Le Pitch Série

Mis à jour le 23 décembre 2024 :

Après avoir fait son tour sur Paramount+, voici que Zorro sous les traits de Jean Dujardin arrive sur france.tv, avec les épisodes à découvrir gratuitement sur la plateforme ou en linéaire à partir de ce soir 21h10 pour quatre semaines.

En 1821, Don Diego de la Vega devient maire de sa bien-aimée ville de Los Angeles qu’il compte bien faire prospérer. Cependant, la municipalité est confrontée à des problèmes financiers du fait de l'avidité d'un homme d'affaires local. Diego n'a pas fait appel à son double Zorro depuis vingt ans. Mais, au nom de l’intérêt général, il n'a plus d'autre choix que de ressortir son masque et son épée. Très vite, Diego va rencontrer des difficultés à concilier sa double identité de Zorro et de maire, ce qui met à rude épreuve son mariage avec Gabriella, qui ignore son secret.

Article publié le 5 septembre 2024 :

Los Angeles, Haute-Californie en 1821. Voilà bientôt 20 ans que Don Diego de la Vega a remisé son costume de Zorro au placard. Marié à Gabriella, il vit une relation monochrome ternie par un quotidien qui a érodé leur passion. Ainsi passent ses jours qui se suivent et malheureusement se ressemblent. Mais lorsque son père, alcade de la ville, décède, Don Diego hérite d’une cité qui prend l’eau, lestée par de nombreuses dettes et un esclavagisme flagrant mené sans vergogne par Don Emmanuel. Afin de redresser la barre et redonner leur liberté aux autochtones, il n’a d’autre choix que de ressusciter son pendant masqué pour le plus grand plaisir de son fidèle compagnon, Bernardo. La série éponyme de 8 épisodes, à voir sur Paramount+, signe le retour à la pointe de l'épée (et à la télé) de Zorro dans une comédie aiguisée, portée par une galerie d’acteurs qui portent haut les couleurs de personnages emblématiques.

Vouloir redonner vie à un personnage emblématique comme Zorro, déjà maintes fois revisité, n’est jamais chose aisée ! Il s’agit de respecter le cahier des charges initial afin de ne pas dénaturer une figure qui fait partie du patrimoine culturel français, voire international, tout en insufflant une part significative d’originalité pour éviter le piège du « déjà-vu ». Et dans cette entreprise délicate, Benjamin Charbit et Noé Debré, les deux scénaristes de cette nouvelle série à retrouver sur Paramount+, ont choisi d’offrir une version humoristique qui prend ses racines dans un anachronisme délicieux et une mise en abyme constante des personnages que l’on voit analyser en temps réel la situation – souvent ridicule – dans laquelle ils se trouvent. Des personnages, d’ailleurs, très en avance sur leur temps, qui font naître avec ce décalage des scènes absolument ubuesques. Ainsi, on peut voir le sergent Garcia (Grégory Gadebois) lire une lettre de griefs à Zorro (Jean Dujardin qui n’est jamais très loin de son personnage d’OSS) expliquant le travail qu’il a dû effectuer sur lui-même pour trouver son « zen » suite aux railleries subies par le héros masqué vingt ans auparavant. Ou encore Audrey Dana, excellente en Gabriella de la Vega, qui se lance dans un monologue sur les raisons qui l’ont poussée à embrasser Zorro alors que celui-ci est en plein combat.

Un Zorro toujours sans peur et sans reproche malgré des difficultés initiales à maîtriser son fameux Z qu’il signe de son épée ou à rentrer dans son costume, qui s’oppose à un Don Diego de la Vega naïf, vivant dans l’ombre de son père, Don Alejandro (joué par André Dussollier). Un contraste de personnalité que Jean Dujardin maitrise sans effort, mais qui, sur le long terme, devient quelque peu mécanique. Pour autant, cette nouvelle version de Zorro (à ne pas confondre avec la fiction espagnole plus sombre, avec Miguel Bernardeau, acteur d'Elite, sortie il y a quelques mois) est une série d’excellente facture — grâce également aux performances d’Éric Elmosnino, génial en « méchant » grandiloquent, appâté par le gain, et de Salvatore Ficarra qui habite avec maestria le rôle muet de Bernardo – une fiction qui ne se prend pas au sérieux et parvient à dépoussiérer l’image d’un héros légendaire.

Retrouvez les 8 épisodes de 45 minutes de Zorro sur Paramount+ vendredi 6 septembre et à une date ultérieure sur France 2.

