Neuvième album studio d'un groupe new yorkais mythique, De La Soul. Cabin in the Sky signe le retour des pionniers du hip hop alternatif américain avec un des membres du trio en moins Dave, dit « Trugoy The Dove », qui a eu le temps d'enregistrer quelques morceaux avant sa mort en 2023. Beaucoup de beau monde sur cet album où l'on rassemble les amis et où l'on fait la fête en pensant au disparu.  

Ce sont trois grandes figures du jazz français, reconnues depuis plus de quinze ans, mais qui n’avaient encore jamais joué ensemble. Le Guadeloupéen Arnaud Dolmen à la batterie, le Martiniquais Grégory Privat au piano et le Gardois Laurent Coulondre à l'orgue forment le collectif The Getdown, et dévoilent leur premier album éponyme.

Les trois musiciens se croisaient régulièrement en concert, mais la véritable rencontre a eu lieu l'année dernière. Tous les trois étaient nominés pour le prix Django Reinhardt, qui récompense le musicien français de l'année. On leur propose de jouer ensemble le temps d'un morceau de six minutes... et la magie opère instantanément. S’ensuivent plusieurs sets au club parisien Le Duc des Lombards, qui scellent la naissance du collectif The Getdown.

À la batterie, Arnaud Dolmen trouve naturellement sa place dans un dialogue déjà très dense entre les deux claviers, grâce à l'écoute et à la sensibilité au rythme des deux mélodistes qui l'accompagnent. De son côté, lui se passionne de plus en plus pour les claviers, et il repense sa batterie comme un instrument plus mélodique. Sans rien perdre de son énergie rythmique, mais avec une finesse proche de celle des claviers.

Il explique : « C'est essayer de jouer avec les nuances, avec les quatre membres. Faire des sons plus longs avec la main droite, tandis que la grosse caisse, avec mon pied droit, peut-être plus sèche. Pendant ce temps, peut-être jouer plus fort avec la charleston. Essayer de faire sonner la batterie vraiment comme un orchestre, en fait. Et dans le tempo aussi, être plus souple. Parce que la différence entre la musique classique et la musique afro-caribéenne, ou afro tout simplement, c'est cette notion de respiration. Les batteurs que j'affectionne énormément et que j'ai beaucoup écoutés, eux aussi ils étaient ou sont pianistes. Donc je comprends cette manière de jouer la batterie. »

Ce qui réunit les trois musiciens, c’est une grande ouverture musicale. Et sur ce disque, ils explorent des thèmes qui leur sont chers : la famille, l'amour de la musique, le sens de la fête... et bien sûr leurs influences caribéennes. Grégory Privat vient de Martinique, Arnaud Dolmen de Guadeloupe, et si Laurent Couloundre vient, lui, du sud de la France, il nourrit une vraie passion pour la musique cubaine. Résultat : la Caraïbe traverse tout l'album.

Arnaud Dolmen raconte : « Dans cet album, j'ai fait un hommage à la biguine avec un morceau intitulé "Merci Biguine". La biguine, c'est un rythme issu des Antilles françaises et de la Guyane, qu'on joue énormément mais qu'on a aussi beaucoup joué dans les bals parisiens, à une époque. Il y a aussi un morceau qui s'appelle "Andidan", où je joue un rythme du Mas a Senjan : un rythme utilisé au Carnaval, aux Antilles. Au-delà du rythme, le Mas a Senjan est aussi une philosophie. Les groupes qui le jouent portent aussi une forme de dénonciation. »

The Getdown oscille entre un groove très énergique et une douce mélancolie. L'orgue se fond dans le piano. Parfois, ils se répondent, sans jamais éclipser la batterie, au son sec et frontal. Une conversation joyeuse entre ces trois grands noms du jazz français.

Le collectif sera en concert le 16 janvier 2026 au New Morning, à Paris.

Avec Épopée métèque, Bonbon Vodou confirme la vitalité de la rencontre entre chanson française et maloya réunionnais. Le duo, composé de Jérémie Boucris et Oriane Lacaille, signe un troisième album chaleureux et engagé, enrichi de collaborations prestigieuses. Dans une ambiance métissée, ils célèbrent le partage, la mémoire et l’imaginaire, pour délivrer un disque qui réveille les sens, invite à la réflexion et insuffle l’énergie du vivre-ensemble.

