La Direttrice Artistica della Festa del Cinema di Roma, Paola Malanga, insieme con il Presidente della Fondazione Cinema per Roma, Salvo Nastasi, ha annunciato il programma della 20° edizione.

In programma dal 15 al 26 ottobre 2025 all’Auditorium Parco della Musica Ennio Morricone coinvolgendo numerosi altri luoghi e realtà culturali della Capitale, la Festa è ufficialmente riconosciuta come Festival Competitivo dalla FIAPF (Fédération Internationale des Associations de Producteurs de Films) con un Concorso internazionale dal titolo Progressive Cinema – Visioni per il mondo di domani.

Con l’anteprima di “La vita va così” di Riccardo Milani in apertura e la stagione finale di “Vita da Carlo” in chiusura, il festival si preannuncia ricco di a Dagrandi film e grandi nomi, non trascurando però le opere prime, di cui si compone il concorso ma anche le altre sezioni.

“Le opere prime, secondo me,  sono sempre tutte da vedere – commenta Malanga – perché possono racchiudere dei talenti del futuro e vale sempre la pena vedere che cosa c’è non solo di nuovo. L’opera prima infatti è anche l’oggetto di una sezione di incontri con registi navigati che si chiama absolute beginners, dove si parla del film unico della vita, quello che non hai fatto prima e quello che non farai mai più, quindi un pezzo unico“.

La Festa di Roma, a 20 anni dalla sua prima edizione, si guadagna l’anzianità necessaria per parlare della sua storia e di quella collettiva. La 20° edizione dedica molta attenzione alle narrazioni che hanno il potere di tracciare un ponte tra passato e presente, evidenziando come il cinema possa essere strumento per conservare e trasmettere la memoria collettiva. Non solo film ma anche serie TV che raccontano la storia e chi siamo stati, come “Anatomia de un istante” sul colpo di Stato del 23 febbraio 1981 in Spagna, un episodio cruciale della transizione democratica oppure “Prima di noi” di Daniele Luchetti, una saga familiare che diventa specchio della storia italiana del Novecento. La celebrazione dei 20 anni di Festa del Cinema di Roma, inoltre, permette di rivisitare storie passate e di anticipare le nuove tendenze del cinema internazionale.

L’inizio della direzione Malanga della Festa del cinema di Roma, ha portato anche una nuova sezione alla rassegna, da lei ideata e fortemente voluta Freestyle. “Ci troviamo film che escono dall’ordinario – precisa la direttrice artistica –il cinema che dialoga con la letteratura, il teatro l’arte, la fotografia, la scultura. Ci si potrebbe anche fermare lì, a guardare solo Freestyle e si farebbe un bel giro del mondo.”

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Dal 22 al 28 settembre, parte Tutti Al cinema!!!, campagna di sensibilizzazione sull’accessibilità cinematografica promossa da +Cultura Accessibile Onlus e sostenuto da FRED Film Radio, che mira a migliorare la fruizione di film accessibili nelle sale italiane. L’iniziativa, coinvolge 14 cinema distribuiti sul territorio nazionale, nelle città di Torino, Milano, Genova, Venezia, Bologna, Firenze, Roma, Napoli, Bari, Barletta, Cagliari, Palermo, Matera e San Teodoro (Sassari), che proietteranno “La Dolce Vita“ resa accessibile dagli iscritti al corso di resa accessibile filmica (2025).

L’obiettivo di “Tutti al cinema” è di superare le barriere tra produzione, distribuzione e sala, per garantire che i film resi accessibili attraverso leggi come il tax credit giungano effettivamente al pubblico. La campagna evidenzia le difficoltà operative e le resistenze di una filiera che spesso si ferma alla produzione, lasciando il pubblico senza la possibilità di godere dei contenuti in modo completo. Questo lavoro si inserisce in un quadro di crescente consapevolezza sul valore economico e sociale dell’accessibilità.

+Cultura Accessibile ha a suo tempo fatto pressione affinché la Legge sul Cinema a firma dell’On. Franceschini (2016) ponesse attenzione sull’inclusione del pubblico fragile e sulla necessaria produzione della resa accessibile realizzata ex ante (considerandola quindi una fase produttiva del film) e non ex post (in fase conclusiva di post produzione).

