Espagueti Track Podcast

En nuestro programa hemos hablado bastante de la tesitura, que es la tesitura, sobre todo cuando hablamos de cantantes.

La tesitura es la extensión o el rango vocal en altura o frecuencia que tienen las voces, es decir, lo agudo que pueden ser o los bajas que pueden ser y está tienen diferentes categorías.

Estas Son “soprano”, “contra alto”, “tenor” y “bajo” a veces agregando mas que es “mezzosoprano” y “barítono”.

Aquí tenemos un ejemplo de @melhaller.composer que lo pueden seguir en todas las redes sociales de un tema próximo estrenar.

Y todas este diferentes alturas de voces, alturas tonales crean un coro.

Eso es amigos. Una pequeña cápsula de Los Tallarines de Pantera síguenos en nuestras redes sociales, compartan y disfruten nuestros programas.

Los Tallarines de Pantera Miguel @miguel_lara_riquelme y Andrew @andrewontherocks.

Esta vez nos lanzamos con este gran tema de Jeff Buckley. "Grace" que le da el nombre a su único disco editado. Jeff Buckley tubo una trágica muerte pero nos dejo este disco lleno de canciones increíbles entre las que destaca “Grace”, de la que te contamos mas detalles sobre su historia y análisis musical.

Grace del disco homónimo es perfecta y con una producción impecable, al igual todos y cada uno de los temas del álbum. El guitarrista Gary Lucas colaboró creando los riffs principales (uno de los puntos fuertes, por cierto), y la producción del propio Jeff Buckley junto con Andy Wallace, si bien no se corresponde con lo que luego eran capaces de llevar al directo, es impecable.

A principios de los año 90, vemos que realmente era un tema bastante atemporal. Sobre esta canción, ya concretando, un análisis algo más detallado dará luz a sus virtudes. El sonido en general nos sitúa en un rock sólido, con el ritmo de batería bien marcado, guitarras de sonido limpio pero con riffs claros y acordes llenos. En este ambiente nos encontramos con un misterioso teclado apenas perceptible pero que aporta un contrapunto que oscurece el conjunto, así como las cuerdas, con un efecto similar. En la segunda estrofa se nos mete a lo banda sonora, para después puntualizar con pizzicato; posteriormente escucharemos el sonido de la madera de los arcos, tras el segundo estribillo… Sobre esta orquestación destaca la prodigiosa voz de cuatro octavas y media de Jeff Buckley, quien se reserva sus mejores agudos y potencia para terminar como es debido, en medio de la confusión del flanger, con pocos momentos de varias voces, aunque muy bien elegidos.

Sin duda alguna una canción no deja a nadie indiferente. Un disco para escuchar una y otra vez.

Gossip la canción destacada del tercer álbum de estudio de la banda italiana Måneskin. Esta vez junto a al gran guitarrista Tom Morello destacado y legendario por ser parte de "Rage Against the Machine".

17 canciones vienen en el disco "Rush" de Måneskin siendo "Gossip" la que destaca por fuerza y letra. El tema de rock ‘n’ roll desenfrenado “ha traído la rabia a  Maneskin”, como declaró el baterista del grupo, Ethan Torchio.

El tema nace de un riff que el guitarrista Thomas Reggi tenía entre  sus borradores hacía un buen tiempo y con la llegada de Morello, los  miembros de la agrupación decidieron echarle un ojo para descubrir que  tenía un gran potencial. “Se unió el icono Tom Morello y aportó algo más  a la clásica alegría uptempo de Måneskin”, señaló la bajista Angelis. A  esto, el vocalista Damiano David también dio sus declaraciones ante  semejante colaboración. “La enorme experiencia de Tom Morello nos ha  permitido aprender a trabajar en los temas sin darle demasiadas vueltas.  No podemos agradecerle lo suficiente que se haya unido a nosotros en  este tema. Es un honor para toda la banda”.

