Margherita Vicario, cantante, e autrice e regista del film “Gloria!“, è stata premiata a Venezia con il Soundtrack Stars Award, dedicato alla migliore colonna sonora di un film italiano dell’anno. Ennesimo riconoscimento per l’opera prima di Margherita Vicario, che ha avuto un enorme riscontro all’estero, più che in Italia purtroppo, e ennesima dimostrazione del talento multiforme della artista romana. La abbiamo incontrata prima della consegna del premio.

Margherita Vicario ci racconta il processo creativo intenso e faticoso che la ha portata alla scrittura del film, alla regia e anche alla composizione della colonna sonora, per la quale ha ricevuto a Venezia il Soundtrack Stars Award. La partitura musicale, in particolare, ha spesso  viaggiato creativamente in parallelo con la storia e spesso si è trovata a creare, a modellare le immagini, in modo che si sposassero al meglio con la musica che aveva composto.

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“Iddu“, film conclusivo della Trilogia sulla Sicilia diretta da Fabio Grassadonia e Antonio Piazza,  è stato presentato all’ultima edizione della Mostra D’Arte Cinematografica di Venezia.

Tra i protagonisti, oltre ad Elio Germano nella parte del latitante Matteo detto Iddu e Toni Servillo in quel di un ex preside corrotto, neo pentito di Mafia, troviamo Daniela Marra, nel ruolo di una poliziotta della squadra intenta a scovare Iddu.

Marra descrive il lavoro con i registi Grassadonia e Piazza e lo strano confronto che il suo personaggio instaura con quello di Toni Servillo. Uno scontro che diventa poi un a tratti fruttuoso incontro.

Della sua Rita Mancuso, Marra dice: “il mio personaggio rappresenta l’integrità e l’onesta, oppressi e repressi da un sistema tossico”.

“Iddu” sarà nelle sale con 01 distribution dal 10 ottobre.

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In questa affascinante intervista, Federico Grandesso, responsabile della Fondazione Fellini per l’Europa e l’Asia, ci guida attraverso il ricco ventennale della fondazione, che celebra le opere del celebre regista riminese e promuove il dialogo interculturale. Fondata nel 2004, la Fondazione ha come obiettivo principale quello di preservare e diffondere l’eredità artistica di Federico Fellini, uno dei più grandi cineasti della storia del cinema. Quest’anno, la Fondazione festeggia il suo ventesimo anniversario con una serie di eventi e mostre che onorano l’impatto duraturo di Fellini sul panorama cinematografico mondiale.

Grandesso sottolinea come la missione della Fondazione vada ben oltre la semplice celebrazione del maestro. “Non siamo una cattedrale di Fellini, ma abbiamo un’apertura molto ampia,” afferma, spiegando l’importanza di una programmazione culturale variegata che includa mostre non solo su Fellini, ma anche su altri importanti registi contemporanei. Un esempio recente è la mostra dedicata a Pedro Almodóvar, che ha riscosso grande successo portando l’arte cinematografica spagnola nel cuore della Svizzera. La Fondazione, dunque, non è solo un omaggio al passato, ma un luogo di dialogo e sperimentazione dove diverse forme d’arte si incontrano.

Tra le future mostre, il pubblico potrà attendersi un’esposizione dedicata a Emir Kusturica, prevista per il mese di maggio. Kusturica, che ha spesso citato Fellini come una delle sue principali fonti di ispirazione, sarà il protagonista di una mostra che offrirà uno sguardo unico sul suo lavoro in relazione all’eredità felliniana. “Kusturica ha realizzato film che parlano del potere dell’immaginazione e dell’assurdo, elementi chiave anche nel cinema di Fellini” spiega Grandesso. Inoltre, la Fondazione ha collaborato con documentaristi, evidenziando un crescente interesse per il cinema sociale e politico, in un contesto globale in evoluzione.

Un aspetto affascinante delle attività della Fondazione è la sua capacità di raggiungere il pubblico in tutto il mondo. Durante la pandemia, nonostante le limitazioni, la Fondazione è riuscita a mantenere viva la sua programmazione, con mostre importanti a Bangkok, Calcutta e partecipazioni a festival internazionali. Grandesso cita con orgoglio il Festival del Cinema di Calcutta, dove la Fondazione ha presentato un’importante retrospettiva su Fellini. “L’interesse generato nei festival asiatici dimostra che il linguaggio di Fellini va oltre le barriere culturali e geografiche” aggiunge.

