Was ist eigentlich dieser deutsche Expressionismus, über den

Robert Wienes Film ist ein in der Avantgarde verankerter

Das Cabinet des Dr. Caligari, DE 1920, Regie: Robert Wiene

Der Film ist auf Blu-ray bei Universum in der Edition der umtriebigen Murnau-Stiftung erschienen, die wie immer hervorragende Arbeit mit der Restaurierung geleistet hat. Als Extra dient unter anderem die 50-minütige Doku DR. CALIGARI – DIE GEBURT DES HORRORS IM ERSTEN WELTKRIEG vom formidablen Filmkritiker Rüdiger Suchsland, die sich stark an Siegfried Kracauer orientiert, dessen Studie VON CALIGARI ZU HITLER er aber nicht in den Kontext einer bewusst eingenommenen Perspektive stellt, die Kracauer zur Wissensgewinnung einnahm, sondern Bezüge zuweilen als sehr absolut darstellt. Wir selbst haben die Blu-ray aus der Masters of Cinema–Reihe von Eureka gesehen, die ebenfalls die Doku bietet, zugleich aber auch einen weiteren filmischen Essay und einen Audiokommentar bietet.

Im letzten Jahr haben unsere Freunde vom Spätfilm schon über Caligari gesprochen.

Für den Podcast wurden Soundeffekte von der Seite Freesound.org verwendet (Beschreibungen in Englisch):

• Film Projector Countdown.flac by qubodup, licensed under Creative Commons 3.0 Attribution, the original file was edited (shortend) and is part of a mix of several sound layers.
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Ein besonderer Dank geht an Florian Hoffmann, der unseren bescheidenen Intro-Text wie ein Ereignis hat klingen lassen. Alle unsere Versuche, ihn mit Nachbearbeitung auf unser Niveau herabzuziehen, sind zum Glück fehlgeschlagen.

Bette Davis spielt die junge Debütantin, die bald im Süden der USA verheiratet werden soll. Soweit bekannt aus den großen Tagen Hollywoods. Problem nur: sie ist bei HUSH… HUSH, SWEET CHARLOTTE weit über 50 und soll sogar eine Frau über 60 spielen. Wir sehen schon, hier wird reflektiert und schon postmodern mit der Filmgeschichte gearbeitet, sogar noch bevor New Hollywood dies zur Norm macht. Robert Aldrich, zu dieser Zeit einer der wenigen Regisseure, die auch ihre Filme produzieren dürfen, merkt aber, dass er nur so Leute vom TV in das Kino ziehen kann. Und er schafft es auch, politischen Subtext zu bieten, denn er erschafft einen Film, der tief im Southern Gothic verankert ist und so auch die aktuellen Rassenunruhen kommentiert, indem er zeigt, wie die schwarze Bevölkerung im Süden immer noch die Diener sind, aber auch, indem er mit Agnes Moorhead eine weiße Schauspielerin die Rolle im gleichen, rassistisch geprägten Stil spielen lässt, die in Filmen wie GONE WITH THE WIND (1939) noch schwarze Darsteller spielen mussten. Aber der Film ist weit mehr Komödie, klassisches Schauspiel auf 12 gedreht und eine radikale Selbstparodie der Schauspieler, neben Davis auch Joseph Cotton oder Olivia De Havilland, die ihre Klischee-Rolle alter Zeiten auseinandernehmen dürfen. Man merkt: Aldrich ist einer dieser Mavericks in Hollywood, die den Weg für die jungen Wilden frei gemacht hat, die schon bald das US-Kino auf links drehen werden.

Hush… Hush, Sweet Charlotte (de.: Wiegenlied für eine Leiche), USA 1964, Regie: Robert Aldrich

Wir haben die Blu-ray von Filmjuwelen gesehen. Diese ist, auch in den Extras, baugleich mit dem älteren Release aus England als Teil der Masters of Cinema-Reihe von Eureka. Top Umsetzung mit tollem Bild, das der grandiosen Photographie des Films gerecht wird.

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Ein besonderer Dank geht an Florian Hoffmann, der unseren bescheidenen Intro-Text wie ein Ereignis hat klingen lassen. Alle unsere Versuche, ihn mit Nachbearbeitung auf unser Niveau herabzuziehen, sind zum Glück fehlgeschlagen.

