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风格：后摇滚/现代古典/室内乐/IDM/Glitch电子/华尔兹与圆舞曲/福音/合唱/氛围/环境/噪音/实验/爵士元素/民谣/新民谣情感：童真的塌陷/狂欢式的焦虑/哀悼与纪念/温柔的抵抗/祝福与重生

TRACK LIST

• 00:00LAST WALTZ
• 03:31Plein Soleil
• 10:09Angel Ache
• 15:31Flowers of Romance
• 29:15Void
• 32:13Crystal Chrysalis
• 39:40in Silence / in Siren
• 45:38Radioactive Spell Wave
• 56:26Girl
• 1:04:56LAST BLINK

World's End Girlfriend《LAST WALTZ》

发行：2016-11-26（Virgin Babylon Records）

全长：70 分钟 / 10 首连续篇章

一句话定位

这是前田胜彦以“World's End Girlfriend”之名写给 18 年音乐人格的“安魂-庆生”二重奏——在 3·11 后的末世语境里，把死亡、童真与祝福跳成一支 70 分钟的圆舞曲。

1.  创作背景

• 3·11 地震、全球恐袭频发的时代氛围，让前田把原本抽象的“世界末日”概念落到现实。

• 专辑标题借用了 1978 年 The Band 的告别演出《The Last Waltz》，但意义相反：不是解散，而是以“终曲”名义重启。

• 封面使用中国当代艺术家蒋志的摄影作品《情书》——一束被火焰吞噬的玫瑰，暗示“毁灭即盛放”。

2.  音乐风格

• 核心：后摇滚-室内乐骨架 + IDM/glitch 脉冲 + 福音/华尔兹律动

• 声响版图：弦乐、钢琴、铜管、童声合唱、噪吉他、碎拍鼓机、田野录音自由穿插

• 关键词：静寂 ↔ 轰音、原声 ↔ 编程、旋律 ↔ 噪音的无缝横跳

3.  结构与情绪

全专 10 曲不间断，像一部三幕式电影：

① 童梦坠落：〈Genesis〉用音乐盒、童语采样与失真鼓构建“崩坏的游乐园”；

② 死亡圆舞：〈Scar Night〉、〈Helter Skelter Cha-Cha-Cha〉以 3/4 华尔兹节拍把焦虑、狂欢、悼亡搅拌成荒诞的“舞池”；

③ 抵抗与祝福：终章〈Birthday Resistance〉在 6 分钟静默铺陈后爆发出铜管与合唱，像废墟上的生日歌。

4.  客座阵容

• downy 吉他手青木裕带来噪响墙

• 汤川潮音、Piana 的童声/女和声增加“天使-幽灵”双重感

• 伦敦圣诗班 40 人实录，为〈Funeral March for the Last Century〉注入教堂残响

5.  现场延伸

2017-2019 巡演把整专搬到教堂、仓库与剧院，影像由台湾团队「叁式」操刀：火焰玫瑰、跳动心电图、儿童涂鸦在纱幕上层层剥落——观众形容“像在被火焰拥抱的废墟里过生日”。

一句话总结

《LAST WALTZ》不是终章，而是一封把毁灭写成祝福的情书；它让“世界末日女朋友”这个名字在废墟上跳完一支 70 分钟的圆舞，然后轻声说：我们仍值得一场生日。

World's End Girlfriend（中文常译为“世界末日女朋友”，简称 WEG）并不是一支传统意义的“乐队”，而是日本音乐家 前田胜彦（Katsuhiko Maeda） 的个人音乐计划。

•  身份：单人乐团，所有词曲、编曲、演奏、制作几乎都由前田一人完成。

•  出生：1975 年生于长崎五岛列岛，12 岁开始用键盘、吉他、磁带与电脑作曲，至今累计作品逾 600 首。

•  风格关键词：后摇滚、电子（electronica）、实验音乐、古典、爵士、电影配乐——常被形容为“悲情＋壮丽＋唯美”的混合体。

•  代表专辑：

– Ending Story（2000，梦幻静谧的首作）

– Hurtbreak Wonderland（2007，公认巅峰，凄美旋律与爆裂噪音交织的“破碎仙境”）

– Seven Idiots（2010，加入数学摇滚与 glitch，更显跳脱）

– LAST WALTZ（2018，个人哲学探索）

– Resistance & The Blessing（2023，灵魂轮回主题）

•  跨界合作：曾与后摇乐队 MONO 合作概念专辑 Palmless Prayer / Mass Murder Refrain（2005），并为是枝裕和电影《空气人偶》等配乐。

•  现场：演出时长常超两小时，配合灯光与影像，营造沉浸式“声画剧场”。

•  厂牌：自创 Virgin Babylon Records，持续发掘日本新声。

一句话总结：World's End Girlfriend 是前田胜彦用古典底蕴与电子先锋拼贴出的“一个人的交响诗”，既浪漫又暴烈，像一部永远在结局处戛然而止的电影。

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风格：后摇滚/氛围摇滚/独立民谣/原声民谣/室内流行/巴洛克流行/梦幻流行/氛围电子/钢琴抒情曲/艺术摇滚钢琴小夜曲/慢速电子/Glitch-Hop/另类古典/极简主义情感：解放/无邪/顽皮/温柔眷恋/敬畏与宏大/微醺的告别