Lo scorso luglio con il D.I. 225 10/07/2024 la resa accessibile diventa elemento escludente ai fini degli esiti dei bandi che regolano l’assegnazione dei contributi.

I film accessibili devono rientrare nella corrente programmazione delle sale, così come ormai vengono proposte le versioni in lingua originale. “È un’azione che coinvolge distributori ed esercenti. Soprattutto a loro è rivolta questa iniziativa” dichiara Trunfio nel comunicato stampa relativo all’iniziativa

Daniela Trunfio evidenzia inoltre come la normativa e le tecnologie siano ormai in grado di garantire la fruizione universale dei film, ma sottolinea anche che manca ancora un’effettiva messa a sistema di questo processo. La gestione delle copie accessibili e il coinvolgimento degli esercenti rappresentano gli ultimi ostacoli da superare. La speranza è che la sinergia tra enti pubblici, produttori e sale cinematografiche possa portare a una piena concreta realizzazione di questa esigenza, per un cinema che sia davvero “per tutti”.

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L’attrice e autrice Emanuela Fanelli, tra le interpreti oggi più originali e innovative del panorama cinematografico e televisivo italiano, è la conduttrice delle serate di apertura e di chiusura dell’82. Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica della Biennale di Venezia

Citando le stesse parole della Mostra e del direttore Alberto Barbera: Attrice versatile e profonda, Emanuela Fanelli è capace di passare con naturalezza dalla comicità al dramma senza mai perdere coerenza espressiva. Il suo lavoro è apprezzato non solo per le doti interpretative, ma anche per la capacità di raccontare, con sguardo personale e profondo, le ironie e le contraddizioni del presente. È autrice dei suoi stessi monologhi.

“Spero vada bene e che le persone no rimangano di aver preso dei mezzi per presenziare alla cerimonia di apertura e chiusura” si augura Fanelli, alla vigilia di una sfida ardua, quella di rendere divertenti e piacevoli le due serate più ardue, da sempre , ad ogni festival di cinema che rispetti, grande o piccolo che sia.

Negli ultimi anni, Venezia, grazie anche e soprattutto alla direzione di Alberto Barbera ha consolidato il suo ruolo di piattaforma internazionale in grado di ospitare film di diversa provenienza, stile, genere. La Mostra è luogo dove la distinzione tra cinema popolare e cinema d’autore non ha più senso di essere fatta, le barriere sono sempre più permeabili.

Emanuela Fanelli, con le sue scelte di carriera, è l’artista che più impersona questo connubio.

“Il cinema d’autore non ha bisogno di essere esclusivo“, afferma, sottolineando che l’obiettivo è sempre stato quello di raggiungere e coinvolgere un pubblico ampio. La capacità di un film di “arrivare” alle persone, di comunicare un messaggio autentico, rappresenta il vero successo del settore.

Il Festival si conferma dunque come un osservatorio privilegiato di innovazione e di evoluzione del linguaggio cinematografico. La manifestazione permette a registi emergenti e affermati di condividere le proprie opere, spesso sperimentando nuove tecniche e narrazioni che sfidano le convenzioni.

Emanuela Fanelli nel 2022 è arrivata alla Mostra tra i componenti del cast di “Siccità” di Paolo Virzì , presentato fuori concorso. A Venezia edizione 2025, giunge alla rassegna in tutt’altra veste. Come sarà questa nuova esperienza alla Mostra? “quando vieni da attrice, il lavoro già l’hai fatto, bisogna solo vederlo” commenta Fanelli. “Adesso sono molto più agitata, perché devo farlo, il lavoro e sono molto più in ansia. Venezia è una sfida, ma anche una grande opportunità“, dichiara in conclusione.

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“La valle dei sorrisi“ di Paolo Strippoli è stato presentato Fuori Concorso alla 82ª Mostra Internazionale del Cinema di Venezia e uscirà nelle sale il 17 settembre con Vision Distribution.

Prodotto da Domenico Procacci e Laura Paolucci per Fandango e da Ines Vasiljevic e di Stefano Sardo per Nightswim, il film vede protagonista Michele Riondino affiancato dal giovane Giulio Feltri, al suo debutto sullo schermo, Romana Maggiora Vergano, Paolo Pierobon, Sergio Romano, Anna Bellato, Sandra Toffolatti e Roberto Citran.