Stanley Kubrick wurde schon so oft und weit besprochen, dass wir uns fast unsicher sind, ob wir über einen seiner Filme in einer Art reden können, in der wir uns nicht zu wenig vorbereitet sind. Das liegt auch am Filmemacher und seinem Mythos, den er auch in BARRY LYNDON hinterlegt hat: Bezüge zur literarischen Vorlage, die deren historistischen Blick neu erarbeiten, die Nutzung von musealen und damit quasi intellektuellen Strategien, der unzuverlässige Erzähler und trotz emotionalen Momenten eine Distanz, bei der wir, wie bei Kubrick so häufig, nicht wirklich wissen, wer diese Hauptfigur eigentlich ist… Stanley Kubrick ist ein eigener Autor, einer mit absolutem Kontrollanspruch. Dies erkennen wir auch anhand des Films und seinen erzählerischen und interpretatorischen Effekten, die effektiv, aber auch bewusst ausgestellt sind. Kubrick erzeugt literarische Effekte als filmische neu und bezieht sie auf die Jetzt-Zeit.  Übrigens auch nicht ohne eine gehörige Portion Humor und satirische Seitenhiebe.

Barry Lyndon, UK / USA 1975, Regie: Stanley Kubrick

Wir haben die Blu-ray von Warner gesehen, die leider auch dank mauer Bit-Rate visuell recht schwach auf der Brust ist..

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Monte Hellman inszeniert das maximale Dagegen, verweigert uns klassische Narrationsstrategien und löst kein Versprechen auf Spektakel oder Attraktion ein. Dagegen stellt er radikalen Individualismus und Egoismus, der nur über Autos mal zur kurzen Gemeinschaftlichkeit führen kann, eingebettet in endlose Realismus- und Immanenz-Strategien. TWO-LANE BLACKTOP ist Auteurismus, der selbst für New Hollywood extrem ist, Hellman scheint näher an Antonioni als an Coppola. Schauspieler hat der Film kaum, Warren Oates werden die Newcomerin Laurie Bird und die beiden Musiker James Taylor und Dennis Wilson entgegengestellt. Das ist gewünscht: denn nur Oates Charakter ist noch in der Moderne verankert, verfolgt die Träume des alten Amerikas und der alten Filmwelt, die anderen sind existenzielle Langeweile. Nichtdestotrotz nimmt Hellman an exponierter Stelle sein eigenes Realismus-Versprechen wieder zurück: alles ist und bleibt doch Kino. Und es ist, auf seine Art, humorvoll und unterhaltsam.

Two-Lane Blacktop (de.: Asphaltrennen), USA 1971, Regie: Monte Hellman

Wir haben die Masters of Cinema-Blu-ray von Eureka gesehen, die ordentlich und mit guten Extras ausgestattet ist. Eine deutsche Blu-ray gibt es von Koch.

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Vera Chytilovás zweiter Film ist tief in seiner Zeit verankert: 1966, zwei Jahre vor dem Prager Frühling und mitten in der Tschechoslowakischen Neuen Welle, die sie mit anderen Absolventen der berühmten FAMU in  Prag stark prägen sollte. DAISIES ist ein im heutigen Kontext schwierig zu dekodierendes Werk, das irgendwo zwischen der Nouvelle Vague in der Prägung eines Jean-Luc Godard und dem russischen Montage-Kino wie filmischer Situationismus anfühlt. Wir diskutieren, ob der Film trotz fehlender psychologischer Tiefe in den Charakteren wirklich einer surrealistischen Strömung in der Neuen Welle zugeordnet werden sollte, wie er fast ausschließlich Top-Down-Denkprozesse bei seinem Publikum auslöst und was die experimentelle und ausgestellte Ästhetik und der Humor für eine Rolle spielen. Wir sind uns nur in einer Sache sicher: mit seinem ausgestellten Plädoyer für den Individualismus und zwei Figuren, die sich allen Anforderungen einer hart-arbeitenden Bürgerin verweigern, musste der Film selbst vor dem Einmarsch sowjetischer Truppen in seiner Heimat zensiert werden.

Sedmikrásky (de.: Tausendschönchen, en.: Daisies), CS 1966, Regie: Vera Chytilová

Wir haben die Blu-ray von Second Run aus Großbritannien geschaut, die zwei tolle Audiokommentare bereithält und ein sehr gutes Bild liefert. Mit anderen Extras ausgestattet, aber sicherlich gleiche, hohe Qualität bietet die deutsche Veröffentlichung von Bildstörung.

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Den Western runterdampfen, bis nur noch fünf, sechs Plot Points übrigbleiben: Peter Fondas offizielles Regiedebüt von 1971 ist eine Übung in kunstvollem Minimalismus. Der Cowboy, den Fonda hier spielt, ist vor sieben Jahren vor seiner Verantwortung als Familienvater davongelaufen und hat in der Prairie die Freiheit gesucht. Jetzt hat er genug vom unbeständigen Leben und will es doch nochmal mit seiner Frau Hannah (Verna Bloom) versuchen. Er bringt seinen besten Freund Arch (Warren Oates) mit auf die Farm. Aber eventuell holt ihn seine Vergangenheit als halber Outlaw wieder ein. Als einen Anti-Western hat man damals THE HIRED HAND in der Kritik gerne bezeichnet, aber das stimmt nicht: natürlich atmet Fondas Film aus jeder Pore Gegenkultur und enorme Skepsis gegen jede Form von Norm und Autorität. Aber gleichzeitig werden hier auch Konventionen des Genres fleißig erfüllt, sollen wir als Publikum vieles aus unserer Seherfahrung wiedererkennen. Aber nicht – wie sonst im New Hollywood so beliebt – als selbstreflexives Referenztheater. Wir unterhalten uns darüber, was Fonda von den movie brats der Zeit unterscheidet, wie THE HIRED HAND uns dazu bringt, über die Regeln und Normen des Westerns nachzudenken, gerade weil er sie erfüllt. Und schwärmen über Schauspiel und Vilmos Zsigmonds Kamera.

