Le pianiste Charles Richard-Hamelin n’a plus vraiment besoin de présentation tant il est connu et reconnu sur la scène musicale québécoise, canadienne et internationale. Gagnant de la médaille d’argent au prestigieux Concours Chopin à Varsovie en 2015, il est à mon sens le plus grand pianiste canadien de sa génération. Son parcours est vraiment captivant. ll apprend le piano d’abord avec son père puis avec Paul Surdulescu. Il souligne l’importance de ce dernier dans son développement musical et d’avoir été celui qui lui a donné le feu sacré pour le piano. Charles a poursuivi ses études universitaires à McGill, puis à Yale aux États-Unis avant de revenir à Montréal pour se perfectionner au Conservatoire de musique de Montréal pour préparer les grands concours de piano. Venant d’un milieu modeste, Charles est un artiste très « terre-à-terre » malgré une vie musicale trépidante qui l’amène à jouer sur les scènes du monde entier. Il a enregistré plus d’une dizaine d’album pour Analekta, dont des Prix Opus, six Prix Félix (ADISQ) et un JUNO (2022). Charles a joué avec les plus grands orchestres du monde.

Il nous parle des concours auquel il a participé en mettant l’emphase sur le fait de ne pas avoir sauté d’étape. Il a commencé très jeune à faire des concours et graduellement, au fil des années, cela l’a amené à remporter des prix dans de grand concours comme le Concours International Musical de Montréal (2ème prix), et le Seoul International Music Competition où il s’est mérité un 3ème accompagné d’un prix spécial pour la meilleure interprétation d’une sonate de Beethoven. L’importance de sortir de sa zone de confort, c’est ce que sa professeur Sara Laimon l’avait encouragé à faire en le poussant à étudier à Yale. Il nous raconte qu’il y avait dans l'enseignement un côté plus « cérébral » de la musique qu’il avait moins exploré. Son professeur, Boris Berman, grand spécialiste de Prokofiev, avait une approche plus académique et est venu combler certains aspects de sa personnalité musicale qui est plutôt de nature « insctinctive ». Charles est ensuite revenu inspiré à Montréal dans le but de préparer les concours internationaux tout en jouant avec le Trio Hochelaga. Il revient aussi sur son expérience au Concours Chopin et son état d’esprit à ce moment-là. Sa maturité (il avait 26 ans) ainsi qu’une vie musicale déjà bien remplie ont, selon lui, contribué à éviter de se mettre trop la pression et de profiter de jouer Chopin dans la ville natale du compositeur, et cela devant un jury d’exception, dont une certaine Martha Argerich. 

Charles a fait plusieurs tournées dans le monde en Corée en Chine et au Japon, entre autres. Il nous partage quelques anecdotes palpitantes et des réflexions sur ses enregistrements évoquant l’idée de construire une interprétation idéale. On termine le podcast sur note plus légère avec ses passions « para-musicale » !

Écoute # 1 : 

F. Chopin, Étude en mi mineur, op. 25 no. 5

2015, Narodowy Instytut Fryderyka Chopina / Polskie Radio

The Fryderyk Chopin Institute 

Écoute # 2 : 

C. Richard-Hamelin, Cadence du Concerto no 24 de Mozart, K. 491

Mozart, Concerto pour piano 22 et 24, Violons du Roy, Jonathan Cohen (chef)

2020, Analekta

Pour écouter : https://www.youtube.com/watch?v=2IIwNyhNVIY

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Introduction

Richard se souvient de ses premiers pas au piano, débutés à trois ans, en jouant ce qu'il écoutait sans avoir l'intention d'apprendre à jouer. Sa famille n'était pas spécialement musicale, mais il y avait un instrument à la maison et il a rapidement montré un talent naturel. Ses premiers cours ont commencé quelques mois plus tard. Natif du Nouveau-Brunswick, Richard déménage au Québec à l'âge de 7 ans. Il commence à étudier le piano à Rimouski, puis à Montréal, où il poursuit ses études au Conservatoire. Il mentionne plusieurs enseignants influents, notamment sœur Pauline Charron et Lise Boucher.