Bonbon Vodou, c’est la rencontre entre Jérémie Boucris, musicien du sud-ouest de la France, et Oriane Lacaille, héritière d’une grande lignée musicale réunionnaise. Ensemble, ils tissent un univers où la chanson française se mêle aux sonorités du maloya, la musique traditionnelle de La Réunion. Leur nouvel album, Épopée métèque, s’ouvre sur « Cérémonie du piment piment », une invitation sensorielle qui reflète bien l’esprit du groupe : douceur apparente, mais piquant bien présent, à l’image du fameux bonbon piment réunionnais.

Ce disque lumineux et conscient se distingue par sa capacité à créer un espace de partage et d’inspiration, où chaque morceau déploie une poésie de l’instant, portée par des arrangements inventifs et l’alchimie évidente des deux artistes.

Épopée métèque s’illustre aussi par la richesse de ses collaborations : Bernard Lavilliers, Mouss & Hakim (Zebda), René Lacaille, Rosemary Standley, Nellyla, Fixi, Djé Baleti ou encore Maya Kamaty viennent prêter leur voix et leur énergie à cette aventure sonore. Le titre « Demerd Azot with that », en duo avec Maya Kamaty, interpelle sur la question de la transmission et de la mémoire des histoires coloniales, rappelant que la musique peut aussi être un espace de résistance et de revendication.

Tout au long de l’album, Bonbon Vodou aborde des thèmes universels comme la lutte sociale, la mémoire collective et l’identité, tout en célébrant la diversité et l’imaginaire. Un album à découvrir, pour ressentir à la fois la chaleur de l’engagement et la force du métissage musical.

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Avec On s'en rappellera pas, son quatorzième projet sorti le 21 novembre 2025, disiz livre un album aux textes aussi sobres et efficaces que les mélodies sont foisonnantes. Avec ce disque, celui qui a été découvert par le magistral J'pète les plombs (2000) abandonne définitivement ses éruptions de colère, au profit de l'introspection et de la douceur.

Disiz La Peste, Disiz Peter Punk ou Disiz tout court : Sérigne M'Baye Gueye (c'est son vrai nom) a eu autant d'alias que de périodes musicales. Que faut-il donc comprendre de son nouvel avatar, Disiz, inauguré avec On s'en rappellera pas ? 

« Je me suis inspiré de l'autrice féministe et noire américaine bell hooks, nous explique le rappeur et chanteur en studio. Pour mettre en avant son travail, elle a enlevé les majuscules de son nom, car ce n'est pas elle qui est importante : c'est son œuvre. » À 47 ans, voilà donc disiz prêt à se mettre en retrait derrière sa musique – « pour cet album en tout cas », précise-t-il. Une musique toujours portée par la plume à la fois poétique et pudique du chanteur, comme dans La rosée, où il extériorise « ses blessures cousues de fil d'or » et repense à cette époque où il « était ce petit garçon sage » qui  « écoutait la mer au fond d'un coquillage ».

Après 25 ans dans la musique, disiz n'hésite plus à afficher frontalement ses fragilités (même si « ces thèmes ont toujours été présents dans mes textes », rappelle-t-il). Il n'hésite plus à assumer ses envies. Le rap monolithique de ses débuts n'est plus qu'un souvenir : dans on s'en rappellera pas, on retrouve des influences hip-hop, bien sûr, mais aussi de l'indie pop, de la synthpop, et même quelques envolées rock sur le très surprenant (et réussi !) Amsterdam, que le chanteur voit « comme une invitation à la fête », même si elle a lieu « dans un monde chaotique ».

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Surtout, disiz assume ses envies de collaboration, et qu'importe si le mélange peut surprendre : le rappeur américain Kid Cudi, la chanteuse belge Iliona, et la Franco-Congolaise Theodora ont tous leur place sur ce disque... Tout comme Laurent Voulzy, que disiz écoutait étant petit. Deux univers différents se rencontrent dans « surfeur », chanson pensée comme une allégorie d'une France où les enfants métissés ont parfois du mal à trouver leur place.

Le chanteur est particulièrement ravi de cette collaboration (« je ne pouvais pas rêver, moi, dans ma vie, de faire un morceau avec Laurent Voulzy », avoue-t-il). Ce n'est pourtant pas celle qui remporte la palme dans son cœur : disiz, lui, préfère « ça s'appelle la mer », titre enregistré à La Réunion et qui évoque tout en pudeur sa mère décédée. On croyait qu'il serait difficile de choisir une préférée parmi les 20 chansons qui composent l'album, disiz a répondu sans hésiter : « C'est, pour moi, le plus beau morceau que j'ai écrit de ma vie ».

