Presentato in anteprima nella sezione “Per il cinema italiano” al Bari International Film & TV Festival, il film “Ritorno al tratturo” scritto e diretto da Francesco Cordio nasce dall’esigenza di raccontare una parte del Paese spesso esclusa dal discorso pubblico: le aree interne.

“Rappresentano circa il 60% del territorio italiano e ospitano circa 13 milioni di persone”, sottolinea Cordio. Un dato che evidenzia una contraddizione strutturale: territori vastissimi e abitati, ma progressivamente marginalizzati, anche da politiche che ne accompagnano lo spopolamento.

Girato interamente in Molise, tra le province di Isernia e Campobasso, “Ritorno al tratturo” si concentra su una regione simbolo, scelta come sintesi di una condizione diffusa in tutta Italia e in parte dell’Europa.

L’elemento centrale del racconto è il tratturo, antica via della transumanza che attraversa la penisola dall’Abruzzo alla Puglia. Una fascia di terra larga oltre cento metri e lunga centinaia di chilometri, che per secoli ha rappresentato una vera infrastruttura culturale.

“Non era solo un percorso”, spiega Francesco Cordio. “Era una rete di scambi commerciali e culturali, un intreccio di relazioni”.

Il titolo richiama implicitamente “Ritorno al futuro” di Robert Zemeckis, ma ne ribalta il senso. Non si tratta di nostalgia né di un ritorno alla lentezza come valore in sé, ma di un recupero di relazioni e di modelli comunitari.

Il documentario costruisce una narrazione collettiva attraverso incontri con contadini, allevatori, artigiani e giovani che scelgono di restare o tornare. Non solo resistenza, ma anche scelta consapevole di vita.

Tra i protagonisti emerge la figura di Valerio, pastore che incarna una visione politica e filosofica del ritorno alla terra. Accanto a lui, storie come quella di Federica, ristoratrice che rifiuta la logica del profitto per privilegiare una felicità più essenziale. “Non raccontiamo una desolazione”, precisa Francesco Cordio, “ma persone che hanno scelto di cercare la felicità in un altro modo”.

La presenza di Elio Germano rappresenta uno degli elementi chiave del film. Attore di origini molisane, attraversa i territori e ne diventa narratore, offrendo una mediazione tra pubblico e realtà raccontata.

“È la figura più utile che potessimo avere”, afferma Francesco Cordio. “È esterno ma profondamente legato a questi luoghi”. Accanto a lui Filippo Tantillo, ricercatore delle aree interne, e Silvia Di Passio, community manager, contribuiscono a costruire uno sguardo stratificato, in cui dati, esperienze e relazioni si intrecciano.

Francesco Cordio rivendica con chiarezza la natura politica del progetto. Documentarista attivo da quasi vent’anni, definisce il ruolo del cinema come una scelta di responsabilità: “Se decidi di fare un film politico, devi portarlo fino in fondo senza compromessi”.

Coerentemente, “Ritorno al tratturo” è stato realizzato senza finanziamenti pubblici, prodotto e distribuito in modo indipendente da Own Air. Dopo l’anteprima al festival, il film sarà distribuito dal 29 aprile con un modello capillare, aperto anche a proiezioni organizzate dal basso.

Francesco Cordio guarda esplicitamente al futuro. “Penso a mia figlia”, racconta. “I lavori che faccio devono lasciare qualcosa alle nuove generazioni”.

Il documentario diventa così anche uno strumento di consapevolezza, capace di attivare riflessione e, potenzialmente, azione. L’obiettivo è contrastare una narrazione fatalistica che considera questi territori “spacciati”. “Mi piacerebbe riuscire a frenare questa direzione di catastrofismo”, conclude Cordio.

The post “Ritorno al tratturo”, intervista al regista Francesco Cordio appeared first on Fred Film Radio.

Presentato al Bari International Film & TV Festival, “Tutta Vita” di Valentina Cenni si sviluppa come un’esperienza immersiva nel processo creativo musicale. Il film segue il pianista e compositore Stefano Bollani alla guida di un ensemble che riunisce alcune delle figure più autorevoli del jazz italiano, tra cui Enrico Rava, Paolo Fresu, Daniele Sepe, Antonello Salis, Ares Tavolazzi e Roberto Gatto, accanto a tre talenti emergenti: Matteo Mancuso, Christian Mascetta e Frida Bollani Magoni.