La Fondazione non si limita a presentare opere, ma si impegna anche nella ricerca e nella pubblicazione di libri e materiali visivi. Grandesso menziona, ad esempio, un libro recentemente pubblicato che confronta l’opera di Dante Alighieri e quella di Fellini, mettendo in luce simmetrie interessanti tra i due autori. Questo testo, “L’Emirouard de Dante,” è solo uno degli esempi dell’interesse della Fondazione per le pubblicazioni che esplorano la rilevanza contemporanea dell’eredità di Fellini.

In vista delle celebrazioni del ventesimo anniversario, Grandesso anticipa un evento speciale previsto per il 7 aprile, con la partecipazione di autorità da Rimini e Sion. Questo evento non solo segnerà un traguardo significativo per la Fondazione, ma offrirà anche una piattaforma per discutere il futuro della cultura cinematografica. La celebrazione rappresenterà un’opportunità per riflettere sulle sfide affrontate durante la pandemia e per lanciare nuove iniziative che continueranno a portare avanti l’eredità di Fellini in modo innovativo.

Grandesso discute anche le sfide di comunicare e promuovere il messaggio di Fellini in un contesto culturale sempre più complesso e variegato. “Abbiamo un ampio programma di eventi, mostre e attività educative” afferma, “per coinvolgere il pubblico e stimolare un dialogo attivo sulle tematiche universali che Fellini amava trattare.”

Un elemento cruciale dell’attività della Fondazione è la sua internazionalità. Grandesso, che viaggia frequentemente tra Europa, Asia e America Latina, descrive i solidi legami creati con istituzioni culturali in diversi paesi. Le mostre della Fondazione non si limitano al cinema, ma esplorano anche tematiche sociali e diritti umani, in cui l’eredità di Fellini trova risonanza anche nelle opere di artisti contemporanei. Recentemente, la Fondazione ha collaborato con l’ufficio delle Nazioni Unite a Bangkok, evidenziando l’importanza di integrare l’arte nella lotta per i diritti umani.

Inoltre, la Fondazione Fellini si propone come un ponte tra culture diverse, favorendo la circolazione di idee e opere. Grandesso sottolinea con entusiasmo come l’interesse verso Fellini possa fungere da catalizzatore per la promozione della cultura italiana all’estero. “Il cinema di Fellini ha sempre avuto un forte richiamo universale. Le sue immagini, i suoi personaggi e le sue storie continuano a ispirare e affascinare persone in tutto il mondo” afferma.

Il Coinvolgimento dei giovani talenti

Un altro aspetto interessante emerso nell’intervista è il coinvolgimento di giovani talenti e studenti. La Fondazione è attivamente impegnata nella promozione di eventi didattici, laboratori e workshop per le nuove generazioni di cineasti e artisti, creando spazi per la creatività e l’innovazione e invitando i partecipanti a esplorare le influenze di Fellini nel loro lavoro.

Progetti Futuri e Collaborazioni Cinematografiche

Grandesso conclude l’intervista anticipando le emozioni che il pubblico potrà vivere nei prossimi mesi. “Abbiamo in programma importanti rassegne, laboratori e eventi che presenteranno retrospettive delle opere di Fellini e l’influenza duratura del suo stile narrativo.”

Molti sono i progetti in cantiere per il futuro, e l’aspettativa è quella di portare la Fondazione ancor più in primo piano nell’arena culturale internazionale. Con l’imminente Mostra del Ventennale e le future collaborazioni con altri importanti festival cinematografici, il lavoro della Fondazione non mostra segni di rallentamento.

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In concorso in Sic@Sic, sezione della Settimana della Critica dedicata ai cortometraggi, “Sans Dieu” ci riporta al mondo dell’infanzia e delle prima amicizie, in un ambientazione rurale e contadina, dove gli spazi e le cose sono più che suggestioni, quasi motori della scoperta del mondo interiore. I due bambini protagonisti, in una giornata di giochi nella campagna, scopriranno qualcosa di se, attraverso un sentimento nuovo che non sanno definire.

