Par-Impar

El cineasta neoyorquino firma una magistral reflexión sobre la culpa y la impunidad, combinando drama existencial con su clásica sátira social.

En esta entrega del podcast Par Impar en esRadio, Juanma González y Dani Palacios analizan en profundidad una de las obras cumbre de la filmografía de Woody Allen: Delitos y faltas (1989). El debate arranca con una reflexión sobre el sentimiento de culpa y los remordimientos que asaltan al ser humano cuando traspasa las líneas de la moralidad, una cuestión que vertebra toda la cinta del cineasta neoyorquino y que plantea dilemas éticos universales.

Además, descubrimos Divergente, una plataforma dedicada a historias y contenidos de menos de 59 minutos en todos los géneros posibles y gratuita. Nuevos creadores y artistas veteranos presentan, ya sea mediante su app o la web, multitud de relatos destinados a emocionarnos en menos de una hora ya sea dese el móvil, el ordenador, la tablet o la Smart TV.

Algo similar ocurre en Delitos y faltas, en la que conviven dos líneas argumentales aparentemente distintas y no relacionadas, pero que avanzan en paralelo sin interferir de forma brusca en el tono: por un lado, un severo drama moral con tintes de suspense y, por otro, una comedia ligera y desencantada. Ambas historias encuentran su nexo de unión simbólico en la figura de un rabino, quien representa la mirada de la fe y la conciencia ética frente a las debilidades humanas.

La trama dramática está protagonizada por Martin Landau en el papel de Judah Rosenthal, un oftalmólogo de alta posición social cuya vida se tambalea ante las amenazas de su amante, encarnada por Anjelica Huston, dispuesta a revelar su romance y ciertos desfalcos financieros. Ante el miedo atroz a perder su estatus, Judah cruza la línea cometiendo un acto irreparable al encargar el asesinato de su amante a través de su hermano, vinculado a los bajos fondos.

Uno de los puntos clave del análisis es cómo la película aborda el concepto de la mirada de Dios y la justicia divina. El rabino, que sufre una enfermedad ocular degenerativa y se va quedando ciego paulatinamente, simboliza la aparente ausencia de un juicio superior o cósmico sobre los actos de los hombres. El filme desafía las convenciones tradicionales de la narrativa clásica al plantear que la impunidad terrenal puede imponerse sin que intervenga ningún castigo divino ni remordimiento eterno.

En este sentido, González y Palacios subrayan la demoledora tesis que Allen propone sobre el transcurso del tiempo: el paso del tiempo disuelve la culpa, permitiendo al criminal integrarse de nuevo en su apacible vida burguesa una vez asimilado el trauma inicial. Esta postura conecta con obras posteriores del director como Match Point o El sueño de Casandra, donde se vuelve a incidir en el peso del azar, la conciencia y la ausencia de moralina.

En contraposición a la tragedia de Rosenthal, se analiza la trama cómica liderada por el personaje de Cliff Stern, interpretado por el propio Allen, un documentalista frustrado y con principios inquebrantables que fracasa tanto en lo laboral como en lo sentimental. Su amor platónico por Halley, interpretada por Mia Farrow, termina en desilusión al ver cómo ella prefiere al arrogante y exitoso productor encarnado por Alan Alda, demostrando con ironía y escepticismo que la integridad moral rara vez obtiene recompensa en el mundo real.

Finalmente, los críticos alaban la brillantez formal de la puesta en escena, la sobria fotografía del maestro Sven Nykvist y la agudeza de los diálogos, que combinan la trascendencia existencial con el humor cáustico. El programa concluye con comentarios sobre el rodaje de Allen en Madrid y diversas anécdotas en torno al cine de justicieros urbanos y clásicos del celuloide, rubricando un homenaje a uno de los guiones más lúcidos y desoladores de la historia cinematográfica.

Analizamos la cinta dirigida por Brian Yuzna: una fiesta gore de científicos dementes y resurrecciones imposibles en nuestro espacio de cine.

El podcast cinematográfico de esRadio y Libertad Digital recibe al director de cine Carles Torrens con motivo del estreno de Apocalipsis Z: Nuevo Mundo, producción de Amazon que continúa la senda iniciada por la adaptación de las novelas de Manel Loureiro. Durante la conversación sobre La Novia de Re-Animator, el cineasta reflexiona sobre su trayectoria desde sus inicios como asistente de guion en Beyond Re-Animator hasta consolidarse en el cine fantástico y de acción contemporáneo, compartiendo además su estrecha vinculación profesional y personal con Brian Yuzna.

