durée : 00:04:25 - par : Cécile Jaurès - **Ce matin Sabine Gignoux nous parle de Vermeer…**

Vous en avez peut\-être entendu parler : le Louvre expose, depuis mercredi, 12 tableaux de Vermeer. Douze tableaux, c’est le tiers de la production connue du maître de Delft, mort à 43 ans. On n’en avait pas vu autant à Paris depuis 1966, soit un demi\-siècle. C’est donc un événement exceptionnel, organisé grâce à un partenariat avec les musées de Dublin et Washington, qui accueilleront ensuite l’exposition.

**Douze Vermeer, c’est fabuleux, mais ça suffit pour monter une exposition ?**

En fait, le Louvre les confronte à une soixantaine de peintures de genre hollandaises, peintes à la même époque, entre 1650 et 1675, l’année de la mort de Vermeer. L’idée est d’en finir avec le mythe d’un génie isolé \- le « sphinx de Delft » comme on disait au XIXe siècle\- pour montrer combien l’artiste a emprunté à ses contemporains la plupart de ses thèmes : ses femmes écrivant une lettre, nouant un collier de perles ou jouant du virginal, sa Dentellière, et même son géographe et son astronome…Autant de sujets très à la mode dans la Hollande du Siècle d’or.

Alors il faut imaginer ce qu’était à l’époque cette République des Provinces\-Unies : une puissance navale et coloniale sans équivalent en Europe, avec toute une nouvelle classe marchande, avide de montrer sa richesse. D’où la forte demande de scènes de genre, montrant non plus des paysans à la Brueghel, mais des bourgeois vêtus de satin et de fourrure dans leurs intérieurs chics avec carrelage en marbre et tapis d’Orient … Exactement le décor des tableaux de Vermeer et de ses contemporains, qui n’arrêtaient pas de se copier entre eux. On estime que plus de 5 millions de tableaux ont été peints aux Pays\-Bas au XVIIe siècle.

**Mais pourquoi Vermeer nous fascine tellement plus que ses contemporains ?**

On le comprend au Louvre qui propose d’amusantes comparaisons de tableaux sur un même thème. Vermeer d’abord, épure ses compositions, là où ses rivaux multiplient les détails. Il réduit progressivement le nombre d’accessoires dans ses tableaux. Il peint très lentement et efface, par exemple, des cartes accrochées au mur. On le voit grâce aux radiographies. Il resserre aussi souvent ses cadrages sur une seule figure, alors que ses contemporains peignent des scénettes assez théâtrales à plusieurs personnages.

Vermeer ensuite, peint flou, à l’opposé d’un Gerry Dou ou d’un Van Miéris qui, à l’époque, sont des miniaturistes virtuoses, des maîtres de la « peinture fine ». Alors, on a supposé que ce flou était dû à l’usage d’une camera obscura, cette boîte optique parfois utilisée par les peintres. Une chose est sûre, ajouté à la lumière fabuleuse de Vermeer qui nimbe ses personnages, cela donne à ses peintures une aura intemporelle. Les scènes de genre de ses contemporains sont comme des instantanées, des petites histoires arrachées au réel. Chez Vermeer, les personnages aux yeux parfois baissés, aux gestes suspendus, invitent plutôt à la méditation. Sa Laitière majestueuse, avec son voile blanc et son tablier bleu, ressemble à une Vierge laïque. Sa Femme à la balance semble nous suggérer de peser nos actions. D’ailleurs, sur le mur derrière elle, on devine le tableau d’un Jugement dernier. Avec Vermeer, on bascule du temporel au spirituel.

{% embed youtube pOSiCIyL6K0 %}

durée : 00:03:34 - **Ce matin, Cécile Jaurès nous parle du Musée de Pont\-Aven et de sa dernière exposition consacrée à «La modernité en Bretagne».**

Pont\-Aven, est une charmante petite ville du sud du Finistère, entre Quimper et Lorient. Ce n’est pas au bord de l’Océan mais l’Aven, un fleuve côtier, serpente au milieu des moulins, des lavoirs et des maisons en pierre aux toits d’ardoise. Ce paysage pittoresque, et la luminosité particulière qui y règne, ont attiré dès l850 une colonie d’artistes, notamment américains et anglais. Il fallait effectuer à l’époque un véritable périple pour venir dans ce coin reculé mais, à l’arrivée, de bonnes auberges, tenues par des femmes à poigne comme Mademoiselle Julia, fournissaient le gîte et le couvert mais aussi des ateliers dotés de grandes verrières. Le tout pour une somme modique, les hôtesses acceptant même d’être payées en tableaux !

