A animação Soul, de Pete Docter e Kemp Powers, faz algo raro: transforma a ideia de estar vivo em linguagem cinematográfica.

Em um mix brilhante entre música, espiritualidade e a vida, a Pixar encontra uma forma surpreendentemente madura de falar sobre sentido e propósito (ou a falta dele). O filme não se limita à fábula metafísica, já que também investiga o que acontece quando o sonho da vida inteira finalmente chega, e ainda assim não basta. Em vez de tratar a existência como destino, Soul a desloca para outro lugar: o da experiência, do olhar e da centelha que não cabe num plano de carreira.No episódio 32 do Cinematografia Podcast, Flávia Arielo, Fernando Geloneze e Jason Baroni analisam Soul, passando por sentido de vida, linguagem visual e maturidade temática na Pixar.

🎥 Neste episódio, a conversa passa por:

* O sentido de vida como impasse, não apenas depois da morte, mas antes mesmo de nascer.

* O livre-arbítrio como tensão entre destino, centelha e escolha individual.

* O jazz como linguagem.

* A direção de arte de Nova York, cheia de textura, luz e ultra-realismo sem cair no vale da estranheza.

* O espaço metafísico como invenção visual, a partir do cubismo, surrealismo e abstração.

💬 E para você: Soul funciona mais como filme sobre vocação, sobre a beleza de estar vivo, ou sobre a ilusão de que uma vida pode caber num único propósito? Conta nos comentários.

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E se o cinema for capaz de impedir que a vida seja esvaziada de sentido?

Esse é o mote e guia do episódio 31 do Cinematografia Podcast, onde o tema “cinema e sentido de vida” aparece menos como autoajuda e mais como impasse filosófico: entre Sartre, Bergman, algoritmo, curadoria e experiência estética, a conversa pergunta o que ainda pode nos orientar quando o mundo oferece excesso de estímulo e escassez de sentido. Não por acaso, filmes como Preciosa, Morangos Silvestres, 2001: Uma Odisseia no Espaço, Sangue Negro, Donnie Darko, Robocop e Ikiru surgem como obras que não apenas representam a vida, mas reorganizam a forma como a gente a percebe.

Nesse episódio Flávia Arielo, Fernando Geloneze e Jason Baroni examinam como o cinema pode construir sentido em meio à contingência, à fragmentação algorítmica e à necessidade humana de se reconhecer em histórias, personagens e imagens.

🎥 Neste episódio, a conversa passa por:

* A vida como contingência e o cinema como forma de suportar o que não se explica.

* O algoritmo como oráculo e a curadoria humana como gesto de liberdade.

* A arte como refúgio e a experiência estética como resistência ao esvaziamento.

* Os filmes como formação e a memória cinéfila como educação sentimental.

Lista de obras citadas no episódio:

Flávia Arielo

A História Sem Fim - Wolfgang Petersen (1984)

Labirinto - Jim Henson (1986)

Buena Vista Social Club - Wim Wenders (1999)

Magnólia - Paul Thomas Anderson (1999)

Morangos Silvestres - Ingmar Bergman (1957)

O Sétimo Selo - Ingmar Bergman (1957)

Muito Além do Jardim - Hal Ashby (1979)

Festim Diabólico - Alfred Hitchcock (1948)

Fernando Geloneze

Curtindo a Vida Adoidado - John Hughes (1986)

Der Himmel über Berlin / Asas do Desejo - Wim Wenders (1987)

Ainda Estou Aqui - Walter Salles (2024)

RoboCop - Paul Verhoeven (1987)

Matrix - Lana Wachowski e Lilly Wachowski (1999)

O Show de Truman - Peter Weir (1998)

A Felicidade Não Se Compra - Frank Capra (1946)

A Vida é Bela - Roberto Benigni (1997)

A Árvore da Vida - Terrence Malick (2011)

21 Gramas - Alejandro González Iñárritu (2003)

Jason Baroni

Vidas Passadas - Celine Song (2023)

Donnie Darko - Richard Kelly (2001)

Nostalgia - Andrei Tarkovsky (1983)

Melancolia - Lars von Trier (2011)

Blade Runner - Ridley Scott (1982)

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Há amores que o cinema tenta domesticar, e há obras como O Morro dos Ventos Uivantes, de Emily Brontë, que continuam lembrando que desejo, classe e violência histórica nunca couberam direito numa história de amor “bonita”.

