Arte Sonoro

Los ríos se extienden como venas de la tierra por miles de kilómetros serpenteando a través de la selva amazónica en Colombia, Venezuela, Perú, Brasil y Ecuador. Los ríos son fascinantes: verlos desde un avión, navegarlos, hacer un paseo de olla, nadar en ellos o beber de sus aguas. Te doy la bienvenida a Arte Sonoro.

Hoy viajamos con el sonido a las fronteras que se cruzan por el Amazonas. Te acompaña Sara Gaviria Piedra.

En septiembre de 2008, durante dos semanas, se encontraron artistas sonoros de Colombia, Ecuador y Perú para explorar, junto con Sabine Breitsameter (guionista de radio y profesora de Diseño y Producción de Sonido), paisajes sonoros, fronteras e interculturalidad.

De este encuentro en el Laboratorio de Iquitos, se produjo un CD con composiciones individuales y conjuntas de los artistas. El proyecto incluyó a artistas sonoros de Colombia, Perú y Ecuador.

Hablemos de futurismo. Todo comenzó en Italia y se concretó con Filippo Tommaso Marinetti, quien escribió el "Manifiesto de los Futuristas", donde se despreciaban las formas artísticas tradicionales, se celebraban la modernidad y la tecnología, se exploraban nuevos materiales y técnicas, y su estética era fluida y en movimiento.

Sin embargo, los rusos sentían que ese futurismo italiano era occidental de una forma que no los representaba del todo. Así que rastreé tres nombres en el futurismo ruso que formaban un trío artístico unido por la vanguardia para "mantener el ritmo del tiempo". Y ¿cómo sonaba todo eso?

En general, se acepta que el futurismo como vanguardia se inició en Italia y luego se extendió por todo el mundo. Todos los países siguieron en algún grado los principios fundamentales del escritor italiano Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944), quien sentó las bases del futurismo con su "Manifiesto de los Futuristas" (1909).

A pesar de que cada país siguió las declaraciones básicas del futurismo italiano, estas fueron adoptadas y moldeadas de acuerdo con el entorno local. En cuanto a Rusia, ha llamado la atención la singularidad de la rama nacional de los futuristas.

En este capítulo de Arte Sonoro, exploraremos tres nombres que parecen esenciales en el futurismo ruso: Nikolai Kulbin (1868–1917), Arthur Lourie (1891–1966) y Mikhail Matyushin (1861–1934). A pesar de sus diferentes orígenes, les une el movimiento de vanguardia para "mantener el ritmo del tiempo".

Kulbin y Matyushin, al igual que sus contemporáneos italianos, pretendían acercar el arte a la vida humana. A diferencia de sus colegas italianos, se adhirieron a la idea filosófica nacional de unir todas las formas de arte en un todo e intentar encontrarlo a través de varios experimentos. Tal enfoque del arte requería artistas "transdisciplinarios", que fueran capaces de combinar conocimientos de cada campo del arte y la ciencia. En otras palabras, los teóricos rusos del futurismo musical, de acuerdo con las ideas filosóficas de la Edad de Plata, reconocieron que el arte es un producto sincrético de la personalidad de su autor. Afirmaron que un arquitecto, un músico y un ingeniero que colaboraran en la nueva sociedad podrían crear una obra maestra de este nuevo arte integrado. Muchos seguidores del nuevo arte futurista, incluidos Matyushin y Lourie, aceptaron el nuevo régimen político en la Rusia soviética.

El sonido de la música en sí mismo se considera una combinación de los diferentes tonos que están directamente interrelacionados con una determinada combinación de colores. Cambiar el tono provoca un cambio en la calidez, frialdad o profundidad del color junto con la forma geométrica

Hoy hablaremos y escucharemos sobre Arca, DJ, cantante, compositora y modelo venezolana que ha abierto paso a una nueva generación de música electrónica experimental y ha colaborado con artistas como Rosalía, Bjork y Sophie.

La música de Arca nos invita a transitar un proyecto en constante cambio, que escapa de los binarismos, las categorías cerradas y, al igual que ella, atraviesa fronteras y se transforma.

Uno de los proyectos más grandes de Arca ha sido Kick, una pentalogía de álbumes que Alejandra describe como: «Una historia autónoma de inteligencia artificial, sobre una mujer que se libera de un hombre tecnocrático; una mujer que puede ser trans, no binaria, queer y que emerge de una historia de opresión». Arca, al mismo tiempo, entiende su proyecto de Kick como un útero de expresión artística. El Kick, así, hace referencia, al mismo tiempo, al bombo de una base rítmica musical y a “las patadas prenatales”, y está pensado para seguir el arco argumental de un rave, con su comienzo, la intensificación de su energía, el clímax y la catarsis final.

Arca ha sido activista por los derechos de las personas trans y queer y se ha consolidado como referente y pionera de una nueva generación de mujeres transgénero en la música industrial y electrónica.

Presentación: Sara Gaviria

Libreto y seleección musical: Ángela Gaviria

Te invito a levantar la mirada buscando cielos azules.

En este episodio, nos sumergimos en la luz, en los días soleados que llenan nuestros corazones de alegría y esperanza. Se me ocurrió hacer una invocación al astro rey junto a artistas y músicos que han mirado hacia los cielos azules para crear música cálida y reconfortante.

El sol, símbolo de esperanza y nuevos comienzos, nos recuerda que incluso en los momentos difíciles, siempre hay luz al final del camino. En esta selección de músicas luminosas, exploramos cómo diferentes artistas han capturado la esencia del sol en sus composiciones.

Comenzamos con "Sunshine Recorder" de Boards of Canada, un dúo escocés de música electrónica conocido por combinar elementos electrónicos con texturas atmosféricas para crear una sensación cálida y soleada. Esta canción evoca la imagen de un día de verano bañado por la luz del sol, con su ritmo relajante y sus arreglos etéreos.

Aunque el sol es un astro lejano, desde la tierra podemos sentir su calor en nuestra piel y ver sus rayos danzar entre las hojas de los árboles. "The Light" de The Album Leaf captura esta sensación de ser bañado por una luz suave y reconfortante. Con su estilo ambiental, crea una atmósfera tranquila que invita a la reflexión.

El sol es testigo de nuestras celebraciones, de nuestros momentos compartidos y de los recuerdos que creamos bajo su luz. "Into Sunlight" de Northcape evoca la sensación de los rayos del sol brillando y reflejándose en diferentes superficies, mientras que "When There Is No Sun" de Sun Ra nos sumerge en un viaje cósmico a través de la música experimental.

Finalmente, nos despedimos con "Purified By the Fire" de Yves Tumor, una canción electrónica que explora temas de transformación y renacimiento. A través de su música, nos adentramos en nuevos horizontes sonoros, iluminados por la energía radiante del sol.

Gracias por acompañarnos en este viaje sonoro a través del sol y la luz. Esperamos que hayan disfrutado de la música experimental que ha iluminado nuestros oídos y nos ha transportado a nuevos horizontes sonoros. Nos despedimos con gratitud por su sintonía y esperamos que continúen explorando el vasto mundo de la música experimental, dejándose llevar por la creatividad y la innovación que nos ofrece.

Hasta la próxima, que la luz y el sonido sigan acompañándote en cada paso de su viaje musical. Hoy te acompañó Sara Gaviria Piedra. ¡Hasta luego!

En el Arte Sonoro también se puede dirigir nuestra atención hacia otras geografías y sonidos que a menudo se pasan por alto. Soy Sara Gaviria Piedra y te acompaño en este viaje sonoro.

Hoy escuchamos el mundo musical de Deena Abdel-wahed, productora y DJ de Túnez, en el norte de África. Sus exploraciones musicales representan un intento esperanzador de recuperar los elementos que componen la diversidad de la música árabe. Inspirada por la música de club y la escena experimental y de vanguardia, Deena produce pistas que fusionan las influencias sónicas de su región de origen con la música de club contemporánea.

Deena Abdelwahed, originaria de Túnez, llega a Francia a la edad de 26 años después de haber trabajado en los escenarios de su país natal. Su trabajo es una fusión de influencias musicales, y su EP "DHAKAR" es un testimonio de su experimentación y creatividad.

En este proyecto, Deena recuerda su infancia y los primeros momentos en los que empezó a hacer música de forma creativa. Inspirada por los métodos de vanguardia como Fluxus, utiliza un enfoque experimental para crear sonidos únicos que desafían las convenciones musicales.

