Tous les amateurs de jazz, et plus précisément, les admirateurs de la célèbre Ella Fitzgerald savent reconnaître le titre « Mack the Knife » enregistré à Berlin le 13 février 1960, extrait du fameux album « Ella in Berlin » qui fait partie du patrimoine classique de cette immense artiste. Mais si l'on connaît le répertoire de la dame sur le bout des doigts, il subsiste, dans les tréfonds poussiéreux du patrimoine sonore, des documents rares qui méritent d'être entendus.

En France, depuis 1975, l’Institut National de l'Audiovisuel (INA) restaure et restitue progressivement au public, à travers les diffuseurs nationaux, les témoignages, reportages, retransmissions des grands moments de la culture mondiale. C’est ainsi que peut renaître la voix mélodieuse de l’éternelle Ella Fitzgerald captée sur les scènes de France et de Navarre. Au-delà du bonheur de redécouvrir un héritage musical de grande valeur, pouvoir se plonger dans une époque palpitante, à travers l’écho d’antan, est un privilège inestimable. Entendre, à nouveau, les conditions d'enregistrement précaires, comprendre les enjeux artistiques et sociaux d’autrefois et réaliser l’importance de livrer une prestation digne face aux caméras de la Radio Télévision Française (RTF), nourrit notre connaissance de l'histoire. 

Il faut, en effet, se souvenir qu'à l'aube des années 60, Ella Fitzgerald est une artiste reconnue et respectée qui chante depuis déjà un quart de siècle, s’est illustrée aux côtés des plus grands, dont Louis Armstrong, et se produit sur les scènes du monde entier. Pour un journaliste d’alors, avoir cette grande dame à son micro est un plaisir et un honneur qui ne se boudent pas. Recueillir les propos d'une personnalité majeure de la communauté afro-américaine n’est pas anodin à une période où les États-Unis affrontent un mouvement de contestation massif de la ségrégation raciale. Réécouter, dès 1951, Ella Fitzgerald aux côtés de sa consœur Joséphine Baker à Harlem, lors d’une journée de lutte contre le racisme, dévoile l’engagement discret, mais réel d’une future étoile.

 

Toutes ces tranches de vie précieusement conservées nous font voyager dans le temps et dans l’espace. De Newport à Cannes, de Stockholm à Paris, Ella Fitzgerald a brillé dans la lumière des projecteurs. Ses harmonieuses prouesses vocales rejaillissent parfois à la faveur d’une publication discographique ou d’une émission de radiodiffusion. Ella aurait eu 100 ans, le 25 avril 2017… Pourquoi ne pas célébrer cet anniversaire en ravivant la voix de la « First Lady of Song » grâce aux trésors méthodiquement collectés par les équipes de l’INA depuis plus de 40 ans !

 

 

 

Le site d'Ella Fitzgerald

Tous les amateurs de jazz, et plus précisément, les admirateurs de la célèbre Ella Fitzgerald savent reconnaître le titre « Mack the Knife » enregistré à Berlin le 13 février 1960, extrait du fameux album « Ella in Berlin » qui fait partie du patrimoine classique de cette immense artiste. Mais si l'on connaît le répertoire de la dame sur le bout des doigts, il subsiste, dans les tréfonds poussiéreux du patrimoine sonore, des documents rares qui méritent d'être entendus.

Il y a un siècle, l'enregistrement sonore balbutiait encore, et ne permettait pas de reproduire fidèlement l'élan créatif des musiciens et des interprètes. À cette époque, les procédés d'enregistrement rudimentaires ne pouvaient que témoigner, modestement, d'une progressive révolution technologique et artistique qui allait pourtant transformer notre paysage musical de manière radicale. Cette fabuleuse épopée fait l'objet d'une série documentaire composée de six films, dont la valeur patrimoniale nous éclaire sur le rôle déterminant de la communauté afro-américaine, dans la genèse d'une industrie discographique en constante mutation.

Ce sont les bluesmen qui, les premiers, expérimenteront les bienfaits de la fée électricité. L'image du frêle guitariste acoustique, assis devant sa petite bicoque, dans le sud des États-Unis sera bientôt remplacée par une représentation beaucoup plus glorieuse du «Guitar-Hero» branché sur secteur. Lorsqu'à la fin des années 50, Muddy Waters devient l'un des symboles du blues électrique de Chicago, il n'imagine sûrement pas que son succès popularisera une innovation testée, 20 ans plus tôt, par l'un de ses contemporains, le guitariste Charlie Christian, alors pilier de l'orchestre de Benny Goodman. Désormais, le son d'une guitare parvient à rivaliser avec les cuivres d'une grande formation.

