¿Qué hace un director después de Taxi Driver y Toro Salvaje? Reinventarse durante treinta años más. En esta segunda parte de nuestro especial recorremos la filmografía de Martin Scorsese desde 1990 hasta hoy: la etapa en la que pasó de director de culto a leyenda viva del cine.

Empezamos con Goodfellas, para muchos la mejor película de gánsters de la historia, y seguimos con Cabo del Miedo, La edad de la inocencia, Casino, Kundun y Vidas al límite, la rareza con Nicolas Cage. Con Pandillas de Nueva York arranca la era de Leonardo DiCaprio, que atraviesa El aviador, Los infiltrados —el Óscar que llegó veinte años tarde—, La isla siniestra y El lobo de Wall Street, la película que los incels entendieron mal. Cerramos con Hugo, su carta de amor al cine de Méliès, Silencio, su obra más personal, y el testamento fílmico de El irlandés y Killers of the Flower Moon, donde por fin juntó a De Niro y DiCaprio. Al final hacemos el balance de sus 26 películas y elegimos nuestras favoritas.

Antes de entrar en materia comentamos el estreno de La Odisea de Christopher Nolan y despedimos a Sam Neill, el inolvidable doctor Grant de Jurassic Park.

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¿Por qué Martin Scorsese es el director que más citamos y nunca le habíamos dedicado un especial? Hoy lo corregimos: recorremos la primera era de su filmografía, de su debut en 1967 hasta Cape Fear en 1991, la etapa marcada por Robert De Niro, la mafia italoamericana y una Nueva York que funciona como personaje.

Hablamos de Who's That Knocking at My Door y el descubrimiento de Harvey Keitel, de Mean Streets y la música como sello del director, de Taxi Driver y cómo Paul Schrader escribió su guion en quince días al borde del abismo, de Raging Bull y la edición de Thelma Schoonmaker, de El Rey de la Comedia y su influencia directa en el Joker de Todd Phillips, de La Última Tentación de Cristo con Willem Dafoe, del monstruo que es Goodfellas y del De Niro más aterrador en Cape Fear.

Antes del especial compartimos las primeras impresiones de la crítica sobre La Odisea de Christopher Nolan y el debate sobre su casting y su fidelidad histórica.

La próxima semana llega la Parte 2: la era Leonardo DiCaprio, los documentales musicales y los cameos de Scorsese.

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¿Cuántas películas buenas conoces que nadie te recomendó? Olivier e Ismael abren su lista de pendientes: las películas que llevan tiempo queriendo mencionar en el podcast y nunca habían tenido la excusa para hacerlo. El resultado es un episodio sin tema fijo pero con un criterio claro: merecen más atención de la que han recibido.

En el lado de Olivier: el realismo mágico familiar de The Taste of Tea, la claustrofobia de As Above So Below en las catacumbas de París, el duelo en forma de heavy metal islandés de Metalhead, la deconstrucción del terror en The Cabin in the Woods, el stop-motion adulto e incómodo de Anomalisa, las tres historias de amor de Dolls de Takeshi Kitano, las secuencias de acción sin igual de The Raid y la paz contagiosa de Perfect Days. Cierra con la melancolía solemne de Broken Flowers y Bill Murray mirando al infinito.

En el lado de Ismael: Antrum, la supuesta película maldita; el delirante superhéroe italiano de Argo Man; el blanco y negro filosófico de Hard to Be a God; el claustrofóbico Castillo de la Pureza de Arturo Ripstein; Holy Motors y la locura metamórfica de Denis Lavant; Synecdoche New York y el laberinto de Charlie Kaufman; el documental de volcanes de Werner Herzog Into the Inferno; el perturbador Orozco el Embalsamador; Paris, Texas y la película más triste de Wim Wenders; las drag queens del desierto australiano en Priscilla; y el manifiesto punk de SLC Punk.

El chat en vivo también participó con sus propias recomendaciones secretas. Disponible en YouTube en https://www.youtube.com/@SonidosEn35MM

¿Se puede llegar al cine sin escuela, sin contactos y sin un estudio gigante detrás? Durante décadas, ser director significaba estudiar, vender plasma como David Lynch o que un tío llamado Francis Ford Coppola te abriera la puerta. Hoy basta un canal de YouTube, un software gratuito y una base de fans. En este episodio, Ismael y Olivier siguen el rastro de los creadores nativos de internet que dieron el salto a la pantalla grande y que, casi todos desde el terror, están devolviendo a los jóvenes a la sala de cine.