**C’est là qu’est née l’École de Pont\-Aven…**

Tout à fait, c’est dans cet écrin de granit, entouré de champs et de forêts, qu’est apparu, à la fin du XIXème siècle, un mouvement esthétique dominé par deux figures fortes, Paul Gauguin et Émile Bernard. À l’époque, on ne parle pas de l’école de Pont\-Aven mais de «synthétisme», que l’on reconnaît à sa simplification des formes, à ses aplats de couleurs pures, comme sorties du tube, cernés de noir ou de bleu foncé et à des cadrages singuliers, souvent inspirés des estampes japonaises.

En 1985, un petit musée avait ouvert ses portes à Pont\-Aven pour raconter cette histoire, à travers des expositions temporaires. Mais, il y a trois ans, la ville s’est lancée dans un projet nettement plus ambitieux : rénover de fond en comble le musée et, surtout, en doubler la surface pour pouvoir y présenter une collection de près de 140 œuvres acquises grâce aux dons et à la très active Association des amis du musée. Moins d’un an après la réouverture, on peut dire que le pari est tenu : plus de 122 000 visiteurs sont venus admirer les peintures de Paul Sérusier, de Maurice Denis mais aussi onze œuvres sur papier signées Gauguin, comme ces deux magnifiques visages de bretonnes crayonnées au pastel.

**L’exposition qui vient de démarrer embrasse un vaste sujet : la modernité en Bretagne.**

Elle montre combien, en marge de la fameuse école de Pont\-Aven, la Bretagne fut une terre d’élection pour de nombreux artistes, y compris des peintres qu’on associe plus volontiers à la Normandie, comme Eugène Boudin et Claude Monet. Sachez que Boudin a peint plus de 400 tableaux en Bretagne ! Quant à Monet, son unique séjour à Belle\-Île fut très prolifique avec 39 toiles en dix semaines, dont cette vivifiante «Tempête», prêtée par Orsay, qui ouvre le parcours. Dans le sillage des grands maîtres, on (re)découvre de nombreux artistes, comme l’australien John\-Peter Russell, qui surprend avec son paysage de Belle\-Île sous la neige, ou Ferdinand Loyen du Puigaudeau, dont le trait japonisant sublime un vieux figuier aux couleurs automnales. Des toiles qui proviennent pour la plupart de collections privées et que je vous invite à aller voir avant qu’elles ne retournent dans l’ombre.

{% embed twitter 829586097323773952 %}

durée : 00:04:59 - par : Sabine Gignoux - **Ce matin, Sabine Gignoux, nous parle d’un tableau découvert dans un grenier de Toulouse qui pourrait être attribué à Caravage…**

Ce tableau montrant Judith décapitant Holopherne a défrayé la chronique en avril dernier, juste après avoir été classé « trésor national » par le ministère de la culture et interdit de sortie du territoire pour 30 mois. Ce délai doit permettre aux experts divisés de trancher pour ou contre son attribution à Caravage. L’expert parisien Eric Turquin, chargé de vendre cette toile, a déjà fixé son prix à 120 millions d’euros. Une somme astronomique pour les musées français, c’est 15 ans de budget d’acquisition du Louvre. Or ce tableau toulousain vient d’être exposé à Milan, à la pinacothèque de Brera, à côté d’une copie très proche attribuée au peintre Louis Finson et du Repas à Emmaüs de Caravage. Et lundi dernier, une trentaine d’experts du monde entier ont été invités par le musée milanais pour débattre. Et leurs conclusions, révélées hier par La Croix, apportent de nouveaux éléments, plutôt en faveur de l’authenticité du tableau…

