A EFERVECENCIA BRASILEIRA

No episódio de hoje teremos uma playlist bem “brasileira”, então para contrabalancear vou trazer uma história que me aconteceu no Peru antes de chegar ao Brasil.

Um homem de meia idade, chamado Juan Carlos, com uma aparência tranquila, cabelos lisos e brancos entre os ombros, pele avermelhada e gasta pelo sol, barba cheia e cerrada também branca com olhos castanhos e voz macia. Ele me disse que na noite seguinte teria um encontro místico e lá eu poderia viver uma verdadeira experiência com essa planta e que as lições daquela noite seriam para vida toda.

Em meu primeiro contato místico com vegetais, definitivamente eu não estava preparado, e também não foi tão místico.

Nos dias que se seguiram depois da visita a Yaguas, eu só queria estar próximo de alguém em quem eu confiasse, eu tinha crises de choro e me via mais uma vez sem propósito na vida, assim como foi quando cheguei em casa pela última vez. 

Também em forma de chá, em doses menores e com um sabor não muito mais palatável do que os cogumelos tomamos o chá. Era como se eu estivesse entrando em um “buraco de minhoca” conceito dimensional) - Eu ouvia a dor, eu sentia o toque e vi a vida passar em meus olhos. Nessa viagem eu sentia meu corpo sendo atravessado em camadas pela energia do universo. Eu senti o “saber” me acolhendo enquanto eu pensava na família que eu não teria mais.

No dia seguinte ao acordar eu sabia que alguma coisa na minha vida tinha mudado, mas não sabia exatamente o quê, ou simplesmente eu não queria acreditar...

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O ano é de 1980, Marley veio ao Brasil em uma estratégia de marketing para o lançamento de um selo Alemão por aqui, era a Ariola. Havia um subselo, a Island Records, da qual Bob Marley era contratado, e é aí que ele entra na história, e vem parar no Brasil!

Logo em sua primeira parada no país, para abastecer o avião, já foram confiscados os vistos de trabalho de todos, o que os impediria de realizar shows por aqui. Os militares estavam de olho naquela “comitiva”, e trataram de bem cedo já boicotar qualquer apresentação de Reggae no Brasil.

Mas Bob deu outros tipos de show por aqui. Aquele outro show que os brasileiros muito gostam! Um grande fã do futebol brasileiro, Marley se reuniu com outras figuras para uma “pelada” no campo de futebol de Chico Buarque, o Politheama.

O jogo contou com a seguinte composição de estrelas:

Time A – Bob Marley, Junior Marvin (guitarrista do The Wailers), Paulo César Caju (Jogador da Seleção Brasileira nos anos 70), Toquinho, Chico Buarque e Jacob Miller.

Time B – Alceu Valença, Chicão (da banda Jorge Ben) e quatro funcionários da gravadora Island Records.

Bob era um grande admirador do jogador de futebol Paulo César Caju, e teve a honra de dividir o campo com ele. Era também Santista de coração, sendo muito influenciado por Pelé, outro ídolo do Rei.

Bob não poupou elogios ao povo brasileiro: “É fácil perceber que as pessoas aqui têm ritmo e feeling, não só no andar, mas no falar e no próprio interesse demonstrado pela música em qualquer uma de suas manifestações.”

E sabia admirar o nosso ritmo, e entender nossas raízes, assim como também entendeu as raízes de seu povo: "O samba e o reggae são a mesma coisa, têm o mesmo sentimento das raízes africanas."

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Esta edição referenciada no rei do rock, o comumente lembrado Elvis Presley

Com a ajuda da incrível trilha sonora do filme de 2022 que trouxe Elvis ao reino da sétima arte mais uma vez. O Jovem Elvis me traz uma boa memória de São Paulo, mas também uma lembrança assustadora.

Um amigo e eu havíamos chego a SP na noite anterior, conhecemos em um posto de combustível, chegando na cidade, Ana e Marcos que estavam com seu filho Marcelo chegando de viagem para um aniversário infantil no domingo a tarde. E nos convidaram para o evento. Então tiramos o sábado para alugar um paradouro, desfazer as bagagens e descansar. E assim fizemos.

Chegou a hora da festa.

O salão de festa estava enfeitado e começavam a chegar os convidados. O apartamento de Paulinha ficava no mesmo andar do apartamento do Marcelo. Era um prédio circular e o andar era o segundo. No corredor circular as portas dos apartamentos ficavam quase de frente uma para outra.

De repente sai da primeira porta lateral, da cozinha imagino, um menino correndo em direção a janela no final do corredor e se joga pela janela.

O aniversário ocorreu normalmente, só depois da festa é que contamos o ocorrido. Depois das “velinhas” a Dna. Paula foi para o hospital onde Ana estava acompanhando o menino desde o primeiro atendimento.

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Esse sistema de premiação existe em diversos países, os quais seguem as variações pré-definidas pela Federação Internacional da Indústria Fonográfica (IFPI). As categorias existentes nessa premiação são: Ouro, Platina e Diamante.

O número de vendas para alcançar as premiações variam de acordo com os países, e cada local segue seus próprios padrões, que podem ser baseados no índice populacional, por exemplo. Além desse fato, diferentes níveis de vendas podem existir para os diversos tipos de mídias, como é o caso de álbuns, compactos, singles, clipes, DVDs, etc…

O interessante é que as certificações funