Seguimos con la serie dedicada a los géneros musicales que han surgido de la llamada “Música popular moderna”. Hoy le llega el turno al Rhythm and Blues, un estilo que, aunque nació y tuvo sus años dorados en el siglo pasado, ha resistido el paso del tiempo adoptando nuevos matices y todavía en el siglo XXI se sigue practicando en muchas de sus variadas encarnaciones.

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En este capítulo nos adentramos en el Rhythm and Blues (R&B), un género nacido en EE.UU. a finales de los años 40 como etiqueta comercial, pero que rápidamente se convirtió en un estilo con identidad propia. Heredero del blues eléctrico, el jump blues y el gospel, el R&B ha sido clave en el nacimiento del rock and roll, el soul, el funk y el pop moderno. El recorrido llega hasta el R&B contemporáneo, con su fusión de soul, hip hop y electrónica, que sigue marcando tendencia en la música global del siglo XXI.

El R&B es uno de los géneros más flexibles y duraderos de la música moderna. Su capacidad para reinventarse sin perder la esencia rítmica lo ha mantenido vivo desde hace más de 70 años. Para quienes escribimos canciones, es un recordatorio de que la mezcla de influencias, la expresividad vocal y la capacidad de adaptación son claves para crear música que trascienda épocas y fronteras.

En el episodio de hoy del podcast de hacercanciones.com hablaremos de la voz humana y su papel en el contexto musical. Veremos como algo tan natural y cotidiano como cantar despreocupadamente una melodía, la letra de una canción o jugar con ese instrumento musical que realmente es nuestra voz explica muchos de los supuestos misterios que rodean a la composición musical y las canciones en concreto.

Vamos allá.

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En este capítulo hablamos de la voz humana como instrumento musical. Más allá de ser un medio de comunicación, la voz es nuestro primer instrumento: accesible, flexible y expresivo. Exploramos cómo funciona fisiológicamente, qué cualidades la caracterizan, cómo se relaciona con la música y el canto, y de qué manera cada persona puede usar su voz como herramienta creativa y artística.

La voz es el instrumento más democrático y esencial: todos la tenemos, todos podemos usarla, todos podemos mejorarla. Cantar no es solo cuestión de técnica o talento, sino de expresión, escucha y práctica. Descubrir y aceptar nuestra propia voz es abrazar nuestra identidad musical. Y el mejor consejo que puedo dar es sencillo: cantar más, siempre, sin miedo y sin excusas.

Seguimos con la serie dedicada a la Música en las canciones y seguimos con los dominantes. Estos acordes tan importantes para el sistema tonal y otras opciones armónicas se han utilizado y exprimido hasta límites insospechados. A estas alturas, ya somos todos conscientes de la gran importancia que tiene en la música occidental. Hoy hablaremos de los dominantes sustitutos. Vamos a por ellos.

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En este capítulo seguimos profundizando en el fascinante mundo de los dominantes. Tras haber visto los dominantes secundarios, llega el turno de los dominantes sustitutos, también llamados de sustitución tritonal. Este recurso consiste en reemplazar un dominante por otro acorde diferente, pero que comparte el mismo tritono, lo que permite mantener la tensión–resolución característica y añadir variedad, sorpresa y matices expresivos a las progresiones. Muy habitual en jazz, bossa nova y estilos cercanos, también puede aportar color a la música popular y a las canciones actuales.

Los dominantes sustitutos me parecen un recurso elegante y creativo. Con un simple intercambio, podemos darle un giro inesperado a una progresión sin perder claridad. Es un recordatorio de que la teoría no son cadenas, sino herramientas: conocer estas sutilezas nos permite elegir con más libertad y sorprender al oyente sin romper la lógica musical.

Si estás escuchando este Podcast probablemente eres una persona interesada en la música, en escuchar canciones, tal vez en cantarlas o quizás tocas algún instrumento.

O en algunas de estas cuestiones. O en todas.

Bien. Has aprendido a cantar o tocar alguna canción. Pero ¿la has entendido?

