Ela completaria 100 anos. E continua insubstituível. O episódio 40 do Cinematografia Podcast celebra o centenário de Marilyn Monroe analisando uma de suas obras-primas: Quanto Mais Quente Melhor (1959), de Billy Wilder.

Flávia Arielo, Fernando Geloneze e Jason Baroni conversam sobre o que faz esse filme resistir décadas, gerações e modas. A presença inimitável de Monroe, o roteiro de precisão cirúrgica assinado por Wilder e I.A.L. Diamond, e uma direção que equilibra farsa, comédia romântica e atmosfera noir sem nunca perder o fio. E, claro, as atuações brilhantes de Tony Curtis e Jack Lemmon.

O papo passa por:

Marilyn Monroe como fenômeno cinematográfico, além do mito.

A direção de Billy Wilder, sua ousadia moral e domínio narrativo.

A Lei Seca como cenário: gângsteres, jazz e crise econômica.

Por que o filme é tão frequentemente citado como a maior comédia de todos os tempos.

E aquele final!

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Se há um diretor capaz de unir em uma mesma história beleza, dilema moral e a fragilidade humana, essa pessoa é Paolo Sorrentino em seu mais recente filme, A Graça.

O filme nos apresenta a Mariano de Santis, o presidente da Itália em seus últimos meses de governo. Não no auge do poder, nem sequer envolvido em algum escândalo, mas sim na quietude da despedida. E nesse último momento, Mariano se divide melancolicamente entre a memória da esposa morta, o peso de uma decisão moral e sua própria velhice.

E onde entra a graça?

Terá que assistir a esse episódio do Sessão Extra para descobrir.

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O Diabo Veste Prada 2 reencontra Miranda Priestly em um mundo que continua obcecado por imagem, prestígio e poder, mas já não tolera essas forças do mesmo jeito.

No episódio 39 do Cinematografia Podcast, Flávia , Fernando e Jason analisam a sequência a partir de suas contradições mais interessantes: o fascínio por uma personagem implacável, a pressão sobre mulheres em posições de liderança, a crise do jornalismo, a transformação da indústria da moda e o peso de revisitar um filme que marcou uma geração.

Conversamos sobre como o longa atualiza os conflitos do primeiro filme sem abandonar seu apelo popular. Há espaço para o prazer do reencontro, para a excelência do elenco e para a experiência de assistir a esse retorno no cinema, cercado por uma plateia que também parece vestir a ocasião (literal e metaforicamente).

🎥 Você encontrará neste episódio:

•⁠ ⁠Miranda Priestly e o custo de permanecer poderosa em outro tempo.

•⁠ ⁠A ambição feminina tratada com desejo, renúncia e julgamento social.

•⁠ ⁠Moda e jornalismo como campos que passam por crises, prestígio e reputação.

•⁠ ⁠A sequência que encontra assuntos próprios para desenvolver, em sua própria época.

•⁠ ⁠A sessão de cinema como evento coletivo, elegante e afetivo (e as problemáticas que isso envolve).

•⁠ ⁠A distância entre o impacto duradouro do primeiro filme e a recepção deste novo capítulo.

💬 E para você: O Diabo Veste Prada 2 entende bem o presente ou se apoia mais na força da memória afetiva? Conta nos comentários.

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Aos 70 anos o cineasta dinamarquês Lars von Trier segue como uma das figuras mais incômodas, radicais e contraditórias do cinema europeu.

Infame por seu Dogma 95, idealizador de uma estética do desconforto, de uma cinematografia do mal, do luto e da depressão, a obra de von Trier formula algumas das perguntas mais difíceis da arte contemporânea: por que assistir a filmes que nos desestabilizam? E o que o cinema revela quando deixa de tentar nos proteger?

No episódio 38 do Cinematografia Podcast, Flávia, Fernando e Jason analisam a vida e a obra de Lars von Trier, passando por Ondas do Destino, Dançando no Escuro, Os Idiotas, Dogville, Anticristo, Melancolia, Ninfomaníaca e A Casa que Jack Construiu.

🎥 Neste episódio, falamos sobre:

* Dogma 95 e o voto de castidade como uma tentativa de criar regras impossíveis para libertar o cinema.

* O mal como personagem central: de Elemento de um Crime a A Casa que Jack Construiu.

* As Trilogias.

* As mulheres sacrificiais de Trier: inocência, sofrimento e redenção em Ondas do Destino, Dançando no Escuro e Dogville.

* Dogville e o minimalismo cênico como experimento moral e cinematográfico.

* Polêmica, autoria e persona non grata: o limite entre provocação pública e força estética.

* Tarkovsky, Dreyer e Bergman às avessas: as influências espirituais de um cinema profundamente negativo.

💬 E para você: Lars von Trier é um cineasta do mal ou daquilo que a civilização tenta esconder? Conta nos comentários.