En Apocalipsis Z: Nuevo Mundo, Torrens opta por abandonar los códigos convencionales del terror zombi para abrazar el ritmo y la escala del cine bélico moderno. La cinta sitúa al espectador en una operación militar de supervivencia extrema inspirada en referentes como Black Hawk Derribado y la intensidad de realizadores como Kathryn Bigelow o Paul Greengrass. Con un arranque trepidante de cuarenta y cinco minutos sin apenas concesiones dramáticas superfluas, la película sumerge a un destacamento militar en una misión límite en territorio peninsular devastado para asegurar suministros vitales para los supervivientes refugiados en las islas Canarias.

El director detalla la exhaustiva labor de documentación táctica realizada con el asesoramiento de mandos de las Fuerzas Armadas en activo para dotar a la historia de un estricto sentido de la verosimilitud. Esta búsqueda de realismo determinó decisiones como prescindir de cascos o chalecos pesados frente a infectados desarmados para favorecer la movilidad, así como someter a los actores a dos semanas de rigurosa instrucción. A nivel logístico, el rodaje combinó localizaciones entre el aeródromo de Lérida, cuarteles en Cataluña y planos aéreos de la base militar de Cuatro Vientos, recreando grandes despliegues de masas mediante técnicas clásicas de encuadre inspiradas en D. W. Griffith.

Entre los elementos más destacados de la producción figura la presencia de actores como Mario Mayo, representante de un heroísmo físico y obrero propio del cine de acción de la vieja escuela. Torrens recalca que el objetivo era construir personajes creíbles y alejados de la caricatura, reflejando el espíritu de supervivencia de una sociedad civil movilizada en un contexto posapocalíptico verosímil. La obra recibió el entusiasmo del propio Brian Yuzna tras su exhibición en el festival Screamfest de Los Ángeles, destacando la consistencia de su puesta en escena y la escala visual del universo presentado.

La segunda parte del programa se centra en el análisis minucioso de La novia de Re-Animator, clásico de culto dirigido por Brian Yuzna que continuó el universo creado junto a Stuart Gordon a partir de los textos de H. P. Lovecraft. Los participantes destacan su tono decididamente mórbido y grotesco, dominado por una comedia negra negrísima y un componente trágico que remite tanto al mito de La novia de Frankenstein como a las obsesiones necrófilas de Vértigo. En este título, los personajes de Herbert West y Dan Cain consolidan una dinámica de codependencia casi conyugal, marcada por la locura científica y el rechazo a la muerte biológica.

El filme brilla especialmente por el prodigioso trabajo artesanal en sus efectos prácticos y prótesis, desarrollados por maestros del género como Screaming Mad George y la factoría KNB. La concepción de la criatura femenina a partir de extremidades y órganos dispersos aporta una perturbadora reflexión estética sobre la despersonalización del cuerpo. Asimismo, se reivindica la iluminación estilizada y expresionista de la película, atribuida a técnicos veteranos curtidos en las producciones de Steven Spielberg, lo que confiere al conjunto una factura visual de calidad cinematográfica superior a la media de las secuelas del cine de terror de los años noventa.

Finalmente, la charla repasa la evolución del mito del muerto viviente en el celuloide, desde las raíces antropológicas vinculadas al vudú haitiano reflejadas en La serpiente y el arco iris hasta la figura del infectado contemporáneo acelerado y letal popularizado por 28 días después. Torrens y los presentadores concluyen reivindicando la filmografía de Brian Yuzna, responsable de obras tan influyentes como Society, El dentista o Mortal Zombie, y defienden la vigencia de un género fantástico desacomplejado, capaz de combinar el entretenimiento puro con metáforas sociopolíticas arraigadas en la realidad inmediata.

Análisis de una entrega cumbre de Charles Bronson producida por Cannon Films, todo un festín de acción desmedida y nostalgia de los ochenta.

En esta entrega del podcast cinematográfico conducido por Juanma González y Dani Palacios, el director y guionista Tirso Calero acude como invitado para presentar su libro dedicado a dos figuras clave del cine comercial de los años setenta y ochenta: Michael Winner y J. Lee Thompson. Ambos realizadores británicos compartieron trayectorias paralelas al desembarcar en Hollywood, abrazar géneros directos y rodar hasta en quince ocasiones con el actor Charles Bronson, emblema definitivo de la factoría Cannon Films.

El eje central de la conversación gira en torno a El justiciero de la noche (Death Wish 3, 1985), la tercera entrega de la saga iniciada con El justiciero de la ciudad. Los tertulianos destacan cómo la productora independiente liderada por Menahem Golan y Yoram Globus adquirió la franquicia para exprimir su vertiente más desenfadada y visceral, despojándola de las reflexiones morales de la primera película original de Dino De Laurentiis para abrazar el entretenimiento de acción pura y una violencia sin complejos.