Voici l'occasion de (re)découvrir les aventures des familles Bouley et Lepic, et de retrouver leurs problématiques familiales et éducatives toujours aussi actuelles ! Les premiers sont une famille recomposée dont les parents prônent le dialogue et l’éducation positive. Une philosophie plutôt attirante sur le papier, mais parfois compliquée à respecter dans les faits. Les Lepic, eux, représentent une vision plus traditionnelle de l’éducation basée sur l’autorité, le travail et la réussite scolaire. Mais là encore, leurs velléités sont quelque peu contrariées par la réalité. Si, à première vue, tous les opposent, les deux familles, et surtout les parents, vont se rapprocher et même devenir amis, unis par un thème universel : les enfants. Dans le double épisode, intitulé On va marcher sur la lune, qui reprend l’intrigue cinq ans après le dernier chapitre, les parents Lepic et Bouley semblent quelque peu s’ennuyer. Fabienne s’improvise autrice de romans érotiques, Renaud est mis en pré-retraite, Denis cherche toujours sa voie professionnelle et Valérie est devenue complotiste. Pour les sortir de cette torpeur, leurs enfants respectifs les inscrivent à un concours leur permettant de gagner un voyage sur la lune !

france.tv propose gratuitement les 9 saisons de Fais pas ci, fais pas ça et diffuse le 18 décembre l'épisode inédit XXL à suivre dès 21h05 sur France 2.

Créée par Anne Giafferi et Thierry Bizot, Fais pas ci, fais pas ça est une série humoristique qui a profondément marqué le paysage audiovisuel français. Par son aspect comique évidemment, né entre autres des visions éducatives opposées des deux familles. Grâce à sa longévité également : la série affiche 68 épisodes au compteur (plus le nouveau chapitre inédit) pour 10 ans d’existence, la diffusion sur France 2 s’étalant entre 2007 et 2017. Une longévité qui a permis au public de suivre l’évolution des Lepic et des Bouley : la croissance des enfants, le besoin d’entretenir son couple, l’épanouissement personnel, les errances et les succès professionnels. Des préoccupations du quotidien dans lesquelles chacun peut se retrouver. Et c’est justement cette proximité qui a contribué au succès de Fais pas ci, fais pas ça. En abordant avec justesse et sensibilité des thématiques telles que l'éducation, l'adolescence, les relations familiales et amicales, la fiction s’est faite la porte-parole d’une vie finalement normale, mais passionnante. Et si la fiction signée France Télévision arbore fièrement son étiquette de comédie, elle n’en oublie pas d’émouvoir. Un équilibre parfaitement tenu tout au long de la vie télévisuelle de cette série portée de main de maître par un casting hétéroclite et talentueux. Bruno Salomone et Isabelle Gelinas, le couple Bouley, avaient déjà une popularité certaine au début de la série, tirant leur expérience professionnelle principalement de la télévision. Valérie Bonneton et Guillaume de Tonquédec, eux, étaient essentiellement des acteurs de théâtre qui ont trouvé, avec cette fiction, un nouveau terrain de jeu dans lequel ils se sont complètement épanouis. Un casting qui a, par ailleurs, vu défiler durant les dix années de diffusion de Fais pas ci, fais pas ça, des invités de marque comme Isabelle Nanty, Anémone, François-Xavier Demaison ou encore Patrick Bruel.

L’intégralité des 9 saisons de Fais pas ci, fais pas ça est d’ores et déjà disponible sur la plateforme gratuite france.tv qui propose également en avant-première le nouveau double épisode.

Disponible sur Prime Video, The Sticky est une petite pépite de comédie noire qui ne ressemble à rien d’autre. Inspirée d’un événement aussi improbable que réel — le « Grand vol de sirop d'érable » au Canada —, la série mélange crime, humour absurde et critiques sociales avec une aisance désarmante. Quand on parle de crimes, on pense souvent à des braquages de banques ou à des affaires sordides, mais un vol de sirop d’érable ? Eh bien, c’est arrivé. Au cœur de l’intrigue de l’affaire criminelle surprenante survenue en 2012. , nous suivons Ruth Landry (incarnée par une brillante Margo Martindale comme à son habitude), une femme simple et endettée vivant dans une petite ville québécoise. Lorsqu'elle découvre un complot impliquant le vol massif de sirop d’érable, Ruth se retrouve plongée dans une aventure rocambolesque qui met à mal son quotidien tranquille.

