Kein Gedanke an eine Franchise, kein beflissenes Worldbuilding, keine Zukunft: stattdessen zeichnet George Miller im ersten MAD MAX eine brüchige, fiese, zynische psychologische Landschaft, eine kaputte Kartographie der Männlichkeit Ende der 1970er Jahre. Wir unterhalten uns über diesen verrückten Max, dem nach und nach die Optionen ausgehen: Polizist kann man in der Postapokalypse nicht sein, liebender Familienvater auch nicht. Warum also nicht einfach wahnsinnig werden, maximal sexuell und thanatös mit dem eigenen Auto verschmelzen, als hätte JG Ballard eine Actionversion von CRASHgeschrieben? Und dann ist da noch die makellose, dreckige Inszenierung der Verfolgungsjagden, oft in fast völliger Abstraktion: im Weitwinkel verzerrte Muscle Cars, die V-förmig an die Kameralinse heranschießen, verrückte Zooms bei 120 Meilen die Stunde und Stunts, die in ernsthaften, echten Verletzungen enden. George Miller zeigt uns das in Zeitlupe, und er schneidet nicht weg.

Mad Max, AUS 1979, Regie: George Miller

Die Blu ray von Warner ist zwar weitgehend befreit von Extras, dafür ist das Bild aber sagenhaft gut restauriert.

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Ein besonderer Dank geht an Florian Hoffmann, der unseren bescheidenen Intro-Text wie ein Ereignis hat klingen lassen. Alle unsere Versuche, ihn mit Nachbearbeitung auf unser Niveau herabzuziehen, sind zum Glück fehlgeschlagen.

Teil 3 unserer losen Reihe zur Neuen Tschechoslowakischen Welle: diesmal mit Ivan Passers INTIMATE LIGHTING. Es geht um die Möglichkeit und Unmöglichkeit, wieder nach Hause zu kommen. Der Heimkehrer ist hier Petr (gespielt von Zdenek Bezusek), professioneller Musiker, der zu einem Gastspiel in das Dorf zurückkehrt, in dem er geboren wurde. Dort ist sein alter Freund Bambas (Karel Blazek) hängen geblieben – ebenfalls studierter Musik, aber wegen Familie und anderen Verpflichtungen hat es nur zum Musiklehrer gereicht. Was folgt, ist eine Reihe von fein beobachteten, oft sehr komischen Sequenzen, die immer wieder zwischen individueller Erfahrung und größerem gesellschaftlichem Zusammenhang vermitteln.  Wir reden darüber, wie der Film es schafft, persönlich zu sein, ohne apolitisch nur Befindlichkeiten zu verhandeln. Wie er ganz im Stil der Neuen Wellen das Lockere, Einfangende behauptet, aber ganz präzise kleine Gags und große soziale Dynamiken konstruiert. Und spekulieren darüber, warum das Regime diesen aus heutiger Sicht leisen, melancholischen Film sofort verboten hat.

Intimní osvĕtlení (de.: Intime Beleuchtung, en.: Intimate Lighting), CSK 1965, Regie:
Ivan Passer

Kein europäisches Label macht sich so sehr um das mittel- und osteuropäische Kino verdient wie Second Run. Auch Intime Beleuchtung hat hier eine wunderbare Blu ray-Veröffentlichung bekommen, inklusive Passer-Interview und einem frühen Kurzfilm.

Im Podcast erwähnen wir den frisch erschienen Überblicksband Tschechoslowakische Neue Welle: Das Filmwunder der Sechziger, herausgegeben von Andreas Rauscher, Josef Rauscher und Jonas Engelmann und erschienen beim Ventil-Verlag. Keine Werbung und wir kriegen auch keine Provision für den Link: das ist einfach nur ein sehr empfehlenswertes Buch, das ihr unter diesem Link direkt beim Verlag bestellen könnt.

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Wirr sei Dennis Hoppers Nachfolger zum epochalen EASY RIDER, hörte man

Zwischendrin: Kansas praktiziert freie (?) Liebe in der freien (?) Natur

The Last Movie, USA 1971, Regie: Dennis Hopper

Wir haben die restaurierte Fassung auf der wunderbaren neuen Blu-ray von Indicator gesehen. Nicht nur ist der Film so restauriert, dass es Laslo Kovacs Fotografie angemessen ist. Die Disc ist auch bis zum Rand gefüllt mit großartigen Extras, zum Beispiel einer mehr als launigen Doku über Hoppers langjährige Wegbegleiter (wahrscheinlich korrekt immer wieder als henchmen bezeichnet).

