🎙️ En su película más reciente, Pedro Almodóvar no cuenta una historia: se cuenta a sí mismo.

Amarga Navidad es una ficción dentro de una ficción dentro de su propio imaginario autobiográfico, con un director de cine como alter ego, que vampiriza la vida de quienes lo rodean para alimentar su siguiente proyecto. Incómodo, honesto, y a ratos hilarante.

En este episodio de CinePlacebo hablamos del metalenguaje como forma de confesión, de la construcción física de Sbaraglia como un Almodóvar idealizado, de la confrontación final entre los personajes de Sánchez-Gijón y él, de una fotografía que se ve exactamente igual a siempre,

De por qué esta película pertenece a la misma familia que 8½, La noche americana y Valor sentimental: directores hablando de directores, con todas las vergüenzas sobre la mesa.

¿Vale la pena? Sí — pero no para quienes buscan respuestas fáciles.

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En este episodio de CinePlacebo hablamos de Bring Her Back (Haz que regrese), lo nuevo de los hermanos Philippou —los mismos de Talk to Me y Babadook— producido por A24 y disponible en HBO. Una película que no juega con las reglas del terror convencional: aquí no hay oscuridad, no hay golpes de banda sonora. Hay luz, hay casas amplias, hay una madre que parece cuidar… y algo completamente retorcido debajo de todo eso.

Analizamos cómo los Philippou construyen tensión a través de la ambigüedad visual, por qué la fotografía cálida y abierta resulta más perturbadora que la oscuridad clásica del género, y qué tienen en común el niño silente y la figura de Laura como dos caras del mismo horror. También hablamos del vínculo entre los dos hermanos protagonistas como el verdadero corazón emocional de la historia.

Bring Her Back es terror lento, psicológico, australiano. Y funciona.

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Cuatro mujeres. Cuatro generaciones. Una sola finca en la Alemania rural que lo va cambiando todo sin que nadie lo note.

Sound of Falling, de Mascha Schilinski, es una de esas películas que no te cuenta una historia — te sumerge en varias al mismo tiempo, y cuando salís, algo se movió. En este episodio hablo de cómo la directora construye un mosaico que va desde principios del siglo XX hasta la contemporaneidad, siguiendo a cuatro chicas en distintos momentos de despertar: a la muerte, al deseo, a la rebeldía, a sí mismas.

Hablamos de fotografía de tonos ocres que abrazan sin calentar, de cámaras que espían detrás de puertas y vidrios, de una figura fantasmagórica que acompaña cada historia, y de por qué esta película es una arqueología del deseo femenino más que un manifiesto feminista.

Si te gusta el cine europeo de autor que te sigue pensando solo días después, este episodio es para vos.

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En este episodio hablamos de Nouvelle Vague, la película más reciente de Richard Linklater (Boyhood, la trilogía Antes del…), un homenaje íntimo y apasionado al movimiento cinematográfico francés que cambió el cine para siempre: la Nueva Ola Francesa de los años 60.

La película se centra en Jean-Luc Godard y la gestación de À bout de souffle, y a través de él, en lo que significa romper todas las reglas con convicción, miedo y una cámara en la mano. Hablamos de sus colaboraciones con Belmondo y Seberg, de cómo la precariedad técnica se convirtió en estilo, y de por qué el cine de autor que tanto amamos hoy tiene su raíz en lo que hizo ese grupo de críticos-directores hace más de seis décadas.

¿Hay que conocer la Nouvelle Vague para disfrutar la película? No. Pero si la conoces, se multiplica todo. Escucha y descúbrelo.

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En este episodio de CinePlacebo hablamos de Michael, el esperado biopic sobre Michael Jackson dirigido por Antoine Fuqua, que llega para dividir a la crítica y conquistar al público.

¿Puede una película sobre el artista más grande del pop decirlo todo cuando su propio legado está en la mesa? Analizamos lo que la película acierta —y vaya que acierta: Jaafar Jackson en un debut que quita el aliento, Colman Domingo como un Joseph Jackson que intimida de verdad, y secuencias de coreografía que te transportan a los 80— pero también lo que deliberadamente evita: el deterioro, los conflictos reales, la complejidad oscura de un hombre que creció sin infancia.

Un episodio para fans del artista, para cinéfilos exigentes y para quienes quieran entender por qué este tipo de proyectos son siempre una negociación entre la verdad y el legado.

