Эфир начался с обсуждения конкурса, организованного телеграм-каналом «Дальневосточные ведомости». Радиослушателям предлагается процитировать любимую строку из произведений Пушкина, а самая оригинальная цитата получит приз — два билета на постановку оперы «Аида» (12+) в Мариинском театре.

Гость рассказал о пушкинских местах Владивостока, начиная с улицы Пушкинской, которая была переименована в 1887 году в честь 50-летия со дня гибели поэта.

«Это одна из самых старейших и уютных улиц города, которая хранит особую атмосферу», — поделился он.

Также Александр рассказал о Пушкинском театре, который изначально был клубом предпринимателей, но позже стал культурным центром города.

Особое внимание было уделено памятникам Пушкину. Искусствовед рассказал, что первый памятник поэту был установлен в 1949 году в Пушкинском сквере, а позже его заменили на работу выдающегося скульптора Михаила Аникушина.

«Этот памятник был установлен с условием, что Пушкин должен смотреть на море. Однако из-за строительства моста его переместили, и сейчас он хранится в трамвайном депо», — рассказал гость, выразив надежду, что памятник займёт достойное место в городе.

Кроме того, Александр Вовненко упомянул памятник, созданный приморским скульптором Эдуардом Барсеговым, который находится у здания Пушкинского театра.

«Это необычный Пушкин, который передаёт настроение поэта в последние дни его жизни. Скульптура стала важным символом для города», — отметил он.

Эфир завершился приглашением на лекцию Александра о французском импрессионизме в живописи и музыке, которая состоится в ГУМе.

«Шенуазри» — это стиль, который возник в Европе как подражание китайскому искусству. В XVIII веке китайские товары, такие как фарфор, шёлк и чай, вызвали настоящий ажиотаж.

«Европейцы, привыкшие к золотой и серебряной посуде, считали фарфоровую тарелочку гораздо более привлекательной и стильной», — поясняет Александр Вовненко.

Вслед за товарами в Европу проникли элементы китайской эстетики, которые стали модными в интерьерах, экстерьерах и даже музыке.

Особенно популярным было украшение дворцов и замков китайскими вазами, шкатулками и другими изделиями. Например, в Петергофе можно увидеть знаменитую лаковую комнату, где стены уставлены китайскими вазами.

«Это был настоящий тренд, — отмечает Александр. — Китайские элементы стали частью садово-парковой архитектуры, как, например, китайский городок Екатерины II в Царском селе».

Однако европейцы не стремились глубоко изучить китайскую философию или традиции. Они лишь имитировали внешние признаки китайского искусства, создавая его упрощённую версию.

«Для европейцев Китай стал страной благоденствия, счастья и поэзии, — рассказывает Вавненко. — Они дофантазировали, создавая образ Китая как идеального мира».

Шенуазри проникло и в музыку. Одним из первых примеров стал опера Кристофа Виллибальда Глюка «Китаянки», где композитор не использовал китайскую пентатонику, а лишь стилизовал костюмы. Позже появились произведения, такие как «Китайский тамбурин» Фрица Крейслера, который попытался передать звучание китайского ударного инструмента на скрипке.

Китайская тема вдохновляла и великих композиторов, таких как Джакомо Пучини. Его опера «Турандот» — шедевр, где красота китайской музыки и эстетики сочетается с драматическим сюжетом.

«Пучини включил в оперу мотив народной китайской песни «Ветвь жасмина», который стал символом красоты принцессы Турандот», — подчёркивает искусствовед.

Но если Европа создавала «китайщину», то Владивосток имел возможность соприкоснуться с настоящей культурой Поднебесной.

«Во Владивостоке в начале XX века было три китайских театра, но сегодня у нас мало возможностей увидеть подлинное китайское искусство», — говорит Александр Вовненко.

Тем не менее, Международный Тихоокеанский театральный фестиваль даёт шанс познакомиться с современными интерпретациями китайской культуры.

Кто и почему называл Мендельсона Моцартом XIX века? В чём его реальная сила и за что его стоит слушать не только на выходе невесты? Александр с энтузиазмом ответил, что Мендельсон — это не только композитор, но и музыкальный просветитель, организатор и исполнитель, оставивший значительный след в европейской музыке.

