In un’intervista interessante, Marco Talarico, il regista del cortometraggio “At Least I Will Be 8 294 400 Pixel” nella sezione Sic@Sic, condivide le ispirazioni e le motivazioni alla base del suo film. La Georgia gioca un ruolo fondamentale nella sua narrazione, scelta per le sue contraddizioni paesaggistiche e architettoniche. Talarico spiega: “È un paese in via di sviluppo che presenta forti contrasti, grandi campagne e città che sembrano appartenere agli Emirati Arabi.” Questa complessità offre uno sfondo ricco per il racconto, che segue un giovane intento a ricostruire i propri ricordi di un viaggio passato grazie all’Intelligenza Artificiale.

La storia ruota attorno a un protagonista che, dopo aver cercato di ricreare le foto di una vacanza passata utilizzando un software di I.A., decide di tornare in Georgia in cerca di nuovi momenti da immortalare e per incontrare una ragazza che considera la custode dei suoi ricordi. Talarico sottolinea l’importanza della memoria e dei ricordi, affermando: “I need to remember you.” Questo desiderio di connessione personale e di comprensione del passato è al centro del film, un tema che porta a una riflessione amara sulla fuggevolezza del tempo e sull’importanza delle esperienze condivise.

Un messaggio chiave del film è espresso nella frase: “If I won’t find you I will look for the light.” Con questa dichiarazione, Talarico esprime la speranza di trovare non solo una persona, ma anche un significato più profondo e luminoso lungo il cammino della vita. Il giovane protagonista affronta l’idea che i ricordi, anche se perduti, possano guidarci verso nuove avventure e scoperte. “If you are not for me, then you will be for someone else,” aggiunge, riflettendo sulla natura impermanente delle relazioni e delle esperienze.

Il cortometraggio “At Least I Will Be 8 294 400 Pixel”, prodotto da NABA, Nuova Accademia di Belle Arti, è stato presentato alla Mostra del Cinema di Venezia nella selezione SIC@SIC, evidenziando l’uso innovativo dell’Intelligenza Artificiale non solo come strumento creativo, ma anche come mezzo per esplorare temi complessi legati alla memoria e alla nostalgia. Talarico, parlando dell’uso dell’Intelligenza Artificiale, afferma: “La considero un ottimo ausilio, aiuta a trovare le idee e a scriverle.” Questo approccio dimostra il suo impegno a integrare tecnologia e narrativa in modo consapevole e critico.

In conclusione, “At Least I Will Be 8 294 400 Pixel” non è solo un film sulla tecnologia, ma un viaggio emotivo nella memoria e nella ricerca di connessioni perdute. Attraverso la sua narrazione visiva e tematica, Talarico invita il pubblico a riflettere su cosa significhi ricordare e scoprire il senso della propria esistenza.

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Andrea Gatopoulos, pescarese, classe 1994, a differenza di molti suoi colleghi, dice di non essere affatto spaventato dall’intelligenza artificiale. Anzi. L’ha utilizzata interamente per realizzare il suo “The Eggregores’ Theory”, cortometraggio di apertura della 39esima Settimana della critica, sezione parallela della Mostra del cinema di Venezia.

“In molti sono impauriti dall’IA. Ma anche nel cinema può essere una risorsa e per me non sostituisce la creatività di un autore”, ha detto il regista e produttore, che al Lido è stato anche protagonista di un dibattito su settima arte e intelligenza artificiale.

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Lo Show quotidiano The Soup of The Day firmato FRED Film Radio direttamente dalla 81a Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia.

In compagnia di Federico Spoletti, Angela Prudenzi insieme a tanti ospiti, per parlare ogni giorno degli eventi e delle curiosità del Festival, ma anche dei film in Concorso Venezia81, Fuori Concorso, Orizzonti e delle sezioni collaterali e parallele di Giornate degli Autori e Settimana della Critica.

Da non perdere!

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Donato Sansone, classe 1974, ha aperto la 39esima Settimana della Critica a Venezia con il cortometraggio di animazione “Dark Globe”. Una sequenza di immagini che nascono da suggestioni e riflessioni relative al mondo in cui viviamo, tra guerre, popolazioni in conflitto e cambiamento climatico.