TRACK LIST

• 00:00Gobbledigook
• 03:06Inní mér syngur vitleysingur (身体里的错乱歌声)
• 07:13Góðan daginn (再会)
• 12:28Við spilum endalaust (无休止地玩耍)
• 16:04Festival (节日)
• 25:29Með suð í eyrum (耳朵里的嗡嗡作响)
• 30:24Ára bátur
• 39:21Illgresi
• 43:34Fljótavík
• 47:24Straumnes
• 49:25All alright

Með suð í eyrum við spilum endalaust（冰岛语意为“耳畔嗡鸣，我们无休无止地演奏”）是 Sigur Rós 于 2008 年 6 月发行的第五张正式录音室专辑，也是他们第一次完全在冰岛以外写、录、混音的作品。

核心信息一览

• 发行时间：2008 年 6 月（Krunk / XL / Parlophone）

• 录制地点：纽约 Sear Sound、伦敦 Assault & Battery、哈瓦那 Egrem Studio 等多地

• 制作人：Flood 与乐队共同制作、混音；母带 Ted Jensen

• 时长/曲目：11 首歌，约 55 分钟

音乐风格：从“冰川”走向“阳光”

1.  更简洁、更明亮的曲式

‑ 与早期层层堆叠的长篇后摇滚不同，这张专辑普遍采用 3–5 分钟左右的段落结构，节奏更快，旋律更直接，被视为他们“最快乐、最松弛”的一次。

2.  大量原声与“人味”

‑ 受 2007 年纪录片《Heima》里不插电演出的启发，乐队刻意保留手指触弦、走音、环境噪音等“不完美”现场质感，减少以往标志性的绵长混响。

3.  配器与编制

‑ 伦敦 Sinfonietta 与伦敦圣诗班 90 人同步录音的〈Ára bátur〉；弦乐四重奏 Amiina、五件铜管组也在多曲中出现。

4.  语言

‑ 除最后一曲〈All Alright〉是乐队史上首次使用英语演唱外，其余为冰岛语或自创“Hopelandic”无意义吟唱。

曲目亮点

• Gobbledigook：手鼓、拍手、不规则节拍与近乎民谣的呼喊式合唱，完全打破“冰川慢板”刻板印象。

• Inní mér syngur vitleysingur：铜管＋弦乐的大合唱式“最昂扬”单曲之一。

• Festival：前半段极简钢琴与 Jónsi 假声，后半段爆发成 6/8 拍的史诗摇滚，曾被电影《127 小时》选用。

• Ára bátur：8 分 57 秒，90 人同步一次过录完，尾段弦乐与合唱层层堆叠，被乐迷称为“此生必听”版本。

• All Alright：呢喃式英语低吟、处理过的钢琴与铜管，在温暖中收束全专。

评价与影响

• Metacritic 综评 82/100，媒体普遍肯定其“可亲近却不媚俗”；乐迷口碑两极：有人雀跃于“阳光 Sigur Rós”，也有人怀念早期冰冷辽阔。

• 封面由美国摄影师 Ryan McGinley 拍摄的裸体奔跑人群，呼应“解放、自由”的主题，也成为当年最具话题性的唱片封面之一。

一句话总结

如果说过去的 Sigur Rós 像极光下的冰原，这张专辑就是仲午阳光下裸身跃入湖水的瞬间——更短、更亮、更暖，却依旧动人。

Sigur Rós（冰岛语意为“胜利的玫瑰”）是一支来自冰岛的传奇后摇滚/氛围摇滚乐队，成立于1994年，由主唱兼吉他手Jón Þór Birgisson（Jónsi）、贝斯手Georg Hólm和鼓手Ágúst Ævar Gunnarsson组成，后键盘手Kjartan Sveinsson加入，形成经典四人阵容。

他们的音乐风格极具辨识度，融合了氛围摇滚、后摇滚、古典元素与实验音乐，创造出空灵、梦幻又极具情感张力的声音世界。主唱Jónsi拥有极具穿透力的假声，常用大提琴弓拉奏电吉他，制造出独特的音色；乐队还常加入弦乐、合唱等元素，使音乐更具史诗感和空灵氛围。

Sigur Rós的歌词多使用冰岛语，甚至自创一种名为“Vonlenska”（Hopelandic）的无意义语言，强调声音本身的情绪表达，而非语义传达。

他们的代表作包括：

•  《Ágætis byrjun》（1999）：被广泛认为是他们的突破之作，其中的〈Svefn-g-englar〉一曲因出现在电影《香草天空》中而声名大噪。

•  《Takk...》（2005）：更为温暖明亮的专辑，进一步扩大了他们的国际影响力。

•  《()》（2002）：整张专辑无标题、无歌词说明，极具实验性与神秘感。

Sigur Rós的音乐常被形容为“天籁之音”，不仅是冰岛文化的代表之一，也深深影响了全球的后摇滚与氛围音乐场景。

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风格：黑自赏/后黑金属/新民谣/氛围音乐情感：极寒的孤独/柔软的怀念/失控的焦灼/向死而生的希望