Мендельсон родился 3 февраля 1809 года в обеспеченной еврейской семье банкира. Его талант проявился рано, и он успел сделать многое за свою короткую жизнь, оборвавшуюся в 1847 году. Александр отметил, что жители Владивостока наверняка знакомы с его творчеством, если хотя бы раз посещали ЗАГС, где традиционно звучит «Свадебный марш».

Сочинительская карьера Мендельсона началась с увертюры к пьесе Шекспира «Сон в летнюю ночь». Эта пьеса с её волшебной атмосферой и эльфийскими мотивами произвела на юного композитора огромное впечатление. Позже он написал музыку для театральной постановки этой пьесы, в том числе знаменитый «Свадебный марш», который впервые прозвучал на церемонии бракосочетания в Британии в 1847 году.

Не менее значимым произведением Мендельсона стала его «Шотландская симфония», вдохновлённая путешествием в Шотландию. Александр процитировал письмо композитора, в котором тот описывал атмосферу Эдинбурга:

«Когда бы вы туда ни прибыли, всегда воскресенье. Всё строго, мощно, погружено в дымку».

Позже на эту музыку был поставлен балет Жоржа Баланчина, который некоторое время шёл в приморском театре.

Александр отметил, что Мендельсон сыграл ключевую роль в возрождении интереса к творчеству Иоганна Себастьяна Баха, чьи произведения к тому времени были практически забыты. Именно благодаря Мендельсону Европа вновь открыла для себя Баха, а через него — и Антонио Вивальди.

«Эта неочевидная, но важная связь показывает, насколько Мендельсон был не только композитором, но и просветителем», — подчеркнул Александр.

Роберт Шуман называл Мендельсона «Моцартом XIX века» за его жизнеутверждающую и солнечную музыку. Александр пояснил, что творчество Мендельсона отличается гармонией и любовью к природе, что нехарактерно для многих композиторов эпохи романтизма, где человек часто противопоставляется природе.

В завершение эфира Александр пригласил слушателей на свою лекцию о французском импрессионизме, которая состоится 11 февраля в Коворкинг-доме ГУМа. 

Как напомнил Александр, Татьянин день отмечается 25 января, в день, когда в 1755 году императрица Елизавета Петровна подписала указ о создании Московского университета. Этот день стал началом высшего светского образования в Российской империи.

«До этого момента в России не существовало светского высшего образования в привычном нам понимании», – отметил Александр.

Михаил Ломоносов, которого часто называют основателем университета, на самом деле не мог бы справиться с этой задачей в одиночку.

«У него был мощный покровитель – фаворит Елизаветы Петровны Иван Шувалов. Именно они вдвоём придумали и учредили Московский университет», – рассказал Александр.

Документ был опубликован 25 января, что совпало с днём Святой Татьяны, и с тех пор этот день стал праздником студентов.

В дореволюционной России Татьянин день был праздником не только студентов, но и всех, кто когда-либо учился в высших учебных заведениях.

«Это был день, когда люди вспоминали свои студенческие годы, встречались с однокурсниками и отмечали праздник», – рассказал Александр.

Он также привёл цитату Антона Павловича Чехова:

«В этот день в Москве было выпито всё, кроме Москвы-реки, и то потому, что та была скована льдом».

У Владивостока есть свой «Татьянин день» – 22 октября, день основания первого вуза на Дальнем Востоке, Владивостокского Восточного института.

«Это день, когда Владивосток стал университетским городом, и он заслуживает того, чтобы стать городским праздником», – отметил Александр.

Образ студента и студенчества нашёл отражение в русском искусстве. Александр рассказал о работах Николая Ярошенко, передвижника, который создал портреты студента и курсистки.

«Его портрет студента – это мрачный, таинственный образ молодого человека передовых взглядов, который готовит почву для новой жизни. В то же время его «Курсистка» – это образ девушки, стремящейся к знаниям, но внутренне напряжённой и сосредоточенной»

Советские художники, напротив, изображали студентов как предвестников новой жизни.