Uno de los aspectos más singulares del rodaje fue su ambientación: aunque la historia transcurre en un degradado barrio de Nueva York asolado por bandas callejeras, la mayor parte de las escenas se filmaron en calles y estudios de Londres. Calero recuerda una entrevista con el actor Kirk Taylor, quien encarnó al recordado pandillero Giggler –apodado 'Risitas'– y tuvo que sacarse el pasaporte por primera vez para viajar a Inglaterra, sorprendido por los métodos directos y la personalidad sibarita de Winner en el plató.

Durante el análisis se subrayan elementos icónicos de la cinta, como la peculiar banda sonora compuesta por Jimmy Page, guitarrista de Led Zeppelin, o el llamativo despliegue armamentístico de Paul Kersey. Entre las armas empleadas destacan la potente pistola Wildey Magnum, ametralladoras pesadas Browning de la Segunda Guerra Mundial e incluso un lanzacohetes militar guardado detrás de un sofá, configurando una estética casi de cómic que influyó en obras posteriores y videojuegos urbanos de peleas callejeras.

Asimismo, los participantes reivindican el papel de los veteranos de la industria que sostenían estas producciones, citando a intérpretes secundarios como Martin Balsam y Ed Lauter. También se pone en valor el oficio de artesanos cinematográficos como Winner y Thompson, directores eficaces capaces de rodar en plazo, ajustarse al presupuesto y priorizar el ritmo narrativo frente a cualquier pretensión de autor, manteniendo siempre en mente la comunión con el espectador.

En el tramo final, se compara la figura de Bronson con fenómenos contemporáneos como el de Liam Neeson en el subgénero de venganzas tardías, además de repasar títulos imprescindibles de ambos directores como Fríamente, sin motivos personales, Los cañones de Navarone o Al filo de la medianoche. Por último, Tirso Calero adelanta detalles de su nuevo largometraje como director, Tarántula, un filme de invasión doméstica y suspense protagonizado por Féle Martínez y que cuenta con la singular presencia de un arácnido real durante la filmación.

El realizador madrileño desgrana joyas del séptimo arte, historias entre bastidores y reflexiones culturales en una cita imprescindible.

En una entrega especial con aroma a Cowboys de Medianoche, el programa Par en par reúne a José Luis Garci y a la doctora Noemí Guillermo para repasar sus recientes publicaciones editoriales y mantener una extensa charla sobre el séptimo arte. Los presentadores celebran la coincidencia en las librerías de dos volúmenes dedicados a la cinematografía y a la figura del oscarizado realizador: Chaval, dedícate al cine: De palique con Garci, escrito por Guillermo, y el libro colectivo coordinado por el cineasta sobre realizadores de culto, titulado Directed by B-Directors.

Durante la conversación, Guillermo detalla el laborioso proceso de elaboración de su libro, fruto de años de charlas grabadas en Madrid y Las Palmas que precedieron al auge de la inteligencia artificial. La obra recoge una visión íntima de Garci –sus memorias infantiles, su pasión por la radio, sus maestros de juventud y anécdotas insólitas– estructurada de forma amena y cronológica. Entre las vivencias compartidas destaca un episodio en el que el conocimiento cinematográfico de Garci sobre El Padrino. Parte III sirvió para salvar la salud de la propia autora, al reconocer a tiempo un cuadro de hipoglucemia severa gracias a la famosa escena protagonizada por Al Pacino.

A continuación, el cineasta reflexiona sobre la profunda mutación sociológica que ha sufrido la exhibición cinematográfica con la pérdida del ritual de las salas de barrio y la llegada de los teléfonos móviles. Para Garci, la omnipresencia de las pantallas portátiles aísla a las nuevas generaciones del entorno y desvirtúa la experiencia de visionado colectivo. En su repaso evoca cines históricos madrileños y defiende la puesta en escena clásica, basada en la mirada, la colocación de la cámara y el ritmo dramático de directores como John Ford frente al montaje contemporáneo.

El director madrileño rememora también sus inicios como guionista todoterreno en los años sesenta y setenta, etapa en la que colaboró con realizadores tan dispares como Antonio Mercero, Roberto Bodegas o Eloy de la Iglesia. Ese bagaje le sirvió para dar el salto a la dirección en 1977 con Asignatura pendiente. Garci desvela cómo concibió la estructura de aquella película como un reflejo consciente de la trama de Casablanca, adaptada al marco sociopolítico de la Transición y el final del franquismo, una referencia dramática que pasó totalmente inadvertida para la crítica de la época.