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Ode an das Mittelmaß: vielleicht beschäftigen wir uns als Cinephile und Filmhistoriker viel zu sehr mit Klassikern, anerkannten Geniestreichen und überhaupt sehr wichtigen Filmen. Dabei besteht der Großteil der Filmgeschichte aus dem Durchschnitt. Filmen, welche vielleicht ein, zwei hübsche Ideen haben, aber ansonsten erzählerische Normen sklavisch erfüllen, handwerklich routiniert gemacht sind, gerne in ihrer Gediegenheit auch mal langweilen. Genau so ein Film ist Gerhard Lamprechts EIN GEWISSER HERR GRAN, mit gelegentlichen Ausschlägen des Qualitätsmeters nach oben. Hans Albers gibt hier den deutschen Geheimagenten Gran, der hinter einem abstrusen MacGuffin her ist. Natürlich bemühen sich darum auch diverse zwielichtige Gestalten auf der Gegenseite. Herr Gran ist ein Proto-Bond – immer unerhört lässig, unbedingt modern und hervorragend gekleidet. Klingt alles spannend, ist es aber eher weniger. Lamprecht inszeniert eher einen Urlaubsfilm vor (echter) italienischer Kulisse als spannendes Genre, die Handlung wird immer wirrer, Set Pieces geht das Drehbuch geschickt aus dem Weg und überhaupt wird großer Wert daraufgelegt, dass niemand im Kinosaal vor Aufregung den Herztod stirbt. Warum also über diesen Film reden? Weil doch ab und an Ambition aufblitzt: etwa bei der bisweilen halsbrecherischen Fotografie on location. Und weil wir historisches Mittelmaß viel zu selten zu sehen bekommen. Wie will man sich denn ohne Kenntnis des Durchschnitts ein sicheres Urteil über die wirklichen Höhepunkte bilden?

Ein gewisser Herr Gran, Deutschland 1933, Regie: Lamprecht

Die Blu ray von Concorde basiert auf dem schönen Remaster der Murnau-Stiftung – mehr lässt sich aus dem lange verschollenen Material nicht herausholen. Als Extra gibt es einen Georg Seeßlen-Essay im Booklet.

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1951 darf Billy Wilder zum ersten Mal in den USA einen seiner Filme auch

Wir unterhalten uns darüber, wie Wilder uns als Publikum moralisch

Ace in the Hole (Reporter des Satans), USA 1951, Regie: Billy Wilder

Wir haben die UK-Blu ray von Masters of Cinema gesehen: die holt aus dem vorhandenen Material das Maximum heraus, und dazu gibt es noch ordentliche Extras und einen wunderbar französisch-schwurbeligen Essay vom ehemaligen Cahiers du Cinéma-Chefredakteur im Booklet.

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Ohne Kenji Mizoguchis UGETSU MONOGATARI kein Siegeszug des japanischen Kinos im Westen: neben Akira Kurosawa steht kaum ein anderer Filmemacher so sehr für das sogenannte goldene Zeitalter des japanischen Filmschaffens. Anfang der 50er Jahre ist Mizoguchi auch einer der ersten, die sich mit Japans Rolle im Zweiten Weltkrieg auseinander setzen. Vordergründig geht es in UGETSU um das Leid der Landbevölkerung während eines Kriegs zwischen Klans im 16. Jahrhundert. Tatsächlich aber gestaltet Mizoguchi seinen Film maximal anschlussfähig für eine Welt, der die Grauen des Krieges noch ganz unmittelbar sind. In UGETSU MONOGATARI werden Frauen entführt und zur Prostitution gezwungen – ein ganz bewusstes Echo des Umgangs japanischer Soldaten mit den sogenannten „comfort women“ während des Weltkriegs. Und brave Bauern verlieren den Verstand, weil sie glauben, Kriegsgewinnler werden zu können. Wir setzen uns kritisch damit auseinander, wie ernst man Mizoguchis ersten Versuch einer verantwortungsbewussten Erinnerungskulturheute noch nehmen kann. Und arbeiten uns an seinem betont japanischen Stil ab: Kamerafahrten wie Bildrollen, die sich vor unseren Augen entfalten.

Ugetsu Monogatari (de:. Ugetsu – Erzählungen unter dem Regenmond), Japan 1953, Regie: Kenji Mizoguchi

Wir haben die wunderbare UK-Blu-ray von Masters of Cinema gesehen. Die ist leider out of print, aber Abhilfe ist nah: im März erscheint UGETSU MONOGATARI in Großbritannien bei der Criterion Collection.

Der #japanuary wurde von @politikundliebe, den Abspannguckern und dem Kompendium des Unbehagens ins Leben gerufen. Bei unseren Freunden von SchöNERDenken findet ihr eine liebevoll kuratierte Liste aller Teilnehmer. Vielen Dank dafür!

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Achtung: Der Ton ist leider in den ersten 10-15 Minuten sehr verrauscht und etwas nervig anzuhören. Wir bitten um Entschuldigung!

Was hat Takeshi Kitano, Regisseur unseres letztwöchigen Podcastobjekts SONATINE, in seiner Kindheit und Jugend eigentlich so im Kino gesehen? Wahrscheinlich Filme wie Toshio Masudas RED PIER: eine Yakuza-Ballade über den underboss Jiro (gespielt von Yujiro Ishihara, dem „Elvis Japans“). Jiro ist von Tokyo nach Kobe umgezogen und ein Yakuza alter Schule: gleichzeitig eiskalter Killer und nett zu kleinen Kindern, schlimmer Finger und Held der kleinen Leute. Außerdem machen ihn seine schiefen Zähne sagenhaft cool und unverschämt sexy. Jiro hat allerdings Probleme: ein Killer ist aus unbekannten Gründen auf ihn angesetzt, und er hat sich in die Schwester seines letzten Opfers verliebt. In Masudas RED PIER, einer Prestigeproduktion des Nikkatsu-Studios, prallen Welten aufeinander: das alte Kobe und die Coolness von Elvis und Jazz, romantisiertes Outlaw-Leben und die kapitalistisch geprägte Gegenwart. Masuda bedient sich derweil für seine atemberaubenden Scope-Kompositionen bei allem, was bis dato in der Filmgeschichte Rang und Namen hatte. Und Takeshi Kitano sitzt davor, gerade mal elf Jahre alt, und macht sich Notizen.

