Music has always been equally a medium for entertainment and spirituality and It can be a way of becoming fully present.

In this conversation with Indian Kirtan and Bhakti musician Punnu Wasu, we explore music as a path to presence, flow and inner connection. What changes when we stop approaching music purely from the mind and begin to truly feel it? And what happens when performing becomes less about proving ourselves and more about making an offering?

Punnu shares insights from his upbringing in India, where meditation, yoga, spirituality and music were deeply intertwined. We talk about Kirtan, Mantra, devotion, the relationship between musician and audience, and the possibility that we are not simply playing music — but allowing music to play through us.

What can Western musicians learn from these traditions about finding more freedom, joy and fulfillment in music?

Punnu Wasu is an Indian musician, educator, and sound healer. He’s running his own academy and travels between Bali and Switzerland.

We covered this and more:
• Growing up in India with meditation, yoga, spirituality and music
• The meaning and purpose of Mantra and Kirtan
• The difference between thinking music and feeling music
• How musicians can move beyond performance and enter a state of flow
• Why technical skill alone is not enough
• The role of emotion, devotion and surrender in music
• How unconscious patterns influence our behaviour
• The trap of comparison — and learning from musicians who inspire us
• The idea that we might be the instrument rather than the one playing
• Music as an offering, without expectation or agenda
• Meditation as a bridge to presence and deeper awareness

Please excuse the audio quality on this episode — we were surrounded by tropical rains this time :)

I hope you enjoy this conversation!

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Music: Wisconsin by Marco Hohner 

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Was bringt einen Musiker dazu, abseits des Mainstreams Songs mit einer extrem unangenehmen Message zu schreiben und diese landesweit mit dem Fahrrad und öffentlichen Verkehrsmitteln unter die Menschen zu bringen?

Erik Stenzel ist Liedermacher und musikalischer Klimaaktivist. Er hat Geographie und Klimatologie studiert, entschied sich dann aber gegen eine akademische Karriere und dafür, Musik als Medium für gesellschaftlichen Wandel zu nutzen. Seitdem komponiert er Songs, die beim Zuhören oft ein bisschen wehtun oder sogar Angst machen – doch im Endeffekt einfach den Nagel auf den Kopf treffen.

Wir sprechen über:

• seine Entwicklung von Metallica-Covers bis zu eigenen Protest-Songs

• eine wichtige Entscheidung gegen den geplanten Berufsweg – für Musik und Klimaaufklärung

• das Verlassen der eigenen Komfortzone, um authentisch als Musiker zu leben

• die zeitlichen und finanziellen Herausforderungen als komplett unabhängiger Künstler

• den Verzicht auf ein Auto und das Tourleben mit dem Fahrrad

Ein ehrliches Gespräch über unser Dilemma in der Klimakrise, Mut und Authentizität – und darüber, wie wir als Musiker Stellung beziehen und gesellschaftliche Verantwortung übernehmen können.

Viel Spaß beim Zuhören! und herzlichen Dank fürs Subscriben!

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Erik:

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Music: Wisconsin by Marco Hohner

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Fotos :

1. Mathis Saathoff

2. Kay_Khambatta

3. Dennis Maschmann

4. Christian Deusel

5. Mathis Saathoff

6. Mathis Saathoff

Manchmal muss man sein großes Ziel erreichen und danach abstürzen, um sich wieder auf das Wesentliche – unser Warum – zu besinnen.Hanni Liang ist Konzertpianistin, Hochschuldozentin und Konzertdesignerin. Sie ging lange den traditionellen Weg der klassischen Musik: Unterricht, Wettbewerbe, Perfektion. Bis sie eines Tages in der Elbphilharmonie ihr Traumkonzert spielen durfte. Danach kam die Leere. Und die Fragen, auf die wir manchmal noch keine Antwort haben, die uns aber wirklich weiterbringen.Wir sprechen über:• ihren Spagat zwischen Musik- und Musikmanagementstudium• Dogmen und Leistungsdruck in der Klassik• Komfortzonen und darüber, wie wir uns von ihnen lösen• Künstliche Intelligenz in der Musik – ihre Chancen und Gefahren• wie wir das Konzept „Konzert“ ganz neu denken können• Improvisation als Befreier für Musikerinnen und Publikum• die Balance zwischen Kunst, Authentizität und Familie• die gesellschaftliche Verantwortung von MusikerinnenEin offenes Gespräch über Balance, Anspruch und die Frage, was am Ende wirklich zählt.Viel Spaß beim Zuhören!–Hannihttps://hanni-liang.comhttps://www.instagram.com/hanniliang–Backstage Journey - Coaching & Mentoring for Musicianshttps://www.backstagejourney.comFollow us on Instagramhttps://www.instagram.com/backstagejourney_ Begleite uns hinter die Bühne!Alle zwei Wochen erhältst du die neue Folge von Backstage Wisdom, den passenden Blogartikel und inspirierende Gedanken rund um das Musikerleben – direkt in dein Postfach.→ Kostenlos anmelden https://post.backstagejourney.de/264/1818/1400bda015/subscribe/form.html?_g=1781531550– Music: Wisconsin by Marco Hohner – Fotos : LIX

Muss eine erfolgreiche Musikkarriere einem festen Plan folgen – oder entsteht sie genau dort, wo wir lernen, unserer Intuition zu vertrauen?