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Este episodio reflexiona sobre lo que significa aprender canciones y entenderlas. Más allá de memorizar letras o acordes, se trata de descubrir la lógica musical y emocional que las sostiene. Aprender canciones es una puerta a la práctica, la emoción y la tradición; entenderlas es adentrarse en el misterio de cómo funcionan, para luego usarlas como inspiración en la composición propia.

Aprender canciones es algo que todos hacemos de forma natural, pero dar el paso a entenderlas nos permite crecer como músicos y compositores. Copiar, variar, diseccionar y volver a crear son procesos que forman parte del oficio. Lo importante no es quedarse en la imitación, sino usar lo aprendido como trampolín hacia una voz propia.

Bien, aquí estoy, de nuevo, una semana más. Con el episodio de hoy llegamos al número 50 de este podcast. Para celebrarlo, de algún modo, para hacer balance y explicar su futuro, he querido grabar algo especial, un programa más espontáneo, algo parecido a pensar en voz alta, a eso que, a veces, llamamos reflexionar.

Veamos qué ha pasado en este primer año de emisión y alguna cosa más.

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Este episodio celebra el primer año de vida del podcast Hacer Canciones. Más que un capítulo temático, es un balance personal y creativo: lo aprendido, las dificultades, la evolución del proyecto y los sueños para el futuro. Una mirada íntima a lo que significa grabar semana tras semana y compartir reflexiones sobre el oficio de escribir canciones.

Cumplir un año con este podcast es una muestra de que la constancia y la pasión dan frutos. Ha sido un viaje lleno de retos, aprendizajes y gratitud hacia quienes escuchan y participan. Este proyecto seguirá creciendo, explorando nuevas formas de hablar de canciones y de hacerlas. Porque, al final, la música es eso: un imposible maravilloso que se convierte en realidad al compartirlo.

El episodio de hoy lo he querido dedicar a un tema más que interesante y, a veces, incomprendido o enmascarado por otras actividades relacionadas con las canciones, como la composición o la producción, por ejemplo.

Una vez más, la terminología puede llevarnos a engaño o a confusión y creer que la mezcla de las tomas sonoras de la grabación de una canción es el momento de arreglar la estructura o la instrumentación de un tema, por poner un caso habitual en los últimos tiempos.

Vamos a verlo con algo de detalle.

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En este capítulo hablamos de los arreglos musicales, un aspecto a menudo confundido con la composición o la producción. El arreglo es, en realidad, la manera concreta en que se decide cómo sonará una canción en una interpretación o grabación: qué instrumentos, tempo, compás, tonalidad, armonización y estructura se van a utilizar. Los arreglos pueden transformar radicalmente una pieza y dar lugar a múltiples versiones, todas válidas en contextos diferentes.

Los arreglos son el puente entre la idea original de una canción y su experiencia real como obra escuchada. Aunque a menudo se ven como algo técnico, son decisiones profundamente artísticas que determinan la identidad de una versión. Entenderlos y explorarlos permite multiplicar las posibilidades de una canción, ampliar su vida y descubrir nuevas formas de emoción en lo que parecía ya definido.

Segundo capítulo de la serie dedicada a los géneros, a los estilos, a los diferentes tipos de canciones de la música popular moderna. Después del primer programa que dedicamos al Blues, hoy nos ocuparemos del Jazz. Veremos de dónde salió, cuales son sus características principales y su papel en la música popular del siglo XX hasta la actualidad, entre otras cosas.

Vamos allá.

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Este episodio está dedicado al jazz, el segundo gran género en la serie de música popular moderna. Nacido en Nueva Orleans a principios del siglo XX, el jazz es una mezcla de culturas, raíces africanas, europeas y latinas que lo convirtieron en un lenguaje musical único. Exploramos sus orígenes, su evolución a través de estilos como el swing, el bebop, el cool, el free jazz o el jazz fusión, y su influencia decisiva en toda la música popular posterior.

El jazz me parece uno de los géneros más inspiradores por su capacidad de mezclar raíces, absorber influencias y transformarse sin perder identidad. Es un recordatorio de que la música está viva y que siempre puede reinventarse. Para quienes escribimos canciones, el jazz es también una invitación a arriesgarse, a improvisar y a no conformarse con lo fácil.

