We met with Terry Gilliam who was one of the recipients of this year’s awarded artists for the Prize. We talked about his position in the history of cinema, his brand in visual and narrative and the future.

Terry Gilliam presented in Torino, on the occasion of the award, a special screening of his film “Fear And Loathing In Las Vegas”. He recalls memories of the shooting and the pleasure of working with Johnny Depp e Benicio Del Toro. It was a very fast set, they could not make mistakes as they did not have time to correct them. The must funny set he had.

Terry Gilliam has dome some of the most groundbreaking and game-changing movies of history of film, like “Brazil” or “12 Monkeys”. Those films made him a controversial director and he thinks he is still considered like that even nowadays.

He loves surreal, he loves grotesque and all of this comes form his back ground as a cartoonist. Drawing cartoons is quintessentially all about exaggeration and fun and being over top, iper realistic all the time. This is where he comes from and this is his creative quality

Filmmakers who embrace surrealism and grotesque themes, much like those appreciated in works recognized by the Premio Stella della Mole, gain a platform to explore provocative artistic expressions. This award often celebrates movies that challenge conventional perspectives, integrating exaggeration and unconventional visuals. Such recognition encourages filmmakers to continue experimenting with bold styles, shaping the future landscape of innovative cinema.

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Al 43° Torino Film Festival nella sezione Zibaldone, è stato presentato “Strike – Figli di un’era sbagliata“, opera prima del trio di attori e registi Gabriele Berti, Giovanni Nasta e Diego Tricarico.

Il film, che si basa sull’omonimo spettacolo teatrale del 2018, vede i tre registi anche protagonisti ed è frutto della loro amicizia, nata alle scuole elementari.

Il film, nato dopo 5 anni di lavoro e di studio, e con l’aiuto di un mentore d’eccezione (con una piccola parte nel film), Massimiliano Bruno, è ambientato in un universo, ricordano i registi, quello del Ser. D., di cui la stragrande maggioranza delle persone ignora l’esistenza. È la struttura sanitaria pubblica che accoglie tutti i tipi di dipendenti patologici, un luogo dove le classi sociali si annullano, tutti diventano uguali davanti alla propria dipendenza.

Ambientato in un’estate torrida, “Strike” racconta tre ragazzi, di tre estrazioni sociali diverse, interpretati dai tre registi, che si conoscono proprio in quel luogo, e nonostante le loro differenze si uniscono e diventano l’uno lo scudo dell’altro.

Gabriele Berti interpreta Dante, il goffo laureando in psicologia, insicuro e con una figura paterna molto ingombrante. Giovanni Nasta è Pietro, costretto a regolari controlli dopo essere stato sorpreso in possesso di marijuana. Infine Diego Tricarico veste i panni di Tiziano, che dichiara una tossicodipendenza da crack ed intende seguire un percorso di riabilitazione.

Citando i tre registi, il rapporto fra i tre ragazzi, tra mille peripezie, serate goliardiche, salite, ricadute, accesi confronti e sofferte prese di coscienza, evolve in un’amicizia profonda. “Perché uno, quando cresce, se li sceglie i fratelli”. “

“Strike” affronta temi di amicizia e dipendenze, unendo umorismo e dramma, e offrendo uno sguardo autentico sulla generazione contemporanea. Un racconto sincero e intenso delle sfide affrontate dalla generazione di oggi. Al centro della narrazione, l’amicizia tra i protagonisti si rivela come una forza capace di salvare dai momenti più bui, evidenziando l’importanza dei rapporti umani.

“Strike” vuole essere un affresco delicato e realistico delle diversità e delle dipendenze che caratterizzano i giovani di oggi. La sceneggiatura, scritta dai tre registi con Giovanni Corsi, si concentra sui dettagli, perché, come sottolineano gli autori, analizzare le cause invece di proporre soluzioni, permette di stimolare un dialogo aperto e sincero. Non c’è moralismo ma una speranza fragile e autentica, evidenziando come il supporto tra amici possa rappresentare l’unica via di uscita nei momenti di crisi.