Études supérieures

Richard a aussi étudié à l'Université de Montréal sous Marc Durand, ce qui selon lui a apporté beaucoup à son formation initiale de pianiste et de musicien. Ensuite, il s’est tourné vers le Royal Conservatory de Toronto, et le Peabody Conservatory à Baltimore pour étudier avec John Perry et Leon Fleisher.

L'importance des concours...🏆

Richard a remporté plusieurs prix, dont la Palme d'Or au concours de l'OSM et le concours de musique de Montréal. Selon lui, ces concours permettent de se faire connaître, d'obtenir des engagements et de mesurer son niveau par rapport aux autres, mais ce n'est pas la seule voie vers le succès. Il souligne que d'autres avenues comme les enregistrements et les concerts en solo et en musique de chambre sont aussi importantes. Richard évoque qu'il n'a pas participé à des concours entre l’âge de 9 ans à 22 ans, choisissant de se concentrer sur son développement personnel plutôt que de suivre une logique de compétition. Il insiste sur l'importance de choisir un répertoire qui nous correspond, et non un répertoire dicté par les concours. Pour lui, la clé de la réussite réside dans une préparation réfléchie et dans la gestion de gros programmes de musique, ce qui est exigeant mais nécessaire pour un pianiste professionnel.

🎶 L'enseignement et la performance : un duo gagnant

Le pianiste nous partage son approche unique de l'enseignement et de la performance. Selon lui, enseigner et jouer sont intimement liés, et l'un nourrit l'autre. Il évoque l'influence de Leon Fleisher, qui a réussi à allier performance et pédagogie malgré ses défis physiques. Pour lui, continuer à jouer tout en enseignant est essentiel pour garder un niveau de pratique élevé.

🎧L'art de l'enregistrement : entre perfection et expressivité

Le pianiste nous raconte son expérience d'enregistrement, expliquant que l'art de jouer en concert, avec toute l'inspiration qu'il implique, se reflète dans chaque prise. Il souligne que, pour lui, l'expressivité doit primer sur la perfection technique.

🎹 Projets à venir : Beethoven à l'horizon

Dans les coulisses, il travaille sur son nouvel album : un enregistrement des sonates de Beethoven. Il nous parle également de son projet ambitieux de réaliser l'intégrale des 32 sonates du compositeur. Un défi de taille, mais un projet qui l'excite énormément.

🌟 Trouver sa voix musicale : un voyage naturel

Enfin, il conclut en évoquant la recherche de sa propre voix musicale. Pour lui, l'authenticité d'un musicien se développe naturellement, sans contrainte, au fil des expériences et des émotions vécues.

 À écouter sans modération ! 🎧

Crédits:

Waltz No.8 in A-Flat major, Op.64-3

Frédéric Chopin

Richard Raymond, piano

(c) Analekta / Outhere Music 

Sonate no. 32 en do mineur, op. 111

L. V. Beethoven

Richard Raymond, piano

Musica Viva

Archives Radio-Canada

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POUR LA VERSION VIDÉO C'EST PAR ICI !

Lors de cet épisode, on change les rôles. C'est mon ami de longue date Alex Fournier qui « jase » avec moi sur mon cheminement de musicien et sur ma carrière de pianiste professionnel. On parle de mes études, les concours auxquels j'ai participé et plus encore.

C'est vraiment un moment intime dans lequel je montre plusieurs facettes de moi-même que je n'ai pas l'habitude d'exposer en public. Je partage d'ailleurs mes nombreuses passion comme celle pour la musique de Coldplay. J'interprète aussi bien sûr des œuvres de compositeurs classique qui ont marqué ma vie musicale jusqu'à maintenant.

Voici comment l'événement avait été présenté le 3 octobre 2024 :

Dans le cadre des Journées de la Culture, la Maison de la Culture de Saint-Roch-de-Richelieu est fier de présenter l'événement "Déjeuner-causerie avec le pianiste Antoine Laporte: de Passion à Profession".

Cet événement offre une opportunité unique de voir l'envers du décor, de découvrir l'univers et le parcours d'un pianiste de notre région qui s'illustre internationalement.