Un nuevo programa en el que vamos a hablar de las letras de las canciones. En este podcast, concretamente en la serie Las letras de las canciones, ya repasamos los principales aspectos que afectan al texto, sus elementos y sus tipos, de un modo general. Después de aquellos diez capítulos que trataban sobre lo que es la letra de una canción, hoy vamos a hablar un poco de lo que NO es.

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En este capítulo reflexionamos sobre la diferencia entre letras de canciones, poemas y otros textos literarios. Aunque comparten recursos, intenciones y formas, no son lo mismo. Una letra está pensada para convivir con la música, lo que transforma por completo su sonoridad y función. El episodio analiza por qué una canción no puede ser un poema en sentido estricto, y cómo eso nos libera de presiones innecesarias al componer.

Creo que insistir en que una canción no es un poema es liberador. Como autores y autoras no necesitamos cumplir estándares literarios ajenos, sino ser fieles a la función de la canción: emocionar, comunicar y convivir con la música. Podemos usar poesía, ideología o narración en nuestras letras, pero siempre bajo sus propias reglas artísticas. Una letra es suficiente en sí misma, aunque sea imperfecta, porque su fuerza se multiplica con la música.

Seguimos con la serie dedicada a la Música en las canciones. Hoy, en el capítulo número 11, comentaré un recurso musical muy útil y muy utilizado para añadir notas a las siete que suele tener cada tonalidad: los dominantes secundarios. 

Puede que ya sepas en qué consisten o puede que no, pero en cualquier caso, tienen un papel destacado en la mayoría de géneros de la música popular moderna y, si escribes canciones o te gustaría hacerlo, no puedes dejar de conocerlos.

Vamos a ver un poco qué y cómo son.

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En este capítulo exploramos un recurso armónico fundamental en la música tonal: los dominantes secundarios. Se trata de acordes que, aunque no pertenecen a la tonalidad principal, se usan para generar tensión y dirigir la atención hacia otros grados distintos de la tónica. Su uso está presente en la mayoría de géneros de la música popular moderna y abre posibilidades expresivas más allá de las siete notas básicas de cada tonalidad.

Los dominantes secundarios son un recurso sencillo de entender y muy potente de aplicar. Permiten salir momentáneamente de la tonalidad sin romperla, añadiendo color, sorpresa y dirección. En mi experiencia, trabajar con ellos es una de las formas más rápidas de enriquecer progresiones básicas y abrir la puerta a nuevas ideas compositivas. Usarlos con conciencia puede transformar una canción aparentemente simple en algo mucho más expresivo y atractivo.

El episodio de hoy lo he querido dedicar a la creatividad y la rutina. Dos conceptos que muchas veces se han presentado como contrapuestos, como enemigos.

El tema central, lo que va a ser la columna vertebral de este programa es sencillamente examinar cómo afrontamos la actividad musical, el trabajo creativo. Vamos a hablar de objetivos, de tiempo, de espacio, de los elementos más importantes que componen nuestra forma de hacer las cosas, en relación con la música, con su práctica y aprendizaje, con cómo nos organizamos, y también con la productividad y los resultados.

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Este episodio aborda la relación entre creatividad y rutina, dos conceptos que muchas veces parecen contraponerse pero que, en realidad, se complementan. La inspiración puede llegar en cualquier momento, pero sin objetivos claros, organización y hábitos saludables, es difícil sostener un trabajo creativo. Aquí exploramos cómo estructurar tiempo, espacio y metas para aprovechar mejor nuestra energía y avanzar en el camino musical.

La creatividad no está reñida con la rutina. Al contrario, los buenos hábitos son lo que permite que la inspiración encuentre un lugar fértil para manifestarse. Organizar el tiempo y el espacio, marcarse objetivos realistas y cultivar la constancia son decisiones que hacen más probable la aparición de ideas valiosas y, sobre todo, la capacidad de darles forma.