Alessandro Rocca si era posto la questione di come ottenere da due protagonisti cosi piccoli il risultato che aveva in mente. Con attori cosi  non si può usare un modo classico; solo il gioco può essere lo strumento per fare comprendere quello che serve in modo che il risultato sia utile. Molte prove, con molti momenti di gioco che fossero funzionali al racconto.

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“Dadapolis” di Carlo Luglio e Fabio Gargano è un caleidoscopio di immagini, sensazioni, riflessioni e fatti su Napoli, che prende ispirazione dal libro omonimo di Fabrizia Ramondino e Andreas Friedrich. ma in più ci sono le voci e i pensieri di artisti napoletani che attraverso la loro espressività e creatività rendono chiaro la frastagliata natura di una città che si vuole abbandonare e alla quale si vuole subito ritornare.  Ne parliamo con i registi e con Cristina Donadio, attrice e cantante e uno dei cuori del film.

I due registi Carlo Luglio e Fabio Gargano hanno scelto una regia fluida naturalistica, quasi musicale, dove l’arte si mescola alle interviste e alla conversazioni che i protagonisti hanno e da cui scaturiscono questioni e aspetti della nuova Napoli.

Per Cristina Donadio era impensabile non fare parte di “Dadapolis“, per l’amore che lei ha per la sua città e per la sua cultura, per il compito che lei come attrice sente di avere, come un dovere di rendere omaggio sempre alle mille anime della sua città .In più era il modo migliore di omaggiare Enzo Moscato, che è scomparso poco dopo la fine delle riprese, e di cui il film è l’ultimo documento della sua arte e della sua influenza immensa.

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“Domenica sera” di Matteo Tortone, presentato fuori concorso alla Settimana della Critica-SIC@SIC, con Tommaso Gaglianone e Noemi Giuseppina Muoio, racconta l’incontro tra due solitudini nella periferia di Torino. Due fragilità, l’ultras Alex e la rapper Nemy, che rispecchiano i giovani di oggi.

“Il corto è un modo per esplorare le nuove generazioni, senza avere la pretesa di categorizzarle. Sono padre, e anche da genitore è stato importante per me indagare su cosa pensano e come affrontano la vita oggi i giovani”, dice il regista, che sta, nel frattempo, lavorando a un lungometraggio che si intitola “Inverno“.

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Romano Reggiani aveva già lavorato con Pupi Avati in “Dante”. È tornato a farlo ne “L’orto americano”, film di chiusura dell’81esima Mostra del cinema di Venezia con protagonista Filippo Scotti, e con Roberto De Francesco, Armando De Ceccon, Chiara Caselli, Rita Tushingham e Massimo Bonetti.

“È un onore lavorare con un regista come lui – dice l’attore 31enne, che nella pellicola gotica interpreta il pubblico ministero durante il processo a un uomo accusato di aver ucciso e mutilato delle donne. “Sono in uno dei momenti topici del film, in cui il destino di alcuni personaggi cambieranno”, dice.

Nel 2018 a Venezia l’attore aveva ricevuto il Premio Kinéo Diamanti del cinema. “Quel riconoscimento mi ha portato fortuna. Sono undici anni che lavoro. Il mio augurio è di continuare a farlo. Sono felice che la mia passione sia diventata il mio mestiere e questo non è scontato”. 

Per Reggiani “il cinema oggi dà possibilità ristrette, è un mondo complicato. Ma non bisogna essere invidiosi di nessuno. Quando ho iniziato io non c’erano i social e questo ha cambiato molto le cose”.

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Pupi Avati chiude l’81esima Mostra del cinema di Venezia, fuori concorso, con un film gotico, autobiografico, popolare, che supera i confini arrivando fino negli Usa. “L’orto americano”, nel 2025 nei cinema italiani con 01 Distribution, con protagonista Filippo Scotti, e con Roberto De Francesco, Armando De Ceccon, Chiara Caselli, Rita Tushingham, Massimo Bonetti e Romano Reggiani.