Disiz On s’en rappellera pas (Production Carré bleu / Sony Music France) 2025

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Elle se produit régulièrement sur les scènes de France, son pays d'adoption depuis quatre ans, la Mozambicaine Assa Matusse, distille peu à peu sa fraicheur et son originalité dans une world music aux racines marrabenta et afro-jazz. 

Une voix, une énergie, un talent à fleur de peau... voilà comment pourrait se résumer Assa Matusse. Mais la Mozambicaine de trente ans est bien plus que cela. Il y a quatre ans, elle a quitté son Mozambique natal pour Paris, ville carrefour de la musique mondiale. « Paris, c'est quand même une ville de musique du monde. Et quand je suis arrivée ici, j'ai trouvé la sonorité que je cherchais. » 

Pour cela, elle a fait appel à Nicolas Vella, le claviériste et directeur artistique qui travaillait déjà dans le monde lusophone avec la Cap-Verdienne Mayra Andrada. Avec lui, Assa Matusse termine son deuxième album, Muchangana, dont elle avait apporté la maquette, préparée à Luanda.

En cette fin d'année, elle prépare aussi la sortie d'un moyen format prévue pour janvier prochain. Un répertoire conséquent qu'elle peaufine sur les scènes parisiennes, ravies de découvrir son style fusion aux racines de marrabenta et d'afro-jazz mozambicains conjuguées aux rythmes d'afropop.

Assa Matusse utilise à merveille son meilleur instrument, sa voix chaude et puissante. Polyglotte et fascinée par les langues, elle chante en changana, en portugais, en français, en anglais et bientôt, promet-elle, en mandarin. 

Après des années passées dans l'ombre de chanteurs et de rappeurs, le batteur Veeko s’émancipe et dévoile son premier album solo, House of birds. Un disque centré sur la batterie peut intriguer, mais c’est précisément ce que recherche l’artiste. 

Ce musicien français d'origine congolaise entend placer son instrument au cœur du discours musical : non plus simple accompagnateur de mélodies, mais véritable voix et leader à part entière, capable de porter seul l’expression artistique.

« J'essaye de servir la musique du mieux possible. Comme je le dis souvent, je joue avec mes émotions. J'essaye en tout cas de parler avec ma batterie : il y a un tapis de musique, et c'est la batterie qui s’exprime. On a souvent l'habitude qu’elle soit un soutien rythmique, le groove. Dans mon album, il y a aussi du groove, mais j'ai voulu travailler différemment : avec des couches de batterie, pas une seule ; avec de l’électronique et de l’acoustique. J’ai essayé de mélanger toutes mes influences et la musique actuelle, dans la façon de délivrer mon message avec une batterie » explique-t-il.

Ses influences, Veeko les puise aussi bien dans le hip hop et le jazz que dans les musiques africaines. Notamment dans le seben, cette section instrumentale aux rythmes dansants qui conclut souvent les morceaux de rumba congolaise et en constitue la partie la plus festive.

À ses débuts, Veeko baignait surtout dans la pop, le rock et le hip hop. Mais à 15 ans, son entrée dans une école de musique l’ouvre au jazz et transforme son rapport à l’instrument. Il découvre une autre manière de toucher sa batterie, de la « caresser » même, loin du cliché d’un instrument brutal sur lequel on ne fait que taper.

Il s'inspire de Jeff Porcaro, batteur du groupe californien Toto aussi présent sur l'album Thriller de Michael Jackson, et de Questlove, batteur de D'Angelo. Le premier lui apprend à se placer dans la musique sans jamais trop en faire, et il prend chez le second un certain sens du groove, une manière de se placer devant ou derrière le rythme. Aujourd'hui, il s'est aussi rapproché des musiques électroniques, notamment de sonorités tribales entendues en club, très percussives et dansantes, qui collent bien à son instrument.

« J'avais envie d'emmener mon auditeur en voyage. Les sonorités tribales, un peu brutes, pour moi, c'est un voyage en Afrique. C'est même un voyage dans le temps, à une époque où la musique percussive était la star. Dans la musique tribale, il y a quelque chose de l'ordre de l'organique, du corps, une émotion qu'on n'a pas l'habitude de vivre. Se focaliser sur un rythme, un tempo, laisser une boucle rythmique se répéter pendant plusieurs minutes, ça vous emmène dans une transe différente. Et j'avais envie d'emmener mon auditeur là-dedans. » raconte-t-il.

