Com’è la Hollywood di oggi? Com’è cambiata, se davvero è cambiata? Ripensando ai primi centoventi anni di cinema americano, si ha la sensazione di aver sempre assistito all’eterno ritorno dell’identico, anche dopo passaggi rivoluzionari come la fine del sonoro o dello studio system. La mentalità della struttura di potere è rimasta, le major sono diventate parte di giganteschi conglomerati, internazionali con un differente core business. Non sono cambiati la spietatezza, il cinismo, il glamour e la formidabile professionalità. Insomma Hollywood è uno dei luoghi dove sembra concretizzarsi la massima del Gattopardo secondo cui è necessario cambiare tutto per non cambiare niente. Eppure, recentemente, forse qualcosa è cambiato.

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Hollywood negli anni Settanta è stata resa grande da alcuni autori che sono ancora in attività, come Francis Ford Coppola o Martin Scorsese. Il ricambio generazionale è avvenuto grazie a una nuova leva di artisti, in alcuni casi legata a quella della Hollywood Renaissance da vincoli familiari come per Sofia Coppola, ma ve ne sono tanti altri tra cui i magnifici Anderson (Paul Thomas e Wes, Spike Jonze e gli inglesi Sam Mendes e Christopher Nolan. Inoltre, non si può tralasciare l’ascesa di un artista straordinario come Quentin Tarantino, o quella di una casa di produzione che ha realizzato alcune delle pellicole più entusiasmanti degli ultimi decenni: la Pixar.

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Nonostante il cinema di Hollywood sia basato su una concezione industriale, regolata dalla logica del profitto, ciò non ha impedito che venissero realizzati film bellissimi e autentici capolavori. La storia ha visto però anche artisti di grandissimo talento non riuscire a trovare il modo di dialogare con i produttori per l’incapacità reciproca di riuscire a conciliare la ricerca del profitto con quella dell’arte. Così, l’orgoglio di alcuni registi si è scontrato con la brutale valutazione commerciale, distruggendo la loro carriera e a volte anche la loro esistenza.

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Ci sono battute memorabili che hanno segnato la storia di Hollywood. Le frasi più celebri del cinema spesso risultano impronunciabili e forse anche ridicole nella vita quotidiana, ma sono perfette nella loro dimensione eroica, più grande della vita. Nel 1998 l’American Film Institute lancia l’idea di eleggere il miglior film americano e lì si è comincia a parlare delle migliori battute di tutti i tempi, con scelte che vanno dal debutto del cinema sonoro con “Aspettate un attimo: non avete ancora sentito nulla”, pronunciata da Al Jolson nel Cantante di Jazz, a “Il mio Tesoro”, sibilata da Gollum nel Signore degli Anelli.

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Non c’è persona che arrivi per la prima volta a New York e non abbia la sensazione di trovarsi in un film. Sono innumerevoli le pellicole che l’hanno scelta come scenario e ne hanno raccontato gli aspetti più vari. Le mille luci di Manhattan si sono accese a illuminare tante storie: da Io e Annie di Woody Allen, a Taxi driver di Martin Scorsese, passando anche per l’intramontabile La febbre del sabato sera diretto da John Badham.

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A proposito di cast, registi e protagonisti dei film, sono molte le storie che hanno caratterizzato le scelte hollywoodiane. Decisioni a volte avventurose, tra clamorosi errori di miopia, occasioni fortuite o intuizioni folgoranti, che oggi ci consentono di ripercorrere l’intera storia del cinema americano attraverso il riflesso di una improbabile, quanto suggestiva, storia virtuale.

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Il cinema western è il più americano dei generi perché affonda le proprie radici nelle fondamenta stesse della cultura statunitense. Negli ultimi anni abbiamo assistito a rinascite occasionali di questo genere, anche a firma di registi insospettabili come Quentin Tarantino e Jane Campion, mentre Steven Spielberg, nel finale di The Fabelmans, racconta l’incontro con il grande regista John Ford. L’episodio, realmente accaduto, testimonia la sensazione di trovarsi a confronto con il cinema stesso e con chi ha contribuito a rendere il western il più grande affresco epico con ambientazione americana.

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Ci sono due elementi fondamentali non trascurabili nella costruzione del mito hollywoodiano: la scelta del titolo e la tag-line. La seconda è la breve frase che accompagna, nei poster e a volte anche nei trailer, il lancio dei film. Molto spesso la scelta finale è il risultato di infinite ricerche e riunioni. É interessante analizzare come in entrambi i casi la traduzione italiana a volte ne abbia mortificato l’efficacia iniziale o addirittura tradito il senso, e solo raramente l’abbia migliorato.

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Da sempre Hollywood racconta il mondo della politica, raramente però è stato partitico: ha preferito concentrarsi su storie particolari o personaggi esemplari. Così, da Life of Abraham Lincoln, di Phil Rosen, uscito nel 1908, a Jfk di Oliver Stone, il cinema politico americano si conferma soprattutto di tipo autobiografico. Alcuni periodi hanno poi trovato maggior spazio nella narrazione, come gli anni Settanta, segnati da pellicole caratterizzate dall’amarezza e dal disincanto, o gli anni Novanta, giudicati con durezza e marcate prese di posizione.

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Nella Hollywood di oggi il tema dell’omosessualità non costituisce più alcun tabù. Ma non è sempre stato così e per comprendere come siamo arrivati a quel che vediamo oggi sullo schermo, è bene ripercorrere quanto successo storicamente nel cinema americano e non solo, spesso sottotraccia o, il più delle volte, attraverso una rappresentazione negativa, spesso caricaturale e stigmatizzante delle persone omosessuali. Passando da “Ben-Hur“ ai “Vitelloni“ e molti altri celebri titoli.

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