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¿Qué hace falta para que una escena musical crezca? ¿Espacios, difusión, infraestructura, colaboración o, sobre todo, personas dispuestas a conectar proyectos y compartir experiencias?

Entrevisté a Gustavo Feria sobre NODO Vol. 1, una oportunidad para hablar de los encuentros culturales y de las relaciones que pueden construirse entre distintas escenas de México. Nos acercamos a la escena independiente de Oaxaca, a sus espacios, sus iniciativas y los retos que implica desarrollar proyectos culturales fuera de los circuitos con mayor concentración de infraestructura y visibilidad.

Desde ahí, ampliamos la conversación hacia Morelia y la Ciudad de México, dos territorios que forman parte de un panorama cultural diverso, con sus propias dinámicas, públicos y formas de organización, pensamos en la música como una práctica colectiva y en los eventos como posibles puntos de articulación para una escena que necesita encontrarse, reconocerse y construir alternativas.

Desde Oaxaca, pasando por Morelia y la CDMX, hablamos de la importancia de conectar territorios y de imaginar otras maneras de producir, compartir y experimentar la experiencia del encuentro Nodo Vol. I con la participacion de Instante Suspendido, Belial´s Vai, Perro Sable y Pseudo!

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¿Por qué una música que parece evocar ciudades iluminadas, noches cálidas y una modernidad llena de posibilidades también puede acompañar historias de soledad, desencanto y desgaste emocional?

Entrevisté a Eduardo Woolrich sobre "Demasiado", su nuevo sencillo y el comienzo de una etapa musical que encuentra inspiración en la estética del city pop japonés.

A través de sus influencias y de las emociones que atraviesan la canción, exploramos ese momento en el que esperar deja de ser un acto de amor para convertirse en desgaste, cuando las conversaciones quedan inconclusas y las respuestas nunca llegan. exploramos las conexiones entre el city pop, el yacht rock, el funk y el soul, desde la nostalgia hasta la necesidad de cambiar, esta conversación propone mirar más allá de la estética retro para descubrir cómo la música puede recuperar los imaginarios del pasado y convertirlos en una forma de hablar sobre nuestras relaciones, contradicciones y emociones presentes.

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En este episodio platique con Javo Aguirre, de Cerca de la Orilla, sobre su experiencia en The Show Must Go On, el espectáculo de Alan Parsons Live Project que llegó a la Arena Guadalajara el pasado 23 de octubre de 2026, después de ser reprogramado desde febrero.

Una conversación sobre la experiencia de vivir la música en directo, la dimensión sonora de un proyecto fundamental para el rock progresivo y la manera en que ciertas canciones trascienden el estudio para adquirir una nueva vida sobre el escenario.

Javo nos comparte sus impresiones de una noche dedicada al universo musical de Alan Parsons, entre la memoria, la producción sonora y la emoción de encontrarse con estas composiciones en vivo, además de varias recomendaciones, bandas como Quivira, Karmakanic y Green Carnation.

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Hacer música también implica tomar decisiones sobre lo que queremos expresar, las realidades que nos atraviesan y la manera en que nos relacionamos con el mundo. Pero ¿hasta dónde puede llegar el arte como herramienta de reflexión política?

Entrevisté a Emmanuel Zúñiga, fundador de Perro Sable, hablamos sobre la relación entre sus inquietudes artísticas y el contexto en el que desarrolla su proyecto, sobre Morelia y las particularidades de su escena independiente, los intercambios con Ciudad de México y la cercanía con Oaxaca, donde las conexiones entre músicos y proyectos permiten imaginar otras formas de colaboración y comunidad.

También nos lleva a pensar en las condiciones materiales de la creación, la importancia de los espacios culturales y la necesidad de generar redes que no dependan exclusivamente de los centros tradicionales de legitimación artística.

Emmanuel, Perro Sable y una charla sobre lo que significa crear, cuestionar y encontrarse a través de la música.

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En esta ocasion entrevisté a Miguel López y Daniel López , de Pseudo!, para hablar de su trayectoria, su evolución como proyecto y el proceso detrás de un disco que condensa más de diez años de experiencias compartidas. Desde sus primeros pasos como banda hasta su decisión de continuar como dúo, recorremos una historia atravesada por las dudas, la perseverancia y la necesidad de encontrar sentido en aquello que hacemos.

La conversación se extiende hacia las escenas independientes de Morelia, Oaxaca y México, poniendo sobre la mesa las condiciones en las que nacen, crecen y sobreviven los proyectos musicales. Hablamos de espacios, comunidad, colaboración y de las personas que hacen posible una escena más allá de sus bandas.

Porque construir una trayectoria no depende únicamente de publicar canciones o subir a un escenario, sino también de crear vínculos, compartir experiencias y sostener colectivamente otras formas de hacer música.

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Detrás de cada disco independiente hay mucho más que canciones: existen personas que organizan conciertos, producen ediciones físicas, conectan artistas y mantienen viva la memoria de una escena. Entrevisté a Emmanuel Mora, músico de Adiós Cometa y responsable de Sello Furia, una plataforma independiente con base en Costa Rica que ha encontrado en los cassettes, los vinilos, las compilaciones y los proyectos audiovisuales distintas maneras de impulsar la música alternativa.