Dans un environment chaleureux et intime, venez écouter Antoine Laporte raconter comment un vieux piano droit légué par sa grand-mère a été l'étincelle qui a donnée naissance à une passion qui a guidée son parcours de vie. Plus d'une dizaine de pièces seront jouées -- des pièces qui ont été marquantes pour Antoine Laporte autant personnellement que profesionnellement, de Mozart à Coldplay.

J'espère que vous allez apprécier. Bon visionnement !

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POUR VOIR EN VIDÉO

John Kamfonas a grandi à Philadelphie aux États-Unis. Il a étudié le piano classique à l’Université de Columbia et à la Manhattan School of Music. Il y a dix ans, John a quitté les États-Unis pour venir s’installer en France grâce à l’invitation du pianiste et pédagogue français Jean Fassina qu’il a rencontré dans un concours international en Europe. Ce musicien a eu une grande influence sur lui. John nous parle de l’importance de cette rencontre artistique et à quel point elle a changé sa vie. Il a ensuite fait des études à l’École normale Alfred Cortot avec Marian Rybicki et poursuit actuellement des études de doctorat dans le programme de Doctorat d’interprète du CNSM de Paris en partenariat avec Sorbonne Université. En arrivant en France John a habité à la Fondation des États-Unis à la CIUP où il a fondé en 2015 les « Rendez-vous Musicaux », une série de concert mettant en scène des musiciens et artistes américains et d'autres pays.

Concertiste confirmé, John a joué dans plusieurs pays comme au Carnegie Hall (NY), au Atlantic Music Festival dans le Maine, au Beijing International Music Festival en Chine, à la Salle Cortot de Paris. Je lui ai demandé comment il vivait avec l’anxiété de performance et le défi d’affronter la scène et le public à chacune de ses prestations. On écoute un extrait de la « Chaconne » de Bach arrangé par le pianiste et compositeur italien Ferruccio Busoni,vidéo intégrale ici ! Chambriste convoité, il nous parle de sa volonté de créer des collaborations avec d’autres musiciens. Il a travaillé, entre autres, avec le chanteur-lyrique Grégoire Ichou et le violoncelliste Éric Hedberg. Professeur très en demande, il enseigne au Conservatoire américain de Paris et en privé auprès de plus jeunes élèves et des adules. Pour lui, enseigner, même si ce n’est pas dans le but de former des musiciens professionnels, ça contribue à partager l’art et à créer le public de demain. En 2012, John as fait une résidence à Bangalore en Inde où il a eu des échanges musicaux enrichissant. Cela l’a mené à jouer joindre le Silk Road Ensemble fondé par nul autre que Yo-Yo Ma. Il nous parle de la manière dont sont structuré les « rag » indiens et de son intérêt pour tous les genres de musique. John est un grand improvisateur et cela a toujours été une passion. Il est aller chercher les conseils de Jean-François Zygel et de Nicolas Delaigue. John nous explique son sujet de thèse de doctorat qui tourne autour de l’improvisation et des compositeurs/improvisateurs pianistes tels que Charles Ives, Claude Debussy et Ferruccio Busoni. On écoute une improvisation enregistrée au Greencastle en Indiana.

John travaille sur quelques projets en ce moment dont un concert avec œuvres du répertoire classique qui sera complété avec quelques improvisations inspirées par les œuvres d’art exposé dans le cadre de l’exposition Le Paris et la modernité (1905-1925) le 13 avril 2024 à 16h au Petit Palais, Paris 75008. Il travaille aussi à l’organisation du 100e concert de la série qu’il a fondé à la Fondation des États-Unis qui aura lieu le 26 mai 2024. Je remercie sincèrement John pour sa générosité et lui offre un petit cadeau à la fin de l’épisode.

