Gstaad Menuhin Festival Podcast – L'histoire intime des chefs-d'œuvre du classique

Elle est l'un des nouveaux visages de la Deutsche Grammophon… et l'une des perles de la nouvelle volée de «Menuhin's Heritage Artists»! Après deux prestations de haut vol lors de l'édition 2021, Bomsori Kim est de retour dans le plus beau concerto pour violon peut-être jamais écrit: celui de Beethoven. Pour l'escorter: la baguette d'Alain Altinoglu, qui en seconde partie entraînera ses musiciens de l'Orchestre de la Radio de Francfort dans la très «classique» Quatrième de Mahler. Ecrite au tournant du siècle, cette œuvre monumentale, mais qui sait au détour se faire plus légère (avec une orchestration plutôt classique et l'emploi d'éléments «folkloriques» comme des grelots ou un violon solo désaccordé) a la particularité de se terminer sur un quatrième mouvement en forme de lied orchestral, dont le matériau est emprunté au cycle du Knaben Wunderhorn achevé quelques années plus tôt. Baptisé Das himmlische Leben [La vie céleste], ce lied, confié à un soprano, a pour vocation clairement exprimée de nous faire toucher… le Ciel!

À l'image du fameux «El Sistema» vénézuélien, «Sinfonía por el Perú» s'est fixé pour objectif d'apporter la «grande» musique à ceux qui n'y ont pas accès, en leur permettant de la pratiquer en groupe – en orchestre – et de renforcer ainsi le ciment social. Lancé en 2011 par le plus célèbre des artistes péruviens, le ténor Juan Diego Flórez, le programme joue forcément sur la notoriété de ce dernier. Avec à la clé l'opportunité pour les plus talentueux de ces instrumentistes en herbe de prendre part à de fantastiques tournées internationales, et pour ces musiciens fiers de leurs racines de porter la «voix» du Pérou de par le monde, au travers de programmes faisant la part belle au folklore latino-américain.

Constance raconte que durant les derniers jours de son existence, à l'automne 1791, Mozart suivait depuis son lit, montre en main, chaque représentation de sa Flûte enchantée par le Theater auf der Wieden de son ami (et frère de loge maçonnique) Emanuel Schikaneder, fredonnant ses airs emblématiques… Pouvait-il offrir plus belle preuve de son attachement à cette partition aujourd'hui entrée dans la légende, dans laquelle il renoue, après la très aristocratique (et italienne) «trilogie Da Ponte», avec le genre du théâtre populaire qui lui va si bien, combinant idéalement féerie enfantine (incarnée par les personnages de Papageno et Papagena) et initiation spirituelle (à travers la quête de Tamino et Pamina)? L'œuvre est portée à la scène par l'un des plus fins spécialistes des relectures baroques et classiques sur instruments historiques, Christophe Rousset, aux commandes de ses Talens Lyriques et de l'Ensemble Vocal de Lausanne, avec en tête de distribution une Sandrine Piau que l'on imagine solaire dans le rôle de Pamina.

Voilà des années que Patricia Kopatchinskaja nous habitue à ne rien faire comme les autres. Le programme qu'elle présente ici avec les instruments historiques de l'ensemble milanais Il Giardino Armonico s'inscrit parfaitement dans cette dynamique: il fait en effet dialoguer des concertos de Vivaldi avec des œuvres pour violon seul de compositeurs italiens contemporains, dont elle a pour la plupart suscité la création. Et Vienne dans tout cela? La capitale impériale n'est autre – ce que l'on ignore bien souvent – que l'ultime demeure du «prêtre roux». Il y trouve la mort fin juillet 1741 dans le dénuement le plus total et l'indifférence générale. La légende raconte que lors du cérémonial réservé aux indigents célébré en Saint-Etienne se trouvait dans le chœur un jeune garçon du nom de… Joseph Haydn.

C'est le couronnement de trois semaines de résidence au sommet, au service de la Gstaad Conducting Academy mais également de ses propres productions: sous la baguette de son directeur artistique Jaap van Zweden, le Gstaad Festival Orchestra présente deux chefs-d'œuvre absolus de la littérature romantique. Le premier recèle peut-être le plus beau mouvement lent jamais composé: baptisé de façon totalement absurde «L'Empereur» (alors que Beethoven y lançait au contraire de violentes salves contre son ancien héros Bonaparte devenu tyran de l'Europe et bourreau des Viennois avec ses terribles bombardements), il est rapidement devenu l'un des concertos préférés des pianistes comme des mélomanes. Il sera porté par le prodige canado-polonais Jan Lisiecki, l'une des figures de proue de la nouvelle génération Deutsche Grammophon, qui avait admirablement remplacé l'an passé Hélène Grimaud dans le 20e Concerto de Mozart. Le second chef-d'œuvre est la Quatrième de Tchaïkovski. Une œuvre traversée par la présence sous-jacente de sa nouvelle muse épistolaire, Nadejda von Meck, à qui il a promis de traduire en musique ses «sentiments les plus profonds». Des sentiments doubles, entre la joie d'être en vie au milieu d'un peuple qui «sait s'amuser» et «l'implacable fatum», ce destin qui se rappelle sans cesse à nous et nous montre que «les autres n'ont que faire de [notre personne]».