A partir de su trabajo con bandas costarricenses y de sus colaboraciones con proyectos de México, Argentina y otros territorios, exploramos cómo se construyen las redes que permiten a las escenas independientes encontrarse, compartir públicos y circular más allá de sus fronteras. También hablamos de los vínculos entre Latinoamérica y Europa, de la organización de conciertos internacionales y de las posibilidades de crear circuitos alternativos a los de la industria musical tradicional.

¿Qué significa sostener un sello independiente en un contexto donde los recursos son limitados y la visibilidad suele concentrarse en unos pocos proyectos?

Una conversación sobre autogestión, curaduría, sostenibilidad y memoria cultural, pero, sobre todo, sobre las personas que trabajan detrás de la música para que las escenas sigan creciendo, conectándose y encontrando sus propias formas de existir y conectar.

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Hay sentimientos que preferimos ocultar, emociones que nos cuesta reconocer y experiencias que solo logramos procesar cuando encontramos una forma de expresarlas. Para Belial's Vai, hacer música surgió precisamente de la necesidad de encontrar una salida en medio de la incertidumbre y el aislamiento de la crisis sanitaria en la Ciudad de México.

Con Vane en la voz, David en la guitarra, Mike en el bajo y Santi en la batería, la banda fue dando forma a un proyecto que durante 2025 comenzó a ganar presencia en escenarios como el Foro Alicia, Bajo Circuito, Foro La Piedad y Gato Calavera.

Ahora, con nuevo material en proceso, Belial's Vai explora la decepción, la rabia y la resignación desde una postura que reivindica la libertad de sentir, equivocarse y tomar riesgos. Conversamos con sus cuatro integrantes sobre la historia de la banda, sus inquietudes creativas y la rebeldía de construir un camino propio sin aceptar que sea demasiado tarde para hacerlo.

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En este episodio entrevisté a Fabián Parreaguirre, Iván Valverde y Julián Robert, integrantes de "No Es Casa Por Siempre", banda costarricense que también conforman Isaías Garro y Saymon Montenegro. A partir de su álbum debut, "Lejos de volver", exploramos la relación entre música, infancia y nostalgia, y cómo el post-rock / Midwest emo pueden convertirse en vehículos para reconstruir recuerdos y recuperar sensaciones de otras etapas de la vida.

Entre videojuegos de los noventa, memorias de la juventud y guitarras atmosféricas, reflexionamos sobre cómo las experiencias personales se transforman en materia creativa y cómo una canción puede acercarnos a lugares que el tiempo ha cambiado para siempre.

La conversación también nos lleva a pensar en la nostalgia no solo como una mirada hacia el pasado, sino como una forma de comprender quiénes somos en el presente. ¿Qué permanece de nosotros en los recuerdos de la infancia? ¿Cómo influyen las imágenes, los sonidos y los mundos que habitamos durante nuestros primeros años en la música que hacemos después? hablamos sobre la posibilidad de construir paisajes sonoros que evocan experiencias compartidas sin necesidad de narrarlas literalmente.

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RosaViolento llega al programa a través de Santiago Rodríguez, Chusi Vega y Javier Valverde, para conversar sobre Un Campo de Flores, un álbum que marca una nueva etapa para la banda costarricense y consolida una identidad sonora construida entre la distorsión, las melodías y los contrastes emocionales. A partir de su proceso creativo, hablamos sobre la madurez artística, las decisiones que definen un proyecto musical y la posibilidad de encontrar una voz propia después de distintas etapas de búsqueda.

Desde San José, la conversación se extiende hacia las condiciones culturales e históricas que atraviesan la experiencia de hacer música en Costa Rica. Hablamos de comunidad, de las conexiones entre escenas independientes y de los vínculos que se construyen más allá de las fronteras.

Porque producir música desde un lugar también implica relacionarse con su historia, sus contradicciones y las personas que hacen posible imaginar otros caminos para la cultura.

RosaViolento está conformado por Santiago Rodríguez, Chusi Vega, Daniel Bonilla, Javier Valverde y Joan Alfaro.

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Hacer música de manera independiente también implica construir las condiciones para que esa música exista. En esta ocasión entrevisté a Jesús Bajo, exploramos el nacimiento de su proyecto Bajo, así como del sello Cuarto Pulso, las relaciones creativas que sostienen al colectivo y la búsqueda de nuevas formas de producir, colaborar y circular música desde Oaxaca. Desde el universo emocional de Delirio hasta las influencias del pop R&B y el R&B alternativo, habla de las decisiones artísticas y los retos materiales que atraviesan a una generación de músicos que construye sus propios espacios de trabajo.

Nos detenemos en los procesos de producción, las decisiones estéticas que definen una identidad sonora y las posibilidades que surgen cuando distintos artistas comparten conocimientos, recursos e ideas. También sobre las condiciones de la escena independiente oaxaqueña, el acercamiento de nuevas generaciones a lenguajes musicales globales y los desafíos de desarrollar proyectos propios sin desvincularse de su entorno además del trabajo que existe detrás de las canciones y a la construcción de redes creativas como una forma de abrir caminos para la música hecha desde Oaxaca.

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