Uno de los trabajos más interesantes de Deena es su EP "DHAKAR". En este proyecto, Deena recuerda su infancia y los primeros momentos en los que empezó a hacer música de forma creativa. Inspirada por los métodos de vanguardia como Fluxus, utiliza un enfoque experimental para crear sonidos únicos que desafían las convenciones musicales. Un elemento destacado de su proceso creativo es su uso innovador de instrumentos no convencionales, como un pupitre escolar que convierte en un instrumento musical principal en su álbum "DHAKAR".

Este enfoque único en la producción musical le permite explorar nuevos sonidos y texturas, fusionando elementos de la música árabe con la música de club contemporánea. Además, su trabajo refleja un intento consciente de desafiar las normas establecidas y abrir nuevas posibilidades en el mundo del arte sonoro.

A través de su música, Deena Abdelwahed nos invita a reflexionar sobre la relación entre el sonido, el espacio y la identidad cultural.

Para hablar de Arte Sonoro y explorar sus raíces formativas, metengo en el movimiento Fluxus de los años 60. Fluxus, influenciado por corrientes artísticas previas como el dadaísmo, el futurismo y el propio Marcel Duchamp, nos invita a replantearnos la relación entre el arte y la vida misma.

Lo que realmente define al movimiento Fluxus es su enfoque en la relación arte-vida, proclamando que la vida misma es una obra de arte. Inspirado en figuras como John Cage, Fluxus expande la noción de proceso y experimentación, introduciendo la idea de eventos como expresiones artísticas.

El término "Fluxus" significa "fluido", reflejando la concepción de que cualquier elemento que nos rodea puede convertirse en arte. Esta filosofía se manifiesta en eventos y acciones que desafían las convenciones del arte tradicional, abrazando la diversidad de sonidos y experiencias.

Escuchamos ejemplos como "Rock - A Near Elemental", una grabación en vivo de Philip Corner y Julie's Haircut, que nos sumerge en un mundo sonoro donde el sonido se convierte en una expresión tangible de la vida misma.

En el movimiento Fluxus, la experimentación con materiales cotidianos es una práctica común. Benjamin Patterson, por ejemplo, exploraba las posibilidades sonoras del papel, creando composiciones únicas a partir de simples acciones como rasgar, soplar y arrugar.

El arte sonoro no se limita a la rapidez y el ruido; artistas como Philip Corner demuestran una gama diversa de expresión, desde la destrucción de pianos hasta composiciones delicadas inspiradas en Erik Satie.

Philip Corner, un ferviente defensor del compromiso con los extremos, nos lleva a través de una exploración sonora que abarca la expresión extrema, la belleza extrema, el ruido extremo y el silencio extremo. En su álbum "EXTREEMIZMS early & late", cerramos este viaje sonoro con la pieza "Holy Trinitye, for a free-togethering", que encapsula la esencia misma del movimiento Fluxus.

Fluxus es mucho más que un movimiento artístico; es una forma de vida donde el arte y la existencia se entrelazan de manera indivisible. En Arte Sonoro, celebramos la creatividad y la experimentación de estos artistas que desafían los límites del sonido y nos invitan a vivir la vida misma como una obra de arte.

@saragapi

La Música como Divinidad

En este episodio de Arte Sonoro, exploramos el trabajo del prolífico artista japonés Keiji Haino, cuya trayectoria musical abarca más de 70 años y una impresionante variedad de estilos y géneros. Haino es un maestro de más de 80 instrumentos, que van desde los medievales hasta los más experimentales, incluyendo la zanfoña, un instrumento de la música profana medieval que ha usado para crear una música que trasciende el tiempo y el espacio.

Me llamo Sara Gaviria Piedra y te acompaño hacia el mundo sonoro de Keiji Haino, quien ha sido galardonado con el Premio Roy Lichtenstein 2023 de la Foundation for Contemporary Arts. Su enfoque musical, que abarca desde la improvisación hasta la exploración de sonidos disonantes y hipnóticos, revela una sensibilidad única que conecta con lo más profundo del universo sonoro.

También exploro su último álbum, "My Lord Music", una obra compuesta por nueve piezas que muestran la versatilidad y el virtuosismo de Haino en la zanfoña. Esta música, descrita como una experiencia tanto física como emocional, nos lleva a un viaje a través de paisajes sonoros inexplorados.