«Работы, такие как «На учёбу» Анатолия Папяна или «Студенты» Петра Федоровича, пронизаны духом оптимизма и веры в счастливое будущее», – отметил Александр.

Он также упомянул работу «Рабфаковцы», которая изображает молодых людей, стремящихся к знаниям и преобразованию жизни.

Татьянин день – это не только праздник студентов, но и день, когда можно вспомнить свои студенческие годы, встретиться с однокурсниками и насладиться воспоминаниями.

«Студенчество – это дивная пора, когда формируется будущее, и мы желаем всем нынешним студентам удачи, хорошей сессии и добрых преподавателей», – заключил Александр.

Осип Мандельштам – один из самых сложных и глубоких русских поэтов. «Я больше не ревную, но я тебя хочу», «Сама себя несу, я как жертву палачу» – строки, которые раскрывают его уникальный стиль. Как отметил Александр, «Мандельштам – это поэт, который не знает себе равных в гармонии».

Но судьба поэта была трагической. Родившись в Варшаве, он завершил свой жизненный путь на другом конце империи — во Владивостоке. Здесь, на второй речке, в пересылочной тюрьме, закончились его дни.

«Эта связь между Мандельштамом и Владивостоком – это не только часть истории города, но и важный элемент культурного кода», – говорит Александр.

Вопрос о памятнике Мандельштам задавал ещё сам поэт, находясь в ссылке в Воронеже. И именно Владивосток стал первым городом в мире, где был установлен памятник Осипу Эмильевичу. Это произошло благодаря приморскому художнику Валерию Неноживину, который создал скульптуру, вдохновляясь стихами поэта.

«У него была только одна маленькая фотография, но он лепил образ Мандельштама по его стихам», – рассказывает Александр.

Первая скульптура была сделана из металлобетона и установлена во дворе мастерской на второй речке, где когда-то находился лазарет тюрьмы. Позже памятник был перенесён к кинотеатру «Искра», но дважды подвергался актам вандализма. Тогда художник создал чугунную копию, которая также пострадала. В итоге памятник был установлен на территории владивостокского университета, а оригинальная скульптура передана Дальневосточному федеральному университету.

Сегодня памятник Осипу Мандельштаму находится на островном кампусе, где он был открыт в 2018 году в годовщину смерти поэта.

«Это символично, что университеты, которые сохраняют культуру и знания, стали хранителями памяти о Мандельштаме», – отмечает Александр. Кроме того, во Владивостоке появилась улица, названная в честь поэта, что также подчёркивает его значимость для города.

Осип Мандельштам – это не только великий поэт, но и символ трагической эпохи. Его творчество продолжает вдохновлять и заставлять задуматься.

«Мандельштам заслуживает того, чтобы его стихи звучали, а его памятники становились местами притяжения для горожан».

В подкасте «ЧСИ. Искусство» мы говорили о Новом годе! Искусствовед Александр Вовненко, рассказал о том, как этот праздник менялся на протяжении веков и какие символы стали его неотъемлемой частью.

История Нового года в России

Александр напомнил, что долгое время Новый год в России уступал по значимости Рождеству.

«Рождество отмечали 25 декабря, а Новый год появился благодаря указу Петра Великого, который повелел праздновать его 1 января. Однако главной датой в царской России всё равно оставалось Рождество», – рассказал он.

Первая публичная ёлка появилась в России только в 1852 году, а традиция класть под неё подарки пришла из Германии.

С приходом советской власти празднование Рождества и Нового года было запрещено.

«В 1929 году официально запретили оба праздника, а в 1935 году глава Компартии Украины Павел Постышев предложил вернуть ёлку для детей. Сталин поддержал эту идею, и уже в 1936 году начались первые новогодние утренники»

Дед Мороз и Снегурочка

Искусствовед рассказал, что советские дети сначала боялись Деда Мороза.

«Он был для них странным и пугающим персонажем. Чтобы сделать его более дружелюбным, в 1938 году ему дали внучку – Снегурочку. Этот образ был вдохновлён сказкой Островского, но смысл изменили: Снегурочка стала помощницей Деда Мороза, а не символом любви, как в оригинальной истории», – пояснил эксперт.

Музыкальный символ праздника

Не обошли стороной и знаменитую песню «В лесу родилась ёлочка».