Per una settimana, i musicisti condividono una casa-studio, lavorando alla preparazione di un concerto unico. Più che una residenza artistica, il film restituisce un vero e proprio spazio relazionale, in cui la musica diventa il mezzo attraverso cui costruire un dialogo continuo.

Valentina Cenni chiarisce fin dall’inizio la direzione del progetto: “Non volevo raccontare il concerto, ma quello che accade prima”. Il fulcro del film è dunque il processo creativo, osservato nella sua dimensione più fragile e imprevedibile.“È un luogo misterioso”, spiega la regista. “Ma quello che ho capito è che sono talmente innamorati della musica che giocano”. Il gioco emerge come principio fondante della creazione artistica, non come leggerezza superficiale ma come apertura radicale all’imprevisto.

Stefano Bollani rafforza questa prospettiva con una riflessione sul linguaggio: “In quasi tutte le lingue, il verbo che indica il gioco è lo stesso che indica il suonare”. Il riferimento al termine inglese “to play” diventa emblematico di un approccio in cui musica, teatro e gioco condividono la stessa radice.

Durante le riprese, i momenti musicali si alternano a pause fatte di dialogo, convivialità e scambio. “È come un grande parco giochi”, osserva Valentina Cenni, descrivendo una quotidianità in cui il fare musica si intreccia con il vivere insieme.

Uno dei temi centrali del film è la capacità della musica di superare le barriere verbali e culturali. “È un linguaggio che ti permette di comunicare immediatamente con una persona di cui non sai nulla”, afferma Stefano Bollani.

Nel film, musicisti di generazioni diverse entrano in relazione attraverso suoni, sguardi e intuizioni, senza bisogno di spiegazioni. “Le indicazioni non sono quasi mai verbali”, sottolinea Bollani:“ci si capisce”. Questa comunicazione diretta diventa anche una forma di conoscenza reciproca, in cui l’ascolto è il vero motore della relazione.

Nel confrontarsi con il linguaggio del jazz, Valentina Cenni sceglie di rivedere il proprio approccio cinematografico. “Ho voluto adattarmi a loro”, racconta, “usare anche io l’improvvisazione”. Dopo una fase iniziale di costruzione, la regista comprende che il film deve nascere dall’osservazione e dall’ascolto: “l’unica cosa da fare era seguirli”. Questa scelta restituisce un’opera che rinuncia al controllo totale per accogliere l’imprevedibilità del reale, avvicinandosi così alla natura stessa del jazz.

L’esperienza del film lascia tracce anche nei suoi protagonisti. Valentina Cenni sottolinea l’importanza di lasciarsi andare, di abbandonare il controllo e vivere con maggiore empatia. Bollani, invece, mette in guardia da un eccesso di serietà, soprattutto tra i più giovani.

“Studiare è una cosa, essere convinti di essere seri è un’altra”, osserva Stefano Bollani. Il rischio, secondo il musicista, è perdere quella dimensione ludica che è alla base della creatività.

Guardando al pubblico, “Tutta Vita” si propone come un’esperienza attiva. “Spero che le persone abbiano voglia di uscire, ballare, suonare, cantare”, afferma Valentina Cenni.

Il film non si limita a raccontare la musica, ma invita a viverla. A riscoprirla come pratica quotidiana, come gesto condiviso, come forma di relazione. Un invito che, nelle parole di Stefano Bollani, è anche una speranza: che questo modo libero e aperto di fare musica non diventi una rarità, ma continui a esistere e trasformarsi.

The post “Tutta Vita”, intervista alla regista Valentina Cenni e al protagonista Stefano Bollani appeared first on Fred Film Radio.

Presentato al Bari International Film & TV Festival 2026, “Finale: Allegro” di Emanuela Piovano affronta un tema complesso e ancora largamente rimosso nel dibattito pubblico italiano: il diritto di scegliere il proprio finale. Il film segue una donna di successo, interpretata da Barbara Bouchet, che, giunta a una fase avanzata della vita, decide di pianificare con lucidità e determinazione la propria uscita di scena.