“Attraverso una tecnica di animazione, compulsiva e veloce, che avevo già utilizzato qualche anno fa in un altro lavoro, ho cercato di concentrare in pochi minuti le miei paure“, ci dice il regista che, nonostante i suoi timori per la deriva che sta prendendo la civiltà, guarda comunque al futuro con positività.

“C’è ancora una speranza per il futuro o siamo in un incubo senza fine?”, si chiede Donato Sansone, lasciando a ogni spettatore la possibilità di rispondere singolarmente a questa domanda.

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Dopo “Jackie” e “Spencer“, Pablo Larraín chiude la sua trilogia su personaggi e icone femminili della storia con “Maria“, in concorso a Venezia 81.

Il regista cileno si concentra sugli ultimi giorni di vita di Maria Callas, la grande Diva, raccontandone la decisione di dedicarsi finalmente a se stessa e dandole il viso e corpo di Angelina Jolie.

Larraín immagina “La Callas” che, dopo aver cantato per milioni di persone, lungo vent’anni di carriera, decide di cantare per se stessa e trovare la propria voce.

In questo percorso di ricerca e ritrovata identità, Maria Callas è stata accompagnata da coloro che lei considerava famiglia: il maggiordomo Ferruccio e la governante Bruna.

Queste due figure fondamentali e significative nella vita di Callas sono interpretate sul grande schermo da due tra gli attori più importanti nel panorama del cinema italiano, Pierfrancesco Favino e Alba Rohrwacher.

I due attori elogiano Angelina Jolie per aver creato con loro questa famiglia dentro e fuori dal film e per aver reso questa collaborazione incredibile.

Infine, sulla scia del film, Pierfrancesco Favino e Alba Rohrwacher si interrogano sul significato di Diva e sul rapporto del pubblico con i propri idoli.

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All’81 Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia FRED Film Radio ha intervistato Andrea Romeo, fondatore e direttore editoriale della piattaforma IWONDERFULL nonché fondatore della casa di distribuzione I Wonder Pictures. Sette i titoli confermati e già annunciati che saranno distribuiti nelle sale italiane: in corsa per il Leone d’oro “Harvest” e “The Quiet Son”, in concorso Orizzonti “Aïcha“ e “My Everything“, alla Settimana Internazionale della Critica “Peacock” e alle Giornate degli Autori gli italiani “Coppia aperta quasi spalancata“ (Evento Speciale fuori concorso) e “La scommessa – Una notte in corsia“ (Notti Veneziane).

Tante le iniziative al Lido di I Wonder Pictures e IWONDERFULL, che da anni sostiene la Settimana Internazionale della Critica e per il secondo anno sarà partner anche delle Giornate degli Autori. La presenza a La Villa, party esclusivi come quello dedicato a “The Substance“ di Coralie Fargeat, nuovo film con Demi Moore e Margaret Qualley nelle sale italiane dal 17 ottobre. “Qui dalla Mostra, ad esempio, abbiamo deciso di pubblicare Picnic ad Hanging Rock per celebrare il Leone d’oro Peter Weir”.

Oltre alla Sic e le GdA, I Wonder Pictures e IWONDERFULL ampiano le loro collaborazioni per offrire al pubblico una visione a 360° del panorama cinematografico. “È un privilegio poter collaborare con i critici del sindacato nazionale italiani e con dell’associazione degli autori italiani segnalando contenuti che vanno anche oltre il mercato e la forza, la solidità, l’importanza di quello curato da Alberto Barbera”, sottolinea Andrea Romeo. “Una grande opportunità e un dovere in quanto publisher che si occupa di cinefilia e che ha piacere anche a costruire quella di domani oltre che a nutrire quella di oggi”.