Prestations de John :

Bach/Busoni Chaconne en ré mineur BWV 1004

John Kamfonas Improvisation

Recording: Matthew Champagne

Musique d’intro et de fin:

Gabriel Pierné 15 pièces op. 3, nº 12 Cache-Cache

The Colours Exploration nº 3 

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(Cet épisode est aussi disponible en vidéo)

Nous entamons cette deuxième saison de belle façon avec la talentueuse pianiste et pédagogue Amanda Kohn qui est native de Rio de Janeiro au Brésil. Elle a débuté l’apprentissage du piano à 11 ans avec des professeurs privés et à l’École de musique Villa-Lobos de Rio. Elle a ensuite poursuivi ses études supérieures en musique classique à l’Université fédérale de Rio auprès des professeurs Ronal Silveria et Luiz Senise. Elle a obtenu une maîtrise en interprétation de l’Université de Montréal avec Paul Stewart et y poursuit actuellement des études doctorales. Amanda a remporté plusieurs prix : « Prix de meilleure interprète de musique moderne » au Concours de piano Musiart à Niterói (RJ), 1er prix au Concours de Ituiutaba (MG), 1er prix au Latin American « Rosa Mística » Competition à Curitiba (PR). Elle est également lauréate du concours "Série Talents" de l'Université Fédérale de Rio de Janeiro UFRJ et du concours pour orchestre et soliste de l'école de musique de la UFRJ. On parle de la manière dont elle se préparait à ses concours. 

Amanda a joué au cours de sa jeune carrière de musicienne plusieurs style de musique : elle a été membre du groupe expérimental Pianorquestra, reconnu internationalement avec des présentations sur les plus grandes scènes du monde. Elle y jouait avec quatre autres pianistes de la musique classique, jazz, les rythmes brésiliens allant même à y inclure des projections et de la danse... On écoute Forró Brasil d’Hermeto Pascoal. En raison du droit d’auteur, nous vous invitons à aller sur ce lien pour écouter et voir la prestation intégrale :https://www.youtube.com/watch?v=jawRLf_Pdzg

Amanda est très présente sur sa chaîne Instagram sous le pseudonyme de @musitalk_ sur laquelle elle est rendue à plus de 37k abonnés. C’est juste incroyable ! Elle y donne des astuces pour mieux travailler au quotidien, bien gérer son temps de travail, des manières de rester motivé sur le long terme, et plein d’autres idées innovantes et stimulantes. Je vous conseille de vous abonner ! 

On écoute (ou visionne sur YouTube) une Étude de concert, no. 7 « Intermezzo » de Nikolai Kapustin

Nous avons également parlé ensemble de la méthode Suzuki qu’elle enseigne depuis plusieurs années. Sinichi Suzuki s’exprimait ainsi : « Enseigner la musique n'est pas mon objectif principal. Je veux créer de bons citoyens. » Elle nous donne les clés et la vision de ce grand pédagogue japonais qui va au-delà de l’enseignement musical, mais qui est un tout beaucoup plus global.  Elle nous parle de ses projets à venir, notamment ses projets de musique de chambre avec le violoncelliste Luis Guilherme dont elle souhaite faire tourner prochainement au Brésil. 

En terminant, elle donne quelques conseils à de jeunes pianistes souhaitant se lancer dans une carrière professionnelle. Elle insiste sur le fait qu’il faut que les musiciens partagent plus souvent et de manière plus constante leur prestation sur les réseaux ou ailleurs. Que ce soit une simple répétition dans son studio ou une prestation intime. Comme elle le dit si bien : « ce qui n’est pas si mal pour nous, c’est fantastique pour le quelqu’un d’autre » !

Merci Amanda pour ce beau partage et bonne continuation !

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Originaire de Sherbrooke, Isabelle David a débuté le piano à l’âge de 8 ans et a grandi dans une famille de musicien. Son père, Marc David, est un chef d’orchestre reconnu, sa mère est flûtiste de formation et sa grand-mère était pianiste. Ses premiers professeurs ont été Madeleine Tremblay, puis Yolande Gaudreau et Jean-François Latour à l’École de musique de Verdun. Elle a poursuivi ses études au baccalauréat à l’École de musique Schulich de l’Université McGill à Montréal, s’est perfectionnée au Conservatoire de musique de Montréal en obtenant un Concours en piano et a fait sa maîtrise en piano au New England Conservatory à Boston avec Gabriel Chodos. Durant sa maîtrise, elle a bénéficié des enseignements de Vivian Hornik Weilerstein en musique de chambre et de Stephen Drury en musique contemporaine. Elle est ensuite revenue au Québec pour faire son doctorat en interprétation à l’Université de Montréal de 2016 à 2020. Son projet de recherche soutenu par la bourse de doctorat Joseph-Armand Bombardier du CRSH avait pour objet l’œuvre pour piano d’Auguste Descarries.