 

Dès lors, toutes les outrances deviennent possibles. Dans les années 60, Jimi Hendrix s'adonnera avec gourmandise, et l'aide non négligeable de son producteur Eddie Kramer, à une surenchère d'effets distordus qui identifieront une période de recherche sonore particulièrement fertile. Entrer en studio devient une promesse de nouveauté et d'originalité. Stevie Wonder comprendra, lui aussi, très vite que maîtriser les avancées technologiques est un gage de réussite et de pouvoir.

 

« La grande aventure de la musique enregistrée », racontée par Romain Pieri et Maro Chermayeff dans la collection « SoundBreaking », est une plongée vertigineuse dans un univers insondable façonné, depuis des décennies, par une multitude de créateurs iconoclastes dont les bidouillages, parfois puérils, ont écrit des chapitres entiers de la musique populaire de notre temps. Du 78 tours au fichier MP3, les circonvolutions inventives des différents acteurs de la production musicale ont affiné notre écoute, et suscité notre curiosité. Notons, au passage, que la communauté noire américaine a souvent essuyé les plâtres, et initié quelques trouvailles notables. De Sly Stone à Nile Rodgers, de James Brown à Prince, « L'épopée des Musiques Noires » a, indiscutablement, épousé le vent de l'histoire !

 

Le site de SoundBreaking.

Il y a un siècle, l'enregistrement sonore balbutiait encore, et ne permettait pas de reproduire fidèlement l'élan créatif des musiciens et des interprètes. À cette époque, les procédés d'enregistrement rudimentaires ne pouvaient que témoigner, modestement, d'une progressive révolution technologique et artistique qui allait pourtant transformer notre paysage musical de manière radicale. Cette fabuleuse épopée fait l'objet d'une série documentaire composée de six films, dont la valeur patrimoniale nous éclaire sur le rôle déterminant de la communauté afro-américaine, dans la genèse d'une industrie discographique en constante mutation.

Jusqu’au 13 août 2017, la Philharmonie de Paris épouse les rythmes lancinants et vindicatifs de la Jamaïque à travers une exposition très documentée qui résume, en 7 tableaux, l'épopée culturelle et politique d’une île des Caraïbes, dont les soubresauts ont nourri la créativité d'artistes devenus légendaires. Si l’on connaît désormais la destinée de Bob Marley, symbole universel de résistance et de rébellion artistique, l’histoire du reggae et de ses musiques cousines reste encore mystérieuse. Que racontent le Mento, le Ska, le Rocksteady, le Dub, le Dancehall, de l’aventure sociale des Jamaïcains ?

Lorsque l’île de la Jamaïque acquiert l’indépendance en 1962, après des siècles de domination britannique, les rancœurs tenaces liées à l’esclavage et à l’oppression institutionnalisée trouvent un exutoire, dans une multitude d’expressions héritées de la fronde constante des populations noires. Au-delà de la musique, c’est un état d’esprit, une philosophie de vie et un engagement citoyen qui animent l’identité jamaïcaine dans son ensemble. Le processus inéluctable d’hybridation culturelle n’a jamais altéré l’opiniâtreté des gardiens de la flamme. D’Ernest Ranglin à Lee « Scratch » Perry, de Toots Hibbert à Jimmy Cliff, la sève des musiques caribéennes a survécu à l’uniformisation des couleurs sonores à l’échelle planétaire.

Chaque style musical né en Jamaïque témoigne d’une intention, d’une revendication, d’un combat, dont la diaspora africaine dans le monde ne pourra jamais se soustraire tant il est l’écho d’un drame humain ancestral, la traite négrière, qui continue de susciter aigreurs et désarroi. Le reggae, comme toute musique matrice, porte le message des origines, des pionniers, des orateurs africains d’antan qui délivraient le savoir et la vérité face aux exactions des colons européens. Comment ne pas déceler la diatribe téméraire de Bob Marley, reprenant les mots du leader panafricain Marcus Garvey, dans son hymne « Redemption Song », en 1980 ? Ou ceux de l’empereur éthiopien Haïlé Selassie dans le titre « War », en 1976 ?

Sébastien Carayol, commissaire de l’exposition « Jamaïca Jamaïca », nous emmène, cette semaine, dans un voyage sensoriel et mémoriel unique qui débute il y a 400 ans quand, en 1655, le Royaume-Uni s’empare d’un petit territoire insulaire pour développer son économie coloniale transatlantique au mépris des traditions autochtones. Ce choc des mondes ne parviendra pourtant pas à lisser les liens séculaires qui unissent les Africains et leur descendance au-delà des mers. La force spirituelle l’emportera sur les brimades et les humiliations, et accompagnera la résilience instinctive du peuple jamaïcain.