“La valle dei sorrisi”  riesce a combinare ,con maestria l’horror con una riflessione su temi universali come il dolore, la crescita e l’illusione di felicità. Si distingue come un esempio di questa rara commistione, offrendo allo spettatore non solo suspense e paura, ma anche un’immersione in un microcosmo simbolico che riflette le sfide della vita reale.

Il film nasce dal desiderio di Paolo Strippoli “di esplorare l’horror non come semplice dispositivo di tensione, ma come spazio simbolico per raccontare la fragilità dell’identità e il bisogno disperato di appartenenza“.

La narrazione si sviluppa infatti come un coming of age doloroso, con personaggi alla ricerca di senso e di un modo per affrontare il dolore. La sceneggiatura ha lo scopo di mostrare un mondo che, pur apparendo felice e idilliaco, nasconde segreti e sofferenze che si celano dietro i sorrisi artefatti di “una comunità apparentemente idilliaca, dove il dolore è bandito e la serenità è una religione“, spiega Strippoli.

Il regista e sceneggiatore chiarisce che “c’era un’anima di ferro che ha legato tutto, come i pupazzi di vimini di The Wicker Man“, un elemento simbolico che identifica il cuore oscuro e persistente del film. La narrazione si svolge in un’ambientazione che funge da specchio del mondo reale, evidenziando come spesso gli individui cerchino scorciatoie per sfuggire alla sofferenza, rinnegando la capacità del dolore di renderci umani.

“Per superare il proprio dolore, bisogna avere coraggio e forza,” commenta Michele Riondino, sottolineando il messaggio centrale del film che utilizza l’elemento horror come veicolo per un’analisi più profonda della condizione umana, invitando lo spettatore a riflettere sulla propria realtà e sui meccanismi di difesa che adottiamo per non affrontare il dolore. È un “lecito” viaggio attraverso una piccola favola morale, ma anche una critica sottile alla società contemporanea, sempre più immersa nel mondo digitale e in una ricerca di approvazione sociale che spesso nasconde inquietudini e insicurezze.

Per Romana Maggiora Vergano, l’approccio al genere horror è stato una vera sfida. L’attrice rivela di essersi sentita inizialmente fuori luogo, ma la collaborazione con il regista ha permesso di utilizzare il linguaggio horror per raccontare un mondo reale e complesso. “Abbiamo voluto convincere lo spettatore che, sotto l’aspetto terrorifico, si cela una storia di dolore e riscatto,” commenta Maggiora Vergano.

Continua Romana Maggiora Vergano nell’illustrare il ruolo del suo personaggio, Michela, all’interno del film: “Michela si avvicina al burbero e respingente Sergio Rossetti ( Riondino) perché il suo dolore le risuona e quindi in qualche modo si prende carico, a responsabilità di aiutarlo, di redimerlo e così come Rossetti accompagna lo spettatore in questo viaggio, Michela accompagna Rossetti che accompagna lo spettatore, e lo inizia a questo rituale salvifico, in qualche modo”

Il messaggio finale che il film trasmette è quello di non temere mai di mostrare le proprie vulnerabilità. “Non bisogna avere paura di non sorridere a volte,” ricordano Strippoli, Romana Maggiora Vergano e Michele Riondino, invitando il pubblico a riflettere sull’importanza di affrontare il dolore senza scappare, attraverso una storia potente e profondamente umana.

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“Il Mostro”, la serie tv in 4 episodi diretta da Stefano Sollima, creata da Leonardo Fasoli e Stefano Sollima, è stata presentata in anteprima Fuori Concorso alla 82ª Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia e arriverà solo su Netflix dal 22 ottobre, in concomitanza con il 10° anniversario dell’arrivo del servizio in Italia.

Composta da quattro episodi, la serie ritorna alle origini del caso del Mostro di Firenze, a partire dalla prima indagine, ricostruendo una delle inchieste più lunghe e controverse della storia italiana. Un racconto che attraversa documenti, ipotesi e piste ancora oggi oggetto di dibattito, ripercorrendo nel particolare quella nota come “pista sarda”

Una produzione The Apartment, società del gruppo Fremantle e AlterEgo, prodotta da Lorenzo Mieli, Stefano Sollima e Gina Gardini, vede tra i suoi interpreti Marco Bullitta, Valentino Mannias, Francesca Olia, Liliana Bottone, Giacomo Fadda, Antonio Tintis e Giordano Mannu.

