Ce jeudi 26 juin 2025, Queen Rima est en concert au New Morning à Paris. Lauréate du Prix Découvertes RFI 2025, la chanteuse que l'on surnomme également « Queen of dancehall » est la première femme guinéenne à faire du dancehall, un genre habituellement masculin. Son portrait en musique.

Le Mozambique célèbre ce 25 juin 2025 le cinquantième anniversaire de son indépendance, après près de cinq siècles de domination portugaise. Ce tournant historique s’est accompagné d’une affirmation culturelle forte, notamment à travers le marrabenta, genre musical originaire du pays.

Né dans les années 1930, le marrabenta devient la bande-son de cette nouvelle ère. Son nom dérive du portugais « rebentar » (« casser »), en référence aux cordes de guitare souvent brisées, témoignant des conditions précaires des musiciens. Ce style mêle diverses influences africaines, dont le soukous congolais et le highlife ghanéen, et se caractérise par des mélodies simples et entraînantes.

L’Orchestra Marrabenta Star de Moçambique incarne ce mouvement musical durant la transition post-coloniale. Ses textes, bien que souvent joyeux dans le rythme, abordent des thèmes tels que la lutte, la pauvreté et les inégalités sociales. Parmi les artistes ayant contribué à la renommée du marrabenta, figure Sam Mangwana, crooner congolais né de parents angolais, qui mêle ce genre à la rumba dans « Mocambique Oyé », chantée en portugais.

À Maputo, le marrabenta reste vivant, soutenu par des festivals et une nouvelle génération d’artistes qui l’intègrent à des sonorités électroniques. Malgré la concurrence du hip-hop, ce style conserve une place majeure dans la scène musicale mozambicaine. L’indépendance du Mozambique, également marquée par une reconnaissance internationale, a inspiré des hommages, comme celui du célèbre songwriter américain Bob Dylan en 1976 avec une chanson portant le nom du pays.

Le nouvel album de la musicienne et chanteuse Léonie Pernet s'intitule Poèmes pulvérisés, référence à un recueil de poèmes du résistant français René Char. Elle navigue entre poésie et politique dans cet opus profondément influencé par le Niger et sa récente rencontre avec sa famille paternelle.

René Char écrivait : « J'ai pris ma tête comme on saisit une motte de sel, et je l'ai littéralement pulvérisée ». Cette phrase bouleverse Léonie Pernet qui voit en ce geste radical d'écriture une source d'inspiration profonde. À son tour, la musicienne pulvérise formes, identités et langues, pour faire voler en éclats toutes les frontières. Pour elle, nos identités sont fragmentées, mais partagent également des points communs. Reste à s'interroger : que faire de ces fragments épars pour se construire et faire société ?

« L’idée de Poèmes pulvérisés était de penser la question du fragment » explique la musicienne. « À l’intérieur même des morceaux, et dans leur essence. Il s’agit aussi de pulvérisations intimes. Dans l’album, certains titres sont des fragments d'expériences passées : un morceau écrit pour une pièce de théâtre, un autre pour la série H24, autant de morceaux qui racontent les trois dernières années qui se sont écoulées ».

Le résultat est un album de onze titres riches et variés, mêlant musique électronique et de pop française. Léonie Pernet y fusionne instruments classiques, percussions traditionnelles africaines, influences arabes, avec une orchestration hypnotique où dominent les synthétiseurs, violons et percussions.

Poèmes pulvérisés est le récit d'une quête intime, marquée notamment par un voyage au Niger il y a trois ans, lors duquel Léonie Pernet a rencontré sa famille paternelle. Cette rencontre avec celles et ceux qui la précèdent, véritable séisme personnel, inscrit désormais son œuvre à la croisée des continents : entre la Marne de son enfance et les déserts du Niger, pays omniprésent dans l'album. Dans le titre « Nymphéas » elle intègre des extraits des voix de sa tante et de sa grand-mère nigériennes. L'hymne entêtant « Touareg » célèbre la joie d'avoir retrouvé ses racines, son attachement profond aux couleurs et aux sons du Niger.

Cet album, écrit avec un pied au Niger, s'inscrit aussi dans une démarche politique. Léonie Pernet y évoque l'accueil des migrants et la justice sociale. Fidèle à son engagement, elle appelle inlassablement à la paix et à un sursaut collectif dans un monde en crise, comme elle le faisait déjà dans son précédent opus, Le Cirque de consolation.