Déjanos saber en los comentarios: ¿eres del lado de la música o del lado del cine?

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HBO tiene una serie que el algoritmo casi no te recomienda — pero quienes la encuentran no la sueltan. DTF St. Louis llega con un elenco que de entrada ya engancha: Jason Bateman en su zona de confort moral, David Harbour en un papel que te rompe el corazón y Linda Cardellini completando un triángulo que no es lo que parece.

En este episodio hablamos de por qué esta miniserie funciona tan bien: su estructura en flashback que convierte cada escena de amor en una escena de sospecha, sus personajes de mediana edad buscando volver a sentirse vivos, y esa amistad masculina entre los dos protagonistas que roza algo más profundo que una ruta en bicicleta. Un thriller que no juzga — abraza.

¿Ya la viste? Deja tu opinión en los comentarios.

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¿Cuánto conoces realmente a tu familia? No a los que elegiste — a los que simplemente estaban ahí. Father Mother Sister Brother (2025), la más reciente película de Jim Jarmusch y ganadora del León de Oro en Venecia, hace exactamente esa pregunta. Y la responde con silencios.

En este episodio de CinePlacebo analizamos esta película episódica en tres actos: un padre y sus hijos en New Jersey, una madre y sus hijas en Dublín, y dos hermanos gemelos en un reencuentro que lo cambia todo. Hablamos de por qué el silencio es el personaje principal, de las pulsaciones que hilan los tres episodios, y del elenco extraordinario que Jarmusch reúne una vez más: Tom Waits, Adam Driver, Mayim Bialik, Charlotte Rampling, Cate Blanchett.

También hablamos de Jarmusch como figura generacional — de por qué Ghost Dog y Paterson siguen siendo películas de vida — y de por qué esta película no es para todos, pero para quien la recibe, lo hace profundo.

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¿Qué significa crecer siendo el hijo del narco más temido de la historia? No en los titulares, sino en la intimidad: entre sicarios que no querían ser niñeros, lujos que se sentían como rejas, y una familia que se fracturaba en cámara lenta. Eso es Dear Killer Nannies, la nueva serie de Disney+ creada por el propio Juan Pablo Escobar junto a Pablo Farina y Sebastián Ortega.

En este episodio analizamos una producción que sorprende por dónde aparece —Disney no es terreno habitual para este tipo de material— y por cómo está construida: dos líneas temporales, la voz real de Juan Pablo narrando su propia historia, John Leguizamo habitando a Pablo Escobar con una presencia física muy potente, y una fotografía de exportación rodada en Antioquia.

Pero más allá de la factura técnica, hay una pregunta que la serie activa y no resuelve: ¿de qué se quiere redimir Juan Pablo Escobar? Eso es lo que discutimos hoy.

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En este episodio de CinePlacebo analizamos Peaky Blinders: El Hombre Inmortal, la película de Netflix dirigida por Tom Harper que extiende el universo creado por Stephen Knight. ¿Era esto lo que necesitaba Tommy Shelby?

Hablamos del Tommy en decadencia que nos presenta Cillian Murphy —lejos del poder, cerca de la muerte—, del relevo generacional en manos de los actores Barry Keoghan y Rebecca Ferguson, y de lo que Tim Roth hace con un antagonista que no invade con balas sino con corrupción económica. La estética, el soundtrack y los trajes siguen siendo un placer. Pero hay una pregunta que no podemos evitar: ¿Esta película existe porque la historia lo pedía, o porque el mercado lo garantizaba?

La comparación con El Camino (Breaking Bad) es inevitable. Y no siempre sale ganando.

Escúchanos, opina, y cuéntanos: ¿necesitabas este cierre?

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En Nuremberg (2025), James Vanderbilt reconstruye el nacimiento del primer tribunal internacional por crímenes de lesa humanidad. Pero más que el juicio, la película explora lo que sucede cuando un psiquiatra con agenda propia se sienta frente a la cúpula nazi superviviente.

En este episodio hablamos de por qué Russell Crowe se roba la película interpretando a Hermann Göring sin convertirlo en caricatura; de la honestidad incómoda del personaje de Rami Malek, que no es el héroe que esperabas; y de cómo el último tercio transforma lo que parecía una producción de reivindicación aliada en algo más oscuro y más urgente.

También de la gran pregunta que deja la película sin responder: ¿hay algo que diferencie a quien comete estas atrocidades del resto de la humanidad?

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