Il team creativo de “Il Mostro” ha adottato un approccio che privilegia il rispetto per le vittime e la rappresentazione fedele dei fatti. Una delle scelte più significative è stata quella di basare la narrazione esclusivamente su materiale documentale autentico. “Abbiamo lavorato con interviste, interrogatori e atti giudiziari realmente registrati“, spiegano Sollima e Fasoli. Questa metodologia ha permesso di preservare l’autenticità delle testimonianze e di evitare qualsiasi distorsione o invenzione, rafforzando il rispetto verso le persone coinvolte e restituendo un’immagine veritiera di quanto accaduto.

Uno dei principali dilemmi etici affrontati durante la scrittura e la messa in scena riguarda la rappresentazione dell’orrore. Quanto si può mostrare senza eccedere? “L’orrore va attraversato, e la storia deve ricominciare dall’inizio“, affermano i creatori, sottolineando la volontà di non cadere nella morbosità, ma al tempo stesso di non insistere troppo sui dettagli che potrebbero diventare disturbanti. La sfida consiste nel trasmettere la gravità degli eventi senza che l’immagine si trasformi in un mezzo di spettacolarizzazione del dolore.

“Il Mostro” mette in luce una realtà complessa e spesso ignorata, quella di società arretrate ma non così lontane dai nostri giorni. Rappresenta una società patriarcale degli anni Settanta, ma le dinamiche di oppressione, rabbia e violenza sono purtroppo ancora attuali,  “il brodo culturale dell’epoca riflette la contemporaneità” rimarca Sollima. L’obiettivo non era solo risolvere un caso di crimine, ma offrire un ritratto più ampio di una cultura e di un fenomeno sociale che, pur radicati in un passato lontano, continuano a influenzare il presente.

Un elemento distintivo del progetto è la scelta di narrare le vicende dal punto di vista di tutti i protagonisti, vittime e aggressori inclusi. Questa prospettiva consente di dipingere un quadro sfaccettato e complesso, che va oltre la semplice risoluzione di un mistero. “Abbiamo voluto raccontare i mostri dalla loro stessa prospettiva“, spiega Fasoli, per offrire uno spaccato di una società in cui le persone spesso si trovano intrappolate in cicli di oppressioni che alimentano violenza e rabbia.

Il film esplora il contrasto tra giovani che vivono il piacere libero e spontaneo e figure oppressive che negano questa stessa libertà. Le storie si intrecciano tra energia vitale e aspetti più oscuri, in un mondo in cui la libertà personale si scontra con le limitazioni imposte da una cultura patriarcale. Questo dualismo rende le vicende raccontate di estrema attualità, estendendo lo sguardo storico a riflessioni sulla società contemporanea.

Nell’analisi che la serie fa delle dinamiche e i contesti in cui vivevano i presunti colpevoli, i sospettati mostri, viene fuori un agghiacciante ritratto di una società non solo dominata dalle regole del patriarcato ma dalla costante e perpetrata “abitudine” a usare violenza sulle donne della famiglia.”Lì è stata penso risolutiva l’idea iniziale di raccontare non tanto la pista

Il lavoro di Sollima e Fasoli dimostra come, anche attraverso un racconto di ambientazioni passate, si possano esplorare temi universali e sempre rilevanti. La tensione tra desiderio di libertà e oppressione, la violenza generata da oppressioni psicologiche e culturali, rimangono inquietanti e ancora molto presenti nel nostro tempo. La serie è molto più di un semplice crime drama: è un monito e un’analisi profonda delle dinamiche umane e sociali che ci circondano. Un’opera che, attraverso un racconto fedele e rispettoso, invita a riflettere sulla natura del male e sulla complessità della verità, restituendo un’immagine forte e autentica di un passato che ancora oggi fa eco nel presente.

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All’82esima edizione della Mostra del Cinema di Venezia, Francesco De Gregori si è raccontato attraverso la sua musica e un repertorio meno noto nel documentario diretto da Stefano Pistolini “Francesco De Gregori. Nevergreen“, nelle sale italiane dall’11 al 17 settembre con Nexo Studios.