“Con questo mio ultimo lavoro ho scoperto il cinema. Quando mi sono trovato a girare la prima volta in bianco e nero c’era una realtà che diventava anche irrealtà, lasciava lo spettatore la possibilità di immaginare – racconta il regista di Bologna a Fred Film Radio – Ho capito che stavamo tornando alle origini e al motivo per cui mi sono innamorato del cinema, tantissimi anni fa”.

Lavorare con Avati per Filippo Scotti, protagonista del film, è stato “qualcosa di inaspettato. Sono salito in corsa ed è stata una sfida. Non solo un’esperienza professionale, ma anche umana.  Una specie di masterclass. Sono partito da un personaggio che non ha un nome per creare il percorso di questo giovane”.

“Il cinema dovrebbe tornare a considerare i generi, perché si è sempre fondato su quelli – conclude Avati – Purtroppo continuiamo a sognare di fare film molto ombelicali, che il pubblico italiano purtroppo non ama più. Abbiamo creato una sorta di diffidenza soprattutto per quel che riguarda le generazioni più giovani”.

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In un’intervista toccante, Francesca Pirani, regista di “Vakhim”, nelle Giornate degli Autori, condivide le motivazioni personali e le emozioni che hanno guidato la realizzazione di questo documentario profondo. La storia di Vakhim inizia nel 2008, quando, a soli quattro anni, viene adottato in Cambogia e portato in Italia. Il film segue il suo percorso di crescita mentre affronta le complicazioni legate alla sua origine e l’intenso desiderio di riconnettersi con la madre biologica.

Pirani racconta che l’idea di realizzare “Vakhim” è nata dal desiderio di esplorare le esperienze universali e le sfide affrontate dai bambini adottati. Questo desiderio si riflette nella ricerca di verità e nella necessità di esplorare la propria identità attraverso le memorie del passato. “Dopo la lettera della madre biologica, ho sentito che era fondamentale non solo raccontare la storia di Vakhim, ma anche il suo impatto sulla mia famiglia e sulle nostre vite,” afferma. Questo momento cruciale segna un punto di svolta sia per Vakhim che per i suoi genitori adottivi, Francesca e Simone.

Il documentario si concentra sull’interazione e sui legami tra Vakhim e sua madre biologica. Pirani sottolinea che, mentre affronta la ricerca delle sue radici, Vakhim deve anche confrontarsi con le sue esperienze di vita in Italia, dove ha dovuto adattarsi a una nuova cultura e lingua. “Quando Vakhim arrivò, parlava solo khmer, ma iniziò rapidamente a imparare l’italiano. Tuttavia, con questa transizione, ha anche dovuto affrontare la perdita del suo legame con la sua lingua madre e la sua cultura,” dice Pirani.

L’aspetto della cultura cambogiana viene trattato con una sensibilità e una cura particolari. “Volevo rappresentare il modo in cui le radici culturali di Vakhim e la sua storia personale si intrecciano,” spiega la regista. Utilizzando materiali di repertorio e nuove riprese, Pirani mescola il realismo alla poesia della memoria, creando un racconto che invita il pubblico a riflettere sui propri legami familiari e identitari.

La regista confronta le esperienze di Vakhim con quelle degli altri figli adottati, esplorando anche i costi emotivi e psicologici di tali transizioni. “È importante mostrare che, sebbene questi bambini possano perdere la loro lingua e una parte della loro identità, non perdono il diritto di avere una storia e una voce,” afferma Pirani. Attraverso il racconto della vita di Vakhim, il film sottolinea l’importanza della memoria e della connessione familiare, evidenziando come queste esperienze possano contribuire allo sviluppo della propria identità.

La scelta delle location per le riprese è stata cruciale per creare un’atmosfera autentica che rispecchiasse la realtà di Vakhim. Pirani spiega: “Abbiamo girato in luoghi significativi che rappresentano sia il passato di Vakhim che il suo presente, creando un legame visivo tra le sue due vite.” Questa scelta non solo arricchisce la narrazione, ma permette anche al pubblico di immergersi completamente nella storia.