In questi tre anni IWONDERFULL è cresciuta sempre di più proponendo una selezione di film ricercata, attenta, originale. Basta pensare ai titoli targati A24 o all’attenzione verso registe e registi che amano osare. In quest’ottica è fondamentale la presenza di I Wonder Pictures ai festival. “Ho una passione per i festival di cinema che sono l’esempio perfetto di curatela. Non si tratta, cioè, di spiegare, di forzare o educare nessuno. Si tratta di suggerire e questo lo fanno anche molto bene gli altri spettatori, lo fa la critica, i media, i giornalisti. Noi cerchiamo di segnalare più che spiegare. Segnalare magari film molto piccoli che in Italia non si sono visti o di cui ancora non si è parlato ma che ci appassionano. Ne è un esempio La zona d’interesse. Abbiamo suggerito di vederlo in sala perché l’audio del film avrebbe sconvolto gli spettatori. Vogliamo creare un dialogo col nostro pubblico”.

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Kiyoshi Kurosawa presenta Fuori Concorso all’81 Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia “Cloud”. La storia di un giovane uomo che usa piccoli trucchi su Internet per racimolare denaro fino a quando non scatena l’ira di un gruppo di persone in cerca di vendetta.

Come protagonista di “Cloud” Kiyoshi Kurosawa pone al centro un uomo senza grandi qualità ma con la capacità di saper trarre vantaggio dal prossimo. Una diapositiva del nostro presente? “Non volevo creare intenzionalmente un personaggio che avesse questo tipo di talento. Lo avevo impostato come una persona senza talento, senza soldi o conoscenze. Ma poi ho capito che, nel suo piccolo, deve prendere vantaggio sugli altri. È il suo unico modo di sopravvivere”.

In “Cloud” un ruolo fondamentale è quello di Internet capace di veicolare frustrazioni, invidia, odio. Emozioni negative che spesso rimangono circoscritte alla rete ma che Kiyoshi Kurosawa decide di espandere alla vita reale. “Internet può essere anche molto positivo, dipende da come si usa. In sé non ha nessuna colpa, è uno strumento. Ma come lo usiamo può portare a delle conseguenze molto diverse. Non sappiamo ancora come potrà incidere sul futuro, ma sicuramente queste due realtà esistono”.

Nel film tutti i personaggi sono ossessionati dal profitto, proprio e altrui. Anche una parte di cinema lo è sempre di più. “Per fare film c’è bisogno di soldi e, purtroppo, indipendentemente dalla qualità e dalla storia il cinema è sempre legato al profitto. Penso sia il suo destino. Ma come regista cerco di non pensare più ai soldi. Voglio solo avere la possibilità di girare il prossimo film”.

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All’81ª Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica Fred Film Radio ha intervistato Monica Stambrini, regista di “Tenga duro, signorina! Isabella Ducrot Unlimited”. Un documentario presentato alle Giornate degli Autori nella sezione Notti Veneziane. Il ritratto di un’artista contesa dalle più importanti gallerie d’arte del mondo alla soglia dei novant’anni.

Per realizzare “Tenga duro, signorina! Isabella Ducrot Unlimited” Monica Stambrini ha seguito per due anni l’artista napoletana trapiantata a Roma. Solo lei con le sue forze e la voglia di raccontare una figura straordinaria. “Avevo appena comprato una nuova telecamera, mi ero predisposta alla guerriglia. Ho incontrato Isabella che conoscevo precedentemente e un giorno le dico d’urgenza: Potrei fare un ritratto su di te?’. E lei subito mi ha risposto: ‘Ma magari’. Ho incominciato a seguirla senza neanche preoccuparmi di cercare una produzione. Ho capito che per lei le cose stavano diventando particolarmente interessanti. Quindi c’era anche un doppio registro da seguire, il ‘the making of an artist’. Il punto di vista del successo”.

Viviamo in un periodo storico in cui il fallimento è vissuto come fosse una macchia e in cui il successo e la realizzazione devono essere raggiunti il prima possibile. “Tenga duro signorina! Isabella Ducrot Unlimited!” È anche una forma di autoconforto per la regista e di conforto per il pubblico? “Assolutamente. Infatti il titolo, non è tanto diretto a lei quanto a me e a noi. Isabella ha iniziato a dipingere che aveva 55 anni, io a seguirla che ne avevo 53. Questo ti fa capire che puoi ancora nascere. E, sopratutto, che puoi ancora cambiare”.