Regard tourné vers l'avenir, la musicienne ne perd pas foi en l'humain et se place du côté de l'espérance, notamment dans le titre « Réparer le monde ». Elle raconte : « J'ai composé ce morceau alors que les images de Gaza défilaient sans cesse sur nos téléphones. Il y avait énormément d’agitation sur les réseaux sociaux. Tout le monde se déchirait, et moi, je ne disais rien. J’étais sidérée, étouffée, prise à la gorge. Quand je sens trop d’injonctions, j’ai besoin de faire un pas de côté, de savoir ce que je ressens, ce que je pense, bref, de réfléchir. Ce morceau a été composé dans cette grande tristesse, et en même temps, c'était un élan de consolation, un élan vital. » 

À lire aussiLéonie Pernet: réparer le monde, avec «Poèmes pulvérisés»

Poèmes pulvérisés est une ode à nos identités plurielles et fragmentées, une invitation à la réconciliation collective et à la réparation du monde où la poésie s'affirme comme une force politique. Le récit d'une quête intime qui, paradoxalement, touche chacun d'entre nous.

Le concert donné par le pianiste Keith Jarrett en janvier 1975 à Cologne en Allemagne a marqué les mémoires. Avec plus de 3,5 millions d'exemplaires vendus, l'enregistrement de cette prestation entièrement improvisée a battu les records pour un disque de piano solo. Un film, Au rythme de Vera, qui sort en salles cette semaine, raconte l'organisation de ce concert devenu culte.

Le concert de Cologne donné par Keith Jarrett aurait bien pu tourner au fiasco. Dans son film Au rythme de Vera, le réalisateur Ido Fluk s'intéresse à la personne qui l'a organisé, une jeune Allemande de 18 ans, Vera Brandes. Elle a dû affronter mille tourments pour organiser le concert du prodige américain du piano à l'Opéra de Cologne en 1975.

Keith Jarrett, à l'époque âgé de 29 ans, arrive épuisé dans la ville. Il commence par refuser catégoriquement de jouer, car le 1/4 de queue installé sur scène n'est pas l'instrument qu'il avait demandé. Il finira par accepter... La salle, comble, retient son souffle. Et il commence par cinq notes : sol ré do sol la. C'est le motif musical annonçant le début de chaque concert donné à l'Opéra de Cologne.

Pendant plus d'une heure, il va donc donner libre cours à la musique, brodant sur ce motif, navigant entre jazz, baroque, folk. C'est l'inconscient qui guide ses mains. Keith Jarrett, virtuose du piano, a commencé à l'étudier à 3 ans avec sa mère musicienne. Il donne son premier concert à 7 ans, et devient musicien professionnel à 10 ans.

L'improvisation pour lui, c'est comme : « être inondé de propositions qui traversent le corps ». Et d'ailleurs, il chante sur scène, comme s'il était en transe.

On l'entend chanter, mais en revanche, il ne supporte pas d'être perturbé par des sons parasites extérieurs. Il a déjà pu interrompre un concert parce qu'une personne du public avait toussé par exemple. Ce qui lui vaut une réputation de star capricieuse ou mégalomane. Mais ce qui émane de lui résulte de l'atmosphère et de l’ambiance qu’il y a dans la salle...

Keith Jarrett s'est formé aux côtés des plus grands. Le trompettiste Miles Davis lui a proposé plusieurs fois d'intégrer sa formation qu'il finira par rejoindre avant de créer la sienne, puis de se produire seul dans les salles du monde entier.

Son jeu, très libre, nourri de diverses influences, a fasciné les grands noms du jazz. Avec sa coupe afro et son teint mat, on le prenait pour un Afro descendant. « Tu dois forcément être noir » lui a dit un jour le saxophoniste Ornette Coleman. « J'y travaille » lui a répondu Keith Jarrett, aux origines écossais et hongroises.

Vingt-quatre ans après sa disparition, Francis Bebey, icône de la musique moderne camerounaise des années 70, revient sur le devant de la scène avec une compilation inédite : Trésor Magnétique. Ce recueil, publié par le label Africa Seven le 23 mai 2025, exhume vingt titres rares, témoins d’une carrière avant-gardiste sans cesse renouvelée et hors normes.

