Retrouvez des interviews avec les artistes et performances en direct de notre kiosque Médias Ténois sur le site du festival.

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La chorégraphe montréalaise visite Yellowknife afin d’animer un atelier de danse contemporaine au festival. Ouvert à tous, l’atelier Worn est un projet qui explore les thèmes de la tension, du relâchement et du tissu comme métaphore des expériences humaines.

L’épisode présente Rebecca Hawker, autrice-compositrice-interprète country-folk originaire de Barry, en Ontario. Elle explique qu’elle se considère d’abord comme une écrivaine, attirée par les histoires humaines et les relations entre les gens. Elle dit aussi que le fait de venir d’une grande famille a influencé sa manière d’observer les autres et d’écrire ses chansons. Interrogée sur ses influences, elle cite surtout Casey Musgraves parmi les artistes qui l’ont marquée récemment. Elle mentionne être sensible à la façon dont Musgraves a mêlé un son country à des synthés plus modernes et à des arrangements pop. Rebecca Hawker décrit sa musique comme du storytelling folk porté par une énergie qui rappelle le country des années 1990. Elle explique vouloir créer des chansons à écouter sur la route, avec un mélange de récit, de sonorité roots et d’aspects plus entraînants. Elle parle ensuite de la chanson « Ticket », qu’elle considère importante. Elle dit qu’elle l’a écrite alors qu’elle se sentait incertaine à propos de sa place dans la musique, au moment de la sortie de son EP « Careful Woman » en 2019. La chanson exprime l’idée que poursuivre ce qu’elle aime suffit, même si une carrière musicale paraît incertaine. Lorsqu’elle revient sur son parcours, elle dit que certains moments lui font réaliser que sa carrière avance, notamment quand elle partage la scène avec des artistes qu’elle admire. Elle cite un spectacle bénéfice avec Julian Taylor, Leila Bialy, Georgia Hammer et Bob Egan. Elle dit aussi être particulièrement fière de son dernier EP, « Quit My Habit ». La chanson titre a été difficile à écrire, car elle traite du deuil après la mort de sa mère. Elle explique que le processus d’écriture et d’enregistrement a été éprouvant, mais important pour elle. Enfin, elle évoque sa première venue dans les Territoires du Nord-Ouest et son impatience de jouer à Yellowknife. Elle dit n’avoir jamais visité le Nord auparavant et avoir hâte de vivre le soleil de minuit et de rencontrer le public local. Elle se dit curieuse de découvrir la vie dans des communautés plus éloignées et la façon dont les gens y vivent au quotidien.

Sun Starved est un groupe de metalcore de la scène nordique de Yellowknife. Mené par Damon Benoit, il est né après une soirée emo rassemblant des musiciens locaux. Après avoir remporté le Mainstage Showdown, ils se sont taillé une place au festival Folk On The Rocks, tout en restant fidèles à leur style énergique.

Cette année, le festival FOTR invite un artiste montréalais d’origine haïtienne, Waahli, à présenter sa musique. Mêlant français, anglais et créole-haïtien, il promet au public de Yellowknife une performance énergique et rassembleuse, entre danse, émotions et réflexion.

L’entrevue présente Justine Giles, compositrice-interprète originaire de Sudbury et basée à Calgary. Elle explique avoir vécu dans plusieurs villes au Canada pour trouver sa place dans l’industrie musicale, et dit aussi s’intéresser à l’éducation artistique et au mentorat. Elle revient sur ses débuts en musique, influencés par son père, musicien actif en tournée dans plusieurs groupes. Elle raconte avoir grandi dans un environnement où le théâtre, les arts et le chant étaient valorisés, et précise qu’elle écrivait déjà de la poésie avant de commencer à écrire des chansons à l’adolescence. Justine décrit sa musique comme difficile à classer, mais marquée par des influences folk, folk-pop et adulte contemporain. Elle dit accorder une grande importance aux paroles et à la narration, tout en ayant exploré d’autres couleurs comme le country et le blues. Elle souligne qu’en solo, une chanson forte et une histoire forte restent centrales. Après la diffusion d’une chanson, elle parle des thèmes récurrents dans son écriture, notamment l’appartenance, le déracinement et la recherche de communauté. Elle évoque aussi ses anciennes chansons sur les peines d’amour, la perte et le deuil, puis explique que ses textes abordent désormais davantage la relation à soi, l’image corporelle et les messages transmis à un public composé en partie de jeunes femmes. Elle dit que l’écriture est devenue pour elle une forme de thérapie et un espace sûr pour exprimer ce qu’elle a du mal à dire autrement. Selon elle, les auditeurs se reconnaissent ensuite dans ses chansons et partagent leurs propres histoires en spectacle. Enfin, elle parle de son rôle d’artiste en résidence et mentor pour Folk on the Rocks en 2025-2026. Elle décrit cette expérience comme importante, à un moment où elle cherchait un nouveau défi et une nouvelle façon de créer des liens. Elle raconte que son arrivée à Yellowknife lui a rappelé Sudbury et lui a donné un fort sentiment d’appartenance. Elle mentionne aussi son séjour à la fin de 2025, son premier aperçu des aurores boréales et le travail réalisé avec des artistes locaux.