Nesta sessão extra do Cinematografia Podcast, Flávia Arielo e Jason Baroni comparam as muitas adaptações de Wuthering Heights a partir de um ponto decisivo: o que acontece quando o cinema suaviza a brutalidade romântica, apaga a questão racial de Heathcliff ou troca tempestade moral por verniz estético? Nessa discussão você encontra o romantismo gótico, a herança da literatura do século XIX e o contraste entre as versões de Andrea Arnold e Emerald Fennell, ou seja, uma grande conversa sobre linguagem, história e leitura.

🎥 Neste episódio, a conversa passa por:

•⁠ ⁠O romantismo sombrio como chave para entender amor, tragédia e excesso.

•⁠ ⁠Heathcliff negro como centro moral, social e histórico da narrativa.

•⁠ ⁠A natureza em cena como vento, ruído e matéria de sentimento.

•⁠ ⁠Andrea Arnold e a câmera opressiva como tradução sensorial do livro.

•⁠ ⁠Emerald Fennell e o risco de reduzir a obra a impulso e superfície.

•⁠ ⁠As adaptações de Wuthering Heights como espelho das épocas que as filmam.

💬 E para você: O Morro dos Ventos Uivantes funciona melhor como história de amor, tragédia social ou estudo de obsessão? Conta nos comentários.

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Curtindo a Vida Adoidado (1986) completa 40 anos, e o Cinematografia Podcast (EP. 30) discute por que Ferris Bueller ainda funciona, e hoje, talvez mais forte do que nunca, apresenta uma filosofia própria: a de que a vida passa rápido demais para ser vivida no automático.

O diretor John Hughes filma a adolescência como quem filma um manifesto leve — e, ao mesmo tempo, uma carta de amor a Chicago. No caminho, o trio encara o filme além da nostalgia de Sessão da Tarde: o que era liberdade num mundo analógico… e o que seria “matar aula” no mundo contemporâneo, capturado por notificações, métricas e performance?

🎥 Neste episódio, a conversa investiga:

- A proposta do filme como um Carpe Diem sem romantização.

- Anos 80, cultura pop e retromania: por que a gente volta tanto para esse imaginário?

- O analógico em cena (telefonemas, fitas, ausência de celular) e como isso muda a própria narrativa.

- Ferris como personagem… ou como “força” que transforma todo mundo ao redor.

- Cameron, medo, família e maturidade: onde o filme realmente “cresce”.

- A escola como vilã — e o argumento incômodo: hoje o vilão talvez seja o algoritmo.

- A cinematografia tão peculiar do filme: a quebra da quarta e o nascimento das cenas pós-créditos.

💬 E você: Curtindo a Vida Adoidado é comédia adolescente, fábula existencial ou nostalgia com substância?

Conta nos comentários.

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No episódio 29, o Cinematografia volta aos clássicos e apresenta uma obra-prima do diretor japonês Akira Kurosawa: “Os Sete Samurais”, de 1954. Nosso trio Flávia Arielo, Fernando Geloneze e Jason Baroni revisita esse filme que reescreveu a gramática do épico o transformou o cinema de ação ao inventar a ideia de “time de salvação”.

A análise parte de uma pergunta incômoda: o que sustenta um samurai quando a moral não garante recompensa, e a vitória cobra o seu próprio preço?

🎥 Discussões neste episódio:

Cinema japonês e contexto histórico: castas, dever, mito fundador e a moral como motor narrativo.

Os Sete Samurais como matriz do “grupo reunido contra o impossível”, e como isso ajudou a criar uma fórmula hollywoodiana.

Conflito de classe: samurais, camponeses e o abismo social que o filme não romantiza.

Linguagem cinematográfica de Kurosawa: enquadramentos “pintados” nos primeiros atos e câmera em movimento na batalha.

Personagens e fisicalidade: Toshiro Mifune é um terremoto humano que rouba a cena, enquanto Takashi Shimura representa a liderança como disciplina.

Influências e reverberações: de releituras no faroeste (e o caso Sergio Leone) às pontes com o cinema pop.

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O filme Hamnet chega como um espelho: não do gênio Shakespeare, mas das consequências do luto no ser humano.