Respecto a sus proyectos inmediatos, Garci revela detalles de una nueva obra cinematográfica de carácter autobiográfico, concebida como el repaso en dos partes de una vida consagrada al celuloide, con intermedio tradicional para los espectadores. El rodaje de la primera mitad incluyó una filmación en solitario en el Museo del Prado para plasmar su fascinación por Velázquez, Goya y El Bosco. Con humor, el cineasta explica que, a imitación de Francis Ford Coppola hipotecando sus posesiones, tuvo que vender un paquete de acciones familiares para poder completar la financiación de la cinta.

Por último, el programa desglosa las páginas de Directed by B-Directors, una reivindicación de 111 artesanos del cine de serie B como Alan Dwan, Robert Wise, Budd Boetticher, Jacques Tourneur o Roger Corman. Garci defiende que estos creadores demostraron un dominio narrativo absoluto al rodar historias eficaces con presupuestos mínimos y plazos muy ajustados. La charla concluye comentando la reciente encuesta de la editorial Notorius sobre las cien mejores películas de la historia –encabezada por El Padrino y El verdugo en el apartado español– y las expectativas de Garci ante los trabajos del polaco Pawel Pawlikowski.

Hablamos de la mítica comedia producida por Spielberg y protagonizada por Tom Hanks con los creadores de la comedia Nuda Propiedad.

En esta entrega del programa Par en par en esRadio, Juanma González y Dani Palacios reciben en el estudio al director Alberto Utrera y al guionista Carlos Soria para conversar sobre su largometraje Nuda propiedad y trazar un divertido paralelismo con el clásico ochentero Esta casa es una ruina, protagonizado por Tom Hanks y Shelley Long.

El punto de partida del coloquio analiza cómo el acceso a la vivienda vertebra el argumento de ambas producciones cinematográficas, reflejando el cambio generacional en las expectativas vitales. Mientras que en la comedia de 1986 la adquisición de una gran mansión representaba una meta aspiracional dentro del optimismo económico de la época, en la actualidad la compra mediante nuda propiedad se plantea como una fórmula de pura supervivencia para una pareja de cuarentañeros asfixiada por los alquileres.

Durante la charla se abordan las contradicciones morales que genera la precariedad inmobiliaria, donde los protagonistas se ven obligados a esperar el fallecimiento del inquilino original para poder disponer de su hogar. Este dilema existencial conecta directamente con el cine social costumbrista español, recordando obras maestras como El pisito de Marco Ferreri, pero actualizadas con la mirada mordaz del siglo XXI.

La conversación también da pie a compartir divertidas y catastróficas anécdotas personales sobre las reformas domésticas y el trato con gremios como fontaneros o electricistas. Los participantes rememoran desastres con tuberías reventadas e inundaciones que bien podrían haber formado parte del desquiciado metraje de Esta casa es una ruina, demostrando que la realidad cotidiana supera en muchas ocasiones a la ficción.

En el apartado interpretativo, los invitados destacan el prodigioso sentido cómico de Tom Hanks en los inicios de su carrera, caracterizado por su gestualidad física y su manejo del patetismo. En contraposición, analizan el trabajo de contención y desencanto de Maxi Iglesias en Nuda propiedad, así como la brillantez de los actores secundarios, entre quienes sobresalen David Lorente y Aten Soria aportando momentos de gran comicidad.

El director y el guionista profundizan en la mezcla de géneros cinematográficos, defendiendo que las mejores comedias siempre surgen del sufrimiento y la tragedia real de los personajes. Según explican, concebir la trama desde el humor negro permite abordar la angustia y el vacío existencial contemporáneo sin caer en discursos dogmáticos o moralizantes.

Respecto a su método de trabajo conjunto, Utrera y Soria detallan el proceso creativo a cuatro manos, el cual desarrollan como una especie de cadáver exquisito en el que se van intercambiando escenas secuenciales para sorprenderse mutuamente y enriquecer el guion con giros inesperados antes de llegar al rodaje definitivo.

Finalmente, los integrantes de la mesa reivindican la defensa de las salas tradicionales frente al consumo doméstico, subrayando la importancia de apoyar a las películas independientes de factura nacional para que puedan conectar con el público en pantalla grande antes de su paso a las plataformas digitales.

Análisis del vibrante thriller donde Bruce Willis encarna a un negociador al límite. Claves de una obra oscura cargada de suspense.

En esta entrega del podcast Par Impar, Dani Palacios y Juanma González analizan en profundidad Hostage, largometraje dirigido en 2005 por el cineasta francés Florent-Emilio Siri. Los presentadores reivindican este título como una de las mejores películas de Bruce Willis y, al mismo tiempo, una de las más injustamente olvidadas de su filmografía, situada en una época en la que el actor todavía se involucraba al máximo en proyectos con personalidad y músculo cinematográfico.