Il film è una sintesi musicale dei concerti che il cantautore ha tenuto nel 2024 nell’arco di un mese in un piccolo teatro di Milano, l’Out Off, portando sul palco ogni giorno una scaletta diversa, e condividendo alcuni brani con degli ospiti a sorpresa, come Elisa, Jovanotti e Ligabue.

“Nevergreen” nasce dall’idea di De Gregori di mettere in scena brani meno conosciuti del repertorio di De Gregori, “emarginati” dai canali radiofonici e dalle playlist più mainstream. “Ho voluto riprendere un repertorio che non è minore in senso artistico, ma semplicemente meno diffuso, per permettere di riscoprire canzoni che rischiano di andare perdute nel tempo”, ci racconta De Gregori. La scelta di queste canzoni, spesso legate a periodi storici come la fine degli Anni ’70 e l’inizio degli Anni ’80, rispecchia l’intento di mettere in risalto quanto il passaggio del tempo e i cambiamenti nel sistema di diffusione della musica abbiano influito sulla memoria collettiva.

I due termini suggeriscono una riflessione sul rapporto tra canzoni di lunga durata e successi effimeri. Alcuni brani sono diventati vere e proprie icone musicali, mentre altri restano più di nicchia ma ugualmente significative. La capacità di De Gregori di riconoscere il valore di ciascuna canzone si traduce in un’attenta scelta artistica, che privilegia la qualità e il significato oltre la semplice orecchiabilità.

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“Portobello”, la nuova serie di Marco Bellocchio, è stata presentata Fuori Concorso alla 82a Mostra Internazionale D’Arte Cinematografica di Venezia.

La serie HBO Original, per la nuova piattaforma streaming HBO Max in arrivo nel 2026, racconta uno dei più clamorosi errori giudiziari italiani: la vicenda del presentatore televisivo Enzo Tortora, la parabola tragica della caduta di un uomo innocente.

Scritta da Marco Bellocchio, Stefano Bises, Giordana Mari e Peppe Fiore e prodotta da Lorenzo Mieli e Mario Gianani per Our Films e da Simone Gattoni per Kavac Film, ritrova l’attore musa di Bellocchio, Fabrizio Gifuni, nel ruolo di Enzo Tortora e gli affianca Lino Musella, interprete di Giovanni Pandico, uomo di camorra e artefice delle prime infondate accuse.

Marco Bellocchio continua, con questa serie, a riscrivere, con il cinema, dei pezzi di storia italiana e a Venezia, il regista ha sottolineato come il film rappresenti un’ulteriore tappa nel suo percorso di analisi critica della società italiana, concentrandosi sul caso di Enzo Tortora e sulla parabola di un uomo simbolo di una cattiva giustizia.

A quasi 86 anni Bellocchio non ne sbaglia una. Come fa? Risponde Gifuni con una teoria: “Marco è attento a qualsiasi cosa. Attento e incuriosito perché pensa sempre che qualsiasi cosa possa essergli utile, che qualsiasi cosa lui la possa non sapere e apprendere in quel momento. E questo è uno di quegli elementi dell’elisir, proprio di quell’elisir magico.”

La serie, sottolineano Gifuni e Musella,  con l’efficacia del lavoro di ricostruzione storica, è guidata dalla volontà di riscoprire le storie lasciate in ombra dalla memoria collettiva. La narrazione si concentra sul processo di rimozione che ha avvolto il personaggio di Enzo Tortora, il volto popolare della televisione italiana degli anni ’80, ingiustamente coinvolto in un caso giudiziario che ne ha segnato profondamente la vita e l’immagine pubblica.

Ricorda poi Gifuni: “quante volte in TV ci vengono riproposte delle immagini della televisione del passato? vediamo immagini di Canzonissima, di Pippo Baudo, di Mike Bongiorno, di Mina? lì io non ricordo di aver mai visto Tortora  perché è come se  se veramente ci sia stato un grande meccanismo di rimozione collettiva.”

Gifuni rivela come, durante le riprese, abbia scoperto aspetti poco conosciuti di Tortora, dall’ideale di una televisione liberale contro il monopolio RAI di allora, alle sue posizioni politiche di apertura “Questa parabola, spesso dimenticata o accantonata, emerge con forza grazie a una sceneggiatura intensa e a testimonianze dirette che rendono attuale il dramma di un’ingiustizia“, concludono poi Gifuni e Musella.