TRACK LIST

• 00:00Uni
• 01:57北之国
• 09:14天道纪元
• 16:33黑甜乡
• 21:50阴乡物语
• 26:22海国物语
• 30:54梵天一梦
• 35:05Romance Dream In Solaris
• 40:27给尤尼的信
• 44:487维度
• 50:15返天

虚极乐队主唱的个人计划「水树 / Tassi」

• 身份：虚极（Bliss-Illusion）乐队主唱，个人计划以 Blackgaze / Post-Black Metal 为主。

• 作品：2020 年 5 月启动概念系列《北之国》，迄今已发行 5 张实体专辑、4 张黑胶（含法版、意版等海外版本），最新平行专辑《怪想录》2024 年签约意大利厂牌 Dusktone​。

• 主题：把佛学、唯美超现实主义写进金属音墙，歌词使用自创语，现场强调视觉与听觉合一的“森罗万象”氛围​​。

• 阵容：个人计划背后仍是虚极乐队原班人马；虚极本身则以“民乐＋金属”混搭、儒释道哲思见长，曾入围第 13 届迷笛奖“年度最佳重型音乐”等奖项​。

虚极乐队主唱的个人计划「水树 / Tassi」

• 身份：虚极（Bliss-Illusion）乐队主唱，个人计划以 Blackgaze / Post-Black Metal 为主。

• 作品：2020 年 5 月启动概念系列《北之国》，迄今已发行 5 张实体专辑、4 张黑胶（含法版、意版等海外版本），最新平行专辑《怪想录》2024 年签约意大利厂牌 Dusktone​。

• 主题：把佛学、唯美超现实主义写进金属音墙，歌词使用自创语，现场强调视觉与听觉合一的“森罗万象”氛围​​。

• 阵容：个人计划背后仍是虚极乐队原班人马；虚极本身则以“民乐＋金属”混搭、儒释道哲思见长，曾入围第 13 届迷笛奖“年度最佳重型音乐”等奖项​。

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风格：哥特金属/葬礼厄运/迷幻摇滚/太空摇滚/暗潮/环境音乐/中东/交响氛围情感：敬畏。疏离/沉溺/幻灭/乡愁/和解

TRACK LIST

• 00:00Wildhoney
• 00:53Whatever That Hurts
• 06:42The Ar
• 11:4625th Floor
• 13:36Gaia
• 20:04Visionaire
• 24:24Kaleidoscope
• 25:44Do You Dream of Me?
• 30:51Planets
• 34:04A Pocket Size Sun

Tiamat ‑ Wildhoney （1994）

一句话定位

这是瑞典金属史上“死亡金属与月之暗面（Pink Floyd）的第一次正面相撞”，也是哥特/氛围金属的里程碑。

基本信息

• 发行：1994 年 8 月 26 日，Century Media

• 时长：42 min（10 曲）

• 阵容：Johan Edlund（主唱/吉他/键盘/词曲核心）+ John Hagel（贝斯）+ 多位客座乐手

• 制作/混音：Waldemar Sorychta

曲目（无缝衔接，可当一整首 42 分钟长歌听）

1.  Wildhoney – 环境噪景 0:53

2.  Whatever That Hurts – 5:47（单曲 MV；中东音阶+女和声+厄运 riff）

3.  The Ar – 5:04（反乌托邦主题，节奏像哥特摇滚列车）

4.  25th Floor – 1:49（迷幻噪音过渡）

5.  Gaia – 6:26（自然女神颂歌，后半段有 Floyd 式双吉他）

6.  Visionaire – 4:19（最“金属”的一首，死厄 riff + 大合唱）

7.  Kaleidoscope – 1:20（短器乐桥）

8.  Do You Dream of Me? – 5:06（暗恋情歌，副歌大合唱极易洗脑）

9.  Planets – 3:12（太空合成器 + 清嗓）

10.  A Pocket Size Sun – 8:03（日落氛围，长篇迷幻尾声）

风格拼图

哥特金属／大气厄运／迷幻摇滚／暗潮／环境音效——所有元素被做成一张“概念式”整体，歌曲之间用森林、鸟鸣、合成器噪景无缝串场 。

情绪与主题

• 对自然的敬畏（Gaia）

• 存在主义焦虑（The Ar、Visionaire）

• 爱与孤独（Do You Dream of Me?）

• 末日后的宁静（A Pocket Size Sun）

制作轶事

• 录音室只有 Johan 与 John 两名正式成员，其余为客座乐手；Johan 事后承认“为了做这张唱片几乎把原阵容解散”。

• 制作人 Sorychta 同期还操刀了 Lacuna Coil、Grip Inc. 等，带来干净却“大空间”的音质。

市场与影响

• 销量：当年 Century Media 最畅销专辑，超过同厂牌 Grave、Unleashed 。

• 豆瓣评分 9.0（48% 五星、41% 四星）。

• 被 The Needle Drop、SputnikMusic 等评为“90 年代最被低估的杰作之一”。

• 后世哥特/厄运/后黑金属（如 Agalloch、Harakiri for the Sky、现代 Opeth）均公开承认受其影响。

一句话总结

如果你想知道极端金属如何优雅地长出迷幻羽翼，Wildhoney 就是那张“一生必听”的教科书。

Tiamat（中文常译“泰麦特”）是一支来自瑞典的“变色龙”式金属乐队，1988 年以 Treblinka 之名成立，1990 年改为现名。三十多年来，它几乎经历了极端金属→哥特金属→哥特摇滚/暗潮→电子氛围的全部光谱，唯一不变的是主脑 Johan Edlund 对“阴郁、唯美、宏大”这一美学的执念。