 

Pour en savoir plus sur l'exposition « Jamaïca, Jamaïca», cliquez ici.

La conséquence de la traite négrière et de l’esclavage des populations africaines, à travers les siècles, ne se résume pas à l’évocation de drames humains, décrits sommairement dans des livres d’histoire que l’on ne consulte plus. La conséquence de la soumission et de l’humiliation est un sentiment profond de déclassement citoyen toujours vivace aujourd'hui. Comment, dans ces conditions, parvenir à trouver l’épanouissement psychologique qui vous donnera la force de résister ?

Dans son dernier ouvrage collectif, Jeremie Kroubo Dagnini, chercheur au Centre d’Etudes Politiques et Contemporaines (CEPOC), s’interroge avec de nombreux autres esprits libres et éclairés (universitaires, sociologues, artistes…) sur la dimension revendicatrice et militante des musiques noires. Pourquoi les œuvres issues de la diaspora africaine dans le monde conservent-elles cet élan frondeur ? Comment reconnaître l’engagement d’un répertoire ? Quelle lecture faut-il avoir des différents styles musicaux hérités de traditions ancestrales ?

 

Que l’on parle de Blues, de Zouk, de Gwoka, de Maloya ou de Reggae, la contestation semble être le dénominateur commun du patrimoine noir à l’échelle planétaire. Cette forme de résistance sonore a nourri le paysage musical d’aujourd’hui. L’ignorer relèverait d’une indifférence coupable ou d’un déni de l’hybridation progressive des cultures mondiales. Le propos de Jeremie Kroubo Dagnini répond à une lettre ouverte du musicologue britannique Philip Tagg, paru dans la revue « Volume ! » en 2008, dont la teneur ouvrait à nouveau le débat de la créolisation des vocabulaires musicaux.

 

Comment dessiner les contours de « L’Epopée des Musiques Noires » ? L’apport des harmonies classiques européennes a-t-il magnifié ou altéré la sève africaine des origines ? « Musiques Noires : L’histoire d’une résistance sonore », (Ed. Camion Blanc) tente de répondre à ces questionnements légitimes en analysant, avec précision, les idiomes rythmiques et la cadence des mots des improvisateurs de notre temps. Que nous disent la samba, le merengue, la rumba, le calypso ?

 

 

Toutes ces formes d’expression ont instinctivement et viscéralement revendiqué une identité, un rôle social, une affirmation qui épousent le combat séculaire de leurs auteurs et/ou interprètes. C’est indéniable !

 

"L'histoire d'une résistance sonore", chez Camion blanc.

Lorsque l’annonce de la disparition de Chuck Berry parvînt aux rédactions internationales le 18 mars 2017, les hommages révérencieux semblaient, cette fois-là, ne pas se satisfaire d’une simple évocation élogieuse. La tonalité des commentaires cherchait la réhabilitation d’une œuvre et d’un symbole. Au-delà du pionnier, c’est la paternité d’une culture que l’on devait défendre en ce jour de deuil planétaire car, quels que furent les écrits historiques célébrant les prouesses du « King » Elvis, c’est bien dans le terreau de l’Afrique ancestrale qu’il faut déceler les racines noires du rock et la valeur de Charles Edward Anderson Berry.

Est-il encore contestable de penser que la source originelle, frondeuse, sulfureuse et insoumise du rock’n’roll est le fruit d’une résistance afro-américaine séculaire contre l’oppression d’un pouvoir blanc omnipotent ? Plus personne n’oserait aujourd'hui affirmer le contraire. Il aura pourtant fallu se pencher sérieusement sur la destinée d’un artisan du rythm & blues pour qu’enfin son statut de créateur universel soit reconnu. Chuck Berry a, non seulement, été l’un des majestueux trublions de l’Amérique noire mais il aura, de surcroît, dessiné les contours d’une matrice musicale inaltérable.  

Ses riffs de guitares, sa gestuelle, son attitude, ont inspiré des générations d’artistes qui, à leur tour, auront la lourde responsabilité de perpétuer le message du regretté patriarche. Il suffit d’écouter « Maybellene » ou « Johnny B. Goode » pour prendre conscience de l’impact de cette musique-là sur notre patrimoine commun. Chuck Berry fut l’un des piliers d’une aventure sociale et artistique unique. Et bien que son comportement et ses frasques pouvaient parfois ternir son image de vétéran, il subsistera de son épopée cette indéfectible identité sonore qui a illuminé les années 50. 