**Comment a\-t\-on la preuve qu’une œuvre est ou non de Caravage ? Est\-ce qu’on cherche une signature ?**

Malheureusement, Caravage n’a jamais signé ses peintures, sauf un de ses derniers tableaux, La Décollation de Saint Jean\-Baptiste, sur lequel il a inscrit son nom en rouge, juste sous la tête du Saint décapité et comme écrit avec son sang. Pour authentifier ses tableaux, on cherche plutôt à réunir trois types d’éléments. Les premiers sont des documents d’archives. Dans le cas de Judith et Holopherne, on connaît une première version de ce thème par Caravage, aujourd’hui au palais Barberini à Rome. Mais une lettre datée de 1607 à Naples, signale l’existence d’une seconde version. En 1617, cette deuxième Judith est à nouveau mentionnée, dans l’inventaire après décès du peintre et marchand Louis Finson, qui cotoya Caravage à Naples. Et puis, pffitt, plus rien, disparition, jusqu’à la découverte en 2014 du tableau de Toulouse par un particulier dans le grenier de ses ancêtres.

**Mais comment aurait\-on pu oublier un Caravage, cela paraît incroyable ?**

En fait, Caravage, de son vivant a été renommé et imité dans toute l’Europe. Puis, il est rapidement passé de mode. Il a fallu attendre 1951 pour le voir réhabiliter par l’historien d’art italien, Roberto Longhi. Depuis, on ne cesse de rechercher ses œuvres, en s’appuyant aussi sur des analyses scientifiques. Justement, sur le tableau de Toulouse, des experts ont signalé à Milan avoir découvert des repentirs, des traces d’esquisse en rouge et trois incisions typiques de Caravage qui composait directement sur la toile, sans dessin préalable. Le visage de la servante de Judith, a aussi été peint sur une couche plus claire, donc peut\-être fini par une autre main. Or ses rides trop rectilignes gênaient jusque\-là les spécialistes. Car au final, après les documents d’archives, les analyses scientifiques, le juge de dernière instance pour authentifier un tableau, c’est l’œil des historiens d’art qui cherchent à retrouver la touche, les coloris, parfois des détails typiques d’un artiste. La Judith de Toulouse va d’ailleurs être accrochée en mars devant des experts, à huis clos, au Louvre à côté des deux Caravage de ce musée, plus celui détenu par le musée de Rouen, pour tenter des comparaisons. En attendant, lisez Histoire d’oeils, écrit par Philippe Costamagna, directeur du musée d’Ajaccio. Il raconte, parmi plein d’anecdotes, comment il a identifié un jour un Crucifixion anonyme au musée de Nice, à la faveur d’un rayon de soleil qui éclairait un minuscule détail du Christ un ongle de pied en demi\-lune\- typique du grand peintre italien Bronzino.

durée : 00:10:10 - par : Cécile Jaurès - {% embed vimeo 196455874 %}

**Ce matin, Cécile Jaurès, nous parle de l’exposition du musée des Beaux\-Arts de Bordeaux consacrée aux paysages d’Odilon Redon, intitulée «La nature silencieuse».**

Elle dévoilait ses sombres paysages intérieurs, peuplés de monstres inquiétants et de créatures hybrides. L’ambiance est bien différente dans l’hommage que le musée des Beaux\-Arts de Bordeaux lui rend à l’occasion du 100ème anniversaire de sa mort. L’exposition, co\-organisée avec le musée des Beaux\-Arts de Quimper, où elle voyagera au printemps, explore la relation du peintre aux paysages qui l’entourent.

Cette «nature silencieuse», comme l’indique joliment le titre, prend racine dans l’enfance solitaire de l’artiste sur les terres familiales de Gironde. Redon, grand romantique, aurait voulu naître sur le navire qui ramenait ses parents de Louisiane, mais il est né à Bordeaux, dans un appartement bourgeois. Très vite, l’enfant à la santé fragile est exilé à la campagne et confié à une nourrice chez le vieil oncle qui gère le domaine viticole de Peyrelebade dans le Médoc. Jusqu’à ses onze ans, âge auquel il va revenir vivre auprès de ses parents et entrer enfin à l’école, Odilon Redon va passer l’essentiel de ses journées à arpenter les terres arides qui entourent la propriété.