Portobello debutterà nel 2026 su HBO Max, dove sarà disponibile a livello globale, compresi i prossimi mercati di lancio Italia e Regno Unito, esclusi Francia e Germania.

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Ad Orizzonti della 82esima edizione della Mostra d’Arte Cinematografica di Venezia, Nicolò Folin presenta il cortometraggio “Kushta Mayn – La mia Costantinopoli“.

Prodotto dal CSC – Centro Sperimentale di Cinematografia da cui il regista si è  appena diplomato, il film, ambientato nella Venezia, 1563 racconta Asher e Aaron,  due adolescenti ebrei inseparabili, fuggiti dai massacri dell’Europa centrale, che trovano rifugio nella Casa dei Catecumeni, luogo di accoglienza “solo” per gli “infedeli” che desiderano convertirsi.

“Kushta Mayn – La mia Costantinopoli” si distingue come un cortometraggio autentico e ricco di spunti di riflessione, che unisce realtà storica e esperienza personale. La pellicola, presentata in selezione ufficiale, offre un potente esempio di come la narrazione possa unire passato e presente, affrontando temi universali attraverso uno sguardo intimo e accurato.

Il regista Nicolò Folin spiega che “Kushta Mayn” trae origine da un evento reale avvenuto 500 anni fa, ricostruito con la massima fedeltà ai fatti e alle persone coinvolte, grazie ai verbali di un processo tenuto a Venezia e a cui il regista ha avuto accesso.

La vicenda si focalizza su due amici fraterni che si trovano a dover prendere decisioni cruciali in un mondo complesso, in un’epoca di grandi trasformazioni. La forte attenzione alla ricostruzione storica si traduce in un lavoro di ricerca meticoloso, che ha coinvolto l’intero team di produzione.

Per il regista, il lavoro di ricostruzione del mondo di Venezia nel XVI secolo è stato una delle sfide più grandi, ma anche uno degli aspetti più gratificanti. Nicolò Folin sottolinea l’entusiasmo condiviso dai collaboratori nel studiare tracce lasciate da persone di quel periodo, cercando di riscoprire la loro umanità e le loro emozioni. La realizzazione del cortometraggio ha richiesto anche uno studio approfondito delle lingue dell’epoca, tra cui alcune di confine, dando così autenticità alle scene e alle conversazioni rappresentate.

Particolarmente curata è la resa visiva e luminosa del cortometraggio. La collaborazione con il direttore della fotografia Simone Sadocco ha permesso di ricreare ambienti illuminati esclusivamente dalla luce delle candele, contribuendo a trasmettere l’intimità e l’epoca storica del film. Questo dettaglio, che richiama una realtà quotidiana di secoli fa, rappresenta una scelta stilistica fondamentale per aumentare la credibilità della narrazione.

Nicolò Folin evidenzia anche l’importanza di creare una rete di collaboratori fidati, un vero e proprio gruppo di lavoro consolidato, che si sviluppa anche attraverso la formazione presso il Centro Sperimentale. Per lui, questa comunità di operatori contribuisce alla crescita artistica e alla creazione di un linguaggio comune, rendendo ogni progetto un’occasione di dialogo e crescita condivisa.

“Kushta Mayn” diventa così un viaggio tra storia e attualità, rivelando come le grandi crisi, le difficoltà e le scelte di un’epoca passata siano ancora oggi intimamente legate all’esperienza dell’essere umano. Secondo Nicolò Folin, la forza di questa narrazione sta nel suo carattere universale: le specificità del periodo e del luogo contribuiscono a creare un mondo credibile, che rispecchia, in ultima analisi, le sfide e le emozioni di tutti noi, indipendentemente dal tempo e dal contesto.

Un film che invita a riflettere sulla propria identità e sulle proprie radici, destinato a lasciare un segno profondo nello spettatore che si immerge in questa storia senza tempo.

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Il regista napoletano Alessandro Rak torna a Venezia, in Orizzonti Fuori concorso all’82esima edizione, per presentare “Rukeli“, cortometraggio d’animazione che racconta la storia vera del pugile sinto tedesco che prese a pugni il nazismo, Johann Wilhelm Trollmann, morto nel campo di concentramento di Wittenberge, e divenuto il simbolo di tutte le storie di oppressione e di riscatto.