Les bandes inédites de Trésor Magnétique, c'est Patrick Bebey, fils de Francis Bebey et lui-même immense musicien qui les a retrouvés. Leur restauration minutieuse dans le mythique studio Abbey Road redonne vie à ces enregistrements uniques qui mêlent poésie, expérimentations et mélodies sans âge. Parmi ces pépites, le morceau « Quand le soleil est là » illustre parfaitement sa capacité à transcender les modes, les époques et les frontières musicales.

Né dans une famille camerounaise ancrée dans la tradition pastorale, Bebey s’est imposé comme un pionnier d’une musique africaine globalisée. Journaliste, romancier, fonctionnaire à l’Unesco, il a aussi inventé un univers sonore mixant instruments traditionnels, flûte pygmée, sanza et technologies émergentes telles que synthétiseurs et boîtes à rythmes, préfigurant une forme de house organique avant l’heure.

Avec vingt-cinq albums d'un éclectisme cosmopolite hallucinant à son actif, Francis Bebey a fusionné jazz, musiques ancestrales et électronique, comme en témoigne « Where Are You ? I Love You », un voyage sonore entre tradition et modernité. Il a également exploré les contrées du psychédélisme pour raconter des histoires ou satire sociale et audace musicale se rencontrent.

En 1976, avec « La Condition masculine », il signe un morceau incisif, un pastiche mordant des mâles en crise face à l’émancipation féminine, dans un contexte social marqué par la création du secrétariat d’État à la condition féminine en France, trois ans auparavant. Ce titre, acclamé à Douala comme à Paris, illustre l’esprit critique et le talent de l’artiste à mêler engagement et innovation.

Trésor Magnétique révèle un Francis Bebey, traditionaliste de naissance, futuriste par essence. Cette compilation confirme que son œuvre continue de résonner, portée par un souffle créatif intemporel qui fait de lui une légende toujours vivante de la musique africaine. Il y a des voix qui ne s'éteignent jamais. 

Le groupe Draga, tout nouvellement formé, sort son premier album Ô Guérillères. Une œuvre musicale largement inspirée des textes de la militante féministe française Monique Wittig. Le collectif propose un hommage vibrant à son roman Les Guérillères publié en 1969, mis en musique et porté à la scène par cinq artistes.

À l’origine de cette formation, une rencontre artistique explosive entre cinq artistes : Lucie Antunes à la batterie et aux percussions, P.R2B à la guitare, Théodora Delilez à la basse, Narumi Herisson aux claviers, et Anna Mouglalis à l'interprétation parlée et chantée du texte Les Guérillères de Monique Wittig.

Moins d’une année seulement s’est écoulée entre la volonté de monter ce projet et la sortie de l’album, tant chacune ressentait l’urgence de partager ce message fort. « Au moment où on travaillait sur ce projet, il y avait le procès Pelicot en parallèle. Franchement, ça a tellement résonné en nous » confie Lucie Antunes. « La semaine où on a enregistré, on a vécu des moments de rires, de joies, de pleurs, d'émotions, c'était très fort. Et Monique Wittig était là, ça a l'air complètement fou, mais on a vraiment ressenti sa présence, chacune à notre manière. On s’est beaucoup demandé ce que ça aurait changé si on avait étudié ses textes à l'école ». 

Dans Les Guérillères, Monique Wittig décrit la vie d’une communauté de femmes unies contre le patriarcat. Elles imaginent une nouvelle société, où elles prennent le pouvoir et instaurent une solidarité féminine radicale. Ce roman, œuvre clé du féminisme lesbien, mêle colère, humour et surtout l’invention du possible. On y revisite la violence de celles qui se battent pour la liberté et l’égalité, rythmé par la répétition de deux mots : « Elles disent », symboles d’une nouvelle langue où le féminin l’emporte.

« Monique Wittig revendique depuis toujours le fait qu'on soit enfermées – en tant que femmes – par le langage, puisque le masculin l'emporte sur le féminin » explique l'interprète Anna Mouglalis. « Et dans Les Guérillères, Monique Wittig fait exister le féminin pluriel comme universel. C’est extraordinaire. »

Sur Ô Guérillères, la musique dépasse largement le simple rôle d’accompagnement du texte. Draga navigue entre des ambiances rock, garage, punk. Son inspiration puise dans le groupe lesbien The Organ et leur unique album Grab That Gun. Mais aussi chez la chanteuse canadienne Peaches, l’artiste britannique PJ Harvey, ou encore le compositeur américain Steve Reich, notamment pour son approche de la musique répétitive.