Elle nous parle du compositeur et de son intérêt pour l’école russe de piano lors de ses études à Paris. On écoute un extrait de son arrangement avec collaboration avec Jean Saulnier pour piano seul la Rhapsodie canadienne donnée en première audition en 1936 par le pianiste américain Helmut Baerwald à Montréal (version avec orchestre dirigé par Wilfrid Pelletier). Ce disque Souvenirs d’Auguste Descarries sous l’étiquette Leaf Music a été finaliste comme album de l’année au 26e Prix Opus. On discute de l’esthétisme musical en comparant la musique de Descarries avec celle des compositeurs d’avant-garde et de la problématique d'une écriture tonale face aux langages musicaux alors en vogue. Elle parle des concours de piano et de ce qui la motive lorsqu’elle y participe. Elle souligne l’importance comme artiste de jouer les répertoires moins connus et de sortir des sentiers battus. Elle est porte-parole du Concours Auguste-Descarries.

 Elle nous parle de son projet de musique de chambre avec la violoniste Yolanda Bruno et leur album The Wild Swan né à la suite d’une tournée des Jeunesses musicales du Canada. On écoute Aalap Tarana de Kala Ramnath. Elle nous parle de sa collaboration avec la chanteuse lyrique Barbara Hannigan dans le cadre de son programme Equilibrium Young Artists. Plus récemment, elle a joué avec l’Orchestre symphonique de Terre-Neuve le Concerto de Clara Schumann. Elle partage sa passion de jouer avec des orchestres symphoniques. Elle a aussi joué avec l’Orchestre symphonique de Montréal, l’Orchestre des jeunes de Fribourg, de Trois-Rivières, et de Drummondville entre autres. Isabelle nous parle de sa salle préférée pour donner un récital qui est le Jordan Hall à Boston. Elle parle d'un projet unique qui aura lieu à l’Usine C et qui est produit par l’ensemble Ballet-Opéra Pantomime (BOP) autour des Vingt-Regards sur l'enfant Jésus d’Olivier Messiaen arrangé pour 4 pianos avec les pianistes Gaspard Tanguay-Labrosse, Mehdi Ghazi et Samuel Blanchette-Gagnon. Elle souhaiterait endisquer la Rhapsodie canadienne de Descarries avec orchestre qui serait un rêve pour elle.

Bon épisode !

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Jeanne Amièle a débuté le piano à 5 ans. Son père était mélomane et avait acheté un piano pour en jouer. Elle en a donc profité pour s'y mettre ! La vraie piqure elle l'a eue au Camp musical du Saguenay Lac-Saint-Jean. Ses premiers professeures ont été Mélina Savoie et Jacynthe Riverin qui l’ont formée avant qu'elle entreprenne ses études supérieures en musique. Elle a par la suite poursuivi ses études à Vincent d’Indy (Cégep) avec Jean Saulnier qui a été son professeur jusqu’à la fin de ses études de doctorat à l’Université de Montréal. Elle a aussi participé à un Erasmus* à la Haute école de musique de Genève avec Dominique Weber. 

  Jeanne nous parle de la différence d’approche entre l’enseignement bien encadré qu’elle a reçu au Québec versus celle plutôt libre en Europe. Son côté très organisé lui a rendu service pour structurer son semestre en Suisse. Elle nous parle de son projet doctoral qui portait sur la préparation à la performance et plus spécifiquement sur la mémorisation. Elle développe sur le processus de visualisation : imaginer le jury pour lequel on jouera, la salle, le piano, etc. On parle aussi de la mémoire musculaire en citant le podcast de Dr Mathieu Boucher, Ph. D. : Le musicien stratégique. Elle nous parle des bons et des moins bons côtés de cette mémoire motrice et des autres mémoires sur lesquelles on peut s’appuyer. Elle enseigne la mémorisation à ses élèves en divisant les morceaux en plusieurs parties, à les faire analyser le langage musical des œuvres et leur fait travailler la mémoire auditive. Cette dernière approche étant préconisée par la pédagogue hongroise Marguit Varro dans son livre L’enseignement vivant du piano – Sa méthode et sa psychologie. 