Pero el honor no fue solamente por parte de la banda italiana, sino que el miembro de Rage Against the Machine halagó el  trabajo de los intérpretes de ‘Beggin’’. “Cuando me enteré de que había  una banda de rock and roll de Italia que estaba arrasando en todo el  mundo me dije: ‘¿En serio? Por favor’. Luego, cuando les vi tocar en  directo, me quedé alucinado. Son un grupo rotundamente ruidoso,  rotundamente sexy y rotundamente ROCK, y merecen ser uno de los  abanderados del rock and roll para las nuevas generaciones”.

"Bailando Solo" de Los Bunkers. Canción incluída en el disco La velocidad de la luz (2013). Esta canción tiene un estilo más moderno que canciones de los otros discos de esta banda, un tema muy bailable, con teclados y sintetizadores, manteniendo su estructura de rock clásico que siempre ha caracterizado a Los Bunkers.

Fue lanzado como sencillo el 5 de abril de 2013, en formato de descarga digital, para promocionar el álbum La Velocidad de la Luz. El 7 del mismo mes llegó a la tienda en línea de iTunes. La canción además fue incluida en la gira que comenzó la banda en ese año, donde recorrieron todo Chile, comenzando con el sur.

No quedan dudas de que Bailando Solo es una de las canciones más icónicas de la carrera de Los Bunkers. Como parte de La Velocidad de la Luz, este sencillo se consagra como uno de sus temas más exitosos de todos.

Una Canción llena de buena onda, pero con una letra que digna de analizar. Mauricio Durán revela grandes secretos de la legendaria banda nacional. La canción icónica de Los Bunkers y su más escuchada actualmente en plataformas de streaming. Una canción con estilo bastante ochentero. Según Mauricio Durán se inspiró en dos canciones como Dancing With Myself de Billy Idol y Dancing in the Dark de Bruce Springsteen para dar nombre a este super tema.

La canción describe muy bien la sensación física y sicológica de quien se mete estas drogas medias raras. La elevación de la temperatura corporal, la forma en la que se percibe la música y el placer que se siente no solo con la persona a tu lado, sino también con uno mismo, confesó Mauricio Durán.

Precursores del Protopunk el término no describe a un género musical sino a un grupo de bandas. Tampoco fue un movimiento musical propiamente dicho. Los Saicos fueron clasificados de esta manera y fueron inclasificables en su momento y esto no cambió hasta bastante tiempo después del surgimiento del punk, momento en que esta clasificación se empieza a usar retrospectivamente para unir bajo una sola palabra a todas estas bandas. Hasta este momento no había nada que uniera a las bandas lo suficiente.

Los Saicos grupo surgido en el Perú de los sesentas que la mitología del rock ubica como uno de los precursores del punk, a partir de su música estridente, chirriante y poco complaciente.

Los Saicos se fundó en 1964, en el distrito de Lince, en Lima. Estuvo conformada por César Castrillón, Rolando Carpio, Erwin Flores y ‘Pancho‘ Guevara, quienes por aquellos años apostaron por tocar una música con un estilo salvaje y rebelde. Tenían apenas 19 años cuando comenzaron a tocar y desde sus inicios llamaron la atención del público por sus canciones.

Los miembros de Los Saicos han sido considerados en varias oportunidades los pioneros del punk en Perú y el mundo.Los gritos y el sonido crudo marcaron el rumbo del grupo. “Era algo totalmente lúdico, las canciones nos salían así porque simplemente nos queríamos expresar. Es más, cuando nos salían unos acordes romanticones, nos jodía.

De sus sencillos, grabados entre 1965 y 1966, los más conocidos son «Demolición», «Fugitivo de Alcatraz», «Cementerio», «El entierro de los gatos», «Ana» e «Intensamente», los cuales se han convertido en himnos del rock peruano y, con el tiempo, han propiciado el reconocimiento de la banda internacionalmente.

En esa época la gran mayoría de los grupos trataban de imitar el estilo de grupos británicos como The Beatles y cantar en inglés. Sin embargo Los Saicos no siguieron esa línea, tampoco hicieron covers de otras bandas y decidieron cantar en español composiciones propias y así definieron un estilo único. Solo tienen dos canciones en inglés que fueron hechas en sus inicios por ellos mismos: «Come on» y «Lonely star».