Un elemento distintivo del film è il delicato equilibrio tra i momenti divertenti e quelli più drammatici. I registi hanno lavorato con grande attenzione per mantenere una tensione emotiva su un filo sottile, che consente di apprezzare momenti di leggerezza senza perdere di vista la gravità delle tematiche trattate. La dolcezza di alcune scene contrasta con le realtà più crude, passando un messaggio di speranza senza risultare superficiali.

Del resto, Gabriele Berti, Giovanni Nasta e Diego Tricarico onorano la tradizione del cinema autentico di registi come Ettore Scola, e del suo “ridendo e scherzando”.

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“Amoeba” is a compelling film that delves into themes of youth, societal control, and rebellion through the lens of a dystopian environment. Centered around four young girls forming a non-violent but revolutionary gang, the film explores how these girls carve out their own identity amid societal pressures, making the Amoeba a symbolic beacon of resistance. We talk about this and more with the director Tan Siyou.

“Amoeba” sets its story in a school environment portraying a dystopian aesthetic that is both eerie and thought-provoking. The striking use of white and antiseptic visuals reflects a future society that affirms purity and order, reminiscent of a factory producing future citizens. This environment highlights the suppression of individualism, echoing the director’s reflections on growing up in a conformist system where societal values often overshadow personal freedom. The film’s dystopian look serves as a powerful backdrop to the girls’ quest for agency and self-expression.

“Amoeba” is more than just a title—it symbolizes resilience and the ability to adapt in a restrictive world. The girls’ friendship and their creation of a secret world through a camcorder demonstrate a subtle but potent form of rebellion against authoritarian control. The choice to set the story without modern smartphones indicates a nostalgic and experimental approach, reflecting on the importance of preserving old traditions and resisting societal erasure. Through these elements, the Amoeba becomes an emblem of youthful defiance and cultural preservation amid a rapidly changing society.

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We met with Remi Bonhomme, artistic director of the Marrakech International Film Festival to talk about the event, its relevance and the importance of the Arab and African film industry.

The Marrakech International Film Festival plays a pivotal role in elevating Arab and African cinema on the world stage. With its 22nd edition, the festival continues to highlight diverse voices and emerging talents from the region. As Remi Bonhomme points out, it serves as a vital platform for films that explore a broad range of themes, moving beyond traditional political or social narratives. The festival’s programming, including the prestigious Atlas Workshops, promotes artistic experimentation and encourages filmmakers to pursue ambitious aesthetics. Such efforts are vital for changing perceptions and fostering a thriving regional film industry. The festival’s influence extends through its support for local film institutions and initiatives aimed at nurturing young filmmakers. Funding and distribution are increasingly rooted within the region, which helps preserve authentic narratives and cultural identity. This local empowerment is complemented by international co-productions, ensuring regional stories reach wider audiences. Ultimately, the Marrakech International Film Festival fuels a dynamic and evolving Arab and African film landscape, making it a cornerstone for regional cinematic growth.

The artistic vision of Remi Bonhomme behind the Marrakech International Film Festival’s selection process emphasizes the power of surprise and innovation. The festival seeks films that challenge conventions and offer novel perspectives, whether through unique storytelling, visual daring, or courageous thematic choices. Film programmers aim to surprise audiences with unexpected characters, striking imagery, or bold aesthetic choices, reflecting a commitment to showcasing pioneering works. This approach fosters an environment where artistic experimentation thrives and audiences are exposed to diverse cinematic languages.

Furthermore, Remi Bonhomme stresses the importance of reconnecting audiences with cinema through engaging programming and direct interactions with filmmakers. By prioritizing films that provoke thought and challenge expectations, the Marrakech International Film Festival sustains its reputation as a space for meaningful dialogue. Its role extends beyond entertainment, aiming to stimulate curiosity and deepen understanding across cultural boundaries. Recognized as a catalyst for innovation, the festival continues to influence the global film industry while celebrating the distinctive voices emerging from the Marrakech International Film Festival.