Le scénario, qui aurait pu tomber dans la caricature, réussit à équilibrer l’absurde et le sérieux. C’est drôle, parfois touchant, et ça joue brillamment sur cette idée : et si les choses les plus improbables révélaient les aspects les plus profonds de la société ?

La série repose énormément sur son casting, et il y a de quoi. Margo Martindale (qu’on ne présente plus après ses rôles marquants dans The Handmaids’ Tale ou BoJack Horseman) incarne Ruth avec une authenticité bluffante. Elle est à la fois drôle, maladroite, mais terriblement humaine. Elle nous rappelle que même les gens les plus ordinaires peuvent faire des choses extraordinaires quand les circonstances l’exigent. Puis Chris Diamantopoulos est parfait en entrepreneur louche qui pense pouvoir tout contrôler, et les personnages secondaires sont tout aussi savoureux. Entre les complices un peu perdus et les autorités complètement dépassées, tout le monde apporte sa petite touche à l’histoire. On notera notamment Jamie Lee Curtis, qui incarne Bea, une femme de pouvoir au sein de la Fédération du sirop d'érable du Québec (oui, c’est une véritable institution gouvernementale). Bea est un personnage complexe : elle est à la fois terrifiante et fascinante, naviguant entre son attachement au sirop comme symbole national et son obsession pour le contrôle. Le sirop d’érable, bien plus qu’un simple produit, devient une métaphore des luttes de pouvoir dans un monde où même les choses les plus insignifiantes peuvent avoir une énorme valeur.

Visuellement, la série ne fait pas dans le superflu. Les paysages québécois sont magnifiques, et il y a ce petit côté « fait maison » qui colle bien au ton général. On sent que tout a été pensé pour appuyer le côté local de l’histoire, tout en restant universel. 

Bon, seul point peut-être noir, même si la série se déroule au Québec, ils parlent en anglais. Mais au moins, The Sticky peut toucher un plus large public avec sa présence sur Prime Video !

Star Wars : Skeleton Crew, la nouvelle série événement de l’univers Star Wars, a débarqué sur Disney+ le 2 décembre 2024 avec un double épisode, en avance sur la date officielle annoncée du 4 décembre. Créée par Jon Watts et Christopher Ford, connus pour leur collaboration sur la dernière trilogie Spider-Man, cette série s’inscrit dans la même chronologie que The Mandalorian et Ahsoka, juste après les événements de Retour du Jedi se déroulant après la chute de l'Empire, pendant que la Nouvelle République s'efforce d'établir son autorité dans la galaxie. Et une petite mention qui a son importance, les personnages de Star Wars: Skeleton Crew sont entièrement originaux et ne proviennent pas d'un comics ou d'une autre œuvre préexistante dans l'univers étendu de Star Wars.

L’histoire suit quatre enfants (enfin dont un qui ressemble à un éléphant très mignon) : Fern (Ryan Kiera Armstrong), Wim (Ravi Cabot-Conyers), KB (Kyriana Kratter), et Neel (Robert Timothy Smith) – qui découvrent un artefact mystérieux sur leur planète natale. Cet objet les entraîne bien malgré eux dans une aventure intergalactique où ils seront confrontés à des dangers inattendus, y compris des pirates de l’espace menés par Vane, un antagoniste déjà vu dans The Mandalorian. Jude Law incarne Jod Na Nawood, un personnage énigmatique servant de guide et protecteur pour ce groupe d’enfants perdus, à la fois mentor bienveillant et figure ambiguë. D'autres personnages secondaires enrichissent le récit : Nick Frost prête sa voix à SM-33, un droïde grincheux et vieillissant, tandis que Tunde Adebimpe et Kerry Condon interprètent les parents de deux des enfants. Les créateurs ont également intégré des figures familières de la saga, renforçant ainsi les liens avec l’univers élargi de Star Wars.

Le premier épisode se distingue par son atmosphère à la fois palpitante et poignante. Une scène mémorable met en lumière l’un des thèmes centraux de la série : l’exploration de l’inconnu à travers les yeux d’un enfant. L’équilibre entre humour, émerveillement et tension rappelle les classiques d’Amblin Entertainment, comme Les Goonies, qui ont inspiré Jon Watts. Cette influence se ressent dans la dynamique de groupe des enfants et leur capacité à faire face à des situations à la fois extraordinaires et dangereuses. Avec Skeleton Crew, Star Wars continue d’élargir son univers tout en rendant hommage à l’esprit d’exploration et d’aventure qui a défini la franchise. La série combine une esthétique soignée, des personnages mémorables et une narration accessible à tous, consolidant ainsi sa place dans l’héritage de la saga. Et que serait un projet Star Wars sans l’implication de Bryce Dallas Howard en réalisation ? 

La série n’est peut-être pas la plus attendue de la franchise, mais ne la manquez pas puisqu’elle promet d’enchanter la galaxie Star Wars avec une aventure qui parle autant à l’enfant curieux qu’à l’adulte nostalgique. De plus, elle a parfaitement sa place sur Disney+ aux côtés de Percy Jackson ou d’autres titres comme Hardy Boys.

Premier projet sorti entièrement de l’imagination de Doria Tillier – qui interprète également l’héroïne éponyme - Iris est une série magique, dont la légèreté apparente cache en réalité une profondeur touchante sur les difficultés de dépasser des lignes quand la normalité est de mise. Et c’est tout le problème l'héroïne, spécialiste des soliloques très francs destinés à dénoncer les absurdités de la vie et les concessions aberrantes auxquelles les gens sont prêts à s’abaisser pour éviter les désaccords. Un comportement authentique qui engendre des situations tour à tour drôles, touchantes ou cruelles qui font réfléchir sur les conséquences d’un trop-plein d’honnêteté. Série particulièrement rafraîchissante, Iris est une fiction made in Canal+ qui va droit au cœur.

C’est un François Morel absolument brillant dans le rôle de Tom, un peintre taciturne qui se présente comme le pendant idéal d’Iris, qui prononce ces mots à l’héroïne pour décrire son comportement inhabituel, certes, mais qui ne le laisse pas indifférent. Avec cette série originale estampillée Canal+, récompensée comme Meilleure Série de 26’ au Festival de la Fiction de La Rochelle 2024, Doria Tillier, aux manettes de la création, de l’écriture et de la réalisation (à quatre mains avec Jean-Baptiste Pouilloux) et qui joue également le rôle principal, parvient à allier une comédie aux situations profondément cocasses, voire burlesques, à une réflexion sociétale sur le traitement sévère réservé aux êtres originaux. Iris ne fait rien contre les autres, mais elle le fait avec une sincérité désarmante qui déstabilise ses interlocuteurs, dans le meilleur des cas, les irritent dans le pire. Mais au cours des six épisodes qui nous permettent d’entrer dans l’univers de la jeune femme, on va la voir mettre un peu d’eau dans son vin et apprendre à lâcher du lest sur les choses bénignes. Et c’est ce qui rend le personnage si attachant. Iris dit tout ce qu’elle pense, certes, mais lorsqu’elle se trouve face à des arguments valables, elle ne s’obstine pas, elle sort de ses retranchements et pondère ses positions.

Ainsi, à travers Iris, Doria Tillier a su façonner une héroïne tout en relief, fuyant les clichés et les banalités du quotidien. Des tribulations particulièrement jouissives que la jeune femme vit, entourée d’un casting inspiré. Un condensé de talents qui laisse pourtant l’espace nécessaire à chacun de donner vie, là encore, à des personnages atypiques. Nous avons déjà cité François Morel, mais son interprétation tout en sensibilité de Tom mérite au moins un deuxième passage. On notera aussi la prestation de l’excellente Anaïde Rozam (qui se distinguait déjà dans la série Culte), dans le rôle de Daphné, cousine quelque peu irascible d’Iris et journaliste très fan de sa propre personne, prête à tout pour passer à l’antenne. De Jeanne Balibar, qui joue l’éditrice patiente et compréhensive d’Iris, capable également de gérer les sorties de route de son directeur, Manuel (interprété par un Denis Podalydès très en forme) à Pascale Arbillot, dans le rôle de la collègue et amie indéfectible de l’héroïne, Iris – la série – a su mettre la cerise sur un gâteau scénaristique, délicieux de dialogues (« sachez que la gêne est bilatérale ») d’intelligence et de sensibilité.

Les six épisodes de 26 minutes d’Iris sont à retrouver à partir du 25 novembre sur Canal+ tous les lundis à partir de 22h à raison de deux épisodes par semaine et dans leur intégralité sur myCANAL.