Jonnie Melancholy, de son vrai nom John Macaulay, est un musicien originaire de l'île de Wight au Royaume-Uni. Lors de son interview avec Radio Taïga, il partage son parcours musical et le processus qui l'a conduit à adopter son nom de scène. Selon lui, il a longtemps cherché un nom unique qui refléterait son style artistique et se distinguerait de ses pairs. C'est lors d'un événement de musique emo, où il se produisait pour le festival Steadily Deadly, qu'un ami lui suggère le nom de Johnny Melancholy. Cette appellation, qui évoque un style poétique et mélancolique, correspond parfaitement à l'essence de sa musique, mêlant des thématiques de tristesse et de nostalgie. Jonnie évoque son arrivée à Yellowknife en 2022 et l'impact que la scène musicale locale a eu sur son écriture. Avant de s'établir dans les Territoires du Nord-Ouest, il avait déjà écrit quelques chansons, mais il admet ne pas avoir trouvé sa véritable voix. La communauté musicale de Yellowknife, composée d'autres artistes avec qui il a pu collaborer, a été une source d'inspiration majeure et a joué un rôle essentiel dans son développement artistique. Il souligne l'importance de cet environnement collaboratif pour sa créativité et sa croissance en tant que musicien. Lors de l'interview, Jonnie révèle que la musique est devenue un moyen pour lui d’exprimer ses émotions et de traiter ses expériences personnelles, notamment les thèmes de l'amour, de la perte et du chagrin. Au fil du temps, alors que ces défis personnels s'estompaient, sa réflexion s'est élargie pour aborder des sujets plus complexes de la vie. Il a récemment écrit une chanson qui questionne les regrets et l'idée de pouvoir revenir en arrière pour changer ses choix. Cette introspection l'a amené à comprendre qu'il est essentiel de laisser derrière soi les inquiétudes passées pour se concentrer sur le présent et apprendre à s'aimer soi-même. Il partage également les secrets de son processus d'écriture, décrivant un cheminement brut et authentique. Jonnie explique qu'il lui a fallu du temps pour comprendre comment composer une musique efficace. Ce n'est qu'après des échanges avec d'autres musiciens qu'il a réellement réussi à se lancer. En utilisant des riffs et des sons qui lui plaisent, il laisse ses émotions guider le résultat final, procédant à des ajustements au fur et à mesure. Son morceau "Time to Leave", qu'il a récemment publié sur sa chaîne YouTube, illustre ce processus et ses émotions. Les inspirations musicales de Johnny sont variées, allant d'artistes comme Ben Howard et Seth Lakeman à Paolo Nutini. Il mélange ces influences avec son amour pour le pop-punk, souhaitant intégrer des éléments acoustiques dans sa musique tout en cette légèreté. Il aspire à créer des morceaux qui capturent l'essence de la lumière et de l'ombre, évoquant des sentiments profonds chez les auditeurs. En conclusion de l'interview, Jonnie Melancholy souligne son souhait de continuer à évoluer en tant qu'artiste et d'explorer de nouvelles dimensions de sa créativité musicale, tout en se souciant de la connexion émotionnelle qu'il établit avec son public.