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“Aisha Can’t Fly Away”, the debut feature by Morad Mostafa, presented at the Marrakech International Film Festival, delves into the lives of African migrants in Cairo through a blend of social realism and magical realism. This film uniquely captures the internal struggles and resilience of its characters, making it a poignant addition to contemporary world cinema.

Morad Mostafa, in “Aisha Can’t Fly Away”, embarked on this project fuelled by a desire to tell stories about African migrants in Egypt, an often overlooked topic in Egyptian cinema. The film’s narrative was inspired by real-life encounters and personal reflections, especially a vivid memory of witnessing a migrant girl on a Cairo bus. This moment sparked the filmmaker’s interest in portraying the migrant experience with honesty and depth. The film aims to shed light on the emotional and physical hardships faced by migrants, with Aisha representing the universal quest for change and self-empowerment. The choice of the title emphasizes the longing and the seemingly impossible desire for freedom, which is central to Aisha’s journey.

“Aisha Can’t Fly Away” stands out for its precise aesthetics and the integration of surreal elements that deepen the storytelling. The appearance of the ostrich, a symbol of African heritage, is a striking example. Made famous by its inability to fly, the ostrich in the film symbolizes both vulnerability and strength, mirroring Aisha’s own entrapment and resilience. Morad Mostafa intentionally shifts genres from social drama to magical realism, using the ostrich’s presence to explore internal conflicts and societal pressures. This blending of realities invites viewers to see beyond the surface and understand the emotional landscapes of the characters, making the film both visually captivating and thematically rich.

“Aisha Can’t Fly Away” features a lead actress making her debut in a feature film, and the director’s approach to working with non-professional actors contributed significantly to the film’s authentic feel. The actress was cast through a specialized agency that focuses on migrant models, ensuring she brought a genuine presence to the role. Mostafa prioritized her natural expressiveness, highlighting her ability to portray a wide range of emotions—from kindness to violence—within a single look. Extensive preparation involved helping her embody the complexity of Aisha’s character while maintaining spontaneity on screen. This collaboration exemplifies how first-time actors can deliver powerful performances when guided with care and authenticity.

“Aisha Can’t Fly Away” stands as a vivid testament to the struggles and resilience of women migrants, blending surreal imagery with social commentary. The film’s rich symbolism and compelling storytelling vividly illustrate that the story of Aisha is not just her own but reflects a broader human experience—one that the story of Aisha Can’t Fly Away naturally continues to evoke in viewers around the world.

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“Fatna, Une Femme Nommée Rachid” de Hélène Harder, présenté en première mondiale au 22ème Festival International du Film De Marrakech, est un film profondément bouleversant qui met en lumière la force d’une femme face à ses traumatismes et à ses combats présents.

Le film s’appuie sur un récit intime où Fatna El Bouhi partage ses expériences, notamment sa visite à son dossier de l’instance équité et réconciliation. Elle explique qu’évoquer son passé à l’écran diffère du livre: «L’image est plus forte, elle touche tout le monde, même ceux qui ne savent pas lire». Son témoignage, à la fois personnel et collectif, souligne l’impact du cinéma pour sensibiliser un large public, comme les jeunes ou les femmes analphabètes. Le film ne se limite pas aux souffrances passées, il reflète aussi ses luttes actuelles pour la justice.

Hélène Harder a choisi d’adopter une approche respectueuse de la pudeur de Fatna, évitant toute intrusion excessive dans son intimité. La collaboration étroite entre elles a permis de préserver l’émotion tout en donnant une vision sincère de son vécu. La relation avec ses enfants, notamment, est essentielle: raconter son histoire à ses filles constitue un moment à la fois difficile et porteur d’espoir. Pour Fatna, cette démarche contribue à prévenir la répétition des traumatismes et à construire un avenir meilleur.