Loin des yeux mais toujours près du cœur, voilà comment pourrait être résumée la relation entre Saïd et Maëlle, les deux héros d’Amours Solitaires. À peine rentrée d’un voyage de deux ans en Chine, Maëlle décide de faire une surprise à sa bande d’amis à qui elle a caché son retour. Mais rien ne se passe comme prévu : Maxine, sa meilleure amie, lui en veut d’avoir ignoré ses messages, et Saïd, son ex grand amour, semble complètement avoir surmonté leur séparation au bras de sa nouvelle chérie, Alma. Décontenancée, Maëlle va tenter de se reconstruire une vie auprès du beau Raphaël. Mais les déclarations enflammées de Saïd résonnent toujours dans la tête de la jeune femme qui réalise que tirer un trait sur son ex est une entreprise simplement impossible. Amours solitaires, série à voir gratuitement sur france.tv et arte.tv, est une fiction honnête sur les relations sentimentales d’une Gen Z sérieuse dans ses relations mais incertaine dans la manière de les gérer.

Après Maud et Simon, Lewis et Noa, c’est au tour de Maëlle (Nina Aboutajedyne) et de Saïd (Younès Boucif) d’être au cœur de cette nouvelle saison d’Amours Solitaires. Une série directement inspirée du compte Instagram éponyme tenu par Morgane Ortin. Un compte qui recense des messages enflammés, des déclarations d’amour désespérées ou, au contraire, exaltées et comme dans le cas de nos deux héros, des paroles confuses d’un couple qui s’aime toujours, mais que la distance, de nombreux malentendus et tout autant de non-dit empêchent de s’aimer. Photographie diablement réaliste de ces amours actuelles, ces 8 nouveaux épisodes brossent sans détour l’incertitude des sentiments qui accompagne le retour d’un ou d'une ex. En effet, jusqu’au retour de Maëlle, Saïd pensait vivre une histoire sereine avec Alma (Mathilde La Musse). Maëlle qui a eu besoin de partir à l’autre bout du monde, persuadée que Saïd allait la rejoindre. Mais ce dernier, n’ayant pas les mêmes besoins, ou du moins pas au même moment, a choisi d’éviter une confrontation qui les aurait faits tous les deux souffrir. Une confrontation qui arrive finalement sous la forme de plusieurs tête-à-tête sur un banc public, leur banc public, qui permettent aux téléspectateurs de prendre toute la mesure de leurs sentiments.

Mais cette nouvelle saison d’Amours Solitaires se penche aussi sur l’amitié avec cette bande de potes qui s’accepte avec leurs défauts et leurs erreurs de jugement. Il y a Maxine (la géniale Tokou Bogui), une maître-nageuse qui n’a pas sa langue dans sa poche et qui, initialement, réserve un accueil glacial à Maëlle. Théo (Sidi Mejai) un garçon peu sûr de lui, fou amoureux de Nour (Sawsan Abès) mais qui enchaîne les maladresses avec elle. Et puis, il y a Raphaël (Maxence Danet-Fauvel, vu dans Skam), un ex furtif d’Alma qui flashe sur Maëlle. Mais l’attirance que celle-ci continue d’éprouver pour Saïd est telle qu’elle aveuglerait quiconque la regarderait en face, réduisant à néant les chances de nouveau couple. Amours Solitaires est une capsule moderne de ces relations sérieuses et à la fois bancales, profondes et capables de se terminer par échange de messages, toutes certainement incertaines.

Amours Solitaires : Maëlle & Saïd se décline sous la forme de huit épisodes de 26 minutes, à retrouver gratuitement dès le 22 novembre sur les plateformes france.tv et arte.tv.

Révélé dans l’émission culte Groland par son personnage de journaliste débraillé et alcoolique, Gustave Kerven s’est tourné, depuis 2004, vers la réalisation avec un rythme plutôt intense d’un film tous les deux ans. Des productions souvent considérées comme des ovnis dans le paysage cinématographique français. Aussi, il n’y avait pas de raison pour que le téléfilm Je ne me laisserai plus faire, réalisé pour Arte change ces (bonnes) habitudes. Et de notre côté, on fait une entorse aux séries pour vous parler de cet unitaire décalé. Revenge movie qui se place du côté des plus faibles, cette œuvre originale spécialement pensée pour la télévision raconte les aventures rocambolesques d’Emilie, une septuagénaire sur le point de se faire expulser de son Ehpad suite au décès de son fils, et de Linda, une jeune femme de ménage et sa seule vraie amie, embarquant dans un road-trip destiné à faire payer les personnes qui les ont fait souffrir.

