La Réunion, La Nouvelle-Orléans et Haïti sont convoqués dans cette magnifique session live ! (Rediffusion)

Nos 1ers invités sont le groupe Grèn Sémé pour la sortie de l’EP Maloya Gazé + remixs

Genre musical majeur de La Réunion, le Maloya, devient « gazé » (fou) à travers les sons composés par Grèn Sémé pour ce nouvel EP.

Un maloya gazé qui se conjugue entre inspiration directe de la plus pure ligne de cette musique traditionnelle réunionnaise et son évolution, très actuelle, signature du groupe Grèn Semé.

Composé en marge des sessions studio du dernier album en date, «Zamroza», les trois premiers titres de ce tout nouvel E.P révèlent cette facette solaire de la formation créole.

On y goûte l’amour du texte et la soif de découverte. Et on savoure la justesse du mélange de leurs compositions. Entre inspiration de la tradition des plus grands morceaux en chants/percussion de l’histoire de l’île et les arrangements si singuliers et identifiables du groupe, Grèn Sémé offre trois hymnes qui se prêtent à merveille à l’exercice du remix.

Bonus de luxe : les 3 Remixs de Voilaaa + La Dame + Guiss Guiss Bou bess. Voilaaa et le fabuleux Bruno Patchworks se sont emparés de « Siko » pour créer un hit de bal cap-verdien, funana avec ses mélodies entêtantes, c'est ultra-dansant ! La Dame, productrice et DJ de Belgique, remixe le titre éponyme vers une batida efficace pour le dance floor, les DJs et les danseurs. Les Guiss Guiss Bou Bess poussent un peu plus loin l'exercice du remix en ajoutant les sabars sénégalais et le chant de Mara Seck leader du groupe, répond à Carlo de Sacco sur le titre «Alkol», c'est beau et provoque une véritable explosion de joie et d'émotions.

Titres joués au grand studio

- Tanbour Live RFI + RFI Vidéos (titre «tanbour»)

- Alkol, extrait Cd (Voilaaa remix) 

- Siko Live RFI + RFI Vidéos (titre «Siko»).

Vidéo

Line Up : Carlo de Sacco (Chant, Kayanm, Tambour malbar), Mickaël Beaulieu (Synthé, chœurs), Bruno Cadet (Guitares, chœurs), Rémi Cazal (Programmation, synthé, chœurs) et Germain Lebot (Percussions, batterie, chœurs).

+ Cedric Corrieri (Tech Son).

Son : Mathias Taylor, Camille Roch.                                                                             

RFI Vidéos : Dominique Fiant, Cyril Etienne, Christophe Valette, réalisation : Vanille Foucher.

► EP Maloya Gazé (Markotaz 2024).

Site Markotaz.

YouTube mini concert Grèn Sémé : Les 3 titres filmés par RFI Vidéos, à savoir Bhopal, Tanbour et Siko

Site Grèn Sémé - Facebook - YouTube.

#musique #maloya #îledelareunion

Puis la #SessionLive reçoit Leyla McCalla pour la sortie de l’album Sun Without The Heat.

Née à New York d'un couple d'émigrants et d'activistes haïtiens, Leyla McCalla a développé une fascination précoce pour Haïti et sa culture, en partie grâce au temps qu'elle a passé chez sa grand-mère lorsqu'elle était enfant. Après avoir déménagé au Ghana pendant deux ans et obtenu plus tard son diplôme, elle a finalement dérivé vers le sud jusqu'à la Nouvelle-Orléans, où elle voulait gagner sa vie en jouant du violoncelle dans les rues du quartier français.

Son dévouement à éclairer les racines noires de la culture américaine l'a finalement conduite aux Carolina Chocolate Drops. Après deux ans de tournée et d'enregistrement avec le groupe lauréat d'un Grammy Award, elle part poursuivre sa propre carrière en tant qu'artiste solo.

L’album Sun Whithout The Heat est son 5ème enregistrement studio. Tout au long des dix titres de l’album, McCalla parvient à un équilibre entre pesanteur et légèreté grâce à des mélodies et des rythmes issus de diverses formes de musique afro-diasporique, notamment l’afrobeat, les modalités éthiopiennes, le tropicalisme brésilien, ainsi que le folk et le blues américains.

Titres joués au grand studio

- Take Me Away Live RFI

- Scaled To Survive, extrait de l’album

- Give Yourself a Break Live RFI.

Line Up : Leyla McCalla, chant, Pete Olynciw, basse, Nathum Zdybel, guitars, Caito Sanchez, batterie.

Son : Mathias Taylor, Camille Roch, Jérémie Besset.

► Album Sun Without The Heat (Label: Anti-/Pias 2024).

YouTube - Site - facebook.

#musique #folk #blues #nouvelleorleans #haïti

Quatrième Pyramide d’Égypte ou 7e colonne du temple romain de Jupiter à Baalbek : l’Égyptienne Oum Kalsoum et la Libanaise Fayrouz nourrissent toujours l’inconscient collectif arabe. Et la littérature.

Avec Ysabel Saiah Baudis et Marjorie Bertin qui ont écrit respectivement sur Oum Kalsoum et Fayrouz.

Notre 1ère invitée est la journaliste Marjorie Bertin (qui travaille à RFI) pour la parution de « Fayrouz, Moi je chante l’humanité », aux éditions Orients.