“Parla di una signora di successo, è giunta secondo lei un po’ al finale della sua vita”, spiega Emanuela Piovano: “ha idee molto precise su come deve essere questo finale”. A fare da contrappunto, una giovane donna proveniente da un contesto segnato da sofferenza e forte spiritualità, che mette in discussione questa visione attraverso un diverso rapporto con la vita e la fede.

Ispirato al romanzo “L’età ridicola”, il progetto nasce dall’urgenza di portare sullo schermo una narrazione ancora rara nel cinema contemporaneo. Emanuela Piovano sottolinea la complessità del testo originale, capace di coniugare profondità e ironia nel raccontare l’età avanzata. “È un libro molto bello, declinato in modo profondo e anche ironico, sul rapporto con un’età a cui ci si trova impreparati”, afferma Piovano. “È un’umanità poco rappresentata, quindi molto moderna e inedita”. Questa tensione tra consapevolezza e sorpresa attraversa tutto il film, che rifiuta la retorica dell’invecchiamento per restituire desiderio, vitalità e contraddizione.

Al centro del racconto c’è Barbara Bouchet, qui interprete di una protagonista che porta con sé memoria, desiderio e una disarmante lucidità sulla propria fine. Un ruolo che, come sottolinea l’attrice, risuona profondamente con la sua esperienza personale: “Karina somiglia molto a me”, dichiara Bouchet. “È una persona che decide per se stessa. Nessuno può dirle cosa deve fare e come deve finire la sua vita”.

Il tema dell’autodeterminazione emerge con forza anche nel riferimento esplicito al fine vita. “Ognuno ha il diritto di fare quello che vuole di se stesso”, aggiunge Bouchet. “Se dovessi ammalarmi, non voglio accanimento. Voglio andare in pace”. Una posizione netta che il film accoglie senza giudizio, lasciando spazio alla complessità emotiva e morale della scelta.

La scelta di Bouchet non è casuale. Emanuela Piovano la individua come una figura capace di incarnare un equilibrio tra immaginario cinematografico e autenticità personale. “Cercavamo un’attrice bella, con fascino, ma vera”, spiega Piovano. “Il cinema deve avere un’anima, un soffio vitale”.

Piovano sottolinea anche la necessità di rileggere criticamente il percorso dell’attrice, spesso ridotto a stereotipi. Dai film di genere italiani agli anni del cosiddetto cinema di serie B, Barbara Bouchet ha attraversato opere che, secondo Piovano, “hanno veicolato temi e personaggi che il cinema ufficiale non avrebbe mai affrontato”.

In “Finale: Allegro”, questa eredità si trasforma in una presenza scenica che coniuga sensualità e consapevolezza. Una sensualità che, osserva la regista, è oggi sorprendentemente assente nel cinema contemporaneo. “Avete più visto un film sessuale?”, si chiede Emanuela Piovano. “Il desiderio è un motore importantissimo dell’arte”.

Il cuore emotivo del film risiede nel rapporto tra la protagonista e la giovane donna che le si affianca. Un legame che evolve in una forma di cura reciproca, capace di ribaltare ruoli e aspettative.

“È come una figlia”, racconta Barbara Bouchet. “Vedo che lei mi vuole bene veramente e fa di tutto per salvarmi”. Questa dinamica introduce una dimensione aperta nel racconto, in cui il destino non è mai del tutto determinato. Il nostro finale, suggeriscono Piovano e Bouchet, resta sospeso tra diverse possibilità. “Dipende da lei, dipende dal destino”, conclude Bouchet. “È bello, non sai mai cosa viene”.

The post “Finale: Allegro”, intervista alla regista Emanuela Piovano e all’attrice Barbara Bouchet appeared first on Fred Film Radio.

Al Bari International Film & TV Festival (Bif&st), il regista Riccardo Milani torna a presentare il suo “Il posto dell’anima”, film del 2002 oggi riproposto in versione restaurata nella sezione pomeridiana del Teatro Petruzzelli. A distanza di oltre vent’anni, l’opera conserva una forza tematica evidente, legata al racconto del lavoro, delle comunità e delle trasformazioni industriali.

Scritto da Domenico Starnone insieme allo stesso Riccardo Milani, “Il posto dell’anima” si struttura come un racconto corale che intreccia tre storie, tutte legate alla chiusura di uno stabilimento industriale e alle conseguenze sociali che ne derivano. La vicenda degli operai della CarAir, azienda produttrice di pneumatici in procinto di dismettere il sito di Campolaro, si sviluppa come una riflessione sulle dinamiche economiche globali e sulle fragilità dei territori marginali.

Riccardo Milani sottolinea la continuità del proprio sguardo autoriale: “Non mi sento cambiato”, afferma, evidenziando come ogni film rappresenti per lui un nuovo inizio, guidato dalla stessa urgenza narrativa. La sua filmografia, coerente nel tempo, si fonda sulla volontà di raccontare “pezzi di paese”, restituendo la complessità e le stratificazioni della società italiana.

Questa tensione verso il reale si accompagna a una crescente consapevolezza del rapporto con il pubblico. Riccardo Milani parla di un “canale di fiducia” costruito negli anni, che consente ai suoi film di raggiungere spettatori anche molto distanti per background culturale o per visione del mondo. Un elemento che, secondo Milani, restituisce il senso stesso del fare cinema: arrivare alle persone.

Un altro aspetto centrale del suo metodo riguarda la relazione con gli interpreti. “Il posto dell’anima” si avvale di un cast di rilievo, composto da Silvio Orlando, Michele Placido, Claudio Santamaria e Paola Cortellesi. Milani descrive il lavoro con gli attori come un processo collettivo, basato su una visione condivisa: “Ho sempre condiviso il percorso da fare, sulle cose che raccontavamo, avevamo un obiettivo comune”.

Nel tempo, osserva, questa collaborazione ha portato anche a una continuità di sguardo: “Ho anche trovato attori con cui ho condiviso un percorso che poi… si è mantenuto”.

Rivolgendosi ai giovani del festival, Riccardo Milani invita a costruire una consapevolezza storica attraverso il cinema: “Non vai da nessuna parte se non hai bene la percezione del paese in cui stai”.

Tra i titoli consigliati cita “I soliti ignoti” (1958), indicandolo come chiave di lettura del dopoguerra italiano: “Guardare “I soliti ignoti” significa capire bene il nostro dopoguerra”. Un riferimento che chiarisce, ancora una volta, la sua idea di cinema come strumento di conoscenza.

The post “Il posto dell’anima”, intervista al regista Riccardo Milani appeared first on Fred Film Radio.

Presentato in anteprima nella sezione dedicata al cinema italiano della diciassettesima edizione del Bari International Film & TV Festival, “Cattiva Strada” segna l’esordio al lungometraggio di Davide Angiuli. Il film si configura come un coming of age attraversato da tensioni criminali, radicato nella periferia barese e costruito attorno alla figura di Donato, un giovane segnato dalla solitudine e dalla precarietà.

«È un coming of age dalle tinte crime», spiega Angiuli. «Racconta la parabola di un ragazzo che entra in contatto con una famiglia e con un codice ancestrale, il Kanun, che lo attrae e lo intrappola».

La storia segue Donato mentre si prende cura della nonna affetta da Alzheimer, fino all’incontro con Agust, un piccolo criminale di origine albanese. Da quel momento, il protagonista si trova coinvolto in una spirale di violenza e di appartenenza che mette in crisi ogni equilibrio.

Davide Angiuli prende ispirazione da esperienze personali legate al Kanun per costruire uno dei dispositivi narrativi del film e raccontare l’incontro tra culture diverse. Antico codice d’onore albanese, il Kanun regola i rapporti familiari e sociali attraverso principi rigidi, spesso legati alla vendetta e alla trasmissione della responsabilità all’interno del nucleo familiare.

«Quando sono entrato in contatto con il Kanun, ho capito che poteva essere uno strumento potente per il racconto», afferma. «È un codice che lega la famiglia alla morte, rendendo tutto viscerale e inevitabile».

Nel film, il legame tra Donato e Agust si sviluppa proprio all’interno di questa tensione culturale, diventando un terreno di confronto tra identità diverse ma accomunate da una condizione di marginalità. Il regista evita semplificazioni e restituisce una Bari contemporanea attraversata da stratificazioni e contaminazioni.