On parle des prix qu’elle a reçus dans les concours et de ses méthodes pour s'y préparer. Elle parle d’ailleurs d’une brillante façon de la gestion du temps en lien avec les programmes qu’elle a à travailler dans son article de blog : « Comment j’ai découvert la méthode Pomodoro – et sept bonnes raisons de l’essayer vous aussi ! » paru en janvier 2019. Selon elle, c'est comme un laboratoire et que malgré le stress, il est souhaitable d’expérimenter plusieurs méthodes pour solidifier son jeu sous différents angles. On parle de la manière de se différencier et de trouver son unicité tout en suivant les règles, mais en s'exprimant à travers ce cadre. Elle affectionne particulièrement les interprétations de Ravel par les pianistes André Laplante et Bertrand Chamayou qui sont allés loin leurs recherches interprétatives. On écoute un Intermezzo extrait des Klavierstücke, Op. 76 de Brahms « live » au Concours OSM en 2015. 

Jeanne nous parle de sa pédagogie, nommée professeure au Conservatoire de musique de Trois-Rivières depuis deux ans. Elle parle de sa démarche pour l’enregistrement de son album solo Reconnaissance qu’elle a réalisé avec Philippe Bouvrette, son père et plusieurs membres de sa famille. On écoute de Robert Schuman la fin du Carnaval, Op. 9 et le début des Trois romances, Op. 11 de Clara Schuman. Parmi ses projets récents et à venir, il y a un récital aux Mélodines à la Place des arts de Montraél en février dernier, un concert-conférence avec Magda Boukanan sur les compositrices du XIXe et du XXe siècle le 7 mai prochain et le 4ème volet de son projet Schumann qui aura lieu le 14 mai prochain avec la violoniste Alicia Choi.

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Né d’une rencontre fortuite lors d’un stage de piano à l’Abbaye de Royaumont à Asnières-sur-Oise en France, je discute avec le pianiste Théodore Lambert. Sa famille n’était pas musicien. Il a fait ses études primaires à l’école de Brétigny-sur-Orge et ensuite au Collège Jean Racine. Il s’est dirigé vers le Conservatoire de Paris où il a travaillé avec beaucoup de professeurs : Claire Désert, Emmanuel Strosser et Jean-Frédéric Neuburger. Il nous parle de son intérêt pour les instruments anciens et quelques stages avec des spécialistes tels que Alexei Lubimov et Edoardo Torbianelli. Il nous donne quelques conseils pour adapter son jeu pianistique par rapport à nos pianos modernes : adopter une souplesse des poignets, une utilisation différente de la pédale et des choix de tempi différents, souvent plus rapides. Il nous parle de son ensemble de musique de chambre Aralia avec Iris Scialom (violon) et Magali Mouterde (violoncelle) avec lequel il se produit en France. L’ensemble se perfectionne toujours dans le cadre de « masterclasses ». C’est intéressant de voir que des professionnels continuent à suivre des formations de perfectionnement même s’ils sont est en carrière active. Il partage d’ailleurs une anecdote intéressante impliquant le fameux violoniste David Oïstrakh. On écoute la fin du 1er mvt du Trio pour piano no 3 en do mineur, Op. 101 de J. Brahms. 

Théodore nous raconte comment il a vécu la pandémie. Il est allé dans un verger dans les montagnes où il a fait une série de concerts avec son amie violoncelliste. Il en a profité aussi pour composer un opéra intitulé L’envers du miroir et pour enseigner. C’est en voyant les jeunes élèves passer beaucoup de temps sur les réseaux sociaux que l’idée de composer un opéra ayant pour sujet les réseaux sociaux, surtout les conséquences négatives que ceux-ci peuvent engendrer. Théodore nous parle de sa démarche de compositeurs et des circonstances qui l’ont fait devenir compositeur. Ses premiers cours au Conservatoire de Paris en écriture qui étaient plutôt des cours de composition avec Fabien Waksman y sont pour quelque chose nous explique-t-il : « Cette histoire de composition, c’est venu au départ parce que j’avais un intérêt de comprendre comment les pièces que je joue étaient faites, et j’ai commencé à faire les miennes et presque à y prendre goût. » Pour son opéra, il s’inspire des comédies musicales, mais il a aussi des influences de Francis Poulenc, Giacomo Puccini, Stephen Soundheim, Claude Debussy et du répertoire romantique. On écoute un extrait d’une composition de Théodore pour piano seul intitulée Lune rousse interprétée par lui-même. Il nous parle ensuite de son processus créatif, de l’intégration de l’improvisation dans ses créations et de l’importance d’écrire sur papier ses œuvres. 