一、核心成员

• Johan Edlund（主唱 / 吉他 / 键盘 / 主创）：乐队灵魂，从 1988 年至今始终是唯一稳定成员。

• 其余位置长期流动，曾与 Anders Iwers（后加入 In Flames）、Lars Sköld、Thomas Petersson 等人合作。

二、风格演变

1.  早期（1988-1992）——死亡/厄运金属

专辑：《Sumerian Cry》(1990)、《The Astral Sleep》(1991)、《Clouds》(1992)

特征：粗粝的瑞典死亡金属 riff、缓慢厄运节拍、撒旦/苏美尔神话主题。

2.  转折巅峰（1994-1997）——哥特/氛围金属

专辑：里程碑《Wildhoney》(1994)、《A Deeper Kind of Slumber》(1997)

特征：把死亡金属的厚重与 Pink Floyd 式的迷幻空间感、哥特女声/合成器氛围融合，被誉为“死亡金属与月之暗面的碰撞”。

3.  哥特摇滚 / 暗潮（1999-2003）

专辑：《Skeleton Skeletron》(1999)、《Judas Christ》(2002)、《Prey》(2003)

特征：吉他让位于电子 Loop、低沉男中音、Sisters of Mercy 式节拍，旋律更流行。

4.  电子 / 氛围摇滚（2008-至今）

专辑：《Amanethes》(2008)、《The Scarred People》(2012)

特征：Trip-Hop 鼓机、合成器主导，哥特美学的电子化延伸。

三、代表专辑快速索引

• 入门首选：Wildhoney（1994）

豆瓣 9.0 分，被无数哥特/金属乐迷列为“一生必听”——《Whatever That Hurts》《A Pocket Size Sun》两首即体验其宏大与凄美。

• 早期极端：The Astral Sleep（1991）

纯正瑞典死亡厄运，双吉他旋律线与 Johann 的低吼交织。

• 暗潮哥特：Skeleton Skeletron（1999）

电子鼓 + 哥特男声，夜店感与末世感并存。

四、现场与影响

• 2024 年 6 月，Tiamat 受邀登上法国 Hellfest 主舞台，以“Gothic Metal”定位重归大型金属节。

• 对后续哥特金属（Lacuna Coil、Theatre of Tragedy）、氛围黑/后黑金属乐队（如 Agalloch、Harakiri for the Sky）皆有深远影响。

一句话总结

Tiamat 是一条横跨极端金属与哥特暗潮的“音乐变色龙”，从早期的死亡咆哮到后期的电子低语，始终用宏大、阴郁、唯美的声场讲述灵魂深处的荒凉与浪漫。

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风格：传统民谣/古典/室内乐/极简主义/梦幻民谣情感：易碎感/私密的不安/冷冽的决裂/微光的希望/回声版的怀念

TRACK LIST

• 00:00不和リン
• 03:30ココロノセカイ
• 06:32ポシェットのおうた
• 08:13重たい睫毛
• 12:36路標
• 16:07光蜥蜴
• 18:05遠いあこがれ
• 21:07腸髪のサーカス

《剃刀乙女》（Kamisori Otome）是青葉市子在 2010 年 1 月 20 日、19 岁当天发行的首张正式专辑。这张以古典吉他弹唱为核心、全长仅 27 分钟的迷你专辑，奠定了她后来被称为“森林系吟游诗人”的声音底色。

1.  音乐与编制

• 极简编制：全程只有一把古典吉他和她近乎耳语的清澈嗓音，无任何额外伴奏，却依靠细腻的指弹与呼吸般的节奏变化，营造出既脆弱又锐利的氛围，呼应标题“剃刀”与“少女”并置的意象。

