Pour une raison que j’ai mis longtemps à comprendre, j’ai toujours été plus effrayée par les films d’épouvante qui comportaient des séquences horrifiques filmées par des caméras de surveillance, plutôt que par des plans capturés en caméra à l’épaule, pourtant censés favoriser l’immersion dans la narration. Ces deux techniques ont été grandement utilisées dans l’une des meilleures périodes du cinéma d’horreur à mon sens, la période 1999-2010, qui va en gros de Projet Blair Witch à Insidious, en passant par Audition, Les Autres, Dark Water, 28 Jours plus tard, The Host, la grande vague des Saw, et Hostel, et pour les films de la thématique qui m’intéresse aujourd’hui, les REC et Paranormal Activity, ou beaucoup moins connus, Noroï et Lake Mungo. Je vais parler dans cet épisode de ce dernier film trop peu connu de Joel Anderson, réalisé en 2008.
C’est à ce jour le film qui m’a fait ressentir le plus fortement la sensation de fausse sécurité, de faux recul des films à prise de vue quasi documentaire. Celle qui te fait croire que tout va bien, alors qu’en fait au plan suivant peut surgir l’inimaginable.

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Kaïro, film japonais sorti en 2001 et qui nous intéresse aujourd’hui, raconte l'histoire funeste d'une vague de suicides qui sévit lors de la propagation d'un mystérieux virus informatique qui va dévaster toute la ville après la pendaison d'un informaticien dans son appartement, qui laisse derrière lui une mystérieuse disquette. Les lieux du film vont peu à peu se dépeupler tandis que le fléau, matérialisé par un ensemble de fantômes apparaissant et disparaissant devant leurs victimes, s'étend sur les lieux du film. Kurosawa instaure ainsi une nouvelle manière d'appréhender le spectre.
En 2001, ce n’est pas la première fois qu’un artiste japonais place le fantôme et l’être vivant sur le même plan mais c’est l’une des premières occasions marquantes où le fantôme s’introduit dans un système informatique qui lui permet donc d’être absolument partout.

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Si tu apprécies les séries d’épouvante et que tu consommes du contenu Netflix, tu n’es sans aucun doute pas passé à côté de la série qui sort ce Mercredi 12 Octobre, dirigée par Mike Flanagan, connu pour Hill House et Bly Manor. La bande annonce disponible sur le web rappelle la fascination du réalisateur pour les compositions familiales et les histoires de maison hantée tout en convoquant des choix artistiques et techniques qui marchent directement dans les pas de Ryan Murphy, le créateur de American Horror Story. Avec cette conjugaison de thématiques et une sortie en plein mois d’Halloween, la série a d’ores et déjà trouvé un public qui trépigne en attendant la sortie. Les fans d’Edgar Allan Poe, l’auteur de La chute de la maison Usher, ont bien remarqué que Flanagan n’adaptait pas que cette nouvelle de 1839 mais bien un ensemble d’œuvres de l’écrivain. D’autres citent le dit « film original » de Roger Corman, réalisé en 1960, et c’est là qu’on va avoir un problème.

Certes, la liberté de Flanagan rappelle celle que Corman a prise quand il a adapté plusieurs œuvres de Poe, mais parler de son film comme de l’original, c’est oublier l’une des plus belles adaptations de l’histoire du cinéma, celle de Jean Esptein, en 1928.

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Sources bibliographiques :
Alban Jamin - Des rêves filmés au ralenti, Notes sur les pouvoirs oniriques d’une figure cinématographique - https://www.cairn.info/revue-ligeia-2014-1-page-80.htm
Gilles Menegaldo - Du texte à l’écran, deux avatars de la Maison Usher au cinéma - https://journals.openedition.org/jsse/1325
Ineke Wallaert - Du fantastique au gothique : La chute de la maison Usher de Charles Baudelaire -https://journals.openedition.org/traduire/877

La musique au cinéma est un gros fourre tout. Elle sert à combler les vides, faire des liaisons, un genre de remède qui sert à créer une harmonie générale, quitte à devenir de trop. C’est une pensée très courante, et à l’heure du cinéma à gros budget, c’est sans doute la tienne, et je comprends que ça puisse l’être. Et si c’est bien ton cas, tu es au bon endroit, car je suis là pour te faire changer d’avis.

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Extraits utilisés :
Les Noces Funèbres - Victor's Piano Solo - Danny Elfman
Les Noces Funèbres - The Piano Duet - Danny Elfman
Requiem - Dies Irae - Giuseppe Verdi
Musique relaxante : https://www.youtube.com/watch?v=396Y8sHiXRs

Peut-être connais-tu Pasolini pour le tristement célèbre Salo ou les 120 journées de Sodome (1975), scandale visuel sulfureux qui est en fait son dernier film. Quand on s’attaque à un réalisateur ou une réalisatrice dit « complexe », je pars du principe qu’il faut commencer par le début. Pasolini a eu une courte et intense carrière qui s’étend de 1961 à 1975. Je vais te présenter aujourd’hui mon film préféré du réalisateur, c’est son 2e, qui s’appelle Mamma Roma, qui a été réalisé en 1962. Je vais faire en sorte de t’expliquer ça simplement, pour que tu aies un premier ou un nouveau regard sur le cinéaste, et que tu saches qu’avant de filmer des gens à poil qui mangent des excréments, il a fait des choses vachement sympa.

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Parce que c’est un film très accessible et très drôle, bourré d’archétypes sur la perception que l’auditoire français moyen de l’époque pourrait avoir sur le Sénégal, on pourrait croire que les racines de Hyènes sont africaines de bout en bout. Pas du tout le récit, certes adapté pour le cinéma, est issu d’une pièce de théâtre suisse. Et cette œuvre est beaaaaaucoup plus sombre que la comédie un peu grinçante : c’est une histoire de vengeance.

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Quand on parle des films de patrimoine, c’est très facile d’imaginer des soirées ciné-club dans des petits cinémas de quartiers entre retraités qui débattent pendant des heures en mélangeant nouvelle vague et néo-réalisme après la projection du film.

Alors, c’est vrai : mais pas que.

Notre patrimoine cinématographique c’est toute une palette de très belles créations qui dépendent d’un contexte socio-politique, de mouvements artistiques et militants et surtout de moyens de l’époque. Dans cet épisode, je t’emmène à la découverte de quatre films qui ont changé ma vision de la modernité cinématographique et qui sauront te prouver, je l’espère, que le cinéma de patrimoine c’est tout sauf ennuyeux.

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Merci à Mehdi Bensallah pour l'aide sur le mixage ♥

Est-ce que tu as déjà vu ou entendu des critiques, des spécialistes, des profs ou simplement des connaissances te parler de l’esthétique d’un film ? « Je n’ai pas trop aimé l’esthétique », « l’esthétique ne m’a pas semblée soignée », « J’adore l’esthétique de ce type de films ! » peut-être que ces phrases te disent quelque chose. L’esthétique consiste à organiser des éléments de manière harmonieuse dans l’espace, c’est aussi simple que ça. Mais pourquoi est-ce qu’on en est venu à utiliser ce terme dans les analyses de films ? Est-ce que c’est un critère, un paramètre ou un joli mot magique ? Que définit ce terme qu’on emploie à tout bout de champ, parfois pas du tout de la bonne manière ?

Pas de panique, je vais tout t’expliquer. Mais pour que tout soit compréhensible il va falloir qu’on fasse un petit peu d’histoire et qu’on replace le contexte dans lequel le terme s’est popularisé : ce contexte a un très beau nom, ça s’appelle La Modernité Cinématographique.

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