En una entrevista, Haino revela su enfoque en la música como una forma de conectar con todo lo que respira, utilizando su cuerpo y el entorno como instrumentos para crear un universo sonoro único. Su singular estilo de vida, marcado por su distintiva apariencia y su compromiso con el vegetarianismo y la abstinencia de sustancias recreativas, refleja su profunda conexión con la música y la creatividad.

Para concluir, escuchamos un fragmento de un performance en vivo de Haino en 2020, que captura la intensidad y la energía de su música en su máxima expresión. Keiji Haino se erige como una leyenda viva en la escena musical internacional, trascendiendo los límites del género y la tradición para crear un sonido único que resuena en el corazón y el alma de sus oyentes.

¿Qué es más abstracto que el sonido? Un elemento efímero y sin forma, y por eso todas las vanguardias exploraron el sonido.

En el arte sonoro, la exploración del ruido y el caos se convierte en una experiencia única, donde el paisaje sonoro se convierte en un terreno de experimentación. Este programa está dedicado a las artes plásticas en su forma sonora, viajando a los orígenes de la curiosidad y la escucha en las vanguardias del siglo XX. En este viaje, nos sumergimos en la búsqueda de la abstracción, donde el sonido se convierte en un elemento efímero e inmaterial que desafía los límites de la expresión artística.

Cronológicamente, el punto de partida crucial para la formación del arte sonoro se encuentra en el libro de Luigi Russolo, "El arte de los ruidos", publicado en 1913. Para los futuristas italianos, la máquina era el símbolo del progreso, y el sonido era una manifestación de este avance. Figuras como Marcel Duchamp y John Cage fueron fundamentales en este viaje hacia la experimentación sonora, explorando la idea de que todo lo que se escucha puede ser considerado música.

John Cage, en particular, desafió las nociones convencionales de música con su obra "4'33'', una partitura de silencio que invita a la audiencia a escuchar los sonidos ambientales que llenan el espacio. Su enfoque en la escucha como un acto creativo fundamental dio forma al arte sonoro como lo conocemos hoy.

Además de sus composiciones de silencio, Cage también experimentó con sonatas e interludios que combinaban elementos barrocos con técnicas contemporáneas, reflejando su interés en la filosofía oriental y la música experimental. Su legado vive en la idea de que el sonido puede ser arte, y su obra sigue inspirando a artistas y oyentes a explorar nuevas formas de escuchar el mundo que nos rodea.

El arte sonoro nos invita a reflexionar sobre la naturaleza del sonido y la forma en que percibimos nuestro entorno. En cualquier silencio, hay múltiples capas de sonido esperando ser descubiertas, y este programa es una invitación a sumergirse en este mundo sonoro en constante evolución.

En este capítulo hablo más, pero vale la pena hacerlo por Jacqueline Nova.

En "Arte Sonoro", no nos molesta el ruido, el caos y la experimentación. Hoy, exploramos la vida y obra de Jacqueline Nova, una figura clave en la música experimental.

Jacqueline Nova, la primera mujer en Colombia en graduarse como maestra en composición, fue una visionaria que exploró la música y el sonido desde una perspectiva única, abrazando el caos y lo experimental como elementos esenciales de su creación.

En este episodio, te invito a descubrir el legado de Nova, desde sus primeros pasos en la música hasta su impacto en la escena internacional de la música electroacústica. Exploramos cómo Nova desafió los límites de la composición convencional, utilizando medios electrónicos y explorando nuevas formas de expresión sonora.

Acompañados por expertos en música y arte revisamos desde sus experimentos pioneros con grabaciones de campo hasta sus composiciones para flauta y percusión. Descubrimos cómo Nova abrazó la técnica serial y se convirtió en una de las principales exponentes de la música electroacústica en Colombia.

Además, exploramos su legado a través de exposiciones y recitales que han mantenido viva su memoria y su influencia en el mundo del arte sonoro. Desde el Museo de Arte Moderno de Medellín hasta el reconocimiento internacional de su trabajo, Nova sigue siendo una figura inspiradora para generaciones de artistas y oyentes.

A través de entrevistas, música y análisis crítico, "Arte Sonoro" te invita a adentrarte en el fascinante mundo de Jacqueline Nova y descubrir el impacto duradero de su creatividad en el paisaje sonoro contemporáneo.

¡Gracias por escuchar "Arte Sonoro" y explorar el universo sonoro de Jacqueline Nova!