• 曲式自由：8 首歌都像即兴写成的短篇抒情诗，旋律线条不循常规流行结构，而是“纵横无尽的 freestyle”，听感上如微风吹过叶面，轻轻颤动又很快消散。

• 情绪核心：歌词多取自梦境与日常缝隙——睫毛的重量、口袋里的旧车票、马戏团的肠发（肠子与头发并置的奇想）——呈现出青涩而凛冽的青春痛感。

2.  曲目（8 首，括号内为直译）

3.  ココロノセカイ（心的世界）

4.  重たい睫毛（沉重的睫毛）

5.  ポシェットのおうた（小手提包之歌）

6.  不和リン（Un-Ring）

7.  腸髪のサーカス（肠发马戏团）

8.  剃刀乙女（标题曲）

9.  光蜥蜴（Hikari Tokage）

10.  さよなら（告别）

11.  包装与附加物

首版附赠一本由青葉市子亲手绘制的小绘本《光蜥蜴》，用童话般的笔触讲述一只透明蜥蜴寻找光源的故事，与专辑“微光／易碎”主题互为注脚。

12.  评价与影响

• 豆瓣评分 9.0（43.4% 五星、47.8% 四星），被誉为“回忆包裹的开信刀”。

• 乐评人常用“冷冽而温柔”“像午后口干舌燥时的一口清茶”来形容它的耐听度。

• 对后来日本乃至华语独立女声极简民谣有显著示范效应；Cornelius、細野晴臣等前辈也因其“清透暖流般的日式质感”而主动合作。

一句话总结

《剃刀乙女》是一把用 27 分钟轻轻划开青春皮肤的“温柔刀片”——极简、短促，却留下长久的余白与回响。

青葉市子（Ichiko Aoba，1990 年 1 月 28 日—）是出生于京都、成长于千叶县浦安市的日本独立民谣唱作人。17 岁起自学古典吉他，19 岁在东京以专辑《剃刀乙女》正式出道。她的音乐以“一人一古典吉他＋呢喃式人声”的极简编制著称，被称为“森林精灵在耳边吟唱”，作品灵感多来自梦境与大自然。

• 作品与风格

已发行 5 张正式专辑，包括 2020 年广受好评的《Windswept Adan》（被乐评频道 The Needle Drop 打出 9 分）及 2025 年的新作《Luminescent Creatures》。除吉他外，她还会钢琴、单簧管、手风琴、长笛等多种乐器，近年与作曲家梅林太郎合作，把室内乐、环境声采样融入民谣框架。

• 现场与跨界

曾在新加坡、马来西亚、泰国、韩国及港台等地巡演；2022 年与英国 12 Ensemble 在伦敦合作，2025 年 2 月又与香港管弦乐团同台。此外，她也为舞台剧、电影（如《这里是亚美子》）配乐，并获第 77 届每日电影奖最佳音乐奖。

• 个人标签

MBTI 为 INFP-T，自称“与想像中的朋友们一起生活”，平日热衷于腌制味噌、培养红茶菌，把生活实验精神也带进音乐。

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风格：后摇滚/现代古典/室内乐/自由爵士/冷爵士/氛围音乐/数学摇滚/电影配乐/史诗摇滚情感：离别的悬空感/自我对话/自然尺度的恐惧与敬畏/抵达后的空档

TRACK LIST

• 00:00Transatlantic
• 23:01Transiberian

专辑《Transatlantic // Transiberian》

发行信息

•  发行时间：2025 年 5 月 2 日

•  厂牌：Dunk!Records / Overdrive

•  规格：黑胶 12''，限量 50 张；数字版同步上线 Bandcamp 

音乐结构

整张专辑由两条 20 分钟以上的长篇组曲构成，对应两条横跨大陆的旅程——

1.  Transatlantic

以钢琴与吉他的波浪式琶音开场，模拟船体在无尽大洋上的起伏；铜管与弦乐层层叠入，制造风暴、暗涌与孤寂的“船鸣”效果，情绪在 12 分钟左右爆发成巨大的吉他／萨克斯／鼓交织的漩涡，随后沉入一片静默，像船只最终消失在水平线 。

2.  Transiberian

用钢琴与低音鼓的“咔哒”节奏模拟火车压轨，动机比前篇更线性；中段加入手风琴与低音单簧管，描绘雪原与蒸汽。15 分钟后所有乐器同步加速，铜管以高亢的长音撕裂轨道，最后以一次近乎金属的失真墙收尾，列车撞进暴风雪般的音墙，戛然而止 。

声音与编制

•  现场录制于米兰的一间旧仓库，乐队动用了 18 名乐手：常规三大件 + 弦乐五重奏 + 木管四重奏 + 铜管三重奏 + 额外打击乐与手风琴。

•  制作上刻意保留房间混响与乐器间的呼吸声，使听者能感受到“空间在演奏”。

评价与关键词

•  欧洲后摇媒体将其形容为“Godspeed-ian 的宏大、Grails-ist 的精细、Mogwai-esque 的怪异，再加米兰式的优雅”。

•  Bandcamp 评论区出现最多的词是“cinematic”、“railway hypnosis”、“oceanic dread”。

一句话总结

《Transatlantic // Transiberian》像一张声音地图：A 面是风暴中心的大西洋，B 面是零下四十度的西伯利亚列车——听完你会同时感到湿透与冻僵。

Goodbye, Kings 是一支来自意大利米兰的后摇滚/器乐摇滚团体，目前在国际范围内仍相对小众，但在欧洲后摇场景里已拥有一批忠实听众。

•  规模与编制：乐队最大的特点是“流动性”阵容——现场演出时上台的音乐家少则 10 人、多则 20 人，核心成员之外常加入管乐、弦乐与额外的打击乐手，因此常被形容为“一支小型管弦乐团”。

•  音乐风格：以长时间的氛围铺陈、多层吉他音墙与铜管/木管交织的宏大旋律著称，作品里既有传统后摇的爆发与静默对比，也带一点现代古典和爵士的影影绰绰。

•  现场体验：看过 Dunk!Festival 的观众回忆，他们曾在露台做过一场无舞台（no stage）的“secret show”，乐迷半包围着乐队，阳光、萨克斯与长号的旋律同时倾泻而下，被称为“不可复制的回忆杀”。

•  代表作品：目前官方发行的作品并不算多，现场演出频率也低，但每一次出现几乎都能在社交网络上引发“炸裂级”口碑，B 站上可找到他们授权的 2025 Dunk!Festival 现场视频（BV17kTjz5EoF）。

一句话总结：Goodbye, Kings 是一支把“后摇滚”做出室内乐精致感、又把“室内乐”做出摇滚爆发力的“人多势众”型乐队，想感受他们的魅力，现场是唯一正解。

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风格：数学摇滚/后摇滚/爵士乐/R&B情感：焦虑/不安/宁静/自省/温暖/希望/孤独/复杂

TRACK LIST

• 00:00反逆する風景
• 00:58孤独の発明 (孤独的发明)
• 04:21tremolo+delay
• 07:25むこう岸が視る夢 (梦见对岸)
• 12:07all I understand is that I don't understand
• 17:01C
• 21:09past and language
• 26:40music for you
• 28:28I do still wrong
• 31:29メトロノーム (节拍器)
• 35:07everything means nothing

《The Book About My Idle Plot On A Vague Anxiety》是日本数学摇滚乐队toe于2005年8月31日发行的首张录音室专辑。这张专辑是乐队的标志性作品之一，奠定了他们在数学摇滚和后摇滚领域的地位。

专辑特点

•  风格融合：专辑融合了数学摇滚的复杂节奏和后摇滚的旋律性，同时加入了爵士、R&B等元素，形成了独特的风格。

•  鼓点突出：鼓手柏仓隆史的演奏是专辑的一大亮点，他的鼓点精准而富有感染力，被认为是乐队音乐的核心。

•  旋律与情感：尽管是器乐专辑，但toe通过吉他和贝斯的旋律，以及鼓点的节奏变化，传达出丰富的情感。

专辑曲目

专辑包含11首歌曲，总时长约为38分钟。以下是一些备受好评的曲目：

•  《孤独の発明》：以简洁的吉他旋律和富有节奏感的鼓点为特色，展现了乐队对复杂节奏的掌控。

•  《past and language》：是乐队的代表作之一，旋律优美，节奏变化丰富。

•  《everything means nothing》：以舒缓的旋律和细腻的鼓点结束整张专辑，给人以宁静之感。

专辑评价

•  专业评价：这张专辑在数学摇滚领域获得了极高的评价，被认为是该流派的经典之作。AllMusic称赞其为“充满情感和细节的作品”。

•  乐迷评价：乐迷们普遍认为这张专辑是数学摇滚和后摇滚的完美结合，每次聆听都能发现新的细节。许多乐迷表示，专辑的封面设计也极具吸引力，激发了他们对乐队的兴趣。

影响

《The Book About My Idle Plot On A Vague Anxiety》不仅在日本，还在国际上获得了广泛的认可。它被认为是数学摇滚领域最具影响力的专辑之一，对后来的乐队产生了深远的影响。

总的来说，这张专辑是toe音乐旅程的开端，也是他们艺术成就的重要体现。

toe 是一支成立于 2000 年的日本东京数学摇滚、后摇滚乐队，由吉他手山嵜广和、美浓隆章，贝斯手山根敏史，鼓手柏仓隆史组成。乐队名字“toe”在英语中是“脚趾”的意思，而在日语中“とえ”是“唉”的意思。

音乐风格

•  融合多元风格：toe 的音乐融合了数学摇滚的节奏复杂性、后摇滚的情感表达，还加入了爵士、R&B 和电子音乐等元素。他们的歌曲结构复杂，旋律清新细腻，既有力量又充满转折。

•  以鼓为核心：乐队的鼓手柏仓隆史的演奏精准，节奏控制精妙，军鼓颗粒感十足，重音和鬼音清晰，能迅速从快速滚奏转向轻柔镲片演奏，收放自如，为音乐营造出丰富的情感氛围。

•  注重乐器配合：toe 的音乐没有主唱，也没有一种乐器主导，而是通过乐器之间的互相配合，像在画布上作画一样，形成一幅色彩缤纷的音乐画卷。

代表作品

•  专辑：2005 年发行的首张专辑《the book about my idle plot on a vague anxiety》在器乐和实验音乐领域留下标志性印记；2009 年的《For Long Tomorrow》也是备受好评的作品；2023 年的新专辑《NOW I SEE THE LIGHT》则由早期的爆发性逐渐转向近年的实验性克制。

•  单曲：《Because I Hear You》是他们的代表作之一；《past and language》也是备受乐迷喜爱的作品。

现场演出

toe 以全情投入的忘我演奏、流畅的旋律、灵动多变的节奏和精湛的技术著称，现场表演极具感染力。他们的演出形式也很特别，成员面对面演奏，观众与乐手距离很近，氛围独特。乐队多次参与日本 Fuji Rock 音乐节，还登上过英国 ArcTanGent 音乐节等国际舞台，其现场演出在欧美和南美洲都一票难求。

影响力

toe 不仅引领了日本的后摇滚潮流，还成功举办了多次欧美巡演，活跃在国际舞台上。他们对东亚地区乃至亚洲的数学摇滚、后摇滚风格产生了深远影响，定义了亚洲数学摇滚乐队的标准。

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风格：黑金属/自赏/后摇滚/梦幻流行/古典音乐情感：梦幻/怀旧/孤独/渴望/宁静/希望/赞美

TRACK LIST

• 00:00Printemps émeraude (翡翠之泉)
• 07:19Souvenirs d'un autre monde
• 13:28Les iris (鸢尾花)
• 21:09Ciel errant (游离的天空)
• 28:22Sur l'autre rive je t'attendrai (我在彼岸等待)
• 35:12Tir nan og

《Souvenirs d'un autre monde》是法国乐队 Alcest 的首张专辑，于 2007 年 8 月发行。这张专辑是乐队音乐风格转变的重要标志，它将黑金属与自赏派（Shoegaze）和后摇滚（Post-rock）元素完美融合，为听众营造出一个梦幻般的异世界。

专辑背景

专辑名称《Souvenirs d'un autre monde》意为“另一个世界的记忆”，灵感来源于乐队主创 Neige 自幼幻想的“梦幻岛”。他希望通过音乐让听众感受到一个远离现实、充满诗意的奇妙世界。专辑封面延续了乐队之前 EP《Le Secret》的风格，使用孩童肖像搭配模糊的森林背景，营造出一种神秘而梦幻的氛围。

音乐风格

这张专辑的音乐风格与传统的黑金属截然不同。它摒弃了黑金属的黑暗、粗糙和邪恶，转而采用空灵的颤音 riff、清嗓和键盘合成器，营造出清新柔美的氛围。专辑中既有黑金属的戏剧化冲突，又有后摇滚的唯美浪漫，整体听感如同阳光穿透阴霾，给人以豁然开朗之感。

专辑曲目

专辑包含以下曲目：

1.  Printemps Émeraude：以清新的吉他旋律开场，营造出春天般的生机与活力。

2.  Souvenirs D'un Autre Monde：专辑同名曲，完美展现了梦幻与现实的交织。

3.  Les Iris：以柔和的旋律和优美的和声，描绘出鸢尾花的美丽。

4.  Ciel Errant：空灵的吉他和键盘营造出漂浮在天空中的感觉。

5.  Sur L'autre Rive Je T'attendrai：充满诗意的歌词和旋律，仿佛在等待着某个美好的瞬间。

6.  Tir Nan Og：以梦幻般的氛围结束整张专辑。

专辑影响

《Souvenirs d'un autre monde》不仅在黑金属领域引起了轰动，还吸引了大量自赏派和后摇滚乐迷的关注。这张专辑的成功，让 Alcest 成为“黑视”（Blackgaze）风格的开创者之一，为后来的乐队如 Deafheaven 等提供了灵感。它也引发了关于“Post-Black Metal 是否属于黑金属范畴”的讨论，成为黑金属领域的一个重要里程碑。

总的来说，《Souvenirs d'un autre monde》是一张充满诗意和梦幻色彩的专辑，它不仅展现了 Alcest 的音乐才华，也开启了后黑金属的新篇章。

Alcest 是一支来自法国的后黑金属/自赏派乐队，以下是关于它的简单介绍：

成立背景

Alcest 最初是由 Neige（Stéphane Paut）于 2000 年创立的黑金属独奏项目，随后逐渐发展为三人阵容，但 2001 年乐队首张 demo 发行后，最初的两位成员 Aegnor 和 Argoth 离开，Neige 再次成为唯一成员。2009 年，鼓手 Winterhalter 加入乐队。

音乐风格

乐队的音乐风格经历了从黑金属向自赏派（Shoegaze）和后摇滚的转变。2005 年发行的 EP《Le Secret》被认为是乐队风格转变的开端，这张 EP 被视为梦幻的赞美诗，而非传统的黑金属唱片。此后，乐队的音乐风格逐渐融入了更多自赏派和后摇滚元素，营造出梦幻、飘渺的音乐氛围。

代表作品

•  2007 年发行的首张专辑《Souvenirs D'un Autre Monde》是一张浪漫到骨子里的唱片，Neige 头脑中关于梦幻岛的美好想象在专辑中得到诗意的体现。

•  2014 年的专辑《Shelter》标志着乐队向自赏派风格的进一步转变。

•  2024 年发行的专辑《Les chants de l'aurore》也延续了其独特的后黑金属/自赏风格。

乐队影响

Alcest 被广泛认为是“黑视”（Blackgaze）/后黑金属风格的开创者之一，尤其是 2005 年的 EP《Le Secret》对这一风格的发展起到了重要的推动作用。乐队的音乐充满了对梦幻世界的描绘和对美好事物的追求，展现了法国式的浪漫气质。