Aunque la colaboración entre el mítico grupo de rap Run DMC y la banda de rock Aerosmith no fue el primer crossover entre hip hop y rock, sí que fue la que más acabó cambiando en la historia de la música.

A mediados de los ochenta, Run-DMC solía improvisar en los directos con el inicio de ‘Walk This Way‘ (la canción original de Aerosmith, de 1975) loopeada. A decir verdad, los integrantes del grupo no sabían muy bien ubicar a Aerosmith y puede que ni siquiera hubieran oído la canción entera, más allá de los primeros segundos sobre los que rapeaban improvisando frente al público.

Fue de Rick Rubin (como tantas otras veces) la genial idea de ponerse en contacto con Aerosmith y grabar una colaboración que acabaría siendo histórica y sonando en todo el mundo.

Tengan en cuenta que el rap en aquella época era algo mucho menos asentado a nivel global, aunque también un género considerado más novedoso, callejero, subversivo y refrescante.

Lo curioso de la versión de ‘Walk This Way’ entre Run DMC y Aerosmith es que no solo escaló en las listas de ventas generales, sino también en las de rock y rap, es decir: gustó a gente aficionada a dos géneros musicales completamente diferentes y hasta entonces apartados.

Por si fuese poco, la canción volvió a poner en el mapa a Aerosmith, que llevaba algunos años apartada del mainstream debido a los problemas de Steven Tyler con las sustancias ilegales. El genial videoclip (rodado en Nueva Jersey) también ayudó al éxito de la canción.

Aunque hoy nos parece que está todo inventado, lo cierto es que la idea del histórico productor Rick Rubin (un tipo que ha ganado premios Grammy en tres géneros diferentes) no solo abrió las puertas a las colaboraciones entre rap y rock, sino que mostró los inicios de un género llamado rap metal que tendría bastante éxito veinte años después.

Rubin, como siempre, no esperaba a que la historia sucediese, sino que la inventaba a tiempo real.

“Blinding Lights” la colaboración de Rosalía junto The Weeknd.

Analizamos la versión que ambos artistas hicieron del gran éxito del 2019 que sigue entre lo más escuchado en Spotify. La polémica es que no a todos los seguidores quedaron conformes con el resultado.

Blinding lights fue lanzada originalmente el 2019 y ha arrasado en todo el mundo: ha permanecido en las lista de los temas más escuchados en el streaming.

Rosalía suma una segunda colaboración en cosa de días, ya que la semana pasada se estrenó su colaboración con Bad Bunny en La noche de anoche.

El tema comienza con la voz de Rosalía, bastante más aguda que de costumbre, en español. Precisamente han sido las partes en castellano interpretadas por la catalana. La inserción de muletillas como "bebé" al final de algunas frases no acaban de encajar bien en el estilo de la canción que, en su versión original, es un grito desesperado de ayuda. La voz de la española con la de The Weeknd se fusionan en el estribillo donde sí parecen acoplarse bastante bien.

Pese a arrasar en otros premios como los MTV Video Music Awards y los American Music Awards, no obtuvo ninguna nominación a los Grammy, algo que molestó al cantante: “Los Grammy siguen corruptos. Me deben a mí, a mis fans y a la industria la transparencia”.

Una Canción bastante ochentena con bits y ritmos basados en sintetizadores que recuerdan a los A-Ha. Todos un a onda bailable que no te deja indiferente a pesar de que la letra del tema es un poco triste y dramática.

"Ruiner" es la sexta pista de The Downward Spiral, algún lanzado en el año 1994 por Nine Inch Nails "NIN".

Un álbum conceptual que detalla la autodestrucción de un hombre desde el comienzo de su "espiral descendente" misantrópica hasta su punto de ruptura suicida.

The Downward Spiral ha sido considerado por los críticos musicales y el público como uno de los álbumes más importantes de la década de 1990, y fue elogiado por su naturaleza abrasiva y ecléctica y sus temas oscuros, aunque fue sensacionalizado por los conservadores sociales por algunas de sus letras.