Il nous parle de l’accompagnement qu’il fait au Conservatoire municipal (5e) « Gabriel Fauré » et des défis qu’on peut avoir. Il parle de sa carrière de concertiste et on prend le temps de bien décortiquer le statut d’intermittent du spectacle. On échange sur les outils promotionnels tels que les réseaux sociaux, son site web et YouTube. Travailler avec une agence versus s’auto-représenter ? Ses projets pour l’instant se concentre autour de concerts en Normandie en Quintette (Dvořák et Dohnányi), un disque à sortir sous le label du Conservatoire de Paris INITIALE avec son Trio Aralia, un disque avec l’ensemble Sotto Voce avec 4 chanteurs de musique contemporaine. Il travaille aussi à des récitals lyriques avec la production Résonance et poursuit ses activités d’accompagnateur. Il s’implique également dans des maisons de repos en faisant créer des œuvres musicales par les résidents. 

Bon épisode !

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Gabriel Quenneville-Bélair a commencé l'apprentissage du piano en bas âge. Après une courte interruption, il a repris de plus bel inspiré par son frère qui faisait de la musique. Gabriel nous parle de son parcours académique, son baccalauréat et sa maîtrise qu'il a obtenu au Conservatoire de musique de Montréal avec Raoul Sosa et Richard Raymond.  On écoute le deuxième mouvement (Andante molto cantabile) de la Sonate pour piano en mineur, Op. 7 d’Edvard Grieg (1843-1907) extrait de son premier album Piano Solo auto-produit grâce à la bourse 2016 Claude F. Lefebvre de la Fondation de soutien aux arts de Laval. On parle de ses prix à des concours auxquels il a participé : « Pour moi, les concours ça fait partie de ton année scolaire » raconte-t-il. Il pense que les commentaires des juges nous aident à grandir comme musicien et ça montre les faiblesses sur lesquelles travailler.

Il parle d'un vieil enregistrement de la pièce Jeux d’eau de Ravel datant de plus de douze ans et qui l'la rejouée durant son doctorat. Il se croyait très bon à l'époque, mais c'est en réécoutant cet enregistrement qu'il a réalisé tout le chemin parcouru. Son interprétation était dorénavant d'une toute autre manière lors de son récital de doctorat. Gabriel partage quelques des astuces avant de commencer sa prestation sur scène. Comment calmer son esprit pour ne pas jouer trop vite. On écoute un extrait du 3e mouvement du Concerto no. 1 en si ♭majeur de Piotr Ilitch Tchaïkovski (1840-1893). Cet enregistrement est « live ». Il s'agit d'une prestation comme gagnant du concours de concerto en 2016 du University of Minnesota Orchestra sous la direction de Mark Russel Smith. On échange à propos de jouer avec un orchestre. De comment on doit réfléchir et approcher ce travail pour être en symbiose avec l’orchestre et de bien s’entendre avec le chef d’orchestre durant les répétitions.

On parle aussi de son intérêt pour la musique contemporaine et les collaborations avec des compositeurs comme François-Gabriel Madden et Sean Clarke. Il a d’ailleurs été invité par le compositeur américain Stephen Denker à créer (jouer en première audition) ses Three Concert Études au Clark Art Institute à Williamstown dans le Massachusetts en octobre 2022. Un concert dans lequel il a également joué des œuvres de compositeurs plus « classique » tels que Chopin, Ravel, Schubert et Beethoven. Les intérêts de Gabriel en dehors de sa pratique professionnelle est de jouer du drum ! Eh oui ! Ses projets en cours sont d'accompagner les élèves du Royal Conservatory of Music pour les examens et une collaboration avec Diane Dumas, une professeure de chant. Il s’est également donné un défi de composer seize (16) mesures par jour de musique dans le but de stimuler sa fibre créative de manière régulière. Il explique qu'à chaque jour, il alterne d'une ambiance triste à une autre plus joyeuse. Il s’est inspiré beaucoup de la musique de jeux vidéo et espère pouvoir lancer ce projet sous la forme d'un album prochainement...