**C’est de là que vient son goût pour les paysages désertiques ?**

Sûrement. Il avoue dans son journal, publié après sa mort sous le titre «À soi même», son attirance pour le «mystère qui se dégage des solitudes». Ancré dans le terroir aquitain, Redon ne peint pas les vignes, façonnées par l’homme, il leur préfère la lande sauvage, un espace dont il parvient à faire ressentir l’immensité dans des peintures pourtant de petits formats. Parfois, un cheval accroche le regard mais la plupart du temps, il n’y a pas âme qui vive dans ces étendues désolées. Ces paysages à l’horizon infini, frisant parfois l’abstraction, ont été peu montrés, y compris du vivant de l’artiste qui les appelaient ces «petites gammes» et les conservaient dans le secret de l’atelier.

On y voit sa fascination pour les nuages, où son père l’incitait, enfant, à deviner «des apparitions d’êtres bizarres, chimériques et merveilleux». Ces ciels lumineux ou menaçants, peints sur le motif, ne sont au départ peuplés d’aucune créature fantastique mais Redon dira avoir besoin de copier le réel avec précision pour que survienne «l’ébullition mentale», celle qui libère l’imaginaire. Le musée expose d’ailleurs ses nombreuses études autour du motif de l’arbre ou des rochers. Ces séries de troncs dénudés et de pierres esseulées se nourrissent des découvertes botaniques et géologiques de l’époque tout en traduisant la profonde mélancolie de l’artiste.

**Odilon Redon n’a\-t\-il peint que le paysage aquitain ?**

Non, l’exposition nous fait voyager de la Bretagne à Barbizon, des Pyrénées à l’Italie, mais il est souvent difficile de reconnaître les lieux qu’il a peint tant il en gomme tous les éléments pittoresques. À Venise, par exemple, il représente un quartier de pêcheurs, dont les contours incertains sont comme masqués par une brume de chaleur. Au sous\-sol de la galerie, le paysage bascule totalement dans la fantasmagorie et l’on retrouve les œuvres qui l’ont fait connaître, notamment les fameux «noirs» réalisés au fusain à l’aide, figurez\-vous, de sarments brûlés du Médoc !

**Jusqu’au 26 mars au musée des Beaux\-Arts de Bordeaux.**

Un petit livret intitulé «Sur les pas d’Odilon Redon» permet de retrouver dans Bordeaux les lieux qui ont compté dans la vie de l’artiste. On peut, sur réservation, visiter le domaine de Peyrelebade, qui appartient désormais à la famille Rothschild.

durée : 00:03:55 - par : Sabine Gignoux - **L’art a\-t\-il sa place** **dans les grands magasins ?**

Depuis 2 ans, cette enseigne donne en effet carte blanche à un artiste contemporain pour investir, pendant un mois, l’espace sous les verrières et des vitrines sur la rue. L’an dernier, l’invité était le dissident chinois Ai Wewei, ce qui, dans ce temple du luxe, ne manquait pas de sel. Il avait fait sensation avec de grands cerfs volants figurant des animaux légendaires, tout blancs. La seule consigne imposée par le commanditaire étant de créer des œuvres immaculées pour coller à son actualité commerciale : le mois du blanc. Eh oui tout cela n’est pas totalement désintéressé.

Chiharu Shiota, l’invitée de cette année, tisse des d’immenses toiles d’araignées, dans lesquelles elle emprisonne des objets. Au Bon Marché, elle a ainsi suspendu dans les airs, des dizaines de barques faites d’une armature en fer enveloppée de fils de coton blanc, comme des cocons légers qui montent vers le ciel.