Elle est considérée comme la dernière légende vivante du monde arabe. « Ambassadrice du Liban à travers le monde », Fayrouz a enregistré plus de 800 chansons, sorti une cinquantaine d’albums et joué dans une vingtaine de films et de comédies musicales. Celle qui refusa de quitter son pays pendant la guerre civile libanaise incarne plus qu’aucune autre chanteuse un symbole de paix et d’espoir. Pourtant, on en sait peu sur elle, épouse d’Assi Rahbani, qui avec son frère Mansour révolutionna la musique libanaise du XXème siècle. Son fils Ziad, artiste engagé et enfant prodige de la scène libanaise, assurera le tournant jazz de la carrière de sa mère à partir de la fin des années 1970.

Comment Fayrouz est-elle devenue la dernière icône révérée dans tout le monde arabe ? Pour la première fois, un livre en français retrace l’histoire de cette chanteuse légendaire.

Titres joués :

Atini el nay wa ghani (Donne-moi la flûte et chante) d’après Khalil Gibran

Abbaytak belsaif (Je t’ai aimé l’été)

Kifak inta (qui marque le tournant de sa musique avec son fils Ziad)

Li Beyrouth (concerto d’Aranjuez et magnifique poème sur la ville, sorti pendant la guerre).

► « Fayrouz, Moi je chante l’humanité » chez Orients 

► Culture Prime Fayrouz

► « Fayrouz, Moi je chante l’humanité » chez Orients 

► Culture Prime Fayrouz.

Puis nous recevons la journaliste et éditrice Ysabel Saiah Baudis, qui réédite « Oum Kalsoum, l’étoile de l’Orient »

« Elle est toujours vivante ! », confie Ysabel Saïah Baudis. C’est la nature des génies, car cela fait  50 ans que la diva égyptienne est décédée (3 février 1975) et pourtant, on l’entend, on la voit, elle tagguée, reprise, commentée.

Sa vie est digne des plus beaux contes orientaux : née pauvre, paysanne, fille d’un religieux, elle possède un don qu’elle cultivera grâce à sa farouche détermination. La chance aidant, elle rencontrera les plus grands poètes et musiciens qui l’accompagneront dans son ascension. Adulée de son vivant par le président de l’Égypte aussi bien que par l’homme du peuple, elle accompagnera toutes les luttes de liberté, d’instruction, d’ouverture et de progrès techniques du XXème siècle. Elle reste la Voix qui guide et réunit tout le monde arabe.

À l’occasion des 50 ans de sa disparition, la Philharmonie de Paris propose une semaine spéciale avec concert hommage le 2 février.

Extraits joués : Al Atlal, Weddad, 1ère comédie musicale de la diva.

► Philharmonie de Paris du 30 janvier au 2 février 

► IMA 

► Olympia Paris 1967 

► Orients Éditions 

► Culture Prime Oum.

Du nu reggae au manouche, en passant par le jazz, la #SessionLive reçoit 2 noms de la scène hexagonale.

Nos 1ers invités sont les Doigts de l’Homme pour la sortie de Erratic, The Art of Roaming.

Les Doigts de L'Homme fêtent leurs 20 ans. Pour cela, ils sortent un double album ambitieux qui illustre le trajet parcouru le long de ces nombreuses années avec une approche encore plus inédite et personnelle. De l'acoustique à l'électrique, 23 titres autour d'un jazz de création, «guitaristique», coloré et exigeant. Et pour respecter la tradition : à chaque nouvel album, un nouvel instrument invité !... C'est le batteur Pierre Rettien qui rejoint l'équipe pour illustrer ce passage à l’électrique. Erratic deuxième single tiré du double album Erratic, The Art Of Roaming qui est sorti le 20 septembre 2024. Accepter le désordre, ne pas suivre de ligne de conduite, laisser émerger librement ce qu'il en résulte, dans la vie comme dans la musique, accepter de se laisser malmener par l'imprévu, fuir l'ordre qui peu à peu s'établit. Ignorer l'influence du regard extérieur, celui qui finit par restreindre la véritable liberté de choisir. Laisser naître de ce qui semble être le chaos.

Titres interprétés au grand studio

- Dreaming of my Brothers Live RFI

- Des Hommes Intègres, extrait du double album (cd Électrik)

- Californian Christmas Live RFI.

Line Up : Olivier Kikteff (guitare), Benoît Convert (guitare), Yannick Alcocer (guitare), Tanguy Blum (contrebasse) et Nazim Aliouche (percussions). 

Son : Mathias Taylor, Camille Roch.

►  Album Erratic, The Art of Roaming (Lamastrock/ Inouïe Dist. 2024).

YouTube - Bandcamp - Lamastrock.

Puis nous recevons Flox pour la sortie de Square.

Flox est square. Carré, précis, direct. Il aime aller droit à l’essentiel, ne pas se perdre en considérations superflues. « Je n’ai pas le temps de faire de la merde », résume-t-il. Alors, son septième album s’intitule Square.

Square correspond à un virage majeur dans la carrière du pionnier du nu reggae, extraordinaire artisan du studio qui joue de tous les instruments, s’enregistre, se mixe et se produit mais, pendant une douzaine d’années, montait sur scène avec des musiciens. Après avoir enregistré Square, il a commencé à tourner seul, équipé d’une machine qu’il a dessinée et construite avec des contrôleurs Midi pour lancer samples et boucles qu’il a enregistrés lui-même : « Il faut maîtriser tous les outils pour délivrer ce que l’on veut », répète-t-il depuis longtemps...