In conclusione, “Vakhim” è un film che non solo narra un viaggio personale, ma affronta profondi temi di identità, cultura e le sfide legate all’adozione. Francesca Pirani, con la sua sensibilità e dedizione, riesce a raccontare una storia che tocca i cuori, invitando gli spettatori a riflettere sulla complessità delle relazioni familiari e sull’importanza delle radici. “Vakhim” si propone quindi come un’opera di grande significato, capace di risuonare con chiunque sia stato in cerca di un senso di appartenenza e di identità.

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In un’intervista profonda, Murat Firatoglu, il regista di “One of Those Days When Hemme Dies” discute le ispirazioni e i temi emotivi del suo film. La narrazione si concentra su Eyüp, un giovane tenente dell’esercito turco, che deve affrontare un dilemma morale quando gli viene chiesto di consegnare suo fratello Kenan a un tribunale militare. Mentre i due fratelli affrontano la tragica perdita del loro padre, sono costretti a intraprendere un viaggio attraverso una terra segnata da turbolenze politiche.

Firateoglu rivela che l’idea per il film è emersa da un evento che lo ha profondamente colpito: la distruzione di tombe da parte di cittadini arrabbiati in Turchia. “Ho letto di cittadini che hanno distrutto tombe, credendo che i sepolti fossero terroristi. Questo episodio mi ha sconvolto e ha stimolato il mio desiderio di esplorare le radici dell’odio e della sfiducia nella società” afferma il regista. Questo tema di disumanizzazione e conflitto tra identità e lealtà è centrale nel film, creando tensioni sia tra i protagonisti sia all’interno della società.

Il film mette in evidenza le dinamiche complesse tra Sinan e Kenan, sottolineando le lotte che affrontano mentre si confrontano con le aspettative imposte dalla loro società. “La lealtà diventa un tema centrale nel film” spiega Firatoglu. “Volevo esaminare se sia possibile rimanere fedeli alla famiglia e, allo stesso tempo, essere autentici” Questa esplorazione non riguarda solo il legame tra i fratelli, ma serve anche come un commento più ampio sulle strutture sociali che plasmando le loro realtà.

La narrazione si svolge in un modo che immerge il pubblico nei conflitti psicologici che affronta Sinan, mentre naviga tra la sua coscienza e i doveri verso la famiglia. “È stato fondamentale rappresentare la dualità delle esperienze dei personaggi per evidenziare come i fattori esterni possano complicare le relazioni personali” afferma Firatoglu. Questa complessità aggiunge profondità alle loro motivazioni e scelte, spingendo il pubblico a provare empatia per i dilemmi difficili che i fratelli devono affrontare.

Inoltre, la scelta delle location e l’estetica del film giocano un ruolo cruciale nel dare vita a questa narrativa. Firatoglu utilizza una cinematografia che cattura la bellezza e la durezza della vita quotidiana, con l’obiettivo di riflettere i temi di frammentazione e freddezza della società. “Volevo creare un’atmosfera che riflettesse le emozioni dei personaggi, mostrando allo stesso tempo il contesto sociale in cui vivono” spiega.

La regia sensibile di Firateoglu all’interno di “One of Those Days When Hemme Dies” permette di approfondire anche le sfide legate al rapporto tra i fondamentali valori familiari e l’oppressione sociale. Attraverso la complessità delle situazioni e la rappresentazione delle emozioni, il film invita gli spettatori a riflettere non solo sulle scelte individuali, ma anche sulle implicazioni più ampie del contesto politico e sociale.

Con la premiere del film che si avvicina, Firateoglu esprime il desiderio sincero che “One of Those Days When Hemme Dies” possa sollevare discussioni sulle questioni di lealtà e identità in un contesto sociopolitico complesso. “Voglio che il pubblico si senta coinvolto e che possa vedere la storia di Eyüp come un riflesso delle loro stesse esperienze” conclude, sottolineando l’importanza di affrontare queste tematiche nel cinema contemporaneo.

In sintesi, “One of Those Days When Hemme Dies” è un’opera che esplora le dinamiche familiari e le complessità della vita in una società in crisi. Attraverso la direzione empatica di Murat Firatoglu, il film invita il pubblico a riflettere sulle tensioni della lealtà e sulle sfide che i protagonisti affrontano nel loro percorso.

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