El mismo Trent Reznor declaró que "Ruiner" había sido "la canción más difícil de escribir" para el este disco."Tengo una vibra tan mala de esa canción ahora, de que apesta de tantas maneras diferentes. Y declaró que en realidad "eran dos canciones diferentes pegadas".

"Ruiner" se caracterizan por poseer sonidos industriales, capas y más capas de efectos de sonido muy procesados ​​que son increíblemente difíciles de identificar y tienen la distorsión y el ruido suficientes como para hacerte pensar que estás a punto de hacer mierda tus parlantes. Las «guitarras» se dejar entrever tímidamente, pero la influencia de la música rock es significativamente menos pronunciada cuando se compara con temas como «Heresy» o la enorme «March of the Pigs», las cuales tienen una estructura más fácil de seguir.

"Olor a Gas", canción incluida en su cuarto disco de estudio llamado “Fome” lanzado el año 1997. Un disco absolutamente redondo. Es homogéneo. Y es un álbum emocionalmente muy potente. Empieza y termina con instrumentales creados en la mente de “Titae”, que comparten un sonido y un ambiente (en blanco y negro, no?). ‘Claus’ es música de película, casi estilo James Bond, que parece dar inicio a un mundo lleno de suspenso e historias maravillosas; ‘Largo’, en cambio, es como el final de fiesta, también fácil de relacionar a algún film, que parece representar la satisfacción de todos los protagonistas de haber cumplido la tarea y no haber dejado cabos sueltos. Repito, jamás fue pensado como un álbum conceptual, pero detalles como estos lo ponen varios peldaños por sobre sus contemporáneos.

“Fome” tiene como característica un sonido explosivo, agresivo, oscuro, rockero y variado. Se experimentan varias sensaciones cuando se escucha el álbum. La música habla por sí sola, siempre con la impecable interpretación de Álvaro Henríquez, Roberto “Titae” Lindl, Ángel Parra y Pancho Molina.

‘Olor a gas’ pese a lo trágico de la historia, su guitarreado comienzo es de lo más luminoso que hay en la placa. Y qué buena que es! Sublime melodía, con la delicadísima lap steel de Ángel, que llora mientras la banda llora por una historia que nadie más hubiese podido contar si no eran Los Tres.

Down By The Water es el potente y sorprendente primer single del disco ‘To Bring You My Love‘ lanzado en 1995 por PJ Harvey. Una canción en cuya melodía se intuye cierta inspiración folclórica, amordazada por un teclado que chisporrotea negrura y que erizan el vello, mientras Polly susurra con ansiedad lo que interpretamos como una murder ballad. Inolvidable, también, ese vídeo con aspecto de mujer fatal.

PJ Harvey ya le había mostrado al mundo su colección de fobias y perversiones en sus dos primeros álbumes, Dry y Rid of Me, por lo que, para su tercer disco, quería dejar de exponerse para escribir desde la más pura ficción. El resultado fue To Bring You My Love (1995), y el single "Down by the Water" en particular. El cambio también era sonoro: a la fórmula cruda de sus inicios, ahora la niña mala de Birdport tenía para agregar órganos procesados y ensambles orquestales.

Así fue como Polly Jean decidió abandonar la autorreferencia, pero no el tono sombrío de sus composiciones, y es por eso que la letra de "Down by the Water" no es ni más ni menos que el relato de cómo una mujer ahoga a su hija en las aguas de un río y luego se arrepiente ("Ayúdame, Jesús, a volver desde la tormenta. Tuve que perderla, hacerle daño. La escuché gritar, la escuché gemir"). Como era de esperarse, al ser su primer relato ficcionalizado, varios interpretaron erróneamente el tema y no tardó en correrse el rumor de que Harvey efectivamente había cometido filicidio.

Una canción en la que se incluyen violines, violas, celos, teclados y percusiones que te atemorizan y que te dejarán sin aliento.

El primer single de este disco y también el que lanzó a PJ a la fama en todo el mundo.