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第三届Can festival参演乐队经典专辑介绍

这次是：Hope the flowers

风格：后摇滚/摇滚/电子音乐/爵士乐情感：温暖/深沉/激情/神秘/怀念

TRACK LIST

• 00:00Intro
• 01:38For You My Sky
• 07:01Tree, Flower, Wind
• 13:54I'm Sorry to Say
• 20:07Lost River in My Home
• 26:42I Can't Be on Earth
• 34:41Blessing from Star
• 42:19Sun Is Godless
• 49:33For You My Sky (Edit Version by Merry Murkx)
• 54:50Tsuki No Minna

《Nature of Everything》是 Hope the Flowers 于 2014 年 6 月 20 日发行的首张录音室专辑。这张专辑共有 10 首歌曲，总时长约为 61 分钟。

这张专辑以其温暖而明亮的后摇风格著称，融合了摇滚、电子和爵士元素。它被形容为一次充满力量、神秘、休息和奇迹的音乐之旅。专辑的封面插画也与乐队的音乐风格十分契合，给人一种宁静而美好的感觉。

《Nature of Everything》在发行后获得了广泛的好评，被许多乐迷和评论家认为是 Hope the Flowers 的一个非常成功的起点。它还获得了 2015 年 Kom Chad Luek 奖最佳器乐和最佳录音奖的提名。

Hope the Flowers 是一支来自泰国曼谷的器乐后摇乐队，成立于 2013 年，由团长兼吉他手 Hon Narongrit Ittipolnavakul 创立。乐队最初是 Hon 的一个个人项目，后来逐渐发展成为一支完整的乐队。

音乐风格

乐队的音乐风格融合了摇滚、电子和爵士元素，创造出富有情感和层次感的音乐景观，符合后摇的美学。他们的音乐通常以吉他、贝斯、鼓、小号和小提琴等乐器演奏，营造出温暖而明亮的氛围。

代表作品

•  《Nature of Everything》：这是乐队 2014 年发行的首张专辑，获得了 2015 年 Kom Chad Luek 奖最佳器乐和最佳录音奖的提名。

•  《I Miss You》：2017 年发行的第二张专辑，获得了 2017 年度季节奖最佳器乐奖提名。

•  《Sonorous Faith》：2020 年 6 月推出的概念性专辑，分为两部分，第一部分更具侵略性和沉重感，第二部分于 2023 年 5 月发布，回归温婉明亮的风格。

演出经历

乐队在泰国后摇场景中已经深耕超过十年，曾在 Big Mountain、Bangkok Music City、CATEXPO 等知名音乐节中演出。2024 年，他们与日本器乐乐队 AMALA 在中国进行了联合巡演。

乐队理念

乐队相信音乐能为人带来希望，即使是对生活感到绝望的人，也能通过他们的音乐找到勇气和前进的力量。

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第三届Can festival参演乐队经典专辑介绍

这次是：Astodan

风格：后摇滚/后金属/自赏/另类摇滚情感：敬畏/宁静/开阔/宣泄/神秘/深邃

TRACK LIST

• 00:00Relocate
• 08:30Oath
• 14:38The Falls
• 21:59Évora
• 24:31Nothing
• 32:51Reconcile

• 基本信息：2022年5月6日通过dunk!唱片发行，这是乐队的第三张专辑，也是首张包含人声的专辑。

• 音乐风格：融合了后摇滚、后金属、自赏、另类摇滚等元素，以富有情感和旋律的吉他演奏为核心，搭配多变的节奏、厚重的贝斯和电子元素，构建出层次丰富的音乐景观。

• 主题与概念：专辑名源于葡萄牙埃武拉的人骨教堂，部分灵感来自该教堂，如专辑同名曲仿佛渗透着教堂的氛围，让人感受到生命的脆弱与消逝。

• 曲目亮点：每首曲目都独具特色，同名曲《Évora》虽短却极具感染力，以开阔感、回声吉他线、女性低语般的人声和心跳般的鼓点营造出神秘氛围；其他曲目则在旋律、节奏和情感表达上各有千秋，共同构成完整的音乐体验。

• 制作与表现：清晰利落的制作，使各种乐器和人声在混音中都有清晰的定位和表现，既营造出宏大的氛围段落，也有细腻的情感表达，展现出乐队对音乐的精准把控和深厚的创作实力。

• 乐队基本信息：Astodan是一支来自比利时的六人后摇/后金乐队，2016年成立于布鲁塞尔，成员分别来自比利时不同城市。

• 音乐风格：融合后摇滚与金属元素，以清晰利落的制作、源自金属乐的音色为特色，将氛围音景与强烈激昂瞬间相融合，旋律优美且富有情感，充满宿命感。

• 音乐作品：2018年发行首张专辑《Ameretat》，从丧葬仪式中汲取灵感，探讨死亡、重生与来世等主题；2020年发布第二张专辑《Bathala》；2025年发行第四张录音室专辑《Dirges》，用人声与器乐营造出脆弱、荒芜又愤怒、压抑的氛围。

• 现场演出：2020年因疫情无法宣传《Bathala》，便在比利时阿尔肖特的加斯图斯教堂录制了整套演出曲目，包含第二张专辑的许多歌曲以及首张专辑的部分歌曲。

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