Le résultat ? Un son puissant et précis, où chaque musicienne apporte sa force sans chercher à dominer, le tout sublimé par la voix d’Anna Mouglalis, à la musicalité explorée à son maximum.

Le premier album de Draga est une œuvre à découvrir sur scène, où toutes les musiciennes sont placées côte à côte, sans hiérarchie, preuve de leur force collective. Leurs concerts, moments d’écoute attentive et de joie partagée, sont une invitation à être ensemble, en harmonie et en résistance.

À écouter aussiMusique : Draga redonne vie aux mots de la militante féministe Monique Wittig

La rappeuse britannique Little Simz a sorti son sixième album Lotus le 6 juin 2025. À 31 ans, l’artiste originaire de Londres également comédienne et de descendance nigériane, signe son projet le plus ambitieux et personnel. Déjà salué par la critique, ce nouveau disque confirme son statut de figure majeure du rap anglais contemporain.

Depuis ses débuts en 2015, Little Simz n’a connu aucun faux pas discographique. Son travail a même été reconnu par plusieurs distinctions prestigieuses en Angleterre, dont le Mercury Prize et les Brit Awards. Mais Lotus marque un tournant. Plus dense, plus ouvert et plus radical, il dépasse les frontières habituelles du hip hop.

Composé de 13 titres, l’album explore une large palette musicale, mêlant soul, jazz, folk, afrobeat, mais aussi des influences pop et rock. Sur « Flood », l’une des pistes les plus marquantes, elle s’associe au chanteur Obongjayar, lui aussi anglo-nigérian, pour un morceau aux sonorités hybrides. Les rythmiques martiales y côtoient les basses d’inspiration punk dans une production soignée et percutante.

Mais Lotus est aussi traversé par une colère intime. La rappeuse y règle ses comptes après avoir découvert que son collaborateur de longue date, le producteur Inflo, lui aurait détourné deux millions d’euros. Une procédure judiciaire est en cours. Dans « Thief », elle aborde frontalement cette trahison, un titre tendu et cash.

En s’inspirant de la no wave, un mouvement musical minimaliste né dans le New York des années 1970, Little Simz ancre son récit simple dans les réalités sociales britanniques. Elle y évoque la vie dans les quartiers populaires, les héritages culturels et les parcours des enfants d’immigrés. Sur « Lion », elle met en avant son lien avec le Nigéria, dans un hommage vibrant à ses origines et à l’afrobeat de Fela Kuti.

Lotus est un album exigeant, libre et puissant qui atteste de l’évolution artistique d’une musicienne qui continue de repousser les limites du genre, sans céder sur l’intégrité de son propos.

À lire aussi«Paradise Now»: Obongjayar livre un album pop aux influences afrobeat

Little Simz sera en concert au Zénith de Paris le 30 septembre 2025.

C’est l’un des groupes les plus baroques du rock américain. Les Sparks signent leur 28e album, en plus de 55 ans de carrière : Mad ! Culte pour beaucoup de musiciens, le groupe venu de Los Angeles a collaboré et influencé de très nombreux artistes avec son mélange de rock et de voix proches de l'opéra. Le duo est-il vraiment devenu « fou », comme il l’annonce sur la pochette de son disque ? Ou bien est-ce une fausse idée ? 

Les deux frères, Ron Mael, moustache et tenue à la Charlie Chaplin, qui est au clavier, et Russell Mael, le chanteur à la voix perchée, le disent tout haut : ils font les choses à leur manière !  Les Sparks, c'est une très longue carrière. En plus de 55 ans, ils sont passés par tous les styles et ont influencé Queen, Sonic Youth, ou les Rita Mitsouko, groupe avec lequel ils ont signé « Singing in the Shower ».

Les Sparks se sont formés en 1968. Ils se sont fait connaître au milieu des années 1970 en Angleterre, avec le « glam », ce rock avec des paillettes, qui joue de la confusion des genres entre masculin et féminin. Il s'agit de celui de David Bowie dans sa période « Ziggy Stardust ».  

Ils sont ensuite passés par le disco, collaborant avec le célèbre producteur italien Giorgio Moroder. Parmi les tubes qui les ont rendus célèbres en France, il y a « When I’m With You » paru en 1980.

Mais pour ce Mad !, les Américains font ce qu’ils savent faire de mieux, des chansons avec un bon grain de folie, avec des voix d’opéra entrelacées et puis des claviers bien dissonants. Certains titres rappellent d'ailleurs la BO du film Annette de Léos Carax, qu’ils ont signée.