Ce doux quinquagénaire franco-britannique au crâne lisse sourit, gentiment moqueur : « Il y a tellement d’outils si faciles qui permettent de sortir des albums alors que l’on est encore en phase d’apprentissage ou d’acquisition que beaucoup se brûlent les ailes. »

Flox sait si bien combien son chemin a demandé de patience, de précision et de passion. Il y a quelques décennies, il sort diplômé en reliure de ses cinq ans à l’École Estienne. Il est en pleine période punk et ne se voit pas travailler pour les vieux clients bourgeois des relieurs. Alors il devient informaticien et son premier salaire sert à payer la première traite d’une table de mixage à 25 000 francs. Après tout, Florian Gratton n’a jamais manqué de détermination et sait prendre des décisions tranchées. Avant lui, sa mère moitié kabyle, moitié française, s’est évadée en Grande-Bretagne à l’adolescence, a rencontré un acteur moitié anglais, moitié irlandais et ne revient en France qu’après la victoire de Mitterrand à la présidentielle de 1981. Florian a onze ans et se met à la batterie, son premier instrument. Peu à peu, il saura jouer d’un peu tout. « Je suis plus curieux que vraiment multiinstrumentiste. Je n’apprends de chaque instrument que ce qui me suffit pour faire de la musique. C’est un apprentissage ciblé. Il me faut des notes bien appuyées et bien placées. »

Qu’on ne s’attende pas à une trajectoire classique de reggaeman. Sa porte d’entrée pour la musique jamaïcaine est franchement britannique avec Police, avant le drum’n’bass et le choc de la dub poetry de Linton Kwesi Johnson. « À part ça, j’ai autant été nourri de Bob Marley que des Pink Floyd. » À vingt ans, commence le temps des groupes. À trente ans, il dirige une batucada de trente percussionnistes. Mais il s’est fixé comme un cap de faire son premier album avant trente-cinq ans. Square est son 7è album.

Titres interprétés au grand studio

- Square Live RFI

- In The Shade, extrait de l’album

- Loose Live RFI.

Line Up : Florian Gratton alias Flox (machines, voix).

Son : Mathias Taylor, Camille Roch.

►  Album Square (Underdog Records 2024).

Site - YouTube - Bandcamp.

Knobisous suisses de la contrebassiste et chanteuse lausannoise Louise Knobil + Charlène et Claudine Civil pour leur livre « On nous a menti sur Haïti ! ».

Notre 1ère invitée est Louise Knobil pour la sortie du 2è EP Knobisous

KNOBIL est un projet de chanson en français, post-bop et jazz pailleté créé par la contrebassiste, chanteuse et compositrice lausannoise Louise Knobil. Influencée par Esperanza Spalding, Charles Mingus ou encore Boris Vian, elle utilise sa contrebasse et sa voix pour vous partager son journal intime musical, entre polyamour, manque de sommeil et recette de pesto.

Ce deuxième EP intitulé Knobisous s’inscrit dans une démarche artistique de journal intime musical.

En d’autres termes, Louise raconte ses différentes aventures et anecdotes au travers de six compositions originales dont les sujets principaux sont : le polyamour, les ruptures, les lessives, le coming-out queer et le patriarcat systémique. Les textes sont portés par le KNOBIL trio : clarinette basse (Chloé Marsigny), batterie (Vincent Andreae) et contrebasse/chant (Louise Knobil). Il se dégage de cette instrumentation particulière une énergie brute teintée de poésie fine, révélant la personnalité de chaque musicien.ne Louise Knobil invite Louis Matute, guitariste genevois bien connu des scènes suisses et européennes, sur  l’une de ses compositions « Comète ». La contrebassiste a également dessiné la pochette de son disque.

Titres joués : Lampadaires, Lessives,  LEA, Comète.

►  EP Knobisous (Unit Rd/The Orchard 2024).

Site - Facebook - YouTube.

Puis nous recevons Charlène et Claudine Civil pour leur livre « On nous a menti sur Haïti »

Charlène et Claudine Civil, fondatrices de PAP’PADAP Travels et passionnées par leur terre d’origine, embarquent le lecteur au cœur de la 1ère République noire au monde. Dans ce 1er volume, elles racontent Haïti, du précolombien (Arawaks, Taïnos) jusqu’à nos jours.

« Haïti… Combien de fois a-t-on décrit ce pays comme pauvre, gangréné par les gangs et marqués par les rites vaudous. Ce portait sombre a nourri l’imaginaire collectif pendant des décennies, cristallisant une vision biaisée et incomplète de ce joyau des Caraïbes. mais tout cela n’est qu’un mensonge ! »

« On nous a menti sur Haïti ! » est un ouvrage hybride entre histoire et album illustré, qui revisite avec humour et pédagogie les moments-clés de l’histoire d’Haïti. 

À travers ce projet, les autrices souhaitent sensibiliser un large public à l’héritage historique et culturel haïtien, mais aussi engager la diaspora et les passionnés d’histoire dans une réflexion sur la richesse et les défis de ce patrimoine.

Charlène travaille dans l’humanitaire et Claudine, dans le tourisme écoresponsable.

Playlist des sœurs Civil

- Tabou Combo Lakay

- Tropicana d’Haïti Nou Renmen Duvalier

- Leyla McCalla Fort Dimanche

- Daniel Larivière Sérénade des mélomanes

- Jonathan Perry Feat. Belo Si’w blé (Ayiti souri)

- Boukman Eksperyans Imamou Lele.

►  Livre « On nous a menti sur Haïti », volume1 par Charlène et Claudine Civil (auto-édition).

Le volume 2 sera consacré à l’art et à l’héritage musical.

- Facebook PAP’PADAP Travels 

- Le site internet du livre.

En amont de la saison France-Brésil 2025, la session live reçoit deux artistes de la diaspora brésilienne : Momo et Rio 77. 