«Non esiste più un puro barese. Bari è una città di porto, accoglie e mescola culture. È la sua forza», sottolinea.

In “Cattiva Strada”, Bari si allontana dalle rappresentazioni cartolinesche e dalle narrazioni più estreme legate alla criminalità organizzata. Davide Angiuli costruisce una città complessa, contraddittoria, capace di accogliere ma anche di respingere.

«È una città dura, anche nel modo in cui ti chiede di appartenere», racconta. «Ma è anche una madre che ti accoglie e ti ama, a patto che tu rispetti certe regole».

Il film si propone come un racconto “da Bari per Bari”, con l’ambizione di restituire le sfumature di un territorio spesso ridotto a semplicistiche immagini. Una città che, come sottolinea il regista, «pretende di essere raccontata nella sua complessità».

Al centro del film emerge una domanda esistenziale: è meglio restare soli o appartenere a qualcosa, anche se pericoloso? Davide Angiuli non offre risposte definitive, ma costruisce un percorso che conduce a una consapevolezza amara.

«La solitudine è una condizione da cui non si può fuggire», afferma. «Quando ho capito che è una ricerca continua, anche quando non siamo soli, ho provato sollievo».

Il finale del film, evocato dal regista, rappresenta una presa di coscienza dolorosa ma necessaria. La solitudine diventa una presenza da accettare, anziché un vuoto da colmare a ogni costo.

Presentare il film a Bari rappresenta per Davide Angiuli un momento significativo. «È una festa», afferma. «Porto un film fatto a Bari, con attori baresi, davanti a un pubblico che riconoscerà quelle storie».

Allo stesso tempo, il regista sottolinea il desiderio che “Cattiva Strada” non resti confinato a una dimensione territoriale, ma parli anche a spettatori lontani da quel contesto. Il percorso di Donato assume così una dimensione universale, sospesa tra il bisogno di appartenenza e l’inevitabile confronto con la solitudine.

The post “Cattiva Strada”, intervista al regista Davide Angiuli appeared first on Fred Film Radio.

Al Bari International Film & TV Festival, “Il Dio dell’Amore” di Francesco Lagi inaugura l’edizione con un racconto corale che indaga le molteplici forme del sentimento amoroso.

L’opera nasce da un confronto creativo con lo sceneggiatore Enrico Audenino, a partire da un lavoro incentrato sui personaggi. “Abbiamo messo a fuoco prima di tutto dei personaggi”, spiega Lagi, sottolineando come siano proprio le identità e le relazioni a costruire la struttura narrativa.

Nel film, l’amore viene rappresentato come una forza che supera il piano individuale. “È un racconto sentimentale che declina un’idea di amore piuttosto varia, frammentata”, afferma Francesco Lagi. Le storie si moltiplicano, si intrecciano e si espandono, fino a suggerire una visione universale: “Un vento che ci tocca tutti e ci mette in relazione”.

Questa dimensione collettiva trasforma il racconto in una rete di connessioni, in cui ogni personaggio contribuisce a un disegno più ampio. L’amore diventa così un principio dinamico, capace di legare individui, tempi e luoghi diversi.

L’elemento centrale del film di Francesco Lagi è la presenza simbolica di Ovidio, figura che offre una chiave narrativa e tematica. “È il poeta dell’amore, ma anche della trasformazione”, osserva il regista. Il riferimento alle Metamorfosi orienta la struttura del film verso una forma aperta, potenzialmente infinita.

Come nel poema ovidiano, ogni storia ne genera un’altra. Questo meccanismo permette al film di riflettere un’idea d’amore in continua evoluzione, mai conclusa. “È uno dei percorsi possibili”, precisa Lagi, lasciando intravedere la possibilità di ulteriori sviluppi narrativi.

Uno degli aspetti più delicati del film è la gestione di una narrazione corale. Francesco Lagi riconosce la sfida di mantenere l’equilibrio tra i diversi personaggi, evitando gerarchie rigide. “Ogni personaggio doveva avere il suo spazio, il suo arco narrativo”.