À près de 80 ans pour Ron, et 78 ans pour son frère, Russell, les Sparks restent des têtes chercheuses. Mais ce qui fait la différence, ce sont aussi leurs textes. Des histoires avec de drôles détails, comme dans le morceau « My Devotion », c'est-à-dire ma dévotion, en français. 

Les Sparks sont peut-être américains, mais ils ont un humour anglais, parfois loufoque. « My Devotion » évoque le sort d’un personnage, certes plein de dévotion, mais qui, c'est malheureux, ne paie pas son loyer ! Hé oui, c’est comme ça la vie chez les Sparks !  

Par contre, le duo n’apprécie guère le président américain, Donald Trump. Parmi les dévotions excessives des Sparks dans ce titre, on trouve le fait d’être dévoué à son pays, à Dieu, ou à un drapeau. À bon entendeur…

► L’album Mad ! des Sparks est déjà disponible chez tous les bons disquaires ou sur les plateformes de streaming.  Le duo entame une tournée européenne, qui débute par l’Angleterre. Il passera le 30 juin par la Salle Pleyel à Paris.

Direction le Malawi avec deux musiciens considérés comme les prophètes de leur pays : Yosefe Kalekeni et Yobu Maligwa. Réunis sous le nom de Madalitso Band, ils viennent de sortir leur troisième album Ma Gitala. Huit titres mêlant voix et guitare dans un style ancré entre tradition, transe, groove et gospel.

Deux ans après avoir fait irruption sur la scène musicale hexagonale avec le titre  « Bécane », devenu viral en 2023, Yamê passe la vitesse supérieure. Ce 13 juin 2025, l’artiste franco-camerounais publie Ébēm, son tout premier album. Quatorze titres denses, personnels, sans esbroufe, qui marquent une nouvelle étape dans une trajectoire déjà implacable, marquée par deux EP de haut vol.

À 32 ans, Yamê n’a pas emprunté la ligne droite. D’abord gestionnaire de données data, diplômé d’histoire ensuite, il bifurque pour la musique. Une reconversion assumée, qu’il mène en autodidacte dans les clubs parisiens la nuit. C’est là, qu’il forge sa voix de tête magnétique si reconnaissable et une présence habitée sur scène  qui ne tardent pas à faire mouche.

Le tournant arrive en 2023. Son titre « Bécane » explose sur les réseaux, propulsant Yamê dans la cour des grands de manière inattendue. Internet s’emballe, le public suit, les professionnels aussi. Un an plus tard, il est sacré Révélation masculine aux Victoires de la musique. Le parcours s’accélère, mais l’artiste prend le temps de poser ses fondations. Ébēm en est le fruit.

Ce premier album est pensé comme un journal intime presque à fleur de peau. Quatorze titres denses, introspectifs, traversés par une quête de sens. Dès l’ouverture, la voix de son père, musicien lui aussi, fixe le cadre : « Ébēm, c’est un lieu sacré où les gens se rencontrent pour apprendre des choses avec les anciens. » Le ton est donné. Il est question de transmission, de mémoire et d’identité.

Né en banlieue parisienne, il a grandi entre la France et le Cameroun. Yamê raconte une existence à cheval entre deux cultures. Un tiraillement qui irrigue l’album. Sur « Shoot », il évoque sans fard sa consommation de psychotropes. Sur « Solo », il crie son besoin de se recentrer, de trouver une place dans un monde qui l’étouffe parfois. Une quête de cohérence plus que de succès.

Musicalement, Ébēm navigue entre chanson française, jazz, blues et rap. Une hybridation maîtrisée et soutenue par un ancrage africain revendiqué. Ce mélange tient autant à l’instinct qu’à l’héritage. Mais Yamê s’impose surtout par sa voix, à la fois fragile et puissante.

Ébēm est de ces albums rares qui parlent au présent sans renier le passé. Une œuvre sincère, à rebours des effets de mode, où chaque morceau semble répondre à une nécessité intérieure. Un premier album abouti d’un jeune artiste déjà éclairé.

Yamê sera en concert à l’Olympia pour la fête de la musique le 21 juin 2025 et  entamera une tournée en France et en Europe à partir du 25 octobre.

Retrouvez Yamê dans la Playlist officielle de RFI.