Londres compte un nouveau talent brésilien : Momo ! Il fait partie de la récente génération d’artistes influencés par les classiques brésiliens, du tropicalisme des années 70 à Os Mutantes, en passant pas Milton Nascimenton. L’album a été enregistré dans l’est de Londres au Total Refreshment Center, avec des musiciens brésiliens et anglais, issus de la foisonnante scène jazz londonienne.

Après une odyssée musicale qui l’a mené de Rio de Janeiro à l’Angola, au Michigan, à l’Espagne et à Lisbonne, Momo vit à Londres depuis trois ans.

Son premier album A Estética do Rabisco, sorti en 2006, est désigné comme l’un des meilleurs albums de l’année par le Chicago Reader et lui ouvre la voie. Ses fans s’appellent Patti Smith, David Byrne…

Gira signifie bouger, c’est un album pour danser, donc enregistré dans les conditions du direct au Total Refreshment Center, un centre créatif qui est à la fois un espace de concert, un atelier d’artiste et un studio depuis sa création en 2012.

Titres interprétés au grand studio

P​á​ra (Feat. Jessica Lauren) Live RFI

Rio, extrait de l’album 

Joao Live RFI

Line Up : Marcelo Frota (voix, guitare acoustique), Caetano Malta (basse)

Traduction : Eva Massy

Son : Jérémie Besset, Mathias Taylor, Camille Roch

► Album Gira (Batov Rd 2024)

Site internet - YouTube - Facebook

Rio 77 provient directement du Brésil et de la MPB, la Música Popular Brasileira. Un répertoire riche et immense dans lequel Rio 77, métissage de musiciens brésiliens, français et anglais, a puisé pour construire Cultura e Civilização.

En ramenant en 2024 cette sélection 70s’, Rio 77 a laissé le curseur temporel à sa place, pour agir uniquement sur celui de l’esthétique. Funk et jazz sont au service de la chanteuse Paula Mirhan, de Thomas Renwick, guitariste de la scène jazz funk parisienne, du trompettiste Rubinho Antunes (Hermeto Pascoal, Marcos Valle, Milton Nascimiento, Gilberto Gil, Criollo), de Rui Barossi (Tom Zé). Le groupe Rio 77 est complété par deux soufflants parisiens, Matthieu Huteau et François Morin, le pianiste londonien Dave O'Brien et Mauro Martins, batteur brésilien qui accompagne régulièrement Toquinho et Tania Maria.

Bref, c’est la classe décontractée d’un costume en lin par une chaude soirée carioca, toujours pieds nus pour danser sur le sable.

Titres interprétés au grand studio

Tantas Mães Live RFI

Para Lennon e McCartney (Milton Nascimento), extrait de l’album

Disse me Disse Live RFI

Line Up : Paula ​​​​​​​Mirhan (chant), ​​​​​​​Rui Barossi (basse électrique), ​​​​​​​Thomas ​​​​​​​Renwick (guitare électrique), ​​​​​​​Dave O'Brien (claviers), ​​​​​​​Mauro Martins (batterie), ​​​​​​​Rubinho ​​​​​​​Antunes (trompette), ​​​​​​​François Morin (trombone) et ​​​​​​​Matthieu Huteau (saxophone).

Son : Mathias Taylor, Jérémie Besset.

► EP ​​​​​​​Cultura e Civilização (Cie Mamaya 2024)

Site internet - YouTube Opéra Lyon 2024 - ​​​​​​​Facebook

Des roucoulades électriques italiennes (et espagnoles) à la transe malgache, sans transition !

Sophian Fanen propose sa sélection mensuelles de cinq nouveautés. En janvier 2025, les nommés sont :

Andrea Laszlo De Simone, Un momento migliore (Hamburger Records, 2024)

Soleá Morente, No temas nada (feat. Kiki Morente), tiré de l'album Mar en calma (Discos Probeticos, 2024)

Mauricio Flores, No Funcionó (Palm Street Music, 2024)

Ornella Vanoni, Sant'allegria (feat. Mahmood), tiré de l'album Diverse (BMG, 2024)

Empress of, Someone I Know, tiré de l'album Like Someone I Know : a Celebration of Margo Guryan (Sub Pop Records, 2024)

Blakaz Antandroy est un album innovant créé par Loya en collaboration avec la famille Remanindry, composée du père Remanindry et de ses enfants, Samba, Nindry, Isabelle et Adeline. Issus du peuple Antandroy, une communauté chamanique du sud de Madagascar, ces artistes utilisent leurs chants et instruments traditionnels pour invoquer les esprits « Kukulamp » et ainsi soigner les villageois, éloignés de toute médecine moderne. L’origine de ce projet unique remonte à une commande du Musée du quai Branly – Jacques Chirac, qui demandait à Loya de concevoir un concert pour accompagner une exposition dédiée à Madagascar, en s’inspirant des archives sonores du musée. C’est ainsi que Loya découvre la musique de Remanindry et en tombe sous le charme. En 2019, il se rend à Tuléar pour rencontrer ce musicien en personne, donnant lieu à une rencontre musicale d’une rare intensité. De cette alchimie est née l’idée de collaborer sur Blakaz Antandroy, un projet ambitieux qui marie la musique chamanique Antandroy à l’univers de la musique électronique.