Le 18 octobre 2016, le jour de son 90ème anniversaire, Chuck Berry annonçait la parution prochaine d’un album, sobrement intitulé « Chuck », le premier depuis 40 ans. Ce disque, désormais posthume, sortira le 16 juin 2017. Nul doute que cet enregistrement suscitera l’engouement populaire pour une véritable légende dont l’aura résistera sans effort à l’érosion du temps !

Jacques Barsamian, auteur de nombreux ouvrages consacrés à l'histoire du rock, est l'un des rares journalistes français à avoir rencontré Chuck Berry dès les années 60. Il se souvient à notre micro de ces échanges chaleureux avec l'unique «Roi du Rock'n'Roll».

 

 

Le site de Chuck Berry

Du 3 au 10 mars 2017 à Lausanne en Suisse, l’EJMA (École de Jazz et des Musiques Actuelles) et l’HEMU (Haute École de Musique) accueillaient, en partenariat avec la « Montreux Jazz Artists Foundation », une dizaine de jeunes talents venus parfaire leur technique et leur développement artistique aux côtés de chaperons prestigieux dans le cadre de la 3ème Montreux Jazz Academy. Créé en 2014, ce rendez-vous pédagogique et musical apporte à de futurs virtuoses les moyens et le soutien nécessaire à l’ébauche d’une carrière digne et florissante.

Parmi les « mentors » invités à conseiller, orienter et canaliser l’énergie et l’enthousiasme de 10 jeunes déjà très prometteurs, le bassiste américain Marcus Miller fut d’une aide précieuse. Sa disponibilité, sa bienveillance et sa générosité ont accompagné une semaine d’ateliers, de répétitions et d’échanges très utiles pour des musiciens en herbe en quête d’excellence. La présence du légendaire percussionniste indien Trilok Gurtu fut également essentielle. Sa maîtrise parfaite des rythmes planétaires, son regard espiègle et son discours sur la source africaine du swing, ont éclairé les apprentis jazzmen. Sans oublier, le guitariste Kurt Rosenwinkel, le batteur Ziv Ravitz, la chanteuse Elina Duni et le pianiste Yaron Herman dont le rôle de coach fut déterminant pour donner de l’élan à cette semaine de joyeuse célébration sonore.

A l’issue de ces 8 jours de perfectionnement et de partage, tous les participants se retrouvèrent sur scène pour donner un concert ouvert au public et, ainsi, exposer le fruit de leur travail collégial intense. Il manquait pourtant une âme à cette épatante addition de talents sur scène, celle du chanteur Al Jarreau, disparu quelques jours plus tôt. Il avait souvent manifesté son désir de soutenir la jeune génération, comme en novembre 2015 à Montreux, et avait donné son accord pour rejoindre à nouveau ses acolytes à Lausanne. Arta, Cristina, Imelda, Erik, et Fabio, chanteurs en devenir, ressentaient plus que tout autre l’absence du maestro. Et, bien qu’ils furent brillamment épaulés par la voix réconfortante d’Elina Duni, l’esprit d’Al Jarreau ne les quitta jamais durant cette semaine d’immersion totale dans l’univers du jazz.

Lors du concert final, Mathieu Jaton, patron du Montreux Jazz Festival, invita d’ailleurs les spectateurs à saluer la mémoire du légendaire chanteur par un tonnerre d’applaudissements. Marcus Miller, partenaire d’Al Jarreau pendant de longues années, fut également ému d’évoquer à notre micro celui qu’il accompagna sur scène à de nombreuses reprises. Derrière les sourires et la force expressive de tous ces artistes émérites, nous eûmes cependant le sentiment profond qu’une génération laissait place à une autre… C’est peut-être là le vœu de Stéphanie Aloysia Moretti, directrice artistique de cette académie : préparer l’avenir, préserver la flamme vitale du jazz, et insuffler le respect du patrimoine légué par les grandes figures de « L’épopée des Musiques Noires ».

 

Le site de Montreux Jazz Artists Foundation.

Bien que Ray Lema et Laurent de Wilde se connaissent, s’apprécient et se croisent sur les routes de France et de Navarre depuis plus de 25 ans, additionner leur talent respectif relevait malgré tout d’un joyeux défi. Trouver l’harmonie de deux musicalités, de deux identités, de deux empreintes culturelles, pouvait paraître périlleux, mais la virtuosité et le savoir faire de ces deux grands instrumentistes ont révélé la force expressive de leur complicité.