La trama sigue a Jeff Talley, un antiguo negociador de rehenes de Los Ángeles que, tras un traumático error en el que mueren una mujer y su hijo pequeño, decide huir del estrés metropolitano y refugiarse como jefe de Policía en el apacible pueblo de Bristo Camino. Sin embargo, su retiro se trunca cuando tres jóvenes delincuentes asaltan la lujosa vivienda fortificada de un contable vinculado al crimen organizado. Para complicar aún más la situación, una peligrosa mafia secuestra a la familia de Talley para obligarlo a recuperar un soporte digital con información confidencial, convirtiendo al propio agente en un rehén moral y operativo atrapado en una encrucijada sin salida limpia.

A lo largo de la conversación se destaca la brillante puesta en escena de Florent-Emilio Siri, quien traslada al cine estadounidense la visceralidad y el pulso visual del cine de acción europeo de principios de siglo. Lejos de conformarse con las fórmulas convencionales de Hollywood, la cinta destaca por sus planos aéreos rodados en helicóptero antes de la popularización de los drones, el uso dramático de la cámara lenta y la cuidada fotografía firmada por Giovanni Fiore Coltellacci, todo ello arropado por una magnífica e inusual banda sonora compuesta por Alexandre Desplat.

Uno de los mayores atractivos del filme es su constante mutación de géneros. Aunque parte como un clásico drama de toma de rehenes y negociación policial, deriva con rapidez hacia la invasión doméstica con tintes de terror psicológico y el thriller de conspiración mafiosa. Los directores trazan paralelismos con hitos como Jungla de cristal —al invertir la posición de Willis respecto a los conductos de ventilación y el asedio— y con La habitación del pánico de David Fincher, señalando cómo la opresión arquitectónica de la mansión acentúa el aislamiento de las víctimas y la implacable crudeza del relato.

En el plano interpretativo, se elogia con entusiasmo el trabajo de Ben Foster encarnando al psicópata Mars Krupcheck, un papel desquiciado que catapultó su carrera especializada en perfiles siniestros. Su personaje, descrito por los contertulios como una suerte de Joker sin concesiones que únicamente busca la destrucción por placer, contrasta con la desesperación de los otros dos asaltantes juveniles —interpretados por Jonathan Tucker y Marshall Allman— y la vulnerabilidad de los niños retenidos en la casa, subrayando un retrato desolador de la violencia que rehúye cualquier atisbo de edulcoramiento comercial.

La crudeza es, precisamente, el rasgo diferencial de Hostage: la película no esquiva la agonía de los inocentes, las muertes a sangre fría ni el impacto doloroso de cada disparo. Dani Palacios y Juanma González valoran que el protagonista no sea un héroe infalible, sino un hombre roto y dubitativo que comete fallos tácticos y se ve obligado a engañar a menores para intentar salvar a los suyos, consolidando un sobrio ejercicio de suspense que desafió las expectativas del público medio de acción y cosechó una taquilla modesta.

El programa concluye con una encendida defensa del coleccionismo en formato físico frente a la volatilidad de los catálogos en las plataformas de emisión en continuo, recordando anécdotas sobre préstamos de películas y rememorando momentos icónicos del metraje como el asalto final envuelto en llamas, que corona a la película como una obra de culto imprescindible para los aficionados al cine policíaco.

El realizador de 'Solo' analiza el trasfondo político y la madurez de una pieza de culto que fue castigada por las expectativas del público.

En este nuevo episodio del pódcast cinematográfico de esRadio, los presentadores Juanma González y Dani Palacios reciben a un invitado muy especial: el director de cine Hugo Stuven. La conversación gira en torno a su último largometraje, El Nido, protagonizado por Michelle Jenner, y sirve de puente para analizar en profundidad uno de los grandes clásicos del suspense moderno: la película El Bosque, dirigida por M. Night Shyamalan en el año 2004.

Los tertulianos recuerdan el gran impacto y la posterior división de opiniones que generó El Bosque en su estreno. El film fue comercializado erróneamente como una película de terror convencional, lo que frustró a muchos espectadores que esperaban un festival de sustos al estilo de El Sexto Sentido. Sin embargo, con el paso de los años y sucesivos visionados, la cinta ha sido reivindicada como una obra maestra del drama psicológico y el suspense, donde el verdadero monstruo no es sobrenatural sino humano.

Uno de los aspectos técnicos más alabados durante la charla es la soberbia dirección de fotografía a cargo de Roger Deakins. Stuven y los presentadores detallan cómo la película utiliza un estricto código de color para narrar la historia de forma subliminal: el color amarillo representa la protección y la seguridad de la aldea, mientras que el color rojo simboliza el peligro, la transgresión y la atracción hacia lo prohibido. Esta meticulosa planificación visual dota a la obra de un aire pictórico casi invernal.