El recorrido va de Jorge Pinarello, el de Te lo resumo así nomás, y su película Algo que pasó en año nuevo, a los gemelos Danny y Michael Philippou del canal RackaRacka, que pasaron de tutoriales de efectos a Talk to Me y Bring Her Back con A24 y Sony. En el camino aparecen Nicolás Amelio-Ortiz, el documentalista detrás de ZEPFILMS y de la serie de Disney+ Hay algo en el bosque; Chris Stuckmann, el reseñador que dirigió Shelby Oaks con Mike Flanagan de productor; el inquietante terror analógico de Skinamarink, de Kyle Edward Ball; y la polémica Obsession de Curry Barker, con su lectura sobre relaciones tóxicas, incels y un final que no perdona.

El centro del episodio es Backrooms, dirigida por Kane Parsons cuando tenía 19 años: un universo entero nacido de una foto y construido en Blender que conquistó a A24, a James Wan y a Renate Reinsve, y que convirtió a su autor en el director más joven en alcanzar el número uno en taquilla. A partir de ahí, la conversación se abre a una pregunta más grande sobre el talento sin credenciales, el resentimiento de quienes sí pasaron por la escuela, y por qué Orson Welles, The Substance, Titane y hasta un Hamlet hecho dentro de Grand Theft Auto caben en la misma discusión. La conclusión es simple: vayan al cine, el cine necesita gente nueva.

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Hay objetos en el cine que terminan siendo más interesantes que los propios protagonistas. No se trata del McGuffin clásico, ese maletín de Pulp Fiction cuyo contenido nunca importa, sino de cosas que generan cultos enteros, teorías y videos infinitos en YouTube. En este episodio Ismael y Olivier recorren los objetos que se robaron sus películas.

Arrancan con el caso máximo: el monolito de 2001: Una odisea del espacio de Stanley Kubrick, junto a HAL 9000, una inteligencia artificial que hoy se siente más premonitoria que nunca. De ahí pasan al VHS maldito de El Aro y a cómo la versión japonesa de Sadako fundó toda una estética de terror analógico. Hablan del mono de cuerda de The Monkey, el terror cómico de Oz Perkins; del tablero de Jumanji de 1995 con Robin Williams; y de Samantha, la inteligencia artificial de Her de Spike Jonze que dialoga directamente con Lost in Translation de Sofia Coppola.

El recorrido sigue con el Anillo Único de El Señor de los Anillos de Peter Jackson y Tolkien, el cubo de Lament de Hellraiser de Clive Barker, el DeLorean y el almanaque deportivo de Volver al futuro, y el control remoto de Click, para muchos la comedia más triste de Adam Sandler. Cierran con dos piezas sobre el paso del tiempo y los espacios vacíos: A Ghost Story de David Lowery, donde la casa y la sábana del fantasma son el verdadero personaje, y Backrooms de Kane Parsons, el fenómeno de terror liminal del momento, con su debate generacional incluido.

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¿Qué hace que una película excite? No siempre son las escenas explícitas: a veces basta con la tensión de dos miradas, unos dedos que casi se tocan, o una femme fatale cruzando las piernas ante una sala llena de policías. En este episodio de 35MM, Ismael y Olivier hacen un recuento íntimo y honesto de las películas que los despertaron cinematográfica y eróticamenete, cada uno con su lista personal, sin filtros y sin vergüenza.

Hablan de por qué Basic Instinct de Paul Verhoeven y Sharon Stone se convirtió en un fenómeno generacional del VHS; analizan La pianista de Michael Haneke como exploración brutal de la represión y el deseo; y celebran Y tu mamá también de Alfonso Cuarón como la fantasía de road movie más mexicana que existe. También abordan Eyes Wide Shut, la última obra de Stanley Kubrick con Tom Cruise y Nicole Kidman, y la tensión platónica que Sofia Coppola captura en Lost in Translation con Scarlett Johansson en Tokio.

El listado recorre con igual entusiasmo In the Mood for Love de Wong Kar-wai, donde el erotismo existe en la distancia entre dos cuerpos que nunca se tocan; Irreversible de Gaspar Noé y el magnetismo perturbador de Mónica Bellucci, quien también aparece en Drácula de Bram Stoker de Coppola y en Malena de Giuseppe Tornatore. A eso se suman El graduado de Mike Nichols, Buffalo 66 de Vincent Gallo con Christina Ricci, las brujas de Nicolas Roeg con Anjelica Huston, The Craft, Pulp Fiction, Jennifer's Body y El cocinero, el ladrón, su esposa y su amante de Peter Greenaway, cuyas tomas evocan pinturas de Caravaggio.

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¿Cuál es realmente la mejor película de cárceles jamás hecha? En este episodio de 35MM, Olivier e Ismael debaten entre The Shawshank Redemption de Frank Darabont, Escape de Alcatraz de Don Siegel y The Green Mile, tres obras maestras que definen cómo el cine retrata prisiones, escape y redención.

Comienzan analizando la narrativa de esperanza en Shawshank Redemption, donde la paciencia y la planeación se convierten en actos de resistencia. Luego contrastan con el minimalismo arquitectónico de Escape de Alcatraz, donde Don Siegel construye suspenso mediante silencio y detalle técnico. The Green Mile de Stephen King añade una dimensión sobrenatural, explorando milagros en el corredor de la muerte a través de la actuación de Tom Hanks y Michael Clarke Duncan.