Prodotto da AntropicA, “Rukeli” è una co-produzione Sideways Studios, Film i Väst in associazione con Mad Entertainment, in collaborazione con Rai Cinema, realizzata con il supporto di Film Commission Regione Campania.

Nato da una idea dell’associazione chi rom e…chi no, scritto da Biagio Di Bennardo e Emma Ferulano, il corto fa parte del progetto europeo Tracer, Transformative Roma Art and Culture for European Remembrance, con capofila il Dipartimento di Scienze dell’Educazione dell’Università di Bologna, volto a riscoprire la memoria del genocidio di rom e sinti durante il nazismo e nasce da un’idea sviluppata a Scampia, periferia nord di Napoli, attraverso i laboratori dell’associazione chi rom e… chi no, con il coinvolgimento attivo di un gruppo di ragazzi rom e napoletani.

Il protagonista,”Rukeli“, fu campione di Germania di pugilato, ma il suo titolo gli fu revocato a causa delle persecuzioni razziali e etniche legate al totalitarismo nazista. La scelta di raccontare questa storia nasce dall’idea di utilizzare il cinema come strumento di memoria e insegnamento, attraverso un cortometraggio di circa 5 minuti realizzato in un laboratorio sociale con giovani di etnia Sinti e Rom di Scampia, Napoli. L’obiettivo era creare un elaborato che, oltre a sensibilizzare sulle ingiustizie storiche, coinvolgesse i giovani nella narrazione condivisa.

Rak  sottolinea come il lavoro si sia concentrato su un approccio di sintesi e immediatezza, puntando a comunicare in modo efficace e diretto. “Il passato si ripresenta in molte forme, e questa storia ci invita a riflettere anche sul presente“, commenta, evidenziando come si possa usare l’animazione e lo storytelling visivo per rendere più accessibili e coinvolgenti temi complessi come la persecuzione e la resistenza.

Per la realizzazione del corto, sono state coinvolte i giovani partecipanti al progetto nel cercare immagini che risuonassero con le parole della narrazione, attraverso disegni, fotografie e persino intelligenza artificiale. Questa fase ha permesso di creare un’immagine potente e evocativa, sufficiente a sintetizzare la vicenda di Rukeli in pochi minuti, ma con un impatto emotivo notevole.

Il corto si distingue per le sue sequenze incisive, come quella in cui Rukeli si vede nei campi di concentramento, con il suo corpo ridotto a soli 40 chili. La lavorazione brillante e la gestione del ritmo narrativo rendono il film immediatamente efficace, contribuendo a mantenere viva la memoria di questa ingiustizia storica. La capacità di comunicare un messaggio forte in breve tempo è stata uno degli aspetti più apprezzati, sottolineando l’importanza di un cinema che sa parlare al cuore e alla mente degli spettatori.

Il regista sottolinea come il cinema e l’arte siano strumenti fondamentali per interpretare e discutere la realtà sociale, soprattutto in un momento in cui l’arte rischia di essere confinata in categorie politiche troppo rigide. “L’arte è dinamica, raccoglie le diversità e arricchisce il dibattito pubblico”, afferma, sottolineando che le minoranze e le periferie culturali trovano nel cinema un mezzo potente di espressione e di costruzione di identità.

Nel contesto attuale, la responsabilità di un artista nel portare avanti tematiche politiche e sociali è più che mai centrale. Rak ribadisce che l’arte non deve essere distaccata dalla realtà, ma piuttosto un modo per stimolare il dialogo, alimentare la consapevolezza e promuovere il cambiamento. “Lasciar fare ai politici e alle istituzioni è importante, ma ci sono spazi in cui l’arte può e deve intervenire come portatrice di verità”, conclude, evidenziando l’importanza di un cinema che si impegna a raccontare e a non tacere.

Il cortometraggio“Rukeli“è stato selezionato nella sezione Orizzonti alla 82ª Mostra del Cinema di Venezia e, grazie a un accordo con la Rai, potrà essere visto anche in televisione, contribuendo a diffondere un messaggio di memoria e diritto alla diversità. La partecipazione al Festival rappresenta forse l’inizio di un percorso più ampio, volto a mantenere vivo il ricordo e l’importanza di questi episodi storici attraverso l’arte visiva.

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Alla 22° edizione delle Giornate degli Autori, a Venezia, Tomaso Pessina porta il suo “L’incanto” nella sezione Confronti.

