En 1991, le Prix Pulitzert distinguait le livre Backlash. La guerre froide contre les femmes de Susan Faludi qui fait une histoire du féminisme américain du point de vue du « retour de bâton », du « backlash » qui a fait suite aux revendications d’autonomie portées par les féministes des années 1960 et 1970. Si Susan Faludi s’est concentrée sur les discours qui ont voulu dévaloriser les revendications d’émancipation, il y a un backlash musical qui consiste à ridiculiser et caricaturer les féministes en chansons.

Dans ce numéro « Backlasher » de Metaclassique, nous allons tenter de faire un backlash au backlash en procédant à une écoute critique de ces chansons misogynes, ouvertement anti-féministes, avec deux musicologues qui ont bien voulu tirer de leurs thèses respectives les quelques chansons misogynes qui partagent le point commun de vouloir recadrer des revendications féministes dans deux contextes distincts : Catherine Harrison-Boisvert a travaillé sur la façon dont la rhétorique politique des suffragettes a évolué en chanson et Maria Teresa Betancor Abbud qui s’est engagée dans une histoire sonore du mouvement féministe autonome italien (1968-1978) qui a dû faire face à quelques retours de bâton.

Une émission animée et envoyée par David Christoffel.

Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Comme s’il voulait protéger son opéra Porgy and Bess de quelque sorte de blanchiment, George Gershwin a tenu à ce que son opéra soit toujours joué par des interprètes afro-descendants. Mais dans la mesure où le livret écrit par Ira Gershwin et de DuBose Heyward, laisse passer quelques préjugés raciaux dans la construction de ses personnages, il pourrait être tentant et sûrement très légitime de vouloir de déraciser les personnages. C’est notamment ce qu’a proposé Solène Laurent dans un travail mené au CNSMD de Paris qui lui a valu de remporter en 2024 le Prix de la recherche artistique, un prix initié par Anne de Fornel, directrice de la recherche du CNSMD de Lyon, en partenariat avec le CNSMD de Paris, la HEM de Genève, l’HEMU de Lausanne et Metaclassique.

Pour ce numéro « Stéréotyper », nous recevons donc Solène Laurent avec qui nous convenu de co-inviter la chanteuse Marie-Claude Bottius qui a bien voulu se prêter au jeu de lire le mémoire de Solène Laurent et qui est elle-même engagée dans un projet à la découverte des personnages féminins noirs du répertoire lyrique.

Une émission échafaudée et orchestrée par David Christoffel.

Avec la participation du méthodologologue Aurélien Poidevin.

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« L’image et celui dont elle est l’image son un, en tant que tels. » écrit Maître Eckhart, pour qui : « La raison de l’image est qu’elle soit expressive de tout son être pleinement, dont elle est l’image, non pas expressive de quelque chose détermine en son modèle ».

Quand il chante Guillaume de Machaut, le chanteur Michael-le Grebil Liberg se projette dans sa voix avec assez douceur pour pouvoir s’y contempler et faire un avec l’image qu’il est en train de produire de la ligne vocale qui est donc en train de l’acter en modèle.

Avant d’avancer plus loin, on peut d’ores et déjà comprendre que, pour rencontrer une justesse d’être en chantant Guillaume de Machaut, la lecture de Maître Eckhart peut donner des éléments de description de l’Ymage. L’Ymage est le titre du coffret que Michael-le Grebil Liberg a publié où l’enregistrement de son interprétation de Guillaume de Machaut s’articule avec un livret qui raconte le cheminement, les lectures, les émotions esthétiques qui se sont assemblées au fil de sa performance de l’œuvre de Machaut.

Au cours de cette émission, nous allons entendre Michael-le Grebil Liberg chanter Machaut, mais aussi revenir sur les références dont il a mûri son approche de l’œuvre de Machaut, dont la douceur manifeste pourrait devenir programmatique. C’est pourquoi, nous avons intitulé cet épisode de Metaclassique « doucir », pour sentir comme cette douceur de l’approche de Machaut par Michael-le Grebil Liberg est à son tour adoucie par les lumières qui surgissent de ses affinités avec la pensée de Georges Didi-Hubermann, Édouard Glissant, Georges Steiner ou encore de cinéastes comme Jean Epstein et Jean-Luc Godard.

Une émission assouplie et dépliée par David Christoffel.