Hugo Stuven destaca los paralelismos temáticos entre El Bosque y su propio largometraje, El Nido. Ambas películas abordan el concepto del miedo heredado y la sobreprotección paterna. En la obra de Shyamalan, los fundadores de la aldea crean una mentira colectiva en forma de monstruos para aislar a sus hijos de la maldad del mundo exterior, construyendo un nido metafórico. Stuven reflexiona sobre cómo esta sobreprotección y el aislamiento voluntario acaban engendrando, paradójicamente, la misma violencia de la que intentan huir.

Durante la conversación se analiza la economía narrativa del director indio, capaz de transmitir complejas emociones y giros de guion a través de la puesta en escena, sin necesidad de recurrir a diálogos explicativos. Se resalta el uso de la elipsis visual y la planificación de los planos por encima del montaje frenético. Los colaboradores comparan este estilo pausado y elegante con la forma en que los directores clásicos utilizaban la cámara para guiar la mirada del espectador y generar una atmósfera asfixiante.

El análisis actoral se detiene en el personaje de Noah, interpretado de forma brillante por Adrien Brody. Los tertulianos comentan cómo el personaje más inocente y vulnerable de la comunidad es el que termina cometiendo el acto de violencia más terrible, lo que demuestra la tesis del film sobre la inevitabilidad de la maldad humana. También se elogia el trabajo de Joaquin Phoenix y Bryce Dallas Howard, quienes logran transmitir una de las tramas románticas más sinceras de la filmografía del director.

Stuven comparte algunos de los entresijos técnicos del rodaje de El Nido, destacando su preferencia por la planificación cuidada y los planos secuencia complejos sobre el uso abusivo de la cámara en mano. En particular, describe un plano hitchcockiano que atraviesa un espejo para rodar a los protagonistas reflejados, una proeza técnica que requirió mover paredes y cámaras de gran tonelaje, evidenciando su búsqueda de un cine elegante y sofisticado que beba de los grandes maestros del suspense.

Para finalizar, Hugo Stuven revela detalles sobre sus futuros proyectos profesionales, que incluyen una serie documental para la plataforma Movistar y la escritura de una nueva película de terror psicológico en colaboración con la actriz Michelle Jenner. El programa se despide con su habitual recomendación musical, en esta ocasión el tema de la banda estadounidense The White Buffalo, invitando a los oyentes a continuar la conversación en las plataformas digitales de esRadio.

Programa variado en el que Juanma y Dani conversan sobre las últimas películas que han visto durante sus respectivas vacaciones de verano.

En este nuevo episodio de Par en Par, emitido en esRadio, Juanma González y Dani Palacios regresan con su habitual frescura para repasar las producciones cinematográficas que han marcado sus vacaciones estivales. La charla comienza con un análisis de The Surfer, una película de intriga psicológica ambientada en Australia y protagonizada por el incombustible Nicolas Cage. Los presentadores coinciden en que, a pesar de ser una propuesta un tanto delirante y predecible a partir de la mitad de su metraje, la entrega física y el carisma del actor estadounidense aportan un valor añadido indiscutible a la cinta, salvando algunos de sus momentos más flojos.

Posteriormente, el foco de atención se traslada al reciente trabajo del cineasta británico Guy Ritchie titulado In the Grey. Protagonizada por Henry Cavill y Jake Gyllenhaal, la película es objeto de un debate sobre el desgaste del estilo característico del director. Los críticos señalan que, aunque la tensión está bien administrada y resulta entretenida, la fórmula del director empieza a mostrar signos de fatiga. Aprovechando el análisis, recuerdan su anterior obra, The Covenant, y elogian la versatilidad de la Comunidad Valenciana como plató de rodaje, demostrando la pujanza del sector del cine en España al transformar paisajes alicantinos en la abrupta geografía afgana.

La nostalgia de los años noventa llega de la mano de Prácticamente Magia, la recordada comedia de brujas protagonizada por Sandra Bullock y Nicole Kidman. Con motivo de los rumores sobre una posible secuela, los locutores rememoran los puntos fuertes de la película original dirigida por Griffin Dunne. A pesar de que en su estreno no gozó de un gran éxito comercial, destacan cómo el paso del tiempo la ha convertido en un título de culto gracias a la excelente química entre sus protagonistas y a una atmósfera que combina con acierto el drama familiar y la comedia fantástica.