**Et qu’en pense la clientèle ?**

Dans le Livre d’or c’est une pluie de louanges : poétique, mystérieux, extraordinaire. Les gens s’arrêtent même pour regarder un film où l’artiste explique sa démarche. Alors bien sûr, on peut se réjouir de cette rencontre entre une œuvre importante et ce public peu familier de l’art contemporain. Mais, vous allez me trouvez puriste Clément : je me demande si tout cela va au\-delà de la simple décoration, du divertissement. Chiharu Shiota dit vouloir évoquer avec ses barques l’énigme de la vie, ce voyage vers l’inconnu. Son œuvre s’intitule « Where are we going ? » En écho à un grand tableau tahitien de Gauguin qui portait déjà cette interrogation existentielle: «d’où venons\-nous, que sommes\-nous, où allons nous ?» Mais voilà, est\-ce au milieu de la frénésie des soldes, que le public peut s’arrêter pour méditer ? Pas sûr. Et puis, il ne faut pas se leurrer, l’art sert ici de prétexte pour nous vendre des produits qui prétendent être eux aussi, quelque part, des œuvres de créateurs…

D’ailleurs, quand on voit comment ce magasin accroche dans certains couloirs des tableaux de sa collection, sans recul comme de simples gadgets, on se dit qu’après la musique d’ambiance, il va falloir s’habituer à l’art d’ambiance.

Alors si vous préférez comme moi voir les œuvres dans des lieux plus propices à la rencontre, au recueillement. Je vous recommande d’aller faire un tour à l’Abbaye de Maubuisson dans le Val d’Oise pour découvrir un autre artiste contemporain, Stéphane Thidet. Là aussi il y a des images très belles et poétiques : des arbres qui poussent sur des lits comme dans un rêve, des pierres qui glissent sur un lac d’argile à la façon d’un jardin zen et même, dans l’ancien parloir des gongs, qui interprètent en direct la pulsation du soleil…

Voilà pour voir **Chiharu Shiota au [Bon Marché](http://www.lebonmarche.com/evenements/chiharu-shiota.html),** vous avez jusqu’au 18 février. Quant à **Stéphane Thidet à l’[Abbaye de Maubuisson](http://www.valdoise.fr/614-l-abbaye-de-maubuisson.htm)**, c’est jusqu’au 27 août.

durée : 00:04:45 - par : Cécile Jaurès - Présentation de l'exposition "L'Esprit du Bauhaus".

{% embed youtube 1QyN7t5AOtM %}

durée : 00:06:02 - par : Sabine Gignoux - Vous l’avez sûrement remarqué depuis les années 2000, les gratte\-ciels poussent à Londres comme des champignons. Rien qu’en 2016, on recensait 70 tours en chantier et 230 ayant leur permis de construire. Le cœur financier de la ville, la City offre une skyline en bordure de la Tamise. Prenez votre bonnet et une grosse écharpe \- attention aux courants d’air \- nous allons musarder au pied de ces géants d’acier et de verre…

**Et si pour commencer on prenait un peu de hauteur ?**

Bonne idée et il y a l’embarras du choix. Vous pouvez monter en haut du Shard, c’est à dire l’éclat de verre, le gratte\-ciel le plus haut de Londres avec ses 310 mètres, signé par Renzo Piano, au sud de la Tamise, face à la City. Le prix pour atteindre ce 7e ciel est aussi très élevé: 30 livres ! Bon, au sein de la City, plusieurs tours abritent aussi des restaurants chics. Mais si vous préférez un petit déjeuner pas cher, montez en haut du « Talkie Walkie « de l’uruguayen Raphael Vinoly, l’un des gratte\-ciels les plus critiqués de Londres. D’abord, sa façade concave a créé un effet loupe au soleil qui a un peu brûlé des véhicules garés à ses pieds. Depuis, un film anti\-rayonnement a été posé. Et puis, cette tour évasée vers le haut pour gagner des mètres carrés est jugée trop massive. En tout cas, au sommet, vous avez une sublime vue à 360 degrés sur Londres, la Tamise et la City.

_\*Idéal pour commencer notre balade…

\*_

Je vous propose ensuite de marcher vers le Nord en direction de deux tours fameuses. La première, c’est la tour ovoïde surnommée le Cornichon, un édifice aux lignes futuristes, racées, qui porte la marque de Sir Norman Forster, l’architecte vedette de Londres. Et juste à côté, vous avez le gratte\-ciel de son rival, Richard Rogers, l’un des architectes du Centre Pompidou. On retrouve d’ailleurs ici ses tics déjà repérés à Beaubourg, notamment toute la tuyauterie, les câbles et les infrastructures techniques exhibés sur la façade arrière avec des couleurs vives. Sa forme en triangle effilé, pour ménager la vue sur la Cathédrale saint Paul, lui a valu le surnom de « râpe à fromages ». Ce qui, à côté du Cornichon, a fait dire au très conservateur prince Charles: « il me semble que Londres est en train de ressembler à une absurde table de pique\-nique » !

Pour ma part, j’adore une autre création de Rogers, située juste en face, bâtie en 1986 pour la Loyds : un tour toute en acier, hérissée de cubes, d’escaliers hélicoïdaux et de hublots, qu’on dirait sortie d’un album de science\-fiction ! Plus au Nord, Clément, vous trouverez encore la Héron Tower de l’agence new\-yorkaise KPF et l’impressionnante Broadgate Tower, dessiné par SOM à Chicago.

**Et en redescendant au Sud ?**

D’abord, faîtes un crochet par le Barbican center, cet exemple d’architecture brutaliste, typique des années 1950 et de la reconstruction d’après\-guerre, très inspiré des idéaux de Le Corbusier, avec ses barres d’immeubles sur pilotis, ses rues piétonnes suspendues… Près de San Stephen Walbrook, levez aussi le nez vers la tour New Court, coiffée d’un cube translucide, un bijou du néerlandais Rem Koolhaas pour la banque Rothschild. Puis poussez jusqu’à la cathédrale Saint\-Paul face à laquelle le Français Jean Nouvel a bâti le One new Change, un centre commercial tout en angles aigus et surfaces sombres, baptisé par les Londoniens le « bombardier furtif ». De là, empruntez le Millenium bridge de Norman Forster sur la Tamise pour arriver à la Tate modern dont les Suisses Herzog et de Meuron viennent d’achever l’extension. C’est une pyramide twistée, en briques, en haut de laquelle, bonne surprise Clément, l’on peut monter gratuitement pour admirer une nouvelle fois la vue sur ce Londres en pleine explosion.

Voilà, pour les fans d’architecture, le site officiel de Londres [visitthecity.co.uk](https://www.cityoflondon.gov.uk/things-to-do/visit-the-city/Pages/default.aspx) propose en téléchargement un circuit guidé à travers une trentaine de tours de la City. Plus d'infos [ici](https://www.cityoflondon.gov.uk/things-to-do/visit-the-city/walks/Documents/designs-of-the-times-self-guided-walk.pdf) !

durée : 00:04:09 - par : Cécile Jaurès - Cet artiste, vite relégué dans la catégorie «pompier», est tombé dans l’oubli même avant sa mort en 1932\. Et pourtant, quelle injustice ! L’exposition du Musée des Beaux\-Arts de Nancy montre à quel point son œuvre mérite aujourd’hui d’être redécouverte. Le parcours réunit près de 200 toiles, dessins et gravures, provenant pour beaucoup de collections privées au Canada, aux États\-Unis ou en Grande Bretagne, des pays où il a été abondamment acheté quand il n’avait plus la côte en France.

Bien sûr, Émile Friant, peintre académique, est complètement passé à côté de la modernité. Né en 1863, l’année du scandale du «Déjeuner sur l’herbe» de Manet, il a pourtant été témoin des révolutions impressionnistes puis fauves ou cubistes. Il a même travaillé pendant deux ans au 11 boulevard Clichy où Picasso occupait, à la même période, un atelier ! En 1923, Emile Friant fera de sa résistance aux chamboulements esthétiques une caricature mordante intitulée «La tentation de Saint Emile» : il se représente en habit d’académicien, bicorne sur la tête, repoussant de la main un personnage cubiste et un autre taxé de rondisme…

**Comment expliquer une telle obéissance aux canons de la peinture classique ?**

Les clés de ce conservatisme sont à chercher sans doute dans son parcours et sa formation. Né à Dieuze, une petite ville de Moselle, Émile Friant vient d’une famille simple, exilée dans les faubourgs de Nancy, lors de l’annexion de la Moselle par l’Allemagne, alors qu’il a 9 ans. À l’adolescence, son père, ouvrier, l’inscrit dans une école technique pour apprendre le dessin industriel mais il prend souvent la clé des champs pour aller dessiner au bord du canal. Il est surpris un beau jour par un de ses professeurs qui, stupéfait par la qualité de ses croquis, va le présenter au directeur de l’école des Beaux\-Arts.

