Dans ce nouvel épisode des Vocaux du Cinéma, Thomas et Aurélien reviennent sur Disclosure Day, le nouveau film de science-fiction de Steven Spielberg.

Après Rencontres du troisième type, E.T. l'extra-terrestre et La Guerre des mondes, le réalisateur renoue avec l'un de ses genres de prédilection : le film de rencontre extraterrestre. Mais derrière une mise en scène toujours aussi maîtrisée, le film peine à retrouver l'émerveillement et la puissance de ses grandes réussites.

Les deux amis analysent les thèmes au cœur de Disclosure Day : le dévoilement de la vérité, les fake news, le complotisme, la crise de la preuve par l'image, mais aussi les questions de mémoire traumatique et de violences faites aux enfants.

Un épisode consacré à l'analyse de Disclosure Day, à la place de Steven Spielberg dans le cinéma contemporain et aux grandes mutations de notre rapport aux images.

Au programme :

🎬 Critique de Disclosure Day
👽 Spielberg et le cinéma de rencontre extraterrestre
📸 IA, fake news et crise de la preuve par l'image
🧠 Mémoire traumatique et récit
🎭 Emily Blunt et le pouvoir de l'empathie
🎥 Un Spielberg mineur ?

Les Vocaux du Cinéma, c'est Thomas et Aurélien — Paris et Marseille — qui débattent des films via messages vocaux. Critique sincère, spoilers assumés, désaccords garantis.

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L'Être Aimé, nouveau film de Rodrigo Sorogoyen présenté en compétition au Festival de Cannes 2026, réunit Javier Bardem et Victoria Luengo dans un face-à-face entre un père et sa fille. Le film s'impose d'emblée comme l'une des œuvres les plus attendues et les plus personnelles du cinéaste espagnol.

L'histoire se déroule sur un plateau de tournage, mais le cinéma n'est qu'un décor : ce qui intéresse Sorogoyen, c'est la relation entre un vieux réalisateur au passé colérique et abusif et la fille qu'il a blessée. Sur fond de masculinité toxique et de réparation impossible, le film suit ces deux êtres qui peinent à se parler vraiment, à faire tomber les masques.

Thomas et Aurélien s'accordent sur la puissance de l'œuvre, qu'ils jugent « presque parfaite » et bouleversante, mais débattent de ce qui la rend si singulière. Ils s'interrogent sur les choix formels radicaux de Sorogoyen — noir et blanc, couleur, pellicule Super 16, changements de ratio au sein d'un même champ-contrechamp, flou assumé, bande sonore déstabilisante — et sur ce que ces ruptures produisent chez le spectateur. Enfin, la conclusion ouverte du film les amène à questionner ce que Sorogoyen dit in fine sur le cinéma lui-même.

Les Vocaux du Cinéma, c'est deux amis, Thomas et Aurélien, qui débattent des films via messages vocaux entre Paris et Marseille. Critique sincère, spoilers assumés, désaccords garantis.

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Thomas et Aurélien ouvrent les hostilités avec un hors-série consacré à la sélection officielle du Festival de Cannes 2026, dévoilée par Thierry Frémaux lors de sa conférence de presse annuelle. Entre grands noms du cinéma mondial et découvertes, les deux co-hôtes passent la compétition au crible. La 79e édition réunit des habitués du festival — Pedro Almodóvar, Asghar Farhadi, Kore-eda — aux côtés de voix plus singulières comme Arthur Harari, Léa Mysius, Rodrigo Sorogoyen ou encore László Nemes. En séance de minuit et hors compétition, Quentin Dupieux fait sensation avec deux films présentés simultanément, dont Le Vertige, une curiosité en 3D façon PlayStation 1. Thomas et Aurélien débattent de leurs vraies attentes : Arthur Harari, Léa Mysius dont le cinéma au réalisme magique séduit l'un plus que l'autre, Rodrigo Sorogoyen et son sens de l'étouffement, ou encore le retour de László Nemes, de Na Hong-jin mais aussi celui de Nicolas Winding Refn en hors compétition. Ils évoquent aussi le réalisateur Russe Andrey Zvyagintsev dont le contexte d'exil en France donne lieu à une anecdote personnelle. La sélection suscite un enthousiasme sélectif : beaucoup de noms, peu de films qui hypent vraiment.
Les Vocaux du Cinéma c'est deux amis, Thomas et Aurélien, qui débattent des films via messages vocaux entre Paris et Marseille. Critique sincère, spoilers assumés, désaccords garantis.
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Projet Dernière Chance (Project Hail Mary), réalisé par Phil Lord et Christopher Miller — les cinéastes derrière Spider-Man : Into the Spider-Verse, 21 Jump Street et The Lego Movie — débarque en salle avec Ryan Gosling dans le rôle principal et Sandra Hüller en soutien. Un blockbuster de SF produit par Amazon et MGM qui a tout d'une pépite inattendue.
Le film suit un scientifique qui se réveille seul dans un vaisseau spatial, sans mémoire, à l'autre bout de la galaxie. Sa mission : comprendre pourquoi le soleil s'affaiblit et trouver un remède pour sauver la Terre. Il va croiser la route de Rocky, un alien minéral à six pattes, et c'est cette rencontre improbable qui va tout changer.
Thomas et Aurélien débattent de ce que signifie vraiment la "SF positive" : s'agit-il d'un futur souhaitable ou simplement d'un feel good movie où l'amitié tient lieu de programme ? Ils comparent le film à Interstellar de Nolan — en se demandant si Lord et Miller n'ont pas réussi là où Nolan avait échoué sur le facteur humain — mais aussi à Arrival, Mickey 17 et E.T. La question de la déconstruction du mythe du héros est au cœur de leur échange : ici, le salut passe par la coopération et l'altérité, pas par un geste individualiste. Ils s'accordent aussi sur la direction artistique chaleureuse et l'usage remarquable de l'animatronique, tout en taquinant le casting de Ryan Gosling en prof raté (peu crédible ?).
Les Vocaux du Cinéma, c'est Thomas et Aurélien — une bromance cinéphile entre Paris et Marseille — qui débattent des films via messages vocaux. Critique sincère, spoilers assumés, désaccords garantis.
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La Grazia. Paolo Sorrentino retrouve Toni Servillo pour la première fois depuis Le Caïman — ou presque. Un film présenté à la Mostra de Venise 2025, distribué par Pathé, qui retrouve les thèmes chers à Sorrentino : le pouvoir, la vieillesse, la grâce et la mélancolie italienne. Dans cet épisode des Vocaux du Cinéma, Thomas et Aurélien analysent La Grazia.