Akai Hatoba (en.: Red Pier), Japan 1958, Regie: Toshio Masuda

Wir haben RED PIER in der Nikkatsu Diamond Guys Vol. 1-Collection gesehen, erschienen bei Arrow. Schönes Master, vorbildliche Aufbereitung und vorbehaltlos empfohlen.

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Ehrenwerte Yakuza im Tourbus: für eine Klimaanlage hat es nicht gereicht und die Sitzpolster sind abgeranzt, aber immerhin hat der Boss mitgedacht und jeder bekommt zur Abkühlung ein Eis oder eine leckere Limo. Klingt wie Klamauk, aber Takeshi Kitano inszeniert dieses Szenario in SONATINE so nüchtern und beiläufig, dass die Killerbande eher erbärmlich wirkt. Der ganze Film findet in einem solchen merkwürdigen Schwebezustand statt, zwischen Genrefilm und frühem Jim Jarmusch, Melancholie und Ulk. In unserem ersten Japanuary-Beitrag interessiert uns, mit welchen inszenatorischen Mitteln Kitano diese atmosphärische Uneindeutigkeit herstellt: mit Improvisation im Schauspiel und flacher Ausleuchtung, Frisbee-spielenden Yakuza im Urlaub und einer Gewaltdarstellung, die immer nur die schlimmen Effekte von Schießereien zeigt. Und dann eben doch den typischen Storywendungen des Yakuza-Films, auf die man in Sonatine aber eine Ewigkeit warten muss – und die dann von Kitano auf links gedreht werden.

Sonatine, Japan 1993, Regie: Takeshi Kitano

In Deutschland gibt es eine ordentliche Blu ray des Films von Rapid Eye Movies, zwar ohne nennenswerte Extras, dafür aber mit weit besserem Bild als weiland bei der ersten DVD-Veröffentlichungen.

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William Friedkin besteht darauf: sein Sorcerer ist nicht etwa ein Remake von Clouzots Lohn der Angst. Stattdessen will er seinen Film als Neuinterpretation des Originalromans verstanden wissen. Da gehen wir d’accord: mit dem existenzialistischen Lehrstück Salaire de la Peur hat Friedkins Arbeit nur noch wenig gemeinsam. Stattdessen wird hier tief in die New Hollywood-Trickkiste gegriffen. Wir unterhalten uns etwa darüber, wie Friedkin seine Figuren einführt, noch bevor sie im südamerikanischen Dschungel landen – mit virtuosen Stilwechseln zum Beispiel, vom bourgeoisen Drama in Pariser Salons zum amerikanischen Gangsterfilm zum quasi dokumentarisch gefilmten Bombenattentat in Jerusalem. Und mit dem für das New Hollywood typischen Drang zum Politischen.

Wenn Roy Scheider, Bruno Cremer und Co. dann endlich im Lastwagen sitzen, sehr viel schwitzen und verzweifelt gegen die Natur kämpfen, dann tritt ein ganz anderes Thema als bei Clouzot in den Vordergrund: die intensive Auseinandersetzung mit dem amerikanischen Naturalismus, mit einer Prise Weird Tale obendrauf, wenn Bäume plötzlich nach den Protagonisten zu greifen scheinen.

Sorcerer (de.: Atemlos vor Angst), USA 1977, Regie: William Friedkin

Friedkins SORCERER wollte in den 70ern keiner im Kino sehen. Zum Glück kann man diese Ungerechtigkeit mittlerweile auf Blu ray wett machen. Der Regisseur selbst hat die hervorragende Restaurierung des Films überwacht; die Extras sind allerdings eher spärlich. Die Disc gibt es in UK von entertainment One.

Mit dem Bahnhofskino in der Extended Edition hat sich noch ein weiterer Film-Podcast in diesen Tagen SORCERER gewidmet.

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Mario, Monsieur Jo, Bimba und Luigi hängen irgendwo in einem

Clouzots LOHN DER ANGST ist vor

Wir unterhalten uns darüber, was dieses Setup mit uns als Zuschauer macht

Le Salaire de la Peur (de.: Lohn der Angst, en.: The Wages of Fear), Frankreich/Italien 1953, Regie: Henri-Georges Clouzot

Wir haben die Blu ray des BFI gesehen (UK), basierend auf einem 4K-Remaster des Films: wunderbar körnig und scharf. Die beiden Discs sind zudem vollgepackt mit sehenswerten Extras. Unverzichtbar.

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