Remanindry, comme Loya, est né dans l’océan Indien. Tous les deux grandissent en fréquentant des cérémonies faisant appel aux esprits. Les sons, les odeurs et les couleurs intenses lors des cérémonies spirituelles imprègnent profondément tous leurs sens. Loya arrive en Europe et s’initie aux instruments électroniques qu’il va maîtriser plus tard. Remanindry commence son apprentissage de la musique Antandroy sous la direction éclairée de sa belle-mère, elle-même percussionniste et chanteuse dans les cérémonies. Ancien lutteur, il découvre sa voix puissante qui résonne dans sa carrure imposante. Il apprend le lokanga (violon malgache) et intègre tout le répertoire de sa famille. Il pratique les cérémonies dans tout le sud de Madagascar et décide d’habiter à Tuléar lorsque sa famille s’agrandit. Il fait la rencontre d’autres musiciens malgaches, notamment Régis Gizavo qui découvre tout son talent exceptionnel. Il a été aussi membre du groupe Ny Malegasy Orkestra qui a porté l’étendard de la chanson malgache à l’international. De son côté, Loya commence son apprentissage en devenant ingénieur informaticien. Il apprend à maîtriser les machines et en parallèle entame un parcours d’apprentissage dans les musiques classiques et le jazz. Autodidacte dans les musiques électroniques, il développe son propre processus pour retranscrire les musiques traditionnelles de l’océan Indien sur ses machines.

Titres interprétés au grand studio

Koulé Live RFI

Be Sadia + Tokalava + Zilikala Ekarety, extraits de l’album

Kukulamp Live RFI

Line Up : Sébatien Lejeune alias Loya (machines)

Son : Jérémie Besset, Mathias Taylor et Camille Roch

► Album Blakaz Antandroy (LZ Records 2024)

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Du blues burkinabè de Soba à l’afro-latin tropical d’Ayom. (Rediffusion)

Nos 1ers invités : le trio Soba pour la sortie du 1er album Fiman

Formé par le chanteur-guitariste Moussa Koita, l’harmoniciste Vincent Bucher et le batteur Émile Biayenda, Soba renoue les liens entre la chanson mandingue et le blues du Mississippi. Soit un afro-blues aussi rustique que lumineux, au moyen duquel le trio explore les recoins de l’âme humaine. Pour remonter aux racines du blues, il faut rejoindre le Mississippi depuis Chicago, naviguer vers le Sud jusqu’à la Nouvelle-Orléans via Memphis, puis embarquer pour les Caraïbes et finalement traverser l’Atlantique jusqu’aux rivages d’Afrique de l’Ouest depuis lesquels le rhizome se ramifie via les fleuves Niger et Congo. On peut lire Le pays où naquit le blues, d’Alan Lomax, ou regarder «Du Mali au Mississippi : Feel Like Going Home», de Martin Scorsese. On peut se plonger dans les enregistrements historiques, du pionnier américain W. C. Handy jusqu’au maître malien Ali Farka Touré. Pour tout comprendre des voyages qui forment l’éternelle jeunesse du blues, on peut enfin écouter un album lumineux grâce auquel tout s’éclaire : Fiman, du trio franco-burkinabè Soba. Soba désigne «la grande maison» en dioula, le parler mandingue notamment pratiqué au Burkina Faso. Foyer des retrouvailles amicales et des complicités musicales, Soba est le toit sous lequel se rencontrent Moussa Koita, Vincent Bucher et Émile Biayenda. La formation s’est échafaudée au fil des six dernières années, depuis que ses membres ont fait connaissance dans les projets des autres, jusqu’à vouloir ériger leur groupe sur les fondations du blues qu’ils ont en commun.

Entre Moussa Koita et Vincent Bucher, la collaboration s’est ainsi nouée dans le groupe d’Abou Diarra, le maître malien du kamele n’goni qui creuse la source du blues mandingue. L’intuition s’est vite confirmée qu’ils étaient faits pour jouer ensemble. Guitariste et chanteur burkinabè, né dans une famille de griots de Bobo-Dioulasso, Moussa Koita a écumé l’underground parisien où sa réputation est élogieuse dans les domaines des musiques traditionnelles ouest-africaines, du reggae et de la soul, en plus de travailler avec le groupe Rivière noire et la chanteuse Kady Diarra. De vingt-deux ans son aîné, l’harmoniciste Vincent Bucher s’est d’abord passionné pour le blues originel. Immergé dans la « sono mondiale » parisienne du début des années 1980, puis complice de CharlElie Couture, Bill Deraime, Patrick Verbecke et du Heritage Blues Orchestra nommé aux Grammy Awards en 2013, il a noué des compagnonnages fructueux avec le polyinstrumentiste franco-malgache Tao Ravao et l’éminent guitariste malien Boubacar Traoré. À l’époque où les deux musiciens épaulent Abou Diarra, Moussa Koita développe déjà, avec une créativité prolixe, ses propres projets de chanson mandingue contemporaine sur lesquels Vincent Bucher pose parfois des parties d’harmonica. L’idée germe bientôt de jeter un pont avec le blues mississippien, dans son essence la plus rustique. Le duo vérifie rapidement que la connexion fonctionne. Pour bien faire, il ne manque plus qu’un batteur-percussionniste qui indiquerait la rythmique inhérente au genre. Musicien parmi les plus prisés de la diaspora subsaharienne, explorateur des hybridations entre le jazz et les rituels ancestraux, au point de s’immerger pendant six mois avec les pygmées Mbenga, Émile Biayenda est tout indiqué. Après avoir côtoyé Vincent Bucher avec Tao Ravao et les Tambours de Brazza, il a fait la connaissance de Moussa Koita dans le groupe de Sam Mangwana, légende de la rumba congolaise. Moussa, Vincent, Émile : les astres sont alignés. Le trio est né.

Titres interprétés au grand studio

- Fiman Live RFI

- Horonke, extrait de l’album

- Tounga Live RFI

Line Up : Moussa Koita (chant, guitare), Vincent Bucher (harmonica) et Emile Biayenda (batterie, cajon).

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant et Camille Roch

► Album Fiman (MDC/Pias Integral 2024)

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Puis nous recevons le groupe Ayom pour la sortie de l’album SaLiVa.

Ayom est un groupe de 6 voyageurs : Jabu, une Brésilienne ; Alberto, un Italien résidant en Espagne ; Timoteo, d’origine grecque et italienne ; Francesco, également Italien, Ricardo et Walter, tous deux Angolais. Ils se sont réunis autour d’une passion commune pour la musique de la diaspora africaine et lusophone en particulier (Brésil, Angola, Cap-Vert), et trouvé à Lisbonne, une sorte de patrie.

Après avoir joué avec le Black Atlantic Tour dans le monde entier, Ayom sort l’album Sa.Li.Va, un acronyme représentant 3 impulsions : « SA-grado » (sacralité), « LI-berdade » (liberté et amour) et « VA-lentia » (courage).

L’album est une trilogie, avec 3 titres reliés au Sacré, 3 autres qui célèbrent la liberté, l’amour et la vie, et les 3 dernières qui abordent les thèmes de lutte contre les injustices, le racisme, la machisme et la colonisation. Sur cet album, on chante en italien, en portugais ou en yoruba.

Titres interprétés au grand studio

- Filhos da Seca Live RFI

- Vestido de Fogo, extrait de l’album

- Eu Me Quero Mais Live RFI

Line Up : Jabu Morales (chant, percussions), Timoteo Grignani (percussions), Alberto Becucci (accordéon) et Ricardo Quinteira (guitare électrique)

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant et Camille Roch

► Album Sa Li Va (Ayom music, l’Autre Dist. 2024)

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À lire dans The Guardian

Réalisation : Donatien Cahu

Afropop, zouk et yole traditionnel de Guinée et écriture automatique. (Rediffusion)

Notre 1er invité est Olivier Conan pour son nouveau projet Combo Daguerre.

Basé à New York, Combo Daguerre est le nouveau projet d’Olivier Conan qui, après avoir passé plus d’une décennie immergé dans le monde de la cumbia psychédélique avec son groupe Chicha Libre, a maintenant mis au point un répertoire original de thèmes francophones joué en mode psychédélique. Le groupe est composé de musiciens latins établis à Brooklyn, et les influences multiples comprennent le boléro, la cumbia, le rock 60’s ainsi que d’évidentes influences gainsbouriennes et surréalistes. Chicha Libre est devenu un groupe culte en Amérique du Sud et au Mexique et Combo Daguerre est un peu l’héritier francophone d’un projet qui n’aurait pu naître qu’à New York où les frontières culturelles et linguistiques sont fluides et les influences pan-latines débordent sur tous les mondes musicaux : du rock, au hip-hop - et maintenant la chanson. Les thèmes à la fois joyeux et sérieux sont ceux de l'exil, de la nostalgie déplacée et d'une langue frelatée par la distance. Le dessin qui illustre la pochette tire son inspiration des têtes de cheval des boucheries chevalines parisiennes. Un symbole bicéphale qui représenterait un empire disparu ?

Après 30 ans passés à Brooklyn, terre peu sainte où le français n’existe que dans des formes créolisées, mon français boite des deux jambes. Ma nostalgie se nourrit d’une langue et de souvenirs tous les deux reconstitués. Je ne contrôle ni la grammaire, ni le lexique, ni même la chronologie. Les images de mon enfance parisienne sont maculées, mâtinées d’images de mes aïeux, de photos de classe et de cartes postales d’une autre époque. Mes souvenirs pourraient être ceux d’un autre. Je, bien sûr, pourrait être un autre. Le Paris où je crois avoir grandi est peut-être bien celui de Rivette et de Truffaut. En tout cas, je crois le reconnaitre dans le Daguerréotypes de Varda (parce que j’ai été un enfant du 14ème), voire dans Les Maléfices de Jacques Yonnet ou Les Nuits de Paris de Restif de la Bretonne. Les paroles de Combo Daguerre sont placées sous le signe de Fracassines - une chanson écrite Dieu sait quand et Dieu sait comment, et qui est apparue - comme une vierge chrétienne - sans prévenir. Génération spontanée, écriture automatique. Le reste de l’album est parsemé de bribes inconsciemment glanées au hit-parade de la poésie française parce qu’après trente ans d’absence, tout ce qui demeure de cette culture enfouie, c’est une eau polluée dans laquelle flottent les scories d’une culture française élémentaire. Fracassines est un travail automatique avec peu d’interventions conscientes. Olivier Conan.

Titres joués

Fracassines

Paroles trouvées sur mon écran d’ordinateur sans souvenir de les avoir écrites. Qu’elles ne signifient pas grand-chose est presque rassurant.

88 rue Daguerre 

Cumbia Instrumentale du guitariste péruvien Felipe Wurst. 88 rue Daguerre est l’adresse d’Agnès Varda.

Daguerre Paris

Le Petit Bossu

Chanson du XVIème siècle. La version qu’Yvonne George chantait dans les années 20 était en fait une icône de l’élite littéraire de l’époque. Amie de Cocteau (qui ne l’était pas ?) et de sa coterie. Desnos tombe amoureux d’elle et lui dédie son A la Mysterieuse (j’ai tant rêvé de toi..) et en fait l’héroïne de son roman «Le vin est tiré». Yvonne George n’est pas convaincue. Elle préfère les femmes, et l’opium. Elle meurt à 33 ans, comme une rock star. 