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No episódio 37 do Cinematografia Podcast, Flávia Arielo, Fernando Geloneze e Jason Baroni analisam Labirinto, o avesso do conto de fadas: uma dark fantasy sobre o amadurecimento e tudo o que ele implica: o abandono da infância, a travessia pelo desejo e o enfrentamento dos monstros de uma nova fase da vida.

Dirigido por Jim Henson em 1986, estrelado por ninguém menos que David Bowie no papel do Rei dos Duendes e por Jennifer Connelly como Sarah, o filme transforma bonecos, animatrônicos, música pop e grotesco em uma jornada de iniciação. Entre o fascínio nostálgico e o estranhamento contemporâneo, o episódio investiga o que ainda pulsa nesse clássico cult dos anos 1980 — e por que seu cinema artesanal parece tão distante do que se produz hoje.

🎥 Neste episódio, a conversa passa por:

•⁠ ⁠O labirinto como rito de passagem, para além de pura fantasia.

•⁠ ⁠O quarto de Sarah como mapa visual da memória, do acúmulo e da infância em despedida.

•⁠ ⁠O papel de Bowie como Rei dos Duendes numa fantasia ambígua, entre desejo, perigo e performance pop.

•⁠ ⁠Os animatronics como cinema artesanal em extinção.

•⁠ ⁠O grotesco como linguagem visual, repleto de monstros e contos de terror.

•⁠ ⁠A inesquecível trilha sonora de David Bowie.

•⁠ ⁠Os anos 80 como imaginário cult.

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Até onde o cinema consegue, de fato, reproduzir um artista cuja imagem nasceu maior que a tela?A cinebiografia Michael, dirigida por Antoine Fuqua e estrelado pelo sobrinho do rei do pop, Jaafar Jackson, atravessa a infância de Michael, com “The Jackson 5” até o auge da era Bad, exibindo um espetáculo musical, nostalgia e construção dramática. Mas a pergunta que move a conversa do trio é outra: quando uma cinebiografia parece, soa e dança como seu personagem, o que ainda falta para que ela tenha alma?No episódio 36 do Cinematografia Podcast, Flávia Arielo, Fernando Geloneze e Jason Baroni analisam Michael, passando pelo fanservice nas cinebiografias musicais, pela dificuldade de filmar a genialidade artística e pela ideia de aura na reprodução de um ícone.🎥 Neste episódio, a conversa passa por:•⁠ ⁠A cinebiografia como espetáculo: entre cinema, memória e homenagem ao fã.•⁠ ⁠A aura de Michael Jackson, sua presença, ausência e o limite da reprodução.•⁠ ⁠O fanservice musical, pensando quando a nostalgia emociona e quando ela esvazia.•⁠ ⁠A construção do artista Michael e sua relação com James Brown e Quincy Jones.•⁠ ⁠A experiência sonora e visual: shows, direção de arte e sensação de palco.•⁠ ⁠O dilema das cinebiografias.💬 E para você: Michael funciona mais como cinema, como homenagem ou como tentativa impossível de recuperar uma aura que só existia no próprio Michael Jackson? Conta nos comentários.#CinematografiaPodcast #Michael #MichaelJackson #AntoineFuqua #JaafarJackson #Cinebiografia #ReiDoPop #Cinema #AnaliseDeCinema #PodcastDeCinema

Dois desajustados vestidos impecavelmente em seus ternos pretos, um carro improvável e uma missão divina: eis o roteiro excepcional de “The Blues Brothers”, de John Landis, um dos maiores diretores de comédia dos anos 1980.

No episódio 35 do Cinematografia Podcast, Flávia Arielo, Fernando Geloneze e Jason Baroni revisitam The Blues Brothers e o impacto cultural desse filme e a estranha combinação entre música, comédia e redenção.

Entitulado no Brasil como “Os Irmãos Cara de Pau”, o filme parece apenas um pastelão à primeira vista, mas é na mistura entre o o non sense e a maravilhosa música negra norte-americana que reside sua característica mais original. Uma super aposta da Universal Pictures, que contou com a presença dos maiores artistas do blues e soul dos EUA: Cab Calloway, Aretha Franklin, James Brown, John Lee Hooker e Ray Charles.

🎥 Neste episódio, a conversa passa por:

•⁠ ⁠A missão divina como motor cômico e moral da narrativa.

•⁠ ⁠O blues como herança cultural e energia dramática do filme.

•⁠ ⁠O absurdismo como linguagem e não só como gag.

•⁠ ⁠A fotografia como surpresa formal dentro da comédia.

•⁠ ⁠John Landis como elo entre humor, música e cultura pop.

•⁠ ⁠O título brasileiro como tradução menos tosca do que parece.

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O Sessão Extra comemora os 25 anos de um marco do cinema independente: Donnie Darko. Mesmo após mais de duas décadas, o filme continua rendendo grandes discussões, teorias da conspiração e debates existenciais profundos.