S’il a déjà collaboré avec Georgio, Aloïse Sauvage ou encore Pharrell Williams, sur ce disque, Veeko s’est entouré d’amis : le saxophoniste Ferdi, le pianiste Sofiane Pamart, mais aussi le chanteur Lossapardo… Autant de jeunes artistes de la nouvelle scène française, qui repoussent les limites de leurs instruments et de leurs voix.

Ensemble, ils dessinent un voyage hybride, entre jazz et électro, des racines tribales jusqu'aux horizons futuristes.

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Le grand oudiste tunisien, Dhafer Youssef, revient avec un douzième album empli de grâce et d'amour. Une ode à son épouse, Shiraz Fradi, qui a survécu à la maladie. L'épreuve a inspiré à Dhafer Youssef, l'un de ses albums les plus intimes et les plus réussis. 

« Les histoires d'amour finissent mal en général », chantait la française Catherine Ringer en son temps, mais celle de Dhafer Youssef et de son épouse Shiraz Fradi finit bien, pour le plus grand bonheur des amateurs de la musique du génial oudiste.

Shiraz, le douzième album studio du musicien tunisien, est une ode à la résilience autant qu'à l'amour, un hommage à l'épouse de Dhafer Youssef qui a survécu à un cancer. Deux années d'épreuves durant lesquelles le oudiste a accompagné sa femme, la soutenant parfois, oud à la main, dans sa chambre d'hôpital. De cette maladie qui aurait pu les séparer, Dhafer Youssef tire une musique qui les rapproche et leur ressemble. Un album dans les compositions subtiles et toujours aussi élaborées du musicien subliment la douleur et transcendent les épreuves. 

On retrouve sur Shiraz les ingrédients habituels de la musique de Dhafer Yousser, une inspiration soufie mâtinée de zikr, le tout à l'aune des musiques maqom du monde arabo-persan avec une influence venue d'Inde, dont les rythmes ont toujours charmé celui qui a longtemps fait ses classes dans les clubs de jazz autrichiens pour avoir longtemps vécu à Vienne. 

Pour cet album, Dhafer Youssef s'est entouré d'une jeune génération de musiciens. Citons le pianiste Daniel Garcia, le trompettiste Mario Rom, le bassiste Swahéli Mbappé, fils d'Etienne Mbappé dont la réputation de batteur n'est plus à faire. Enfin, la batterie est tenue par Tao Ehrlich, le fils du multi-instrumentiste Loy Ehrlich

Depuis la scène nantaise jusqu’aux festivals français et internationaux, TribeQa incarne avec éclat la fusion afro soul jazz hip-hop. Les quatre musiciens conjuguent leurs talents dans une alchimie singulière : le balafon chromatique de Josselin Quentin, la guitare acoustique d’Etienne Arnoux, la batterie de Julien Ouvrard et la voix envoûtante de Malou Oheix, également au synthé basse. Le groupe fait voyager son répertoire entre jazz, soul, hip-hop et musiques africaines, porté par des refrains multilingues en anglais, français, espagnol ou dioula.

TribeQa revient avec Sumu (« la réunion » en dioula), un quatrième opus magistral qui confirme l’identité unique du collectif : un dialogue vibrant entre les racines africaines, l’élan du jazz et la puissance du hip-hop. À travers les dix morceaux de l’album, on parle tantôt de célébration (« Life »), de famille (« Family »), de création (« Artist »), de lieux inspirants fréquentés par Josselin lors de ses pérégrinations en Afrique de l’Ouest (« Grand Bassam » pour la Côte d’Ivoire et « Secteur 22 » au Burkina Faso).

Sur cet album, les invités prestigieux apportent leur souffle et leur singularité : le flûtiste Magic Malik, véritable légende du jazz contemporain ; Mr J. Medeiros, rappeur californien ; le rappeur Blacc El des Dafuniks ainsi que le rappeur burkinabé Wamian Kaïd ; les griottes et griots modernes Fatoma Dembele, Fanta Dembele, Maryam Diabaté et Dramane Dembele, qui ancrent le disque dans les terres rouges du Burkina Faso et de la Côte d’Ivoire.

Sacrée musique et musique sacrée, voilà ce que propose Drama on the corner sur son deuxième EP, Orixa. Une musique fusion qui rend hommage aux ancêtres d'Adrien de Araujo, compositeur et pianiste de DOTC, mais aussi aux influences de soulful house, genre qu'affectionne le batteur Gérald Portocallis, l'autre pilier du groupe. 