Au-delà de l’expérience enthousiasmante d’un dialogue pianistique, l’enregistrement de « Riddles » a symbolisé l’entente, le partage et l’unité, des valeurs humaines trop souvent bafouées dans un monde en quête d’équilibre et de sérénité. Penser que les traditions ancestrales sont un frein à l’harmonie universelle dit la méconnaissance de l’histoire des peuples à travers les âges. À aucun moment, Ray Lema et Laurent de Wilde n'ont douté de leur capacité à conjuguer leurs idiomes originels. Le fruit de ce mariage transpire dans chacune de leurs compositions.

Du blues américain aux traditions percussives congolaises, du ragtime de Jelly Roll Morton aux sonates de Jean-Sebastien Bach, l’échange instinctif de Ray Lema et Laurent de Wilde démontre une indéniable ouverture d’esprit et la volonté farouche de ne pas dresser de murs entre les genres musicaux, de ne pas s’arc-bouter, de ne pas résister au métissage inéluctable de « L’épopée des Musiques Noires ». Jouent-ils du jazz ? Qu’importe la dénomination ! L’enjeu est bien plus important que ces batailles lexicales. Il s’agit aujourd'hui de célébrer, dans une pluie de notes inspirées, la myriade de couleurs sonores que seuls les maestros savent produire.

 

Après un concert prodigieux, le 14 novembre 2016, à la Fondation Cartier pour l’Art Contemporain à Paris, Ray Lema et Laurent de Wilde livreront une nouvelle prestation dans un haut lieu du patrimoine français, le Petit Palais, le 18 mars 2017. Nul doute que leurs mélodieuses ornementations donneront de l’éclat à cette bâtisse plus que centenaire ! 

 

 

Le site de Ray Lema

Le site de Laurent de Wilde

Depuis plus de 40 ans, le percussionniste Roger Raspail rythme notre quotidien en insufflant les traditions gwoka de Guadeloupe aux œuvres de ses contemporains. De Pierre Akendengue à Cesaria Evora, de Chico Freeman à Papa Wemba, il a donné de nouvelles couleurs sonores à « L’épopée des Musiques Noires » sans jamais altérer son identité musicale ancestrale. Après des centaines de collaborations prestigieuses, ce maître rythmicien semblait avoir mis en sommeil ses propres productions, mais l’envie d’exprimer toute la diversité de son art fut plus forte. Cette conviction intime guida finalement son inspiration lors de l’enregistrement de « Dalva », son 2ème album en… 20 ans !

Cette attente insupportable pour nombre de ses admirateurs devait trouver sa justification par une élaboration méticuleuse et digne d’un répertoire ouvert sur le monde. Pour cela, Roger Raspail fit appel à de bons amis capables de refléter la myriade de cultures caribéennes dont il a su dessiner les contours au fil des décennies. Entouré de son camarade Alain Jean-Marie au piano, du violoncelliste Vincent Segal, du bassiste Patrice Caratini, ou encore du poète et chanteur trinidadien Anthony Joseph, le maestro donne le tempo et imprime l’écho de ses vaillants ancêtres antillais. 

Car, derrière ces nouvelles compositions, un engagement citoyen semble poindre et nous invite à l’écoute et au partage des connaissances. Être Guadeloupéen suppose une compréhension et un regard acéré de l’histoire du peuple noir. Savoir manier le tambour Ka ne relève pas seulement d’une virtuosité artistique indéniable, c’est transmette un patrimoine et affirmer son appartenance à une aventure humaine séculaire qui débuta dans la douleur de l’esclavage pour parvenir à l’émancipation et l’épanouissement expressif des populations de toute la Caraïbe.

 

 

Comme le martelait Roger Raspail dans l’album « Caribbean Roots » de son ami Anthony Joseph : « Je ne suis pas Français. N’oubliez jamais que nous sommes caribéens. Nous avons souffert et nous continuons le combat aujourd'hui. Nous représentons les racines, les racines caribéennes ». Ce militantisme vainqueur transpire dans le jeu aguerri de Roger Raspail. Les notes soigneusement cadencées de son dernier disque parlent aux temps anciens, luttent contre la résignation et célèbrent un héritage majeur hautement estimable.

 

Pour vous en convaincre, il vous suffira de vous rendre le 8 mars 2017 à Pierrefitte-sur-Seine, près de Paris, où Roger Raspail en famille livrera son message percussif dans le cadre du festival Banlieues Bleues.

 

Le site de Banlieues Bleues

Le site Facebook de Roger Raspail