El cine de terror patrio tiene su espacio con El Nido, una producción de Filmax encabezada por Michelle Jenner. Dedicada a la memoria de Julio Fernández, la película destaca por su atmósfera opresiva y rural, que los presentadores comparan formalmente con cintas como The Witch. Aunque la trama transita por senderos predecibles dentro del subgénero del melodrama de terror, Juanma González valora positivamente su factura visual y el esfuerzo por construir una tensión latente, augurando un buen recorrido para la producción en el mercado de las plataformas digitales.

En el ámbito del cine independiente, Dani Palacios destaca la grata sorpresa que ha supuesto Luger, una modesta película española dirigida por Bruno Martín. Con un reparto liderado por David Said, la historia se desarrolla por completo en un polígono industrial, adoptando una narrativa criminal deudora de los primeros trabajos del cine británico de gángsters. Los presentadores elogian la crudeza y autenticidad de sus diálogos, así como la capacidad de su director para retratar con fidelidad el ambiente de la periferia urbana española sin caer en la caricatura.

Por otro lado, los locutores dedican grandes elogios a la producción argentina El Robo del Siglo (2020), protagonizada por los reconocidos actores Guillermo Francella y Diego Peretti. Basada en el famoso atraco real a una sucursal bancaria, la cinta es calificada como excelente por su equilibrio entre el suspense y el humor inteligente. Durante la conversación, se destaca el talento natural del cine argentino para dar vida a personajes memorables y para mantener un ritmo ágil que atrapa al espectador desde el primer minuto de metraje.

Para concluir, se analiza El Drama, un proyecto amparado por la productora A24 con Zendaya y Robert Pattinson al frente del reparto. Tras debatir sobre el cinismo en las relaciones de pareja y las expectativas que genera esta producción, los críticos cierran el programa con sus habituales teorías cinematográficas. En esta ocasión, vinculan el diseño de producción de películas míticas como El Ansia o La Escalera de Jacob con el talento del director artístico Brian Morris, reivindicando la importancia de la estética visual por encima, en ocasiones, del propio guion.

Los críticos de esRadio repasan los secretos y anécdotas de la mítica cinta de lucha de 1988 protagonizada por la estrella belga.

En una nueva entrega del programa Par-Impar, charlamos con el periodista y escritor Lorenzo Ayuso sobre su obra titulada Van Damme: El hombre de Vitruvio, publicada por Unión Editorial. Este libro es un profundo y serio análisis enciclopédico sobre la trayectoria cinematográfica del actor belga Jean-Claude Van Damme, alejándose del tono de parodia que a menudo rodea al actor para reivindicar su importancia dentro del cine de acción de las décadas de los ochenta y noventa. Y lo hacemos a través de uno de sus primeros éxitos: la película Contacto Sangriento.

El núcleo de la conversación gira en torno a los inicios de la carrera de Van Damme y su estrecha relación con la mítica productora Cannon Films, liderada por Menachem Golan e Yoram Globus. Se detalla la famosa anécdota de cómo el actor consiguió llamar la atención de Golan dándole una patada por encima de la cabeza en la entrada de un restaurante. Asimismo, se desvela el engaño que realizó el belga al asegurar que era el villano principal de la película Depredador, ocultando que había sido despedido, lo que facilitó que consiguiera el papel protagonista en la emblemática cinta de artes marciales Contacto Sangriento.

Los participantes del programa analizan la capacidad de Van Damme para convertirse en el mejor narrador de su propia vida. Según explica el autor del libro, el intérprete belga ha dedicado gran parte de su carrera a moldear su biografía personal para construir un personaje casi mitológico, dotado de un hambre de éxito voraz y un compromiso absoluto con los rodajes, llegando a entrenar de forma espartana antes de entrar a trabajar como redactor jefe en su vida diaria.

La charla se adentra en los entresijos técnicos de Contacto Sangriento, una película dirigida por Newt Arnold, un reputado ayudante de dirección de la época, y que contó con la dirección de fotografía de David Worth. Uno de los aspectos más sorprendentes del rodaje fue el caótico primer montaje, que carecía de ritmo y resultó ser un fracaso inicial. Fue el propio Van Damme quien, junto al montador Michael J. Duthie, asumió la tarea de remontar la película por completo para enfocar el ritmo de las escenas en la espectacularidad de los combates.

El magnetismo del actor con el público femenino también ocupa un espacio relevante en el análisis. A diferencia de otros héroes de acción musculados de la época, Van Damme poseía un atractivo físico y una sensibilidad que traspasaban la pantalla. El director de fotografía David Worth llegó a asegurar que el plano del trasero desnudo de Van Damme incrementaría las ventas en VHS de la película en más de cien mil copias, convirtiendo este tipo de encuadres en una seña de identidad ineludible en producciones posteriores como Soldado Universal.