Pour son deuxième moyen format, Drama On The Corner, combo formé en 2016 par Gérald Portocallis et Adrien de Araujo, emporte les auditeurs vers les terreiros, les temples de la religion candomblé de Salvador de Bahia. Une réminiscence ancestrale pour Adrien de Araujo. « Orixa, ce sont mes racines. Je descends d'une tribu amazonienne, les Guajajara, et toute cette culture des orichas est très présente dans la culture populaire. » 

Ce rapport entre musique et religion se retrouve aussi dans les compositions du batteur Gérald Portocallis. Le jazzman, porté sur la philosophie (qu'il enseigne par ailleurs) trouve le sens du sacré dans la musique house, en particulier la souful house qui selon lui participe à une forme de quête du sacré.

Orixa n'est pas pour autant un album mystique. Le duo y travaille la signature musicale inaugurée sur son premier EP, sorti l'an dernier, Conceptions. Cette fois-ci, les musiciens ont introduit dans leur temple musical quelques grands noms du jazz-fusion. Citons l'élégante Ladybird, adepte du jazz-house des années 2000, ainsi que le trompettiste Robin Mansanti et le percussionniste Gaël le prince Caetano.

C’est l’histoire d’une rencontre : celle de Zal Sissokho et Laurent Perrault-Jolicoeur, de la kora et de la contrebasse. Les deux compositeurs et musiciens sortent un disque commun, Racines. Un dialogue tissé à travers onze morceaux, conçus comme une conversation vivante entre l'Afrique de l'Ouest et l'Amérique du Nord.

Le griot sénégalais Zal Idrissa Sissokho, virtuose de la kora originaire de Kolda, et le contrebassiste de jazz montréalais Laurent Perrault-Jolicoeur, forment un duo évident. Ensemble, ils explorent la puissance du dialogue musical entre leurs deux instruments, déjà, mais aussi plus largement entre leurs deux continents.

Zal Sissokho se souvient : « Mes arrière-grands-pères et mes grands-pères disaient que les feuilles du baobab se trouvent en Amérique, mais que le tronc d'arbre et les racines se trouvent en Afrique. Alors, c'est une rencontre de cultures qui, en réalité, sont la même chose. Le jazz et la musique africaine se croisent, quelque part. »

Dans cet album, les musiques mandingues se fondent avec fluidité dans le jazz, ou peut-être est-ce l’inverse ? Cette fusion prend racine(s) dans l’héritage de Zal Sissokho, mais aussi dans l’univers musical dans lequel a grandi Laurent Perrault-Jolicoeur. Depuis l’enfance, il baigne dans les sonorités d'Ali Farka Touré, Oumou Sangaré, Salif Keita et se nourrit des musiques d’Afrique de l'Ouest et du Nord. Parmi ses influences majeures figurent la kora de Toumani Diabaté, la guitare du groupe de blues touareg Tinariwen, ou encore le jeu du compositeur et oudiste tunisien Anouar Brahem.

Alors pendant sa formation en jazz, il a naturellement cherché à faire le lien avec ce que Zal Sissokho qualifie de « musique mandingue tradi-moderne » ; à la fois ancrée dans les racines ancestrales, mais aussi ouverte à la transformation des rythmes et des traditions pour mieux les faire évoluer.

« Nos grands-parents ont composé des milliers et des milliers de morceaux depuis les XIe, XIIe, XIIIe siècles. C'est un répertoire que nous devons jouer, rejouer, encore et encore. Nos enfants le rejoueront aussi. Je ne peux pas interpréter un morceau exactement tel que mon arrière-grand-père le jouait. J’y apporte ma touche : soit je le joue dans une autre tonalité, ou alors, j'ajoute une corde de plus... Donc le morceau évolue à chaque fois. » explique Zal Sissokho.

Même si la démarche consiste à s’éloigner du passé pour mieux le réinventer, le koriste choisit de garder ses langues maternelles pour chanter : le malinké et le wolof. Il invite également sa cousine, la griotte malienne Djely Tapa, à chanter sur plusieurs morceaux. Leurs mères sont originaires d'un village près de la colline de Kita-Kourou au Mali. Les deux griots se sont ensuite retrouvés à Montréal il y a 20 ans, et collaborent notamment sur le titre « Sagesse ».

Pour compléter le groupe, à la batterie, on retrouve l'Ivoirien Donald Dogbo. Tous ensembles, ils oscillent entre rythmes traditionnels, improvisations complices et envolées mélodiques. Avec au centre de cette traversée musicale : la rencontre lumineuse entre l'élégance de la contrebasse et la poésie intemporelle de la kora.