«Эти стихи были написаны Раисой Кудашёвой в 1903 году, а два года спустя композитор Леонид Бекманов создал мелодию. В советское время песня обрела популярность и стала музыкальным символом Нового года», – рассказал Александр. Он также упомянул забавный факт: гимн Федеративных Штатов Микронезии очень похож на эту песню.

Календарные изменения

Александр объяснил, почему Рождество в России отмечают 7 января, а на Западе – 25 декабря.

«Это связано с переходом на Григорианский календарь в 1918 году. Разница между календарями составляет 13 дней, и именно поэтому у нас появился уникальный праздник – Старый Новый год», – отметил он.

Новый год как символ возрождения

Александр рассказал, что Новый год изначально был связан с древними традициями.

«Наши предки жгли костры, чтобы помочь солнцу возродиться. Это время считалось самым холодным и тёмным, поэтому люди старались поддерживать себя и друг друга», – поделился он.

Сегодняшний эфир на «Владивосток FM» был посвящён новогодней ёлке в искусстве. Ведущие вместе с искусствоведом Александром Вовненко погрузились в историю этого символа, его значение и отражение в культуре. Под звуки новогодней музыки студия наполнилась атмосферой праздника и волшебства.

Александр начал с удивительных фактов: Новый год на Руси изначально праздновали весной, а главным символом этого времени была… вишня.

«Древние славяне связывали Новый год с цветением вишни, а позже, при Иване III, Новый год перенесли на 1 сентября, и символом стали спелые колосья пшеницы. Однако привычная нам ёлка появилась благодаря Петру I, который, вдохновившись европейскими традициями, повелел украшать дома ёлочными ветками».

Интересно, что традиция украшать ёлку свечами зародилась ещё в Средние века.

«Мартин Лютер, гуляя ночью, увидел звёзды, словно сияющие на деревьях, и решил украсить ёлку свечами», — поделился Александр. Однако он напомнил слушателям: «Соблюдайте правила пожарной безопасности!»

Долгое время ёлка не была популярна в России. Первая общественная ёлка появилась только в 1852 году, а до этого она ассоциировалась с негативными событиями. Даже у таких классиков, как Пушкин и Гоголь, не было традиции ставить ёлку. Но всё изменилось с появлением сказки Гофмана «Щелкунчик и мышиный король», где рождественская ёлка стала символом волшебства и взросления.

В конце XIX века русский хореограф Мариус Петипа заказал Петру Ильичу Чайковскому написать балет по сказке Гофмана. Так появился «Щелкунчик» — один из самых известных и востребованных спектаклей в мире.

«Музыка Чайковского в этом балете уникальна. Она наполнена симфонизмом и глубокими смыслами, которые выходят за рамки праздника. Попробуйте не смотреть балет, а послушать его, вы откроете для себя новые грани произведения»

Однако история ёлки в России была непростой. После революции большевики запретили ёлку, и только в 1935 году она вернулась в советскую культуру.

«С тех пор ёлка стала символом праздника, что прекрасно отражено, например, в картине Решетникова «Прибыл на каникулы», где на заднем плане красуется нарядная ёлочка», — рассказал Александр.

В завершение эфира искусствовед поделился интересным фактом: на дореволюционных открытках с Новым годом часто изображались свиньи, подковы и… мухоморы. «Мухомор пришёл к нам из Германии как символ Санта-Клауса: красная шапочка с белыми пятнами напоминала его наряд», — объяснил он.

На радио «Владивосток FM» в рамках подкаста ЧСИ состоялся увлекательный разговор с искусствоведом Александром Вавненко. Темой эфира стал один из самых известных русских художников — Карл Павлович Брюллов, которого современники называли «Великим Карлом». Александр Вавненко рассказал о жизни и творчестве мастера, а также о его уникальном вкладе в русское и мировое искусство.

«Карл Павлович Брюллов — это один из немногих русских художников, который при жизни снискал себе мировую славу. Его называли Карлом Великим, что говорит о невероятном признании его таланта», — отметил Александр.