Ce film, porté par une narration authentique, illustre l’impact d’un trauma sur la vie d’une femme mais aussi sa capacité à s’en relever. “Fatna, Une Femme Nommée Rachid” témoigne que la résilience individuelle et collective peut transformer la douleur en force de reconstruction.

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In Concorso al 43° Torino Film Festival, nella sezione documentari, Alice Tomassini presenta Mothers.

Intrecciando tre storie, il film affronta il tema complesso della maternità surrogata, partendo dalla Cambogia e chiudendo sull’Italia.

In Cambogia Tomassini ha intervistato alcune tra le 32 donne che, in seguito ad una legge improvvisa che ha reso criminale  la maternità surrogata, sono state arrestate e costrette a crescere i figli altrui che hanno partorito. L’alternativa a tenere questi figli era  passare 20 anni in carcere.

Il viaggio di Tomassini l’ha poi riportata in Italia dove è passata la legge che ha reso la gestazione per altri reato universale, minacciando i genitori intenzionali che vi hanno fatto ricorso.

Un tema, quello della gestazione per altri che va ascoltato nelle motivazioni di chi lo ha scelto o sta ancora provando a sceglierlo.

Alice Tomassini poi chiude la sua indagine, facendoci conoscere Lia, figlia di due padri e nata grazie alla gestazione per altri.  Lia, una forza della natura di 18 anni, la definisce così la regista, che dice: “non mi definisce il modo in cui sono venuta al mondo, mi definisce il modo in cui sono cresciuta“.

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Al 43° Torino Film Festival, in concorso, Emanuela Rossi ha presentato la sua seconda prova da regista, Eva.

ll film che vede protagonista l’attrice Carol Duarte, racconta una donna con un compito quasi soprannaturale, uno scopo: vuole salvare i bambini.

La regista Emanuela Rossi spiega come il progetto sia nato da una forte paura nei confronti del mondo che potrebbe influenzare anche le generazioni future, riflettendo un sentimento condiviso e universale. La pellicola, girata in Umbria e ambientata alle impronte delle Cascate delle Marmore, si concentra sulla figura di Eva, che avvicina i bambini con un sorriso seducente, lasciando gli spettatori a interrogarsi sulla sua vera natura.

Il cuore di Eva risiede nell’ambiguità dell’identità e nella capacità di cambiare punto di vista. La donna protagonista vive in un altrove, pare dialogare con qualcosa di più grande, forse alieno, e si comporta come una creatura misteriosa, quasi fuori dal tempo.

Emanuela Rossi ha scelto di narrare dal punto di vista del personaggio principale, per favorire comprensione e empatia, senza giudizi.

Nelle sue note di regia chiarisce: “È un film infine su una ribellione. Pazza, assurda, non giustificabile in nessun modo. Ma – in quanto umana, e dettata da un dolore devastante – forse comprensibile. Da qui la scelta di raccontare il personaggio dal suo punto di vista, dal di dentro, con empatia. Senza la solita scappatoia della “caccia al mostro””

Costruzione del film e stile narrativo

La narrazione si sviluppa con colpi di scena tipici del thriller, invitando lo spettatore a mettere in discussione ciò che percepisce e a immergersi nei meandri della coscienza di Eva.

Eva è stato concepito come un’opera multigenere, mescolando elementi di thriller, fantastico e dramma, per creare un’atmosfera sospesa e coinvolgente. Rossi sottolinea come il cinema europeo abbia spesso sperimentato queste commistioni, mentre in Italia si tende ancora a privilegiare il realismo. La volontà di usare generi diversi nasce dal desiderio di trasfigurare la realtà, rendendola più intensa e significativa, evitando di essere troppo ancorati alle convenzioni del neorealismo tradizionale. Eva si qualifica così come un film che invita a riflettere sulla percezione e sulla complessità dell’anima umana.