The Hired Hand (de.: Der weite Ritt), USA 1971, Regie: Peter Fonda

Wir haben die neue Blu ray von Koch Media gesehen: das Remaster des Films ist fantastisch. Die Extras sind ebenso zahl- wie hilfreich, aber leider nur in SD vorhanden.

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Enzo Barboni war ein Kameramann, u.a. auch für Sergio

Nebenbei sprechen wir aber auch über unsere ersten 100

E poi lo chiamarono il magnifico (de.: Verflucht, Verdammt und Halleluja, en.: Man of the East), I 1972, Regie: E.B. Clucher (Enzo Barboni)

Wir habe die sehr ordentliche Blu-ray von Koch Media gesehen, die neben spannendem Zusatzmaterial und hervorragendem Bild auch Untertitel bietet, die sich beim italienischen Original bedienen. Bei diesem Film besonders wichtig und sehr, sehr lobenswert!

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Regisseur SABU dreht seinen Erstling in einer Zeit, die als

Dangan Ranna (de.: Dangan Runner – Wie eine Kugel im Lauf, en.: Non-Stop / Dangan Runner), J 1996, Regie: SABU

Wir haben die Blu-ray von Third Window Films gesehen, die auch eine deutsche Menü-Variante vorhält, die wohl bei REM erscheinen sollte. Visuell haben die Spezialisten aus UK alles aus dem Filmmaterial rausgeholt. Die Extras sind recht zahlreich, aber teilweise schwach gefilmt oder  inhaltlich sehr anekdotenhaft. Das Interview mit SABU ist dafür gelungen.

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Filmfans und Filmkritiker lieben Brian De Palma, seien wir

Doch es zeigt sich zugleich eine Schwäche, die auch in der Zitate-lastigen Erzählform ihre Ursache hat, denn der herbeigebrachte Bruch, deutlich an Hitchcock orientiert und in sich eine kluge Idee, überführt den Film in eine schwächere Konstruktion, die ihre Erzählung weg von der subjektiven Psychologisierung hin zu einer Nexus-Erzählung umbaut. Aber kann man einem Film vorwerfen, dass er nach der ersten, filmisch quasi perfekten 30 Minuten nicht mehr auf dem Niveau bleiben kann?

Dressed to Kill, USA 1980, Regie: Brian De Palma

Wir haben die Blu-ray von Arrow Video gesehen. Bild und Extras sind auf gewohnt hohem Niveau. Allenfalls einige Extras nerven etwas, weil dann der De Palma-Kult gegenüber interessanten Informationen überwiegt.

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Es ist manchmal nicht einfach für den Mega-Star in Hollywood: Olivia de Havilland darf, wie so häufig, nicht ganz so attraktiv wirken, wie sie eigentlich ist, denn sie spielt hinter den Kostümen des 19. Jahrhunderts das Mädchen von Nebenan. Und dann ist da noch dieser Montgomery Clift und stört die klassische Dynamik am Set mit seinem modernen Method Acting. Doch Regisseur William Wyler weiß genau, was er da tut. Seine Schauspieler sind zentral für die Filmerzählung, für Olivia de Havilland springt dabei wie fast schon geplant ein Oscar als beste Hauptdarstellerin raus. Damit ihre klassische, das Innere immer klar telegraphierende Figurenzeichnung funktioniert, brauchen wir den kaum lesbaren, realistisch wirkenden Clift als Gegenpol. Damit hebt Wyler auch seinen THE HEIRESS aus der Masse der Melodramen heraus und spricht weniger über die Vergangenheit als über die Brüchigkeit der aktuellen Situation der jungen Generation nach dem Zweiten Weltkrieg. Er behandelt seine Themen mit tiefem Humanismus und verweigert so einfache Lösungen.  Zudem bringt er die Möglichkeiten der Tiefeninszenierung an die Grenzen des technisch Möglichen. So funktioniert die oberste Garde des Hollywood-Kinos!

The Heiress (de.: Die Erbin), USA 1949, Regie: William Wyler

Wir haben die Blu-ray aus der Criterion Collection gesehen, die in England erhältlich ist und atemberaubende Bild- und Tonqualität bietet.

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