Émile Friant va intégrer, à 14 ans seulement, les Beaux\-Arts où Théodore Devilly, peintre romantique et grand admirateur de Delacroix, devient son mentor. Dès ses premières esquisses et huiles, notamment ce nu d’un modèle noir, ce qui ne devait pas être courant à Nancy à l’époque, on mesure la précocité de l’artiste et son indéniable coup de crayon.

**C’est pourtant comme peintre qu’il va connaître le succès…**

Effectivement, après un passage dans l’atelier parisien de Cabanel, il finit second au Prix de Rome et c’est le début d’une carrière prospère, qui mêle à la fois des curiosités comme ses représentations d’hommes préhistoriques \- plutôt rares en 1880 ! \- et des tableaux destinés à plaire au jury des Salons. Celui qui lui a vaut une reconnaissance mondiale s’appelle «La Toussaint». Cette immense composition représente avec une précision stupéfiante des femmes en habit de deuil, en route pour fleurir les tombes de leurs proches. Un réalisme quasi photographique : on sait que Friant, très intéressé par les innovations technologiques, peignait souvent d’après des plaques photographiques. Médaille d’or au salon de 1889, cette toile sera suivie l’année suivante d’une autre composition funèbre qui va valoir définitivement à Friant l’étiquette de «peintre des cimetières» !

C’est bien dommage car l’exposition dévoile son incroyable capacité à saisir l’éclat dans les regards de ses contemporains, demoiselle malicieuse ou industriel jovial, amoureux mélancoliques ou ouvriers abîmés par l’alcool. Ses toiles suggèrent mille et une histoires. À vous de les imaginer.

**Jusqu'au 27 février, au musée des Beaux\-Arts de Nancy**, ville où il y a, rappelons\-le, un beau musée consacré à l’École de Nancy, avec des œuvres d’Emile Gallé, Louis Majorelle ou Victor Prouvé, grand ami.

durée : 00:07:16 - par : Cécile Jaurès - Le musée départemental Matisse présente une exposition consacrée à Pierre Alechinsky principalement articulée autour de quelques peintures monumentales et de tableaux « à remarques marginales ».

Cet ensemble est ponctué de gravures et de lithographies murales, de placards composés en duo avec des amis écrivains : Christian Dotremont, Salah Stétié, Claude Simon, Christiane Rochefort, Roland Topor…, d’illustrations pour des ouvrages de bibliophilie d’Yves Bonnefoy, Michel Butor, André Breton, Roger Caillois, Achille Chavée, Cioran, Hugo Claus, Hélène Cixous, Joyce Mansour, Marcel Moreau, Pierre André Benoit (PAB), Jean Tardieu…, de quatorze peintures et variantes consécutives aux illustrations entreprises dans les années quatre\-vingts pour le Traité des excitants modernes de Balzac ainsi que de l’imagerie d’accompagnement pour le Volturno, un poème de Blaise Cendrars resté inédit depuis 1909 et de six planches, trouvées aux puces, débrochées, de la Flora Danica des années 1761 à 1883, devenues au fil du pinceau le support de « collages sans colle ».

Tandis qu’une autre rétrospective lui est consacrée au Cobra Museum of Art, Amstelveen (NL), le musée départemental Matisse a choisi de présenter un aspect inattendu du travail d’Alechinsky : _Les Aiguilles_ _(de Port\-Coton à Belle\-Île\-en\-Mer)_ peintes en 1996 à l’âge de 69 ans, impressionnant paysage qui passionna Monet en 1886 et auquel le jeune Matisse se mesura en 1896.

Commissaire de l’exposition : Patrice Deparpe.

**_« Alechinsky / Marginalia, plume et pinceau »_, du 5 novembre 2016 au 12 mars 2017.**

**Musée départemental Matisse \- Palais Fénelon**

Place du Commandant Richez

59360 Le Cateau\-Cambrésis

Texte issu du [site du Musée Matisse](http://museematisse.lenord.fr/fr/Expositions/Marginalia/tabid/994/Default.aspx).

durée : 00:03:50 -