C'est sans doute le concerto le moins joué de Beethoven et pourtant l'un des plus séduisants: le Triple offre un terrain de dialogue entre solistes et orchestre digne des plus belles pages de musique de chambre, surtout lorsque, comme ici, cet échange est conduit par des virtuoses qui brillent mais savent aussi faire briller leurs partenaires. Outre la célébrissime Cinquième Symphonie, ce Triple partage l'affiche avec une autre page rare du génie de Bonn: sa Fantaisie chorale. Après avoir laissé en coulisses ses partenaires du début Dmitry Smirnov et Edgar Moreau, le magnifique pianiste Sergei Babayan retrouvera alors sur scène Vasily Petrenko et le Royal Philharmonic de Londres, rejoints par les voix idéales de la Zürcher Sing-Akademie, l'un des meilleurs chœurs de Suisse.

Malgré leur différence d'âge (près de deux générations), les liens entre Fritz Kreisler et Yehudi Menuhin sont nombreux. Pour le jeune Menuhin, Kreisler fait figure d'idole, au même titre que Jascha Heifetz et Mischa Elman. Il n'hésite pas à le comparer à Beethoven, son compositeur préféré, et avoue se sentir plus proche de son «emphase subtile» que de la «texture éblouissante mais plus superficielle» du jeu de Heifetz. Kreisler le lui rend bien, qui estime qu'à l'âge de douze ans le jeune Menuhin a déployé une grande partie des dons que la nature lui a donné, et surtout qu'il a atteint l'objectif le plus difficile de tout artiste: demeurer soi-même quel que soit le répertoire interprété. À la tête des Menuhin Academy Soloists (dont il a repris la direction en 2019), Renaud Capuçon perpétue cette illustre filiation en plaçant au centre de son enseignement les valeurs qui ont façonné la légende de ces deux géants du violon.

La (bonne) musique, c'est bien connu, ne connaît pas de frontières. Mozart et les musiques urbaines sont ainsi faits pour se rencontrer! Le succès recueilli depuis 2013 par le spectacle «Breakin' Mozart», imaginé par le chef et metteur en scène allemand Christoph Hagel, en est la preuve éclatante. Hagel, qui s'est fait une spécialité de ces grands shows crossover – à l'image de «Flying Bach» vu par plus de 300'000 personnes dans 27 pays –, y donne rendez-vous depuis son piano aux chanteurs et break-danseurs du DDC Dancefloor Destruction Crew (littéralement «groupe de destruction de piste de danse»), une compagnie fondée à Schweinfurt en 1999 en pleine vague des «battles» urbaines et qui a justement percé à l'international grâce à… Mozart!

C'est l'unique opéra de Beethoven… mais quel opéra! Un concentré de son génie dramatique mis au service de valeurs emblématiques de sa pensée, profondément marquée par le souffle des Lumières et de la Révolution française: la liberté et la fraternité. Inspiré d'une pièce de Jean-Nicolas Bouilly intitulée Léonore ou l'amour conjugal, son Fidelio donne à voir – et à entendre! – une femme (Léonore) qui se démène pour faire sortir son mari (Florestan) de prison… jusqu'à se déguiser en homme (sous le nom de Fidelio) pour parvenir à s'y infiltrer. Présenté dans une version concertante, ce chef-d'œuvre est l'occasion d'un double retour: celui du ténor-vedette Jonas Kaufmann et du chef Jaap van Zweden à la tête du Gstaad Festival Orchestra.

Le magazine International Piano l’a qualifié de «dernier des titans». C’est vrai qu’il y a quelque chose de titanesque dans la manière de jouer, d’être au piano de Grigory Sokolov. À l’image d’un Richter ou d’un Gould avant lui, ses concerts font figure d’événements, ses enregistrements live (publiés aujourd’hui par la Deutsche Grammophon) sont attendus comme on attend le prochain épisode d’une série culte. À mille lieues des succès fabriqués qui encombrent les bacs et les couvertures glacées des magazines, la recette du Russe est simple: la musique, et rien d’autre!