Récompensé au festival de la fiction 2024 de La Rochelle comme meilleure réalisation, Je ne me laisserai plus faire est un téléfilm difficilement classable. Comédie ? De toute évidence, grâce à ses dialogues hilarants, faits de banalités volontairement affligeantes, mais que l’on entend encore bien trop souvent, à ses situations ubuesques ou encore à ses personnages profondément drôles. Yolande Moreau, par ailleurs souvent castée dans les films de Kerven, et Laure Calamy forment un duo de vengeresses au grand cœur, drôles et plutôt créatives dans les moyens de rééquilibrer la balance. Tout au long de leurs aventures, elles vont rencontrer des personnages haut en couleur incarnés par un casting renversant. De Jonathan Cohen, George, mais que tout le monde appelle Tony, un repris de justice assoiffé par l’argent, à Marie Gillain, interprète de la belle-fille d’Emilie enceinte de Tony, qui n’hésite pas à annoncer sa grossesse lors des funérailles de son mari, en passant par Alison Wheeler, qui prête ses traits à la directrice d’Ehpad qui pense « sentir » les choses, tout le monde sert avec talent un texte brillant écrit par Gustave Kerven.

Peut-on classer Je ne me laisserai plus faire comme une fable ? Certainement, avec une morale très humaine : il n’est jamais trop tard pour redresser des torts ! Une leçon qu’apprennent les deux inspecteurs de police, chargés de rattraper les deux héroïnes. Joués par Anna Mouglalis et Raphaël Quenard (toujours très juste), ils ont eux-mêmes été victimes de gestes déplacés dans leur jeunesse et, galvanisés par la quête pas si cocasse finalement d’Émilie et de Linda, vont leur emboîter leur pas, en initiant, eux aussi leur vengeance personnelle. Ainsi, Je ne me laisserai plus faire délaisse quelque peu la comédie pour prendre un tournant moins léger. Comédie, fable, drame : le téléfilm se tient au bord de chacun de ces genres, flirte intelligemment avec chacun d’eux pour finalement nous offrir un produit éclectique, maîtrisé et particulièrement réussi. Un téléfilm qui ne rentre dans aucune case à regarder sans modération !

Je ne me laisserai plus faire est à retrouver dès le 22 novembre sur Arte.tv et la semaine d’après, le 29 novembre, sur Arte à 20h55.

Ça c’est Paris ! nous plonge dans tout ce que la capitale a de plus clinquant et de plus dansant : les cabarets ! Ou plutôt LE cabaret, nommément le Tout-Paris, qui tente de s’accrocher tant bien que mal à une gloire passée. Mais la revue vieillissante, l’obsolescence des lieux et l’indolence de la gestion de Gaspard Bertille, héritier de l’établissement, a eu raison des lieux. Ainsi, la mort dans l’âme, il n’a d’autres choix que de vendre… À moins qu’il ne parvienne à monter une nouvelle revue ! À l’impossible, nul n’est tenu et pourtant, Gaspard va revenir sur sa décision commerciale et tenter d’insuffler du renouveau dans le cabaret où il a grandi. Au grand dam de sa femme avec qui il devait ouvrir une maison d’hôte en Normandie. Ça c’est Paris ! série en six épisodes à retrouver en avant-première et gratuitement sur france.tv dès le 20 novembre, raconte cette entreprise, ce nécessaire renouveau.

Ça c’est Paris ! la fiction spectaculaire – au sens premier du terme – de France Télévisions vous plonge immédiatement dans ce Paris si particulier des cabarets. Ici, le Tout-Paris est un établissement qui a rencontré un succès de taille, mais qui, érodé par le temps, est devenu moribond. Une situation pour le moins réaliste, a fortiori avec les fermetures récentes du Lido ou de Chez Michou. Pour autant, ce revers, Gaspard Bertille (Alex Lutz) va en faire un moteur pour relancer une affaire héritée de son père. Contre vents, marées… et son épouse (jouée par Anne Marivin) qui, elle, était déjà passée à la prochaine étape de leur vie. Mais Gaspard est loin d’être un homme d’affaires conventionnel et, comme la première image de la série nous le suggère, le Tout-Paris est une véritable maison pour lui. Lui qui accompagnait sa mère, Babeth (interprétée par une Charlotte de Turckheim aux cheveux blond platine) danseuse, et qui a vu son père, directeur et meneur de revue, faire de l’établissement un incontournable du tourisme parisien. Une humanité dans les affaires, devenue rare à la télévision, qui va faire office de fil rouge narratif durant les six épisodes de la série. Mais pas que. Ça c’est Paris ! c’est aussi du divertissement pur avec des chorégraphies imaginées par Kamel Ouali et exécutées par les danseuses du Paradis Latin, sollicitées pour l’occasion, et une bande originale entraînante composée par Bertrand Burgalat.