Bon épisode !

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C’est au Domaine Forget à l’été 2015 que j’ai rencontré Ryutaro pour la première fois. Nous avons continué à se suivre via les réseaux sociaux et on s’est revu l’année dernière pour un déjeuner très sympa au parc de la Villette tout près du Conservatoire de Paris. C'est dans cette école que j'étudie actuellement et où Ryutaro a complété ses études supérieures de 2008 à 2015 avec Michel Béroff et Hortense Cartier-Bresson, entre autres. Il a ensuite poursuivi ses études musicales avec la pianiste géorgienne Eliso Virsaladze en Italie de 2015 à 2020. Il a commencé ses études de piano dans sa ville natale à Kamakura au Japon, une ville reconnue pour ses plages et ses temples. Au début, il souhaitait apprendre le violon. Enfant, il était fasciné par le violon solo des concerts d’orchestres symphoniques à la télévision. Ne trouvant pas de professeur de violon, ses parents l’ont inscrit à des cours de piano.

On parle des concours internationaux dans lesquels il a remporté des prix : 1er prix au 17e Concours international d’Île-de-France, un 2ème prix au 6e Concours international à la mémoire d’Émile Gilels à Odessa en Ukraine. Il nous parle des conditions économiques déjà difficile en Ukraine et de la résilience des gens qui gardaient tout de même une joie de vivre. On écoute un enregistrement d'un concours en Italie : 3e mvt. de la Sonate no 7 en ré majeur, Op. 10, no 3 de L. V. Beethoven (1770-1827). Je lui ai demandé ce que signifiait pour lui de participer à un concours, comment se prépare-t-il ? Il explique qu'un prix peut aider à la carrière, mais que c’est aussi une expérience très enrichissante d'apprendre autant de répertoire et de devoir bien organiser son temps. Je le cite : « C’est impossible de jouer tous les morceaux en une journée. Oui, ou peut faire ça, mais c’est un rodage, ce n’est pas un travail. Il faut bien doser le travail, par exemple, aujourd’hui je vais me concentrer sur les morceaux de la première épreuve et le concerto puis, demain ce sera autre chose ». 

Suite à son premier album Scarlatti, Ravel, Mozart & Liszt : Piano Works lancé en 2017, Ryutaro a lancé deux ans plus tard un deuxième disque sous le label Hortus intitulé Ce qu’a vu le vent d’Est. Petit clin d'œil à un des Préludes « Ce qu'a vu le vent d'Ouest » de Debussy, mais en regard des œuvres du compositeur du Japon (à l'est) Hisatada Otaka. Il est disponible ici et sur toutes les plateformes numériques. On écoute le Prélude nº 6 « Des pas sur la neige ». Une troisième album « live » Concert in Italy est paru sous l’étiquette KNS CLASSICAL très récemment. Ryutaro nous parle de son processus de création : « On crée quelque chose qui n’est pas fait à l’instant. On réécoute plusieurs fois, on fait du montage, c’est vraiment de créer quelque chose avec le temps ».

Rytuaro se produit régulièrement en concert : Récital CIE Bourse de Paris, France-Amérique, Musée Marmottan-Monet avec Aurélien Pascal. On écoute « Village Festival » de la Suite japonaise de Hisatada Otaka. Il nous partage ces moments qu’il a vécus durant la pandémie à Paris. Il était un peu inquiet de la tournure des événements, mais il se réjouit que les gens soient de retour en salle pour venir écouter les concerts. Il en a profité pour faire la cuisine, pour prendre du recul et réfléchir à ses projets et la suite de sa carrière. Il est maintenant bien occupé avec tout plein de projets inspirants !

Bon épisode !

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