La Grazia de Paolo Sorrentino met en scène un président de la République italienne en fin de mandat, incarné par Toni Servillo, face à un dilemme moral et politique majeur. À ses côtés, Daria D'Antonio et Anna Ferzetti dans des rôles qui complètent un portrait de l'Italie contemporaine à la fois tendre et impitoyable. La direction photo rappelle La Grande Bellezza — cette façon qu'a Sorrentino de filmer Rome et le pouvoir comme s'ils étaient la même chose.

Thomas et Aurélien débattent de La Grazia en se demandant si Sorrentino se répète ou s'il approfondit. Le film est-il à la hauteur de La Grande Bellezza ou de Il Divo ? Toni Servillo est-il encore meilleur que dans leurs collaborations précédentes ? La mélancolie de Sorrentino est-elle toujours aussi juste, ou commence-t-elle à tourner en autoréférence ?

On parle aussi de la réception du film à Venise, du rapport de Sorrentino au temps qui passe — une obsession récurrente depuis Youth — et de ce que La Grazia dit de la politique italienne contemporaine.

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Bilan cinéma 2025. Thomas et Aurélien passent en revue une année de films, de débats et de vocaux pour établir leurs tops personnels — et s'engueuler gentiment sur les désaccords. Un épisode spécial des Vocaux du Cinéma, plus long, plus libre, enregistré comme une vraie conversation entre amis après une année de cinéma.

Le bilan cinéma 2025 des Vocaux du Cinéma, c'est l'occasion de revenir sur tous les films chroniqués cette année : Lost Highway, The Brutalist, Alpha, Sirāt, Mission Impossible The Final Reckoning, 28 Ans Plus Tard, et tous les autres. Mais aussi sur des films qu'on n'a pas eu le temps de couvrir en épisode dédié.

Quels sont les meilleurs films de 2025 selon Thomas ? Quels sont ceux d'Aurélien ? Sur quoi sont-ils d'accord — et sur quoi divergent-ils encore ? L'épisode bilan est toujours révélateur des goûts profonds des deux podcasteurs, au-delà des critiques film par film.

On parle aussi de ce que 2025 a représenté pour le cinéma en général : une année de Cannes exceptionnelle ? Un renouveau du cinéma d'auteur français ? La confirmation que le blockbuster américain évolue ?

Les Vocaux du Cinéma, c'est un podcast cinéma entre deux amis — Thomas à Paris, Aurélien à Marseille. Critique sincère, humour cinéphile, spoilers garantis.

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Résurrection. Bi Gan, le réalisateur de Long Day's Journey Into Night, revient avec un film récompensé au Festival de Cannes 2025. Et comme toujours avec Bi Gan, la question se pose immédiatement : est-ce un chef-d'œuvre ou une imposture magnifique ? Dans cet épisode des Vocaux du Cinéma, Thomas et Aurélien tentent de trancher.