L’obiettivo era costruire un insieme armonico, in cui tutte le storie risultassero significative. Questo lavoro di bilanciamento mira a restituire allo spettatore “un senso di pienezza, di calore e di senso”.

Nel finale, il film suggerisce una visione più ampia: l’idea che ogni individuo partecipi a qualcosa di più grande. “Ognuno di noi ha dentro un frammento del Dio dell’amore”, conclude Francesco Lagi.

The post “Il Dio dell’Amore”, intervista al regista Francesco Lagi appeared first on Fred Film Radio.

Presentato al 70° Taormina Film Fest, dove è stato anche l’occasione per celebrare la memoria del produttore Gaetano Di Vaio, scomparso due anni fa, “Tre Regole Infallibili” è il debutto alla regia di un lungometraggio di finzione di Marco Gianfreda, sceneggiatore navigato e autore di cortometraggi premiati in tutto il mondo. Il film arriva nelle sale italiane dal 29 gennaio, distribuito da Tittimedia di Cristina Priarone, con un cast che vede protagonisti Cristiana Dell’Anna, Matteo Olivetti e il giovane Guglielmo Acquaro. Ambientato tra i paesaggi naturali della Sicilia, racconta la storia di Bruno, quattordicenne alla scoperta del primo amore, e di sua madre Claudia, madre single che nel medesimo momento si innamora del nuovo compagno Luca — l’uomo che Bruno detesta perché gli sta, a suo modo di vedere, rubando la mamma.

Marco Gianfreda arriva alla regia del suo primo lungometraggio con alle spalle anni di sceneggiature — alcune firmate da solo, altre scritte per altri registi e una serie di cortometraggi che hanno circolato con successo a livello internazionale. Un percorso che ha reso il debutto, come lui stesso racconta, “tutto sommato non così traumatico”. Anzi, il regista si dice identificato con il risultato finale del film, cosa che, ammette, non sempre accade. “Tre Regole Infallibili” prosegue una riflessione portata avanti già nei corti: il tema del riconoscimento, dell’insicurezza personale, del bisogno umano di trovare una formula che garantisca consistenza e certezza. “Evidentemente è una mia ferita”, confessa.

Girando il mondo con il film, Marco Gianfreda si è accorto che la sinossi cambiava ogni volta e che ogni versione funzionava. Da un lato è la storia di un ragazzino caratteriale e senza figura paterna che cerca un mentore e si trova costretto a chiederlo alla persona che meno vorrebbe, il neo fidanzato di sua madre; dall’altro è la storia di una madre e un figlio che si innamorano nello stesso momento, rompendo la loro unità simbiotica e imparando ad amare in modo diverso. “Non si smette mai di formarsi”, dice il regista: il coming of age non è solo adolescenza, può arrivare anche a quaranta o cinquant’anni. E paradossalmente sarà proprio Bruno, il più matto, a ridare ordine alla vita degli adulti intorno a lui.

Uno degli aspetti più originali del film è lo sguardo che riserva agli adulti, figure di riferimento che si scoprono anch’esse prive di riferimenti. “I genitori con i primi figli fanno anche loro i genitori per la prima volta, senza sapere niente”, osserva Marco Gianfreda. Il personaggio di Luca, depositario delle famose tre regole infallibili che trasmetterà al giovane Bruno, è in fondo un goffo tentativo di fare il padre. E le regole, come il titolo ironicamente tradisce, non sono infallibili per niente. Quello che serve, alla fine, è solo il coraggio di sbagliare.

The post “Tre regole infallibili”, intervista al regista Marco Gianfreda appeared first on Fred Film Radio.

Prodotto da Matteo Garrone per Archimede Film con Rai Cinema e distribuito da Fandango dal 26 marzo, “Malavia” è il secondo lungometraggio di Nunzia De Stefano, già autrice di “Nevia“. Il film, passato in anteprima alla Festa del Cinema di Roma, ha come protagonista il giovane Mattia Francesco Cozzolino, nei panni di Sasà, tredicenne della periferia di Napoli che vive per il rap e sogna di diventare un rapper famoso per regalare una vita migliore alla madre. Nel cast anche alcuni rapper professionisti della scena partenopea: Giuseppe Sica, noto come Peppoh, nel ruolo di Yodi, il mentore musicale di Sasà, e Nicola Siciliano nel ruolo di Vlad.