Chloé Zhao filma a perda sem pressa — e sem “carregar na tinta” — até a beleza virar catarse.

A pergunta que atravessa o episódio é simples (e perigosa): você chora diante da beleza?

No episodio 28 do Cinematografia Podcast, Flávia Arielo, Fernando Geloneze e Jason Baroni analisam Hamnet, a história centrada em Agnes (Anne Hathaway), na casa, na natureza e no silêncio que sobra quando uma criança morre. Aqui Shakespeare está presente, mas o coração do filme é outro: amor, família e a tentativa humana de seguir vivendo após a morte.

Hamnet é a sensação de que a dor é antiga, mas continua falando conosco, indício de como um clássico atravessa os séculos.

🎥 Neste episódio:

* Por que Hamnet “não é sobre Shakespeare”.

* A importância da emoção coletiva dentro da sala de cinema.

* A diferença entre manipulação barata e um “contrato” legítimo com o espectador.

* Direção de fotografia e luz natural: distância, profundidade e intimidade no enquadramento

* Direção de arte contida e figurino quase imóvel: um tempo mais mitológico do que histórico.

* A química do elenco e a sensação de “família real” em cena.

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A obra-prima de Lars von Trier, Melancolia (2011) parece propor a transformação do apocalipse em estado de espírito.Neste Sessão Extra do Cinematografia Podcast, Flávia Arielo e Jason Baroni encaram Lars von Trier pelo filme que cristaliza niilismo, ceticismo e consciência melancólica.Um planeta azul se aproxima — e a mise-en-scène responde com cor, tempo e silêncio.A conversa tem início pela análise do prólogo (quase uma pintura em câmera super lenta) e avança pelo filme em capítulos — Justine e Claire — para perguntar o que realmente está em jogo quando já sabemos o final: não “o que acontece”, mas como a imagem nos prepara para o inevitável. O episódio também situa von Trier no seu percurso: Dogma 95, trilogias e o peso biográfico que atravessa a obra.🎥 Em nossa discussão falamos sobre:Por que Melancolia “concretizou” uma visão de mundo ligada ao niilismo e ao ceticismo (e por que isso mexe tanto).O lugar do filme na chamada “trilogia da Depressão” (Anticristo, Melancolia, Ninfomaníaca I e II).A melancolia como temperamento antigo (os humores, a “bílis negra”) e o filme como terra, fim e matéria.O prólogo como declaração estética: você começa pelo final — e o resto vira experiência de duração, corpo e olhar.#CinematografiaPodcast #Melancolia #LarsVonTrier #Cinema

Entre o silêncio e o disparo, Clint Eastwood transformou o olhar em linguagem — e fez do cinema um jeito de pensar o lugar que habita - os EUA, mas principalmente, o homem submetido à contingência. No Episódio 27 do Cinematografia Podcast, Flávia , Fernando e Jason atravessam a carreira de um cineasta que parece filmar sempre “com o mínimo de recurso e com o máximo de sentido”.

Da gênese do astro em Rawhide ao chamado europeu de Sergio Leone, a conversa segue uma cronologia afetiva e crítica: o forasteiro que não falava italiano, o Estranho sem Nome da Trilogia dos Dólares, o anti-herói que fala pouco e age muito — e o diretor que prefere o set tranquilo ao espetáculo do ego.

Ao longo do episódio, o trio também destaca temas recorrentes do Eastwood — como a contingência/acaso, a moralidade sob pressão e a forma como ele discute “o que é ser americano” em diferentes períodos históricos.

🎥 Neste episódio você verá:

Sergio Leone + Clint Eastwood: o superclose, o silêncio e o duelo como coreografia de tensão.

Trilogia dos Dólares (Por um Punhado de Dólares, Por Uns Dólares a Mais, Três Homens em Conflito) e o conceito do “homem sem nome”.

O método Malpaso: fazer o melhor com pouco, filmar rápido, e dirigir sem gritar “ação”.

Dirty Harry e a linha tênue entre justiça, sistema, moralidade e leitura política.

A fase da tragédia e do amadurecimento: Mystic River (Sobre Meninos e Lobos), Menina de Ouro e Gran Torino.