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Depuis une quinzaine d’années, les publications se multiplient pour faire connaître le matrimoine musical. C’est comme ça que des noms tels que Elisabeth Jacquet de la Guerre, Armande de Polignac, Emilie Mayer, Lise Christiani ont fait l’objet d’enregistrements, de livres : autant de manières de faire circuler leur travail et de faire connaître leur nom. Mais au moment de chercher de l’iconographie pour ces publications, les éditeurs et éditrices ont souvent un peu de mal à en trouver et, quand ils en trouvent, les images reflètent souvent plus les stéréotypes de genre de l’époque que la personnalité des musiciennes en question. Dans Musiciennes. Enquête sur les femmes et la musique, Hyacinthe Ravet écrit qu’« une différence de valeur persiste au regard de la création artistique entre ce qui est connoté comme féminin ou masculin, voire ce qui est produit par une femme ou par un homme[1]. » C’est dire si la visibilité des compositrices ne saurait se promouvoir en quantité sans s’inquiéter de la manière dont elle est véhiculée. Et puisqu’il est bien entendu que la différence de genre entre un et une symphoniste ne s’entend pas à l’oreille, il peut être symptomatique que les enjeux propres de l’audibilisation ne peuvent venir à bout des biais de la visibilisation. Reste à préciser symptomatique de quoi. Pour ce faire, nous recevons Sarah Hassid et Amandine Lebarbier qui ont coordonné pour le 59è numéro de la revue Sociétés & représentations un dossier intitulé Figures de musiciennes. Mises en scènes, en images et en récits (xixe-xxie siècle).

Une émission voulue et cousue par David Christoffel.

[1] Hyacinthe Ravet, Musiciennes. Enquête sur les femmes et la musique, Paris, Autrement, coll. « Mutations/sexe en tous genres », 2011, p. 251.

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Depuis une quinzaine d’années, des pianos sont installés dans les gares. On peut y entendre des pianistes confirmés faire des concerts impromptus en attendant leur train. On peut aussi entendre des pianistes débutants jouer en boucle la musique que Yann Tiersen a composé pour Amélie Poulain. Et puis, il y a des pianistes qui ne sont pas débutants, qui sont même très virtuoses, mais qui n’ont pas encore été dans les conservatoires. En complicité avec la Biennale du piano collectif, Metaclassique est allé à la rencontre de quatre pianistes qui ont commencé à faire de la musique en autodidacte pour ne se présenter au conservatoire qu’après avoir acquis un grand niveau technique et un intérêt prononcé pour Chopin, Liszt et Beethoven. Leurs témoignages seront commentés par le pédagogue du piano Paul Hoguet et le neuropsychologue Hervé Glasel. Un documentaire qui commence à la Gare de Marseille, avec Benoît Le Gall au piano et quelques auditeurs attroupés qui racontent leur histoire avec le piano et avec la musique.

Un documentaire conçu et manoeuvré par David Christoffel.

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#grand siècle

Jouer les pièces de viole de gambe de Marin Marais pose aussitôt la question : faut-il y ajouter des ornements ? La violiste Florence Bolton dit que « c’est sur la musique de Marais que j’ai envie de rajouter le moins d’ornements » pour des raisons essentiellement historiques. Mathilde Vialle ne rajoute que très rarement des ornements pour des raisons plus esthétique, en disant qu’elle trouve cela « très beau comme ça ». François Joubert-Caillet fait même « une distinction entre Marais pédagogue, qui écrit des doigtés, des ornements et des doubles par pur sadisme pédagogique pour faire progresser ses élèves, et Marais “live” qui joue sa musique sur le moment. » – au point qu’il en joue même moins qu’il en est écrit.

Ces trois violistes ont été interrogé sur la question par la violiste Juliette Guichard : élève de Myriam Rignol au CNSMD de Lyon, son travail de master a été lauréat du Prix de la recherche artistique 2025 remis à l’HEMU de Lausanne, en partenariat avec Metaclassique. Et pour soupeser en grand les questions soulevées par son travail, c’est avec les violistes Vittorio Ghielmi et Jonathan Dunford que Juliette Guichard nous a rejoint au studio Alain Trutat de la SCAM pour enregistrer ce numéro « Agrémenter » de Metaclassique.

Une émission organisée et animée par David Christoffel.