“Malavia” racconta il percorso di crescita di un ragazzino di periferia che nell’hip hop trova la sua voce e la sua ragione di esistere. Sasà vive solo con la madre Rusè, in un legame profondo e viscerale, e trascorre le giornate con i suoi due migliori amici Cira e Nicolas. L’incontro con Yodi, rapper della old school partenopea, sembra dare slancio al suo sogno, fino a quando lo scontro con la realtà cinica della strada e del mondo della musica lo spinge verso scelte sbagliate e conseguenze difficili da affrontare. È un film che parla di sogni, di errori e di seconda possibilità, rimarca la sua regista.

De Stefano ha costruito “Malavia” attorno a un’urgenza molto concreta: quella di raccontare l’adolescenza dall’interno, con gli occhi di chi la sta vivendo oggi. Dice la regista: “Se hai una passione vera, sincera, e ci credi, ti fa andare avanti. Chi non riesce a trovare se stesso non riesce a trovare un posto nel mondo“.

Un messaggio che Nunzia De Stefano conosce bene, avendo attinto , come già in “Nevia” , alla propria esperienza personale, questa volta anche al rapporto con suo figlio e con la generazione dei suoi amici: ragazzi velocissimi, che non si fermano a riflettere, e che hanno bisogno di essere seguiti e guidati nelle loro scelte.

Il talento di Sasà per il beatbox e il rap è il motore del film, ma “Malavia” non si limita a celebrare la passione come soluzione. Nunzia De Stefano è chiara: “L’arte ti può aiutare ma ti può anche distruggere. Se non hai persone a tuo fianco che ti seguono e ti mettono sulla retta via, puoi bruciarti in un attimo“.  A confermare questa verità con la sua stessa storia è il protagonista Mattia Francesco Cozzolino, che sintetizza in poche parole quello che il film racconta in novanta minuti: “Lei mi ha salvato dalla strada. L’arte ti salva da tutto.”

“Malavia” guarda alla sua generazione anche nella difficoltà di liberarsi da etichette e stereotipi che ancora oggi condizionano la vita dei giovani. Nunzia De Stefano è preoccupata: “Parlo sempre con ragazzini così piccoli che non hanno gli strumenti per poter reagire. Gli stereotipi purtroppo invadono il mondo dei giovani“. Ma c’è anche spazio per la speranza: “Ci sono tanti giovani che hanno talento, passione, sono dei geni e questo ti rincuora“.

The post “Malavia”, intervista alla regista Nunzia De Stefano e l’attore Mattia Cozzolino appeared first on Fred Film Radio.

Dopo il passaggio alla Festa del Cinema di Roma, nella sezione Progressive Cinema, dove si è portato a casa il premio Monica Vitti alla migliore attrice per la protagonista Jasmine Trinca, il terzo lungometraggio diretto da Andrea De Sica, “Gli occhi degli altri“, è finalmente in sala, dal 19 marzo, distribuito da Vision Distribution.

Prodotto da Vivo Film, Wildside, società del gruppo Fremantle e Vision Distribution in collaborazione con Sky, il film è liberamente ispirato al noto delitto Casati Stampa, uno dei casi più scandalosi dell’Italia degli anni ‘60. Al centro, una coppia dell’alta società, mondana e disinvolta: lui tra gli uomini più ricchi del Paese, lei considerata una delle donne più attraenti e trasgressive. Una storia d’amore e di possesso, ancora sorprendentemente attuale.

“Gli occhi degli altri” è intriso degli sguardi di Jasmine Trinca e della sua Elena ed i tanti corpi diversi che la protagonista incarna: modulano i toni, il percorso che fa  la storia. E il risuonare di una storia ancorata al passato con il presente della cronaca e dei femminicidi che viviamo oggi,  sta proprio nell’ultimo suo sguardo di Elena, quello di chi pensa di essere libera ma non lo è.