El doblaje al español de la película es otro de los puntos fuertes comentados en el podcast. La dirección corrió a cargo del mítico Carlos Revilla, la voz original de Homer Simpson en España, y contó con las voces de José Luis Angulo doblando a Van Damme y de Ramón Langa interpretando al carismático Ray Jackson. Se rememoran frases icónicas que han quedado grabadas en la memoria colectiva de los aficionados al cine de videoclub de finales de los ochenta.

Finalmente, los locutores repasan la evolución del actor hacia producciones de grandes estudios de Hollywood, destacando su colaboración con el director Peter Hyams en películas como Timecop o la aclamada Muerte Súbita. Estos proyectos permitieron al actor desencasillarse de las artes marciales puras y adentrarse en un cine de acción mucho más sofisticado. La conversación concluye con las recomendaciones personales de los participantes, quienes ensalzan títulos como Cyborg, dirigida por Albert Pyun, o la célebre película de John Woo, Blanco Humano, considerada una de las obras cumbre de la filmografía del actor belga.

En compañía del cineasta Enrique Gato, que estrena nueva entrega de Tadeo Jones, hablamos de este gran clásico de Disney de 1991.

El programa de esRadio recibe esta semana a una de las figuras más importantes de la animación en España, el director Enrique Gato. Con motivo del inminente estreno de la nueva entrega de la saga Tadeo Jones, el cineasta se une a los micrófonos para analizar uno de los grandes hitos de la Walt Disney Company que marcó un antes y un después en su carrera y en su vocación: el clásico de 1991, La Bella y la Bestia. Gato rememora cómo este largometraje de animación tradicional supuso el punto de inflexión definitivo que le impulsó a querer comprender los entresijos de esta disciplina artística.

Durante la conversación, se destaca el extraordinario impacto que tuvo La Bella y la Bestia en el resurgir de la productora norteamericana a principios de los años noventa. Junto a títulos inolvidables como La Sirenita o El Rey León, la película consolidó una edad de oro de la animación caracterizada por la excelencia artística y técnica. Enrique Gato detalla la maestría del dibujo a mano y la introducción pionera de herramientas digitales, un trabajo titánico que requería la colaboración de cientos de artistas capaces de dotar de alma a cada fotograma.

Uno de los aspectos técnicos más fascinantes abordados en el audio es la escena del baile en el gran salón, donde se fusionó de forma magistral la animación en dos dimensiones con los primeros escenarios generados por ordenador --CGI--. Esta mezcla revolucionaria permitió realizar un movimiento de cámara virtual similar al de una grúa cinematográfica, algo completamente inédito para la época que asombró tanto a los profesionales del sector como al público general. Gato reflexiona sobre cómo, a pesar de la evolución tecnológica y del dominio actual de la animación digital en tres dimensiones, los tiempos de producción de un largometraje siguen rondando los cuatro o cinco años debido al carácter artesanal de este arte.

El director de Tadeo Jones explica detalladamente que en el mundo de la animación no existe margen para la espontaneidad o la improvisación durante el rodaje. Todo el metraje de la película debe estar meticulosamente planificado en el storyboard antes de comenzar la producción real, ya que cada minuto de metraje animado es sumamente costoso. Los guionistas procedentes de producciones de acción real a menudo se topaban con la frustración de ver cómo sus ideas debían adaptarse estrictamente a las posibilidades expresivas de los animadores, quienes actúan como los verdaderos constructores de la acción dramática y emocional de la historia.

La vertiente musical de La Bella y la Bestia es clave para entender su éxito imperecedero. La película se concibió bajo la estructura de un auténtico musical de Broadway, con composiciones de Alan Menken y letras de Howard Ashman que lograban expresar la psicología y evolución de los personajes sin caer en la cursilería. Temas memorables como Qué festín o la balada principal interpretada por Angela Lansbury elevaron el largometraje a la categoría de obra de arte. Enrique Gato reivindica la fuerza de estas composiciones y reconoce que su gran reto como director es alcanzar ese nivel de emoción orgánica en sus propios proyectos.

Finalmente, los participantes en el programa elogian el extraordinario doblaje al español de la cinta, dirigido por Camilo García y que contó con voces de la talla de Miguel Ángel Jenner y Jordi Brau. Esta versión en castellano sigue siendo la preferida de muchos espectadores debido a la asombrosa calidad de las interpretaciones, que rivalizan e incluso superan a las originales en matices emotivos. Enrique Gato concluye la entrevista animando a los oyentes a buscar los guiños y homenajes ocultos --los conocidos como easter eggs-- que ha introducido en su nueva película, prometiendo que el público español encontrará referencias muy cercanas a su cultura.