Mais le véritable clou de ce spectacle télévisuel réside dans le choix des acteurs : Dominique Besnehard, à l’initiative de la série Dix pour Cent, qui retrouve d’ailleurs Nicolas Maury dans le rôle d’Adrien Baudry, le nouveau directeur artistique dont le talent confine à la folie, qui n’hésite pas à réveiller une revue qui était devenue quelque peu soporifique. Line Renaud, Christian Louboutin, Bernard Le Coq et Monica Bellucci, magnifique meneuse de revue, font également des apparitions remarquées. Toutefois, Ça c’est Paris ! fait aussi la part belle à de nouveaux comédiens comme Nastasia Caruge, en mère célibataire qui doit jongler entre sa position au sein de la revue et l’éducation de son fils, Katarzyna Sawczuk, qui interprète une jeune femme, victime d’un chantage féroce ou encore Darren Muselet, qui prête ses traits à Jordan, un ancien détenu qui cherche à se réinsérer.

Mini-série événement déclinée en 6 épisodes de 55 minutes, Ça c’est Paris ! est disponible sur la plateforme de streaming france.tv dès le 20 novembre et en diffusion traditionnelle sur France 2, à partir du 27 novembre à 21h05.

Canal+ met les couverts dans les grands pour servir la suite de The Chef ! Le film, tourné en un long plan séquence, avait ravi aussi bien la critique que le public qui s’étaient complètement laissés happer dans cette brigade saisie à feu vif à l’heure la plus haute de leur service. The Chef, la série, situe son action huit mois après les événements du long-métrage. Alors qu’Andy Jones se remet de son infarctus, Carly, elle, tente tant bien que mal de diriger sa cuisine avec tout ce que cela implique de conflits humains, de caprices de clients et d’étreinte financière imposée par son associé, Liam, bien conscient des difficultés associées à l’ouverture d’un restaurant gastronomique en plein Londres. Des difficultés qui échappent à Carly, concentrée, elle, à proposer une carte originale et haut de gamme.

La première scène de The Chef, série à découvrir sur Canal+, est une entrée qui a de quoi faire saliver nos papilles ! Un plan-séquence de onze minutes qui réussit l’exploit de présenter tous les personnages – brigade en cuisine, équipe en salle, l’associé de Carly, la nouvelle recrue – de nous faire visiter les lieux, le Point North, un nouveau restaurant gastronomique, et bien entendu de donner le ton de la série. Une fois que cette entrée est digérée, le reste des épisodes se déroule de manière moins frénétique, mais tout aussi passionnante. Au-delà des péripéties de Carly (Vinette Robinson) qui doit effectivement lutter pour maintenir à flot une cuisine sur le point d’imploser d’un moment à l’autre, The Chef aborde tout autant le poids financier lié à l’ouverture d’une affaire – et le choix cornélien de rogner sur la qualité des produits pour faire des économies tout en proposant un menu de qualité – que les problèmes mentaux très courants dans le secteur de la restauration. Les horaires, la pression constante, la nécessité de satisfaire les clients sont autant de leviers qui poussent les chefs, sous-chefs et commis vers la dépression, l’alcoolisme, la toxicomanie et le burn-out. Et en se faisant le porte-drapeau de ces problèmes bien réels, quoique peu souvent abordés dans ce genre de fiction, The Chef ajoute une étoile à la qualité de sa narration.

Bien consciente de l’héritage qu’elle doit honorer, la série britannique réussit complètement à respecter son passé tout en injectant une juste dose de nouveauté, notamment au niveau des personnages. Si l’on retrouve des visages connus comme Freeman (Ray Panthaki) un sous-chef autoritaire et sanguin, Camille (Izuka Hoyle) la préposée aux entrées, Emily (Hannah Walters) la cheffe pâtissière ou encore Beth (Alice Feetham) une des serveuses, la série culinaire britannique s’est enrichie de nouveaux acteurs comme Shaun Fagan dans le rôle de Bolton, Stephen Odubola, interprète de Johnny, la nouvelle recrue ou encore Ahmed Malek, qui prête ses traits à Musa, un serveur. Andy Jones (Stephen Graham), le chef star du film, est lui en retrait, occupé à gérer son amertume de voir Carly et son ancienne brigade avancer sans lui, de ne pas supporter son inactivité et de voir son restaurant Jones & Sons lui échapper.