Dichiara Jasmine Trinca: “Uno degli aspetti emozionanti di questo film è stato proprio dare carne e non solo sguardo, alla stessa donna ma che nel contempo era tante donne differenti, per un passaggio di stato e consolo di tempo.  Poter fare questo racconto nello stesso film con lo stesso personaggio era davvero tanto importante per me, per restituire un piccolo specchio in cui appunto una donna potesse guardarsi, riconoscendo tutte le possibilità che le vengono concesse”

“Andrea De Sica” si discosta dal fatto di cronaca riguardante il marchese Casati Stampa che compì il duplice omicidio di sua moglie Anna Camillo ed il suo giovane amante,  con cui si scoprì successivamente che la donna aveva iniziato una relazione sessuale con il consenso del marito e concentra tutto in un’unità di luogo, claustrofobica ma risolutiva: l’isola di Zannone.

Lì il marchese, qui interpretato da Filippo Timi, intrattiene feste e festine e consuma la sua relazione con la moglie Elena nei loro giochi voyeuristici e poliamorosi.  Quando Elena prende più consapevolezza di sé, matura, cambia e decide che certi giochi non le si addicono più e non la rappresentano, si sottrae e l’incanto scompare. Il marchese non accetta un no, perché non è mai stato abituato al rifiuto.

Filippo Timi incarna nel suo marchese, l’incapacità di incapacità di distinguere la differenza tra amore e possesso e dunque anche tra amore e violenza.

“Gli occhi degli altri” pur essendo ambientato negli anni ’60, possiede una schiacciante connessione con l’attualità. Per questo motivo ha ricevuto anche il sostegno della Fondazione Una Nessuno e Centomila.

Marta Donzelli, produttrice di Vivo Film ha infatti dichiarato: “Hanno visto il film e deciso di sostenerlo proprio per il punto di osservazione che offre sulle violenze all’interno delle coppie. È una cosa su cui Andrea, Filippo e tutti noi abbiamo lavorato molto. Il film esplora una zona grigia, dove però la linea del consenso non deve essere messa in discussione. Siamo contenti che anche questo messaggio passi attraverso il film”.

The post “Gli occhi degli altri”, intervista al regista Andrea De Sica e gli attori Jasmine Trinca e Filippo Timi appeared first on Fred Film Radio.

Dal 7 al 15 marzo 2026 torna il Bergamo Film Meeting, giunto alla 44° edizione.

Sotto la direzione di Annamaria Materazzini e Fiammetta Girola, la rassegna da sempre crocevia del cinema internazionale, ha aumentato il numero dei film per un totale di circa 170 film tra corti e lungometraggi, da vedere in 9 giorni di Festival.

Confermate le 2 sezioni competitive: la Mostra Concorso con 7 lungometraggi di fiction in anteprima nazionale, e Visti da Vicino composta da 14 documentari, anch’essi in anteprima nazionale.

Tra gli omaggi, imperdibile quello al regista Abbas Kiarostami, nel decennale della sua scomparsa,   all’attore Louis de Funès e la retrospettiva dedicata alla regista Agnieszka Holland;

Immancabile la sezione Europe, Now! di Bergamo Film Meeting, che da anni rivolge l’attenzione al cinema d’autore europeo contemporaneo e che, per la 44°edizione presenterà le personali complete in anteprima nazionale di Ildikó Enyedi (Ungheria) e Alex van Warmerdam (Paesi Bassi). A rappresentare quest’ultimo in un incontro con il pubblico, Marc van Warmerdam, fratello del regista e produttore dei suoi film.

In Europe, Now! anche la due giorni (11-12 marzo) dedicata ai professionisti dell’industria cinematografica che si riuniranno per Europe, Now! Film Industry Meetings, incontri di aggiornamento giunti alla 6ª edizione che quest’anno verteranno sulle nuove forme di distribuzione con il titolo: New forms of distribution: European models across classics, contemporary and immersive cinema

Non mancheranno un ampia panoramica di film realizzati con la tecnica pinscreen per la sezione Cinema d’Animazione.

Un omaggio a Tony Curtis, testimonial della campagna Support di BFM 44, l’imperdibile maratona notturna con 2 cult del cinema sci-fi e horror e infine un tributo a Andrzej Wajda, nel centenario della sua nascita e a dieci anni della sua morte.

The post Annamaria Materazzini, intervista alla co-direttrice artistica del 44° Bergamo Film Meeting appeared first on Fred Film Radio.