El episodio también examina cómo la televisión transformó el género. Prison Break convirtió los planos carcelarios en tatuajes narrativos, mientras Orange is the New Black utilizó el encarcelamiento como vehículo para comedia social y crítica estructural. Jim Jarmusch apareció con Down by Law, demostrando que el carisma de Roberto Benigni puede transcender cualquier deficiencia técnica.

Incluyen también análisis de Stanley Kubrick en La naranja mecánica y su brutal retrato de violencia sistémica, Jonathan Demme en El silencio de los inocentes con su debate sobre escapes implausibles, y reflexionan sobre campos de concentración como categoría narrativa distinta. La conversación plantea preguntas fundamentales: ¿qué diferencia una película sobre prisiones de una película sobre redención? ¿Por qué el suspenso arquitectónico fascina al cine? ¿Pueden algunos escapes ser demasiado perfectos para ser creíbles?

¿Es posible recuperar la magia de un clásico 20 años después o es solo un negocio basado en la nostalgia? Ismael y Olivier regresan a la redacción de Runway para analizar el estreno de El Diablo Viste a la Moda 2 (2026). En este episodio diseccionamos las condiciones de Meryl Streep para volver, el papel de IA como el nuevo "villano" del periodismo y por qué la secuela a ratos se siente como una copia que privilegia la nostalgia sobre la sustancia.

Además, hacemos un recorrido por otras secuelas tardías: el éxito técnico de Mad Max: Fury Road, la perfección visual de Blade Runner 2049, y los polémicos regresos de Matrix, Beetlejuice y Gladiador. Hablamos sobre el capital cultural, la crisis de los efectos visuales y por qué Hollywood parece obsesionado con revivir franquicias que nadie pidió.

El cine de terror lleva más de cien años obsesionado con un mismo escenario: la casa embrujada. En este episodio de 35MM, Ismael y Olivier recorren la historia completa del subgénero desde sus orígenes en 1896 con el cortometraje Le Manoir du Diable de Georges Méliès hasta el cine de terror contemporáneo, pasando por los clásicos que definieron el género.

Analizan por qué The Shining de Stanley Kubrick sigue siendo perturbadora después de 46 años y qué tiene que ver el alcoholismo de Stephen King con el Hotel Overlook. Discuten la controvertida producción de Poltergeist y la leyenda de los cadáveres reales en el rodaje. Defienden Evil Dead de Sam Raimi como obra maestra de la serie B y exploran por qué Beetlejuice de Tim Burton es comedia pura y no terror. Revisan el impacto de Los Otros de Alejandro Amenábar con Nicole Kidman y su plot twist equiparable al Sexto Sentido. También abordan el terror mexicano de Carlos Enrique Taboada y su tetralogía del terror, analizan por qué Argentina produce el mejor cine de terror de Latinoamérica con películas como Aterrados de Demián Rugna y Cuando acecha la maldad, y recomiendan dos apuestas recientes: Skinamarink, el experimento canadiense de terror sin diálogos, y Presence, la película de Steven Soderbergh filmada íntegramente desde el punto de vista del fantasma.

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¿Puede una película con 18% en Rotten Tomatoes recaudar más de mil millones de dólares? Sí. Y eso dice mucho más sobre el cine —y sobre el poder— de lo que parece.En este episodio de 35MM, Ismael y Oliver analizan una de las tensiones más fascinantes del mundo del cine: la brecha entre lo que dictamina la crítica especializada y lo que siente el público en la butaca. No es un debate nuevo, pero en 2026 ha alcanzado dimensiones que nadie anticipó.

— visible antes de expandir —Empezamos en 1932 con Freaks, la película que sepultó la carrera de Tod Browning después de que la crítica la considerara inmoral —hoy es una obra imprescindible del cine de terror y una de las inspiraciones declaradas de David Lynch. Pasamos por El Resplandor, nominado a los Razzies (sí, los anti-Óscar), y por Pulp Fiction, despedazada en su estreno en Cannes antes de ganar la Palma de Oro.Hablamos de La Cosa de John Carpenter, de Venom con Tom Hardy, del Snyder Cut, de SAW, de Constantine, de Jackass y de por qué Mario Galaxy (2026) lleva 300 millones de dólares en su primer fin de semana con una crítica de 41%. También de Minecraft Movie, de Donnie Darko, de Amores Perros, de La Sustancia y de Barbie vs. Oppenheimer.Y en el fondo de todo esto: Pierre Bourdieu, el capital cultural, y la pregunta de si los críticos de cine evalúan películas... o defienden una posición de clase.Un episodio para quienes disfrutan el cine sin disculparse por ello.