La première saison de The Chef, composée de 4 épisodes de 52 min, est à retrouver à partir du 14 novembre sur Canal+, à raison de deux chapitres par semaine.

Série lancée en 2022 sur Apple TV+, Bad Sisters dresse le portrait des cinq sœurs Harvey : Eva, Grace, Ursula, Bibi et Becka. Devenues très tôt orphelines, elles se sont juré d’être toujours là les unes pour les autres. Mais cette promesse va être mise à rude épreuve lorsqu’un enquêteur extrêmement zélé, mandaté par le cabinet d’assurance de John Paul, le mari décédé de Grace, commence à explorer d’un peu trop près la vie de ces sœurs qui avaient toutes un prétexte pour faire disparaître la victime, un pervers toxique et manipulateur.

Comédie dramatique saupoudrée d’une bonne dose de mystère à découvrir sur Apple TV+, Bad Sisters est surtout une fiction sur la solidarité familiale. De cette solidarité absolue, inconditionnelle, que l’on trouve dans les fratries particulièrement unies. Les sœurs Harvey, Eva (Sharon Horgan, également créatrice et showrunneuse de la série, Grace (Anne-Marie Duff), Ursula (Eva Birthistle), Bibi (Sarah Greene) et Becka (Eve Hewson, récemment vue dans Un Couple parfait), unies plus que jamais par la mort de leurs parents, ont fait ce pacte de toujours se protéger les unes les autres, quoi qu’il arrive. Un pacte sincère en théorie, mais compliqué à respecter dans les faits, a fortiori quand un élément périphérique vient se mettre en travers de leur bonne entente. Ici, cet élément périphérique se nomme John Paul (Claes Bang), un personnage détestable, égoïste et manipulateur qui se trouve être le mari de Grace. Et ainsi se pose la question des conséquences d’un mauvais choix amoureux sur les membres d’une même famille. En voulant défendre constamment les agissements plus que répréhensibles de son mari, la cadette de la sororité Harvey a petit à petit dérivé vers le large au lieu de s’agripper à la bouée familiale. Pour autant, lorsque Tom Claffin (Brian Gleeson) commence à se plonger dans les événements qui ont précédé la disparation de JP, les sœurs se regroupent pour ne faire qu’un, et ce, sans même savoir ce qui est réellement arrivé à leur beau-frère ni même qui est l’auteure de son assassinat. Mais la situation dramatique n'empêche pas les « mauvaises sœurs » en bonnes irlandaises, de se prêter à de nombreux traits d’humour noir, toujours très à propos qui ne manquent jamais d’alléger la narration globale de la série qui, ne l’oublions pas, décrit les sévices psychologiques infligés par un homme détestable.

Et c’est d’ailleurs par de nombreux allers-retours temporels que Sharon Horgan fait plonger les téléspectateurs non seulement dans le quotidien de Grace et de JP mais dans celui des quatre autres sœurs Harvey qui, elles aussi, ont subi d’une manière ou d’une autre les manipulations de leur beau-frère. Des allers-retours qui permettent également de mettre en lumière les incohérences relevées par Tom et son demi-frère Matt Clafin (Daryl McCormack), prêts à tout pour prouver que la mort de JP n’était pas un accident afin de ne pas payer son assurance-vie et sauver l’entreprise familiale de la faillite. Et comme toile de fond de toutes ces manigances, Sharon Horgan, sœur de Shane, ancien joueur de rugby national, a choisi de montrer les paysages éclectiques de l’Irlande. Entre paysages verdoyants, petites villes pittoresques et reliefs côtiers, ce ne sont pas seulement Dublin et Belfast qui sont ici dépeints, c'est toute la beauté du pays qui est magnifiée. Et si chacune des sœurs Harvey parle avec un accent très local, les acteurs eux-mêmes font partie des célébrités originaires du pays. Ainsi, Eve Hewson est la fille de Bono, chanteur de U2 irlandais de souche, alors que Brian Gleeson (Thomas Claffin) est le fils de Brendan Gleeson, visage connu du cinéma international et fervent défenseur du dialecte irlandais.

Les dix premiers épisodes de Bad Sisters sont à retrouver sur Apple TV+ alors que la seconde saison est proposée dès le 13 novembre à raison de deux chapitres le premier jour puis d’un seul, les semaines suivantes.