O Eastwood do amor e do tempo perdido: As Pontes de Madison como ferida delicada (daquelas que a gente tenta respirar depois).

Comenta aí: qual é o seu Clint Eastwood definitivo — o forasteiro do faroeste, o policial de “Dirty Harry”, ou o diretor da tragédia madura?

(Se curtir, se inscreve — bem discretamente, como o próprio Clint dirigindo.)

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Os irmãos Lumière não “inventaram” só um aparelho — eles abriram uma sala inteira dentro da nossa memória. E talvez cinema seja isso até hoje: tirar a cabeça da caixa e devolver o mundo como experiência coletiva.Neste episodios 26 do Cinematografia Podcast, Flávia Arielo, Fernando Geloneze e Jason Baroni comemoram os 130 anos do cinema (com a data-símbolo da primeira sessão pública em 28 de dezembro de 1895) e usam o documentário “Lumière: A Aventura Começa” (2016) como portal para o primeiro olhar cinematográfico — aquele que já sabia onde colocar a câmera antes mesmo de existir “regra”.A conversa também toca no segundo filme, “Lumière: A Aventura Continua”, que (por enquanto) aparece como ironia histórica: um documentário sobre o nascimento do cinema… difícil de encontrar em cartaz/streaming.🎥 Nesta conversa, o trio investiga:18 de março de 1895 (o primeiro registro filmado) vs. 28 de dezembro de 1895 (a sessão com público) — o que define “nascer” no cinema?Por que cinema é coletivo (e por que isso muda tudo em relação ao “cinema de caixa” individual).O olhar dos operadores Lumière: mise-en-scène, composição, profundidade de campo — tudo já estava lá.As imagens como documento histórico: ver Paris, Vietnã, Londres, ruas e rostos antes de virar “passado” na nossa cabeça.Documentário x ficção: a conversa confronta a ideia de que um é “real” e o outro é “inventado” — no cinema, tudo é recorte.E o presente: atenção fragmentada, algoritmo, streaming — o que a gente perdeu quando parou de olhar com calma?Um detalhe de experiência: o documentário é narrado em francês e, com legenda, vira um teste de atenção (às vezes você lê e perde a imagem — e precisa ver duas vezes).No final, o episódio encosta numa ideia simples e brutal: a gente vai ao cinema pra se sentir vivo — e isso atravessa século, formato e tecnologia.E você? O cinema ainda é uma experiência coletiva pra você — ou virou ruído de fundo? Comenta aqui embaixo.#CinematografiaPodcast #Cinema #IrmãosLumière #HistóriaDoCinema #Documentário

A casa não é apenas um cenário: é o depósito de cem anos de silêncios e fissuras que atravessam gerações. Em Valor Sentimental, o cineasta norueguês Joachim Trier nos convida a encarar não apenas o peso do passado, mas o custo emocional de permanecer.

Neste vigésimo quinto episódio, o trio Flávia, Fernando e Jason explora as camadas de um filme que, entre o luto e a metalinguagem cinematográfica, tenta decifrar o que resta após os traumas emocionais.A conversa parte da análise da "geografia interna" — um termo que define como o isolamento geográfico e climático da Escandinávia molda a introspecção de seus personagens. Através da história de duas irmãs e o retorno inesperado de um pai cineasta, o podcast discute se a arte é capaz de curar traumas geracionais ou se é apenas mais uma forma de fuga.🎥 Neste episódio, discutimos:A herança de Ingmar Bergman: O paralelo entre o protagonista Gustavo Borg (Stellan Skarsgård) e o clássico Morangos Silvestres, explorando o arquétipo do patriarca em busca de redenção.O "Valor Sentimental" das coisas: A casa como personagem central e a metáfora da rachadura que sobe do porão, representando feridas que o tempo cicatriza, mas nunca apaga.A metalinguagem e o "filme dentro do filme": Como Trier usa a construção de uma obra cinematográfica fictícia para forçar os personagens a confrontarem sua própria realidade.Trauma e Desconexão: O embate entre gerações e a dificuldade de diálogo em uma sociedade que, embora funcional, lida com altos índices de solidão e desespero.Para você, o "valor sentimental" de uma herança é um fardo que nos ancora ao sofrimento ou uma ponte necessária para o perdão? Deixe sua interpretação nos comentários.