Per Isabella Ducrot la vita felice inizia a 60 anni. Un’affermazione che può essere vista sia come un sollievo, sia come una sconfitta. “Ai tempi di Isabella sicuramente sì. Non dimentichiamoci che è nata nel 1931. In quel periodo il successo di una donna era sposarsi bene”. E la stessa artista in “Tenga duro, signorina!” sottolinea come sia stata testimone dello scoraggiare il talento artistico delle donne. Qualcosa che ha vissuto sulla sua pelle anche Monica Stambrini? “Un po’ sì, penso anche solo a mia madre. Quando ero stressata perché non riuscivo a fare un film mi diceva: “In fondo hai figli, di cosa ti lamenti? È culturale questa cosa. Rispetto al mondo del cinema, quando ho iniziato io c’erano le quote rosa. Adesso mi auguro stia cambiando. Lo vediamo anche dal numero di registe alla Mostra di Venezia”.

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Lo Show quotidiano The Soup of The Day firmato FRED Film Radio direttamente dalla 81a Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia.

In compagnia di Federico Spoletti, Angela Prudenzi, Angelo Acerbi, Maria Bonsanti e Emiliano Sgroi insieme a tanti ospiti, per parlare ogni giorno degli eventi e delle curiosità del Festival, ma anche dei film in Concorso Venezia81, Fuori Concorso, Orizzonti e delle sezioni collaterali e parallele di Giornate degli Autori e Settimana della Critica.

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Nel 1983 Franca Rame e Dario Fo diedero alla luce un testo dissacrante per l’epoca, “Coppia aperta quasi spalancata”, capace di scuotere la società parlando della libertà sessuale della donna in un contesto borghese in cui il tradimento è consentito solo all’uomo. Ora Chiara Francini, dopo averlo portato in giro per i teatri italiani, ha avuto l’intuizione di trasformarlo in un film diretto da Federica Di Giacomo – con cui filma la sceneggiatura a sei mani insieme a Mario Sesti – che si muove tra realtà e finzione. Presentato come evento speciale di apertura delle Giornate degli Autori 2024 e in sala dal 29 agosto con I Wonder Pictures.

Il punto di partenza di “Coppia aperta quasi spalancata” – che Chiara Francini produce con la casa di produzione Nemesis fondata insieme a Pierfrancesco Pisani, Fredrik Lundqvist e Fabio Morgan – è proprio il testo del 1983. Così innovativo e audace rispetto al contesto storico e sociale in cui ha preso vita da essere ancora moderno. “È anche il motivo per cui abbiamo deciso di fare il film. Esattamente come succede con Shakespeare, i testi diventano classici quando sono sempre attuali. Il testo racconta proprio di questa sempiterna favola o di questo sempiterno martirio che è l’amore quando è coppia. Ho pensato: ‘Ma oggi, dopo 40 anni, come stiamo? Quali sono i modi nei quali gli esseri umani cercano di agguantarlo questo amore?’. E quindi, come una sorta di novella Virgilio, mi sono addentrata in questo mondo di poliamorosi e sex positive. Un viaggio che abbiamo fatto io e Alessandro Federico, mio partner teatrale e nel film, in un’umanità straordinaria. E alla fine di questo viaggio la consapevolezza è che si scelga la monogamia o il poliamore, siamo tutti così disperatamente affamati di felicità e soprattutto di prenderlo e raggiungerlo questo amore”.

“Coppia aperta quasi spalancata” non vuole dare risposte quando sollevare dubbi, aprile al confronto. Lo stesso che nasce alla fine delle repliche teatrali in cui gli spettatori si confrontano sulle proprie opinioni. “È l’augurio che tutti noi facciamo a questo film, ovvero che dopo la visione si possa dibattere, si possa dialogare”, commenta Chiara Francini. “Perché è un affresco e quindi che tu sia monogamo o poliamoroso vedi la rappresentazione di esseri umani che possono aver fatto la tua stessa scelta o diversa. Ma la consapevolezza è che entrambe possono essere giuste o sbagliate e che devono sempre partire dall’ascolto di sé”.

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