En tant qu'artiste plasticien•ne, vous allez inévitablement être confronté•e à la critique de votre travail. Institutionnalisée depuis le XVIIIe siècle en France, la critique d'art est considérée comme un maillon essentiel de l'écosystème de l'art contemporain et chaque artiste qui aspire à gravir les échelons de la reconnaissance artistique y est un jour soumis•e.

Mais si se confronter à la critique négative est un passage obligatoire dans une carrière artistique, cela n'en reste pas moins quelque chose de désagréable voire de difficile à traverser. Lorsque la critique est acerbe voire violente, elle peut devenir un obstacle au développement de votre travail et de votre carrière en raison de son fort impact émotionnel.

Alors, comment faire face aux critiques négatives sur son travail ? Comment ne pas se laisser submerger par celles-ci et les transformer en quelque chose de productif ?

Telles sont les questions auxquelles je réponds dans cet épisode.

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Expérimentation et cohérence artistiques sont tous deux des éléments fondamentaux pour les artistes que vous êtes, tant d'un point de vue créatif que professionnel. Par l'expérimentation, vous parvenez à explorer de nouvelles orientations artistiques, à alimenter votre processus créatif et à vous renouveler. Par la cohérence artistique, vous réussissez à conférer un caractère authentique à votre démarche et à vous créer une identité artistique singulière.

Pourtant, dans la pratique, expérimentation et cohérence artistiques peuvent rentrer en confrontation et vous freiner dans votre évolution artistique et professionnelle. Tiraillé•e entre ces deux besoins qui se révèlent parfois antinomiques, vous pouvez vous retrouver dans une impasse.

Comment pouvez-vous donc conjuguer expérimentation et cohérence artistiques ? Comment et pourquoi expérimenter sans perdre en cohérence artistique ?

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Depuis quelques années, de plus en plus d’artistes décident de rendre accessible leur art. En accord avec leurs valeurs sociales et idéologiques, l’accessibilité de l’art leur paraît est une solution efficace pour s’opposer à un marché de l’art qu’il juge trop élitiste et trop corrompu par l’argent.

Proposer un art accessible, c’est aussi un moyen pour eux d’adopter une stratégie commerciale qui leur paraît plus séduisante et plus sécurisante sur le plan financier. L’écosystème de l’art accessible étant en pleine expansion ces dernières années, les perspectives de carrière leur semblent en effet plus prometteuses et intéressantes que celles offertes par la marché de l’art contemporain. 

Qu’en est-il réellement ? Est-ce que l’écosystème de l’art accessible est une alternative intéressante au marché de l’art contemporain pour l’artiste ? Est-ce qu’il est aussi avantageux pour ce dernier que ces principaux défenseurs ont l’air de l’affirmer ?

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Prix et salons d’art réservés aux jeunes artistes, consécration d’artistes âgés de moins de 30 ans, valorisation de la précocité du talent artistique… Les professionnel•le•s de l’art semblent accorder un intérêt tout particulier aux jeunes artistes.

Face à cet apparent jeunisme qui frappe le marché de l’art, l’idée selon laquelle un artiste ne pourrait plus prétendre à la consécration passé un certain âge s’est imposée. Ainsi, une fois les 40 ans atteints, l’artiste n’ayant pas réussi à percer serait condamné•e à ne jamais connaître le succès.

Mais que se passe-t-il dans la réalité ? L’âge d’un artiste conditionne-t-il réellement ses chances de réussite au sein du monde de l’art ? 40 ans est-il vraiment synonyme de date de péremption pour les artistes ?

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Encore aujourd’hui, l’idée selon laquelle l’art et le commerce ne sont pas conciliables perdure chez certains acteurs de l’écosystème artistique, et notamment chez certains artistes. Plus précisément, la commercialisation est souvent perçue comme une entrave à la liberté de création.

Pourtant, la professionnalisation même d’une activité artistique implique de trouver le juste équilibre entre création et commercialisation. Pour l’artiste déterminé•e à développer sa carrière artistique, c’est un véritable jeu d’équilibriste qui commence entre création, commercialisation et consécration.  

Comment trouver l’équilibre entre création et commercialisation ? Quelles possibilités s’offrent à l’artiste qui désire concilier au mieux ces deux éléments ? Quelles actions de commercialisation doit-il mettre en place pour atteindre la consécration artistique ? 

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Plusieurs études menées par des économistes et des sociologues tendent à le montrer : le cursus en école d’art apparaît toujours comme déterminant dans la construction et le développement d’une carrière artistique. 

Pourtant, si leurs chances d’accéder à la consécration artistique paraissent moindres, beaucoup d’artistes autodidactes font le pari de se professionnaliser et de concrétiser leurs ambitions artistiques en dépit de l’absence d’une formation académique.

Est-ce qu’il faut nécessairement avoir fait une école d’art pour se hisser tout en haut du marché de l’art ? L’artiste autodidacte est-il condamné à passer à côté de la consécration artistique ou a-t-il des cartes à jouer ? 

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Si tous•tes les artistes se présentent comme tel•le•s et utilisent souvent une même terminologie pour parler de leur production et de leur métier ⎯ « art », « œuvres », « carrière artistique » ⎯ tous n’évoluent pas au sein du même marché.

En parallèle du marché de l’art où se constituent les valeurs artistiques, s’établissent les cotes et se construisent les carrières artistiques, d’autres systèmes de promotion et de commercialisation se sont mis en place ces dernières années et un beaucoup d’artistes recourent aujourd’hui à un ou plusieurs d’entre eux. 

Mais quels sont donc ces systèmes et quels avantages offrent-ils aux artistes ? Peuvent-ils vraiment être considérés comme des alternatives intéressantes au marché de l’art ? À quelles carrières peuvent prétendre les artistes qui évoluent au sein de ces systèmes.

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Au sein d’un marché de l’art résolument international, la mobilité est une composante essentielle voire indispensable de la carrière des artistes. De plus en plus perçue comme un enjeu primordial pour les artistes, elle est encouragée de manière croissante par les écoles d’art et les structures publiques qui tendent à développer les solutions de mobilité en faveur des artistes.

Pourtant, beaucoup d’entre vous semblent ignorer son importance et n’avoir qu’une vague idée du rôle qu’elle joue actuellement dans la reconnaissance et la consécration des artistes. Même lorsque vous êtes confronté•e à une stagnation de votre carrière, vous n’envisagez que rarement la mobilité comme une solution alors qu’elle est parfois la seule porte de sortie que vous ayez à votre disposition.

Quels sont donc les avantages qu’offre la mobilité aux artistes ? Dans quelles mesures joue-t-elle un rôle dans le développement d’une carrière artistique ? Et surtout, dans quelles situations la mobilité se révèle être indispensable à la concrétisation de vos ambitions artistiques ? 

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L’argent, le fric, le pognon, le blé, la thune… Quel que soit le nom que vous lui donnez, c’est un élément avec lequel vous entretenez souvent des relations conflictuelles. 

Parce que la société diabolise l'argent et sacralise l'art, vous pensez souvent à tort qu’art et argent sont incompatibles et qu’un artiste authentique est nécessairement un artiste qui ne cherche pas à gagner de l’argent avec sa production artistique. 

Malheureusement, une telle conception des choses vous nuit dans l’exercice de votre activité artistique et, plus largement, dans le développement de votre carrière. Votre incapacité à concevoir qu’art et argent puissent se concilier vous freine dans votre progression professionnelle.

C’est pourquoi je vous donne ici mes meilleurs conseils pour concilier au mieux art et argent.

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