En tant qu'artistes professionnels, nous sommes pris dans un constant tiraillement entre la nécessité de cultiver notre "voix" et la nécessité de générer un revenu.

Si quelques projets nous permettent de travailler sur ces deux aspects de notre production en même temps, la plupart tendent d'un côté plutôt que de l'autre. Simplement parce que cultiver notre voix nous demande de prendre des "risques artistiques" (je mets des guillemets parce que je ne suis pas sûr de ce qui est risqué) et de tenter de choses qui pourraient ne pas fonctionner commercialement, juste pour élargir notre champ créatif, expérimenter avec des idées et avec des formes. Et parce qu'assurer notre revenu nous demande d'aller vers des choses plus sûres (relativement, hein, on parle quand même d'art et de créativité), donc plutôt des structures dramatiques éprouvées, des tropes plébiscités par les lecteurs de notre genre, et des styles narratifs confortables pour les lecteurs.

Chaque décision qui nous éloigne de ce qui "marche" augmente la probabilité qu'on soit en train de se tirer une balle dans le pied. Mais si l'on ne fait que des choses qui marchent, c'est-à-dire qui ont été faites et validées par le public, on risque de produire une histoire tellement attendue et banale qu'elle fera un flop. Le dilemme est total.

Croire qu'on trouvera une réponse toute faite et définitive à cette question est illusoire aussi la conversation portera plutôt sur les différents versants de la question et explorera différents critères permettant de décider si l'on souhaite consacrer du temps à un projet et ce que l'on en attend. Rien n'est pire en effet que l'indécision -- les projets stagnent, nous stagnons, rien ne progresse dans l'indécision. Nourrir la réflexion autour des paradoxes qui sont au cœur de toute carrière artistique évitera une lecture trop binaire et polarisée de la situation. C'est dans la nuance que l'on construit les solutions durables.