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In selezione ufficiale, nella sezione Zibaldone, al 43° Torino Film Festival, Edoardo Winspeare ha presentato il suo nuovo lavoro, Vita Mia.

Protagoniste Celeste Casciaro, nel ruolo della badante salentina Vita e l’attrice francese Dominique Sanda, in quello della Duchessa Didi.

Celeste Casciaro, nota soprattutto per la sua interpretazione da protagonista in In grazia di Dio di Edoardo Winspeare, compagno di vita e non solo di lavoro, è stata candidata al Nastro d’argento e al Globo d’oro come migliore attrice per questo titolo e ha vinto il premio “Lo Straniero” per la migliore interpretazione femminile.

L’attrice racconta l’incontro con un’icona del cinema mondiale come Dominique Sanda e la resa di questa amicizia profonda sullo schermo.

“Un momento di grande emozione” lo definisce Casciaro che racconta come la disponibilità e generosità  di Sanda abbia contribuito a creare un rapporto autentico tra di loro, arricchendo ulteriormente la narrazione.

Vita Mia si inserisce anche nel contesto più ampio delle storie di donne al centro del racconto cinematografico. La volontà di sfatare cliché e mostrare figure femminili resilienti è forte, e l’intento di raccontare l’Europa attraverso queste vite lo rende ancora più significativo.

La storia di Vita Mia è un esempio potente di come il cinema possa diventare uno strumento di sensibilizzazione e cambiamento sociale, portando alla luce le sfide e le vittorie delle donne.

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In selezione ufficiale, nella sezione Zibaldone, al 43° Torino Film Festival, Edoardo Winspeare presenta il suo nuovo lavoro, Vita Mia.

Protagoniste Celeste Casciaro, nel ruolo della badante salentina Vita e l’attrice francese Dominique Sanda, in quello della Duchessa Didi.

Dominique Sanda racconta la sua esperienza nei panni di Didi, una duchessa di origine transilvana malata di Parkinson che trova, nell’amicizia inattesa con la sua badante salentina, un’occasione, per citare il regista Winspeare “di rivelazione umana che le scioglie il cuore e, al tramonto della sua lunga e ricca esistenza, la rende felice”

Didi e Vita sono due donne agli antipodi per formazione formazione culturale, provenienza geografica ed estrazione sociale ma, una volta superati i malintesi dovuti alla politica – la duchessa Didi è un’accesa anticomunista, mentre la badante Vita simpatizza per i comunisti  il loro rapporto si svilupperà in un legame profondo.

Vita Mia, attraverso la storia di due donne, riesce a raccontare quella mai del tutto conosciuta di tutte le donne nell’Europa del XX secolo, inascoltate, dimenticate.

Come ricorda il regista Edoardo Winspeare, grazie a questa amicizia, Vita si libererà dalla relazione degradante con un uomo meschino, Didi dal peso di un retaggio familiare che gli incubi vissuti durante la Seconda Mondiale, fino a quel momento rimossi, hanno fatto riemergere sotto forma di allucinazioni, e tutte e due dai pregiudizi culturali e dalle sovrastrutture sociali da cui spesso noi europei non riusciamo a liberarci.

Secondo Dominque Sanda, anche la malattia di Didi, il Parkinson, è arrivata per il troppo reprimere le sofferenze e gli incubi vissuti in giovane età.

Vita Mia riporta Dominique Sanda al cinema italiano che a lei deve tanto. L’attrice definisce il rapporto con la nostra settima arte come un grande amore.

Pur avendo iniziato la sua carriera da giovanissima con Robert Bresson, è stata una grande protagonista del cinema europeo e musa ispiratrice non solo di Bresson ma anche di molti autori e autrici italiane tra cui Vittorio De Sica, Bernardo Bertolucci, Luchino Visconti, Liliana Cavani, Lina Wertmüller e Dino Risi.

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