Il film prende forma come un viaggio attraverso i temi, i paesaggi e le ossessioni di uno dei maestri del cinema italiano: Pupi Avati.

Al centro del film c’è il senso di appartenenza: a una fami­glia, a una città, a un paesaggio, a un’idea di cinema. Ma so­prattutto c’è il desiderio di capire cosa sia davvero “l’incanto”: una forza invisibile che lega chi fa i film, chi li guarda, e i luoghi – sempre più fragili – dove quella magia si manifesta. riporta il cinema italiano in un viaggio tra passato e presente

L’incanto” di Tomaso Pessina si distingue come un affascinante tributo agli ultimi decenni del cinema italiano e alla sua capacità di incantare gli spettatori. Attraverso una narrazione che intreccia storia, memoria e passione, il film esplora il valore della sala cinematografica come luogo di meraviglia e di autenticità, conservando intatta la magia del grande schermo.

Il titolo “L’incanto” rappresenta molto più di un semplice nome: è il cuore stesso del film. Pessina spiega che l’obiettivo principale è il senso di meraviglia che il cinema può suscitare, un sentimento che va oltre le immagini proiettate. È l’esperienza di entrare in una sala buia, condividere un momento collettivo e sentirsi parte di una storia che si svolge davanti agli occhi, ma anche l’intimità del regista che comanda lo spettacolo, che grida “azione!” creando un’atmosfera di magia e quanto questa si ripercuota nel lavoro di Pupi Avati, uno dei grandi protagonisti di questa storia.

L’ispirazione iniziale nasce da un evento reale: la chiusura del cinema Odeon di Milano, edificio storicamente legato alla famiglia di Pessina. Costruito nel 1929 dal bisnonno dell’autore, il cinema rappresentava un simbolo di cultura e tradizione cittadina. La notizia della sua chiusura ha acceso in Pessina il desiderio di realizzare un film che raccontasse non solo la storia di un locale iconico, ma anche il sentimento di perdita e di cambiamento che attraversa molte città italiane.

Il rapporto tra cinema e identità urbana emerge in tutta la sua profondità nel film, che riflette sulla città come un elemento vivo, in continuo mutamento. Pessina sottolinea come la chiusura di un cinema non sia solo la fine di un’epoca, ma anche il ripensamento del modo in cui si concepisce la cultura e lo spazio pubblico, ponendo domande su quale tipo di città vogliamo costruire.

Il progetto ha preso forma nel corso di tre/quattro anni, un percorso fatto di incontri con persone legate al cinema e alla storia dell’Odeon. Tra queste, spiccano le figure di figure come Fernando, il proiezionista, simbolo di un mestiere ormai scomparso ma che rappresenta l’anima del cinema di un tempo. Ricorda Pessina come la figura del proiezionista sia romantica, un’ultima testimonianza di un’arte fatta di precisione e passione.

Il film si arricchisce anche di altri ricordi, come le immagini di un cinema parrocchiale di Bologna, che evocano un’Italia dove il cinema era diffuso e accessibile in ogni angolo. Questi ricordi rafforzano il senso di comunità e di cultura condivisa, elementi che “L’incanto”  resta fedele nel suo intento narrativo.

Il potere del cinema, secondo Pessina, nasce dall’epifania e dalla capacità di aprirti nuovi mondi: “Il cinema ti cambia la vita”, afferma il regista, citando Fellini. Ha trovato la sua personale epifania durante le riprese, osservando Pupi Avati sul set, un incontro che ha rafforzato la sua vocazione e la volontà di raccontare storie che parlano di identità e di trasformazione.

Il messaggio culturale di “L’incanto” si concentra quindi sulla natura viva del cinema e sulla sua funzione di memoria collettiva. La chiusura di un cinema come l’Odeon non rappresenta solo la fine di una struttura, ma solleva questioni più profonde sulla città, sulla cultura e sul patrimonio emotivo che il cinema porta con sé.

“È importante cambiare, ma senza perdere il legame con il passato” conclude Pessina, sottolineando che il vero incanto risiede nella capacità del cinema di emozionare, educare e unire le persone, in ogni epoca. “L’incanto”  si propone così come un invito a preservare questa magia, a valorizzare il cinema come bene comune e a riflettere sul senso di città e cultura che vogliamo costruire.

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