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Quand la musique évoque l’eau, on y entend l’évocation de la nature et voilà qu’on en oublierait presque de répondre à l’invitation à s’y refléter. Faudrait-il être rappelé à l’ordre par les réflexions de Bachelard sur le poète qui regarde dans l’eau pour y trouver une forme littéralement fondamentale d’initiation musicale. Comme dit la musicologue Marie-Pierre Lassus : « Bachelard savait mieux que personne, qu’une musique, qu’un dessin d’enfant, ou même une démarche sentie, quand elle s’accompagne, chez certains êtres, d’un orchestre invisible, communique plus de vie que n’importe quelle analyse, impuissante à exprimer directement ces choses. » En répertoriant tous les noms de musiciens, musicologues et chanteurs cités dans ses livres, la musicologue a non seulement éclairé la sensibilité musicale de Bachelard, mais aussi montré qu’en lecteur des recherches ethnomusicologiques de ses contemporains, sa pensée tient d’une expérience de l’écoute, une manière d’apprendre à entendre. Pour faire un tour d’horizon des goûts musicaux du philosophe et envisager les endroits de sa pensée qui peuvent être travaillés par sa musique, Marie-Pierre Lassus a signé aux Presses du Septentrion, l’étude Gaston Bachelard musicien, et est l’invité de ce numéro « Refléter » de Metaclassique.

Une émission réfléchie et réfléchie par David Christoffel.

#pensées philosophiques de la musique

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Il y a bien des raisons qui rendent si compliqué de parler de musique. Comme il y a des gens qui clament que la musique exprime l’inexprimable, tout ce qu’on pourrait chercher à en dire serait d’une pertinence d’avance très limitée ou d’une futilité sans nom. Mais comme il y a encore des gens qui ne s’en laissent pas compter et continuent de faire des émissions de radio bavardes sur des sujets musicaux, on pourrait avoir l’impression d’un faux problème puisqu’on a beau dire, on en parle quand même. Et parce qu’il y a bien des raisons qui rendent si compliqué de parler tout court, on va tenter une expérience : parler de musique depuis des romans où la parole sur les choses importantes n’arrête pas d’interférer avec un environnement très hostile à la parole articulée.

À l’invitation de Phonurgia Nova, Metaclassique est installé dans la librairie éphémère « Le Rayon Manquant » pour interférer avec Anne Savelli qui a publié Musée Marylin et Bruits aux éditions Inculte et tout d’abord Charles Coustille dont le premier roman Bilan de compétence est paru chez Grasset.

Une émission composée et conduite par David Christoffel.

Ce numéro de Metaclassique est dédié à la mémoire de Jacqueline Schaeffer qui nous a quitté dimanche 4 janvier et qui avait amicalement assisté à l’enregistrement de cette émission, le 1er décembre, à l’occasion de l’inauguration de la librairie éphémère « Le Rayon Manquant ».

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Dans le n° 4 du magazine Harmonie en février 1965, on pouvait lire un petit dialogue entre trois critiques musicaux à propos de la première production de Pelléas et Mélisande de Debussy en stéréo. Édith Walter disait que « La stéréophonie est l’un des attraits majeurs de cette nouveauté. » Gilles Cantagrel répliquait : « Et pourtant, elle n’est pas partout du meilleur effet : le côté spectaculaire de Golaud perdu dans sa forêt, cette acoustique de cathédrales des scènes intérieures… » Harry Halbreich complétait : « Alors que, malgré le son très médiocre des disques de 1942, l’orchestre était merveilleusement nimbé de mystère. » Ouvrant la conclusion à Gilles Cantagrel : « Il semble donc que la stéréophonie ne s’impose pas pour Pelléas : mais elle vient de mettre en vedette ce personnage principal : l’orchestre, dans une réalisation qui tient d’ailleurs plus du concert que de la scène. »

En changeant les rapports de plan, la stéréo pourrait donc bien changer la perception des ouvrages musicaux. Déplacer les goûts, renforcer l’attente de naturalisme qui, elle-même,  ne se trouve pas toujours appropriés selon les répertoires et ne se veut même pas forcément cohérentes à toutes les oreilles. Pour faire cette histoire des débuts de la stéréophonie, titiller l’évolution des sensibilités entre les moments de l’expérimentation et le temps des standards qu’elle a finis par imposer, Metaclassique est installée à la Bibliothèque publique d’informations avec Azadeh Nilchiani qui est chercheuse affiliée à l’Institut ACTE, Luc Verrier qui est expert en numérisation et préservation numérique, en léger différé, Julien Ferrando qui est maître de conférence à Aix-Marseille Université et chercheur CNRS au laboratoire IDEAS.

Une émission pensée et menée par David Christoffel.

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