluttering the internet and the planet, in turn creating an apathetic temptation toward melancholy intensified by allowing systems and artificial intelligences to lead us around, I am moving more collaboratively - and in a different pace than before.

To deepen human feeling and connection, aside from the way art serves as a medium of discussion to reflect on the granularity of difference, the projects developed through my overarching research, Aesthetic Resonances, involve Pozzlana (roman concrete), Campi Flegrei, Solfatara. These sites and others serve as references for the magnetic residues and resonances recorded in the Earth, continually subjected to forces known and unknown. The research, while scientifically problematic due to relentlessness of mechanical and measurable errors, is perfect for artmaking, since art is afforded the privilege to fail, perhaps toward discovery.

I don’t want to find myself in some kind of romantic idea of an artist alone in the studio. So moving away from the art-school way of making that severed artists into various silos (meaning isolated storage chambers that have a bit of an echo to them), and contributed to the commodification of the art market we see imploding- I am finding new applications for old methods, such as glazing techniques from Gualdo Tadino, the subtleties of flower essences or sounds here in nature, alongside scientists’ research- and putting those into visual and physical work creating a shared experience of something that is usually so personal and subjective.

In this way the art helps recover parts of collective memory that might have been lost along the way. By reforming these relations as researchable artworks, slowly over time these projects, instead of some nonsensical revolutionary act, build connections amongst people so we can continue to live with deeper reverence and new understandings of each other and nature.

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