Одной из главных работ Брюллова стало монументальное полотно «Последний день Помпеи», которое принесло ему славу не только в России, но и за её пределами. Картина, написанная в Италии, долго возвращалась в Россию, а сам Брюллов приехал на родину уже как «суперзвезда европейского уровня».

Особое внимание в беседе было уделено деталям картины «Последний день Помпеи». Александр Вавненко подчеркнул, что Брюллов не просто изобразил толпу людей, попавших в катастрофу, но и рассказал через детали их истории.

«Там есть священник, молодая семья, художник, который держит на голове коробку с кисточками и красками. Это невероятно глубокая работа, где каждая деталь имеет значение», — рассказал искусствовед.

Однако не только монументальные полотна сделали Брюллова великим. Александр Вавненко отметил, что художник был мастером жанровых сцен и портретов. Его акварели, созданные в Италии, наполнены жизнью и теплом.

«Работы Брюллова, такие как “Итальянский полдень”, поражают своей живостью и любовью к простым человеческим радостям. В них больше жизни, чем в его монументальных полотнах», — поделился гость эфира.

Интересным фактом стало то, что Брюллов не всегда соглашался писать портреты, даже если его об этом просили выдающиеся современники. Например, он отказался писать портрет императора Николая I, а также не изобразил Наталью Николаевну Пушкину, несмотря на просьбы её мужа, Александра Сергеевича Пушкина.

«Брюллов писал тех, кто был ему интересен, и это говорит о его внутренней свободе как художника», — отметил Александр.

В завершение эфира искусствовед рассказал о последнем автопортрете Брюллова, который отражает его внутреннее состояние в конце жизни.

«Это не просто портрет, это глубокая психологическая работа, где художник показал своё напряжение и осознание приближающегося конца», — подчеркнул Александр.

Сегодня в эфире рубрики ЧСИ на «Владивосток FM» мы говорили о событиях, которые перевернули русское искусство XIX века. Искусствовед Александр Вовненко рассказал о «бунте четырнадцати» — событии, которое стало отправной точкой для создания знаменитого движения передвижников и положило начало Третьяковской галерее.

19 ноября 1869 года, по старому стилю 9 ноября, в Императорской Академии художеств произошёл скандал, вошедший в историю как «бунт четырнадцати». Четырнадцать выпускников, отказались сдавать экзамен на большую золотую медаль. Эта награда открывала перед молодыми художниками двери в мир искусства, предоставляя оплачиваемую стажировку в Италии и финансовую поддержку на шесть лет. Однако студенты выступили против жёстких правил Академии, требовавших от них следовать канонам академизма.

«Академия художеств в то время была чем-то вроде министерства культуры Российской империи, — поясняет Александр Вовненко. — Она диктовала, каким должно быть искусство: воспевать красоту, рассказывать о великих исторических победах или античных мифах. Но молодые художники хотели свободы выбора и отказаться от навязанных рамок».

После того как их просьбы изменить правила были проигнорированы, выпускники покинули Академию, отказавшись от участия в конкурсе. Этот шаг стал началом нового этапа в истории русского искусства. Художники организовали артель, где совместно работали и делили доходы от продажи картин. Позже они создали Товарищество передвижных художественных выставок, которое ставило своей целью знакомить жителей провинций с русским искусством.

«Передвижники пересмотрели принципы изобразительного искусства, — отмечает Вавненко. — Они поставили во главу угла реализм, стремились воспитывать и просвещать зрителя, обличать социальные проблемы. Их работы были наполнены глубоким психологизмом и обращением к русской истории».

Именно передвижники подарили нам такие шедевры, как «Иван Грозный и сын его Иван» Ильи Репина, «Богатыри» Виктора Васнецова и «Утро в сосновом лесу» Ивана Шишкина. Их творчество поддерживал Павел Третьяков, чья коллекция стала основой для Третьяковской галереи.

«Третьяков был не только предпринимателем, но и меценатом, который верил в русское искусство, — рассказывает Вавненко. — Благодаря ему работы передвижников получили признание и стали частью национального достояния».

Сегодня мы воспринимаем картины передвижников как классику, но в XIX веке их творчество было настоящим авангардом. Они бросили вызов устоям и доказали, что искусство может быть не только красивым, но и социально значимым.