Neste episódio, Flávia e Jason analisam a maestria da direção de Richard Kelly, a dificuldade de enquadrar a obra em um único gênero cinematográfico e os paradoxos de um roteiro brilhantemente labiríntico.

Destacamos também a força do elenco, com foco absoluto na atuação que consagrou a carreira de Jake Gyllenhaal.

Adolescência, crescimento, adequação, amor, desejo, viagem no tempo, medo e livre-arbítrio: Donnie Darko de fato é uma obra complexa. Impulsionado por uma trilha sonora inesquecível e por uma visão niilista de vida e tempo, este é um debate imperdível para quem ama cinema.

Neste episódio 34 do Cinematografia Podcast, Flávia Arielo, Fernando Geloneze e Jason Baroni analisam Devoradores de Estrelas, filme estrelado por Ryan Gosling que tem se destacado como sucesso de público e crítica.

A obra parte de uma missão espacial, mas a discussão aqui vai por outros caminhos: o esgotamento do heroísmo numa era em que o indivíduo ainda sabe muito, mas se sacrifica pouco. Ao mesmo tempo em que honra a ciência,

Devoradores de Estrelas também procura calor humano no vazio, aproximando método científico, uma amizade improvável e a velha melancolia dos astronautas tão bem retrata pelo cinema.Devoradores de Estrelas transforma a ficção científica num teste moral: não basta saber salvar o mundo, é também preciso desejar fazê-lo. O filme é atravessado pela solidão cósmica e cheio de referências clássicas a grandes filmes de sci-fi, principalmente 2001: uma Odisséia no Espaço e Interestellar.

🎥 Neste episódio, a conversa passa por:

O método científico em cena: quando a narrativa transforma cálculo em emoção.

Rocky como um ser estranho que se humaniza sem perder o mistério.

A linguagem do filme entre direção de arte, acessibilidade e imaginação cósmica.

💬 E para você: Devoradores de Estrelas funciona mais como aventura espacial, fábula sobre amizade ou reflexão sobre o que ainda significa ser herói? Conta nos comentários.

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Antes de existir qualquer ideia de futuro no cinema, Fritz Lang já tinha filmado o medo que ele produziria. Estamos falando de Metropolis, filme de 1927, que hoje, cem anos depois, ultrapassa o conceito de “clássico” para se transformar no filme que funda grande parte da linguagem cinematográfica.

No coração do expressionismo alemão, Metropolis transforma arranha-céus, engrenagens, multidões e sombras em metáfora da desigualdade, da alienação e da promessa tecnológica que cobra demais do humano. Quase um século depois, a pergunta continua intacta: o que acontece quando a técnica cresce mais rápido que a ética?

No episódio 33 do Cinematografia Podcast, Flávia Arielo, Fernando Geloneze e Jason Baroni reinterpretam Metropolis, passando por sua força estética, seu imaginário religioso e sua influência decisiva sobre a ficção científica e sobre a própria maneira como o cinema aprendeu a pensar a modernidade.

🎥 Neste episódio, a conversa passa por:

•⁠ ⁠A luta de classes em cena e a máquina como forma de organizar a desigualdade.

•⁠ ⁠Maria como figura messiânica, repleta de simbolismos cristãos.

•⁠ ⁠Apocalipse, Babel e o subsolo: a dimensão religiosa do horror tecnológico.

•⁠ ⁠A cópia reencontrada na Argentina e o filme como sobrevivência histórica em reconstrução.

•⁠ ⁠Fritz Lang e o surgimento da ficção científica no cinema.

💬 E para você: Metropolis funciona mais como profecia tecnológica, parábola religiosa ou crítica política da modernidade? Conta nos comentários.

Obras citadas nesse episódio:

O Gabinete do Dr. Caligari (1920) - Robert Wiene
Blade Runner (1982) - Ridley Scott
A Paixão de Joana d’Arc (1928) - Carl Theodor Dreyer
São Paulo S.A. (1965) - Luís Sérgio Person
Alphaville (1965) - Jean-Luc Godard
O Encouraçado Potemkin (1925) - Sergei Eisenstein
Tempos Modernos (1936) - Charles Chaplin
Drácula (1931) - Tod Browning
King Kong (1933) - Merian C. Cooper e Ernest B. Schoedsack
O Mágico de Oz (1939) - Victor Fleming
...E o Vento Levou (1939) - Victor Fleming
Cidadão Kane (1941) - Orson Welles
Casablanca (1942) - Michael Curtiz
Cleópatra (1963) - Joseph L. Mankiewicz
Ben-Hur (1959) - William Wyler
Frankenstein (1910) - J. Searle Dawley
De Volta para o Futuro (1985) - Robert Zemeckis
Pobres Criaturas (2023) - Yorgos Lanthimos
Megalópolis (2024) - Francis Ford Coppola
Metrópolis (2001) - Rintaro