In dieser Folge von Backstage Wisdom spreche ich mit Christine Börsch-Supan und Phillip Staffa von der Band Hope über ihren Weg vom Musikstudium über drei Alben bis hin zu ihren Konzerten als Support von Depeche Mode. Schnell wird klar: Dieses Gespräch geht weit über die Beschreibung einer Musikerkarriere hinaus - es geht um kreative Zusammenarbeit, Vertrauen, persönliche Entwicklung und die Frage, was ein erfülltes Musikerleben wirklich ausmacht.

Wir sprechen unter anderem über:

• Warum wir den eigenen Weg selten vollständig planen können


• Wie Intuition dabei helfen kann, musikalische Entscheidungen zu treffen


• Kreative Zusammenarbeit in Bands – und warum große Musik selten allein entsteht


• Wie sich unsere Definition von Erfolg im Laufe eines Musikerlebens verändern kann
• Warum äußere Meilensteine nicht automatisch zu innerer Erfüllung führen


• Die Balance zwischen künstlerischer Freiheit, Eigeninitiative und Verantwortung


• Was Musiker*innen brauchen, um langfristig mit Freude Musik zu machen

Ein ehrliches Gespräch über Vertrauen, Kreativität und den Mut, den eigenen Weg immer wieder neu zu gehen.

Viel Freude beim Zuhören!

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HOPE - Band

https://www.thisishope.de

Phillip - Art

https://www.phillipstaffa.com

Christine - Art

https://www.christineboerschsupan.com

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Music: Wisconsin by Marco Hohner

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Fotos

1 Karsten Boysen

2 Karsten Boysen

3 Joe Dilworth

HOPE Live Footage filmed and edited by Karsten Boysen

What does success actually look like for a professional musician?

In this conversation, Dixon Nacey challenges a lot of the assumptions many musicians grow up with.

Instead of chasing the next gig or defining success by recognition, we talk about something much more fundamental: how to build a sustainable career without losing the reason you fell in love with music in the first place.

One of the ideas that stayed with me most is Dixon's perspective that the real reward isn't the performance—it's the hours spent discovering your own musical voice. The stage is simply where that work becomes visible.

We also discuss why playing cover gigs isn't "selling out," how they can create the freedom to pursue meaningful artistic projects, why copying your heroes is a necessary part of growth, and how every musician already has a unique voice long before they become technically accomplished.

In this episode:

• When jazz alone doesn’t pay the bills
• Using commercial work to support creative freedom
• How to deal with being a perfectionist AND an empathic person
• Why the process matters more than the performance
• Learning from your heroes without becoming a copy
• What it really means to find your own musical voice
• Why there are no shortcuts in becoming an artist

If you've ever questioned what success in music should actually look like, this conversation is for you.

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Dixon Nacey

https://open.spotify.com/intl-de/artist/0nrP1gbv6Gd2VuUdXha7aA?si=jHKbuQqnRVOrBFmq9Sap6Q

https://www.facebook.com/dixon.nacey/

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Music: Wisconsin by Marco Hohner 

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Photos 

1 Berry Young

2 Kevin Haines

3 Andi Crown

Was macht ein erfülltes Musikerleben wirklich aus? Wie kann ein Musiker von Achtsamkeit und Selbstreflextion profitieren und kann uns Musik auch manchmal retten? In dieser tief gehenden Podcastfolge spreche ich mit den Musikern Ron Spielman und Steven Töteberg über 40 Jahre Bühnenerfahrung, Burnout, Leistungsdruck, Bühnenangst, Kreativität und die Suche nach innerer Freiheit. Wir sprechen unter anderem über:

• Warum Erfolg nicht automatisch glücklich macht
• Den Druck, ständig besser werden zu müssen
• Identität als Musiker – wer bist du ohne deine Musik?
• Körperliche Spannung, Lampenfieber und mentale Blockaden
• Die Alexander-Technik, Philosophie und warum weniger oft mehr ist
• Achtsamkeit, Meditation und der Umgang mit dem eigenen Ego
• Was junge Musiker heute wirklich lernen sollten

Ein sehr offenes und ehrliches Gespräch über das Musikerleben. 

Viel Freude beim Zuhören!

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Ron Spielman

https://www.ronspielman.de

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Steven’s Alexander Technik Website: 

https://www.steven-toeteberg.de

Steven’s musikalische Projekte: 

https://sonkomusic.com

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Music: Wisconsin by Marco Hohner 

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Fotos

Ron Spielman | Foto 1,3 | Dovile Sermokas | Foto 2 | David Stelter |

Steven Töteberg | Foto 1, 2 | Steven Töteberg | Foto 3 |Lüder Lindau | 

Kontrabassist Felix Wiegand hat Klassik und Jazz studiert und brennt für Rockabilly. Er ist regelmäßig mit Dick Brave alias Sasha auf Tour und stand gerade mit Robbie Williams auf der Bühne. Im Gespräch geht es jedoch weniger um große Namen als um die Frage, was uns Musiker*innen langfristig Balance, Gesundheit und echte Erfüllung bringt. 

Wir sprechen über den Wert von lange gewachsenen Bandbeziehungen, Dinge, die uns den nötigen Ausgleich geben und warum es gar nicht so verrückt ist mit 50 nochmal ein Musikstudium zu beginnen. 

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