Résurrection de Bi Gan est un film contemplatif, visuellement hypnotique, narrativement ambigu. Le réalisateur chinois poursuit son exploration des états de conscience, du rêve et de la mémoire avec une maîtrise formelle qui impressionne et déroute à la fois. Le film a décroché le Prix du Jury à Cannes 2025 — une récompense qui dit quelque chose sur la division qu'il a provoquée.

Thomas et Aurélien débattent de Résurrection sans complaisance : est-ce que la beauté des images justifie l'opacité du propos ? Bi Gan est-il un cinéaste qui travaille l'expérience sensorielle ou un cinéaste qui cache son vide derrière la forme ? Le Prix du Jury est-il mérité ?

On parle aussi du rapport de Résurrection à l'hommage au cinéma classique, de l'influence de Wong Kar-wai sur Bi Gan, et de ce que ce film dit de la place du cinéma contemplatif dans les festivals aujourd'hui.

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Arco. Le film d'animation de science-fiction français signé Ugo Bienvenu. Un film qui arrive avec une ambition : s'imposer comme la réponse française aux studios Ghibli. Dans cet épisode des Vocaux du Cinéma, Thomas et Aurélien débattent d'Arco — et de ce que l'animation française peut ou ne peut pas encore faire.

Arco de Ugo Bienvenu est une science-fiction animée, visuellement ambitieuse, qui raconte l'histoire d'un robot dans un monde en déclin. Le film a été présenté comme l'héritier spirituel de Miyazaki — une comparaison immense qui conditionne forcément la réception. Le studio derrière Arco a investi massivement dans la direction artistique, et ça se voit.

Thomas et Aurélien analysent Arco en se demandant si le film tient ses promesses : l'animation est-elle vraiment au niveau ? Le scénario est-il à la hauteur des ambitions visuelles ? Peut-on raisonnablement comparer Arco à Ghibli sans décevoir tout le monde ? Ugo Bienvenu réussit-il à créer un univers cohérent ?

On parle aussi de la place de l'animation dans le cinéma français, du manque chronique d'ambition des productions animées françaises, et de ce que ça veut dire qu'un film comme Arco existe en 2025.

Les Vocaux du Cinéma, c'est un podcast cinéma entre deux amis — critique directe, spoilers inclus.

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Nouvelle Vague. Richard Linklater rend hommage à Jean-Luc Godard en reconstituant le tournage de À bout de souffle. Un film dans le film, un hommage méta, une lettre d'amour au cinéma français. Dans cet épisode des Vocaux du Cinéma, Thomas et Aurélien analysent Nouvelle Vague — et la question qui revient c'est : est-ce du pastiche ou de la vraie cinéphilie ?

Nouvelle Vague de Linklater reconstitue le tournage d'À bout de souffle en 1959, avec Jean-Luc Godard derrière la caméra, Jean-Paul Belmondo et Jean Seberg devant. Linklater filme la création d'une œuvre fondatrice du cinéma mondial — avec tout ce que ça implique de mythe, d'anachronisme assumé et de questions sur la légitimité de l'hommage.

Thomas et Aurélien débattent de Nouvelle Vague sous plusieurs angles : Linklater comprend-il Godard, ou l'admire-t-il de loin ? Le film rend-il justice à la Nouvelle Vague française ou l'amériganise-t-il ? Jean-Paul Belmondo est-il bien représenté ? Et est-ce qu'un Américain peut vraiment faire un film sur Godard sans trahir quelque chose ?

On parle aussi du rapport de Linklater au temps et à la mémoire — thématique qui traverse Before Sunset, Boyhood, Everybody Wants Some — et de ce que Nouvelle Vague dit de la cinéphilie comme nostalgie.

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Une Bataille Après L'autre. Paul Thomas Anderson signe un thriller comique dont on ne sait pas exactement quoi penser — et c'est peut-être le but. Dans cet épisode des Vocaux du Cinéma, Thomas et Aurélien débattent de Une Bataille Après L'autre avec beaucoup d'enthousiasme et d'incompréhension mêlés.

Une Bataille Après L'autre de PTA est un film qui déroute : est-ce un manuel antifa déguisé en comédie de genre ? Est-ce un troll ultime d'un cinéaste qui refuse d'être récupéré politiquement ? Est-ce simplement un film brillant sur la mécanique de la violence collective ? Les deux premiers avis de Thomas et Aurélien divergent radicalement sur le fond.

On analyse Une Bataille Après L'autre dans le contexte de la carrière de Paul Thomas Anderson — de Boogie Nights à Licorice Pizza, en passant par Phantom Thread. PTA continue-t-il d'évoluer, ou commence-t-il à tourner en rond ? La mise en scène est-elle aussi maîtrisée qu'on le dit ?

On parle aussi de la réception critique du film, de son rapport à l'Amérique contemporaine, et de ce que la comédie politique peut faire que le film sérieux ne peut pas.

Les Vocaux du Cinéma, c'est un podcast cinéma entre deux amis — critique directe, spoilers assumés.

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