► Album Fracassines (Barbès Rd 2024).

Site Combo Daguerre - facebook - Barbès Records bandcamp.

Puis nous recevons Abdoulaye Kouyaté dans la #SessionLive pour la sortie de l’album Fefanyi – Le Bienfaiteur.

Après des années passées à sublimer les musiques des artistes qu'il accompagne par son jeu de guitare et la douceur de sa Kora (Ba Cissoko, Mariama, Jain et Gabi Hartmann entre autres), Abdoulaye Kouyaté met son énergie créatrice dans un projet personnel qui rassemble ses compositions originales. En plus du guitariste virtuose, on découvre qu'Abdoulaye Kouyaté est un orfèvre de mélodies et un chanteur au timbre feutré. Tantôt profonde et touchante, tantôt rythmée et dansante, sa musique métissée oscille entre ballades, instrumentaux à la kora et des morceaux aux sonorités afropop empruntant leur rythmique au coupé décalé, au zouk ou au yolé traditionnel de Guinée. 

Abdoulaye confie la réalisation de l'album à Patrick Ruffino et s'accompagne de Yannick Vela à la basse et Nicolas Grupp à la batterie. L'album est enrichi par les précieuses contributions du joueur de flûte peule Dramane Dembele, de la chanteuse Gabi Hartmann, du bassiste Guy Nsangué, du saxophoniste Robbie Marshall, du violoncelliste Guillaume Latil, du djembefola Dartagnan Camara et des choeurs de la chanteuse Djene Kouyaté.

Ce premier disque affiche une diversité étonnante. Chantés en Soussou (la langue de la capitale guinéenne, Conakry) et en français, plusieurs titres s'inspirent de la jeunesse romanesque d'Abdoulaye dans le Conakry des années 1990-2000. Une époque où il se perfectionnait à la guitare en suivant à la trace les musiciens de son quartier, animait avec son groupe de folles soirées expatriés au Grand Hôtel Camayenne, et tombait amoureux pour la première fois (Inondi, Doumedira, On fait quoi ? et Nitanama notamment). À l'insouciance guinéenne, succède la jungle de l'Europe, la vie d'adulte, les responsabilités, le froid, et les apprentissages difficiles. Ces leçons de vie inspirent notamment les morceaux Douniéma (le rancunier), Saré (tout à un prix) ou Inamakana (si tu ne peux pas aider ton prochain, ne l'enfonce pas). Le morceau Fefanyi (le bienfaiteur) qui donne le titre de l'album reprend la tradition des griots, dont les Kouyaté sont issus, de « chanter les louanges » des grands Hommes, des généreux bienfaiteurs. 

Suivant le chemin ouvert par son père Sekou Kouyaté, griot moderne, guitariste respecté et chef d'orchestre de Miriam Makeba durant ses années d'exil en Guinée, Abdoulaye Kouyaté façonne son jeu de guitare à l’écoute du jazz, du funk, du reggae, le Son Cubano ou de la Biguine antillaise tout en lui donnant des sonorités mandingues. Il cite Paul Simon et Georges Benson en inspiration. En Guinée, on l'affuble du surnom «jazzman» en raison de son style qui s'écarte du mandingue traditionnel. Lorsque son père tombe malade, Abdoulaye le remplace en tant que joueur de kora dans Circus Baobab. Avec ce premier cirque d'Afrique de l'Ouest, il sillonnera le monde pendant une décennie, avant de s'établir à Marseille puis à Paris. 

Titres interprétés au grand studio

- Inondi Live RFI  

- Toi Tu Penses nous on bouge, extrait de l’album

- Inamakana Live RFI

Line Up : Abdoulaye Kouyaté - voix, guitare - Thierry Fournel - guitare - Yannick Vela - basse - Nicolas Grupp – batterie

Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor

► Album Fefanyi – Le Bienfaiteur (Reva prod – Rock'n hall 2024)

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Jacky iDO a les mots dans la peau, au point qu’on aime imaginer que ce généreux sourire, si souvent accroché à ses lèvres, est là pour leur dérouler le plus beau des tapis rouges : un peu comme dans un conte, sa bouche libère les mots pour leur donner mille tournures. Les cadencer, les faire claquer, les amarrer à l’âme, aux bleus, au cœur, leur faire prendre des sens interdits, les faire rougir et les conjuguer dans plusieurs langues, au pluriel, Jacky iDO a fait du verbe le concert de sa vie.

De l’Afrique à l’Amérique en passant par l’Europe, il les a élus guide pour relier les trois points cardinaux de son histoire et de son territoire. Devant une caméra ou derrière un micro, le langage chez lui est tension. Tension vers lui-même pour mieux tendre vers l’autre. Parallèlement à sa carrière d’acteur internationale au cinéma (avec Quentin Tarantino, Claude Lelouch, Luc Besson...) et au théâtre (Bérénice, Phèdre, mis en scène par Muriel Mayette-Holtz), il revient à ses premières amours : le slam et la musique.

En 2023, il remonte la scène Slamaleikoum, créée début des années 2000 avec Grand Corps Malade et qu'il anime aujourd’hui une fois par mois au 360 Paris Music Factory. Dans ce chorus de voix, Jacky iDO affûte aussi la sienne et enregistre en 2023 son premier album, coréalisé avec Cyril Giroux, aux studios Ferber à Paris et ICP à Bruxelles (sortie automne 2024). Caisse de résonance de son triangle identitaire, cet album retrace l’itinéraire d’une vie tournée vers la nôtre. Ses fulgurances, ses combats, ses espoirs se font l’écho de nos parcours. Jacky iDO slame, rappe et chante en français, anglais et moré. Des cordes classiques à celles d’un n’goni ou d’un ukulélé, d’un beat hip-hop à un groove chaloupé, il nous embarque avec ses musiciens Les Choco’Latés dans le labyrinthe d’une musique ouverte aux vents des mots et des rêves.

Titres interprétés au grand studio :

- Slamaleikoum, Live RFI

- La Cause, extrait de l’album Ouaga Doux Goût, Live RFI

Line Up : Jacky iDO, chant, Jean-Charles Acquaviva, piano, Frédérique Alié, chant, Clément Febvre, batterie, Guimba Kouyaté, guitare, Sébastien Moreau, piano, Simon Renard, guitare & Frédérique Briard. 

Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant

► Album iDO donc je suis (BROOKLYNAFASO 2024).

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- Meshell Ndegeocello Travel, tiré de l’album No More Water, The Gospel of James Baldwin (Blue Note Rd 2024)

- Nina Simone Four Women

- James Baldwin & David Linx A Lover’s Question

Site internet Meshell Ndegeocello

Réalisation : Donatien Cahu

(Rediffusion)

De l’afrobeat japonais, de la pop ouzbèke oubliée, des BOF transmusicales, en piste ! Tous les mois, le critique musical Sophian Fanen propose une playlist de 5 titres. (Rediffusion)

Playlist

- Adriana Paz & Mexican Choir, Las Damas que Pasan, tiré de la «Bande originale du film Emilia Pérez» (Why Not / Masterworks, 2024)

- Panda Bear & Sonic Boom, Viviendo en las sequelas (Mariachi 2000 de Cutberto Perez Version), tiré du EP Reset Mariachi (Domino Recording, 2024)

- Angelina Petrosova, Tantsuyushchiy Ostrov (Dancing Island), tiré de la compilation «Synthesizing the Silk Roads: Uzbek Disco, Tajik Folktronica, Uyghur Rock & Tatar Jazz from 1980s Soviet Central Asia» (Ostinato Records, 2024)

- Kyrylo Stetsenko, Play, the Violin, Play (feat. Tetiana Kocherhina), tiré de la compilation «Even the Forest Hums: Ukrainian Sonic Archives 1971-1996» (Light in the Attic, 2024)

- Kit Sebastian, Metropolis, tiré de l'album New Internationale (Brainfeeder, 2024).

Puis nous recevons le groupe japonais Ajate pour la sortie de l’album Dala Toni.

AJATE sort son 3ème album DALA TONI sur le label 180g. Dala Toni d'AJATE est un album qui célèbre la puissance de la connexion humaine, soulignant que nous sommes plus forts ensemble. Il nous invite à transcender les distances, à partager la beauté du quotidien et à enrichir nos vies mutuellement. Cet opus mêle émotions, joie et résilience, chaque chanson étant une exploration des profondeurs de l'âme humaine. À travers sa musique poignante, AJATE nous rappelle que nous ne sommes jamais seuls, offrant une expérience immersive de réconfort et d'inspiration. DALA TONI est une invitation à découvrir la magie de l'union humaine, promettant un voyage où l'amour et la force s'harmonisent.

Le musicien japonais « John » Imaeda, lors d’un séjour en Afrique de l’Ouest, est un jour pris de stupéfaction par les similarités qu’il ressent entre l’afrobeat qui résonne dans les rues d’Accra et les sonorités du «Ohayashi» , les musiques jouées lors des fêtes ancestrales japonaises – les fameuses «Matsuri» - auxquelles John participe depuis son enfance. A son retour dans l’archipel en 2009, il crée le groupe AJATE, collectif de 10 musiciens passionnés. Leur son unique passe d’un monde à l’autre, joue des rythmes et des mélodies pour créer une musique unique aux racines entremêlées. Aux tambours, aux flûtes et aux cloches, viennent se joindre de curieux instruments faits main par John lui-même avec le matériau incontournable des campagnes japonaises : le bambou.

Le « Jaate », xylophone-balafon doté de capteurs piézoélectriques sur chacune de ses touches et au son amplifié, ou le « Piechiku » version bambou du « Ngoni » malien ou du « Guembri » gnawa, équipé de cordes de shamisen et connecté à un arsenal de pédales guitare, donnent a AJATE une sonorité unique. Des chants féminins et masculins japonais puissants et entraînants comme jamais apportent la touche finale d’un groove extraordinaire et novateur, ou Afrobeat et musique Japonaise traditionnelle sont comme un poisson dans l’eau.

Titres interprétés au grand studio

- Nagi Yoni Live RFI

- Iduchihemo, extrait de l’album

- Waya Yawa Live RFI

Line Up : Junichiro «John» IMAEDA, Piechiku (guitare en bambou), vocal chorus, Yukio «Gen» SATO, vocal, chorus take (cylindre en bambou) NORIKO «Nyori» OTA, jaate (xylophone en bambou), Takako UCHIDA «Peppermint U», vocal, chorus, tamasudare (bamboo toy, traditional busking Japan), Kazuki «Cho-san» CHONAN, Shinobue (flûte japonaise en bambou), Keigo «Shin-san» YAMADA, Shime-taiko (Japanese trad high-pitched drum), Yugo AKAMATSU, Kane (jap trad metal percussion), Masaho «Doncic» TAMURA, Ohdo (jap trad low-pitched drum), Tomohiko «Kick-Rin» KIKUCHI, basse, Kenta Takeda, guitare + traduction japonais / français Gregory Gouty.

Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor

►  Album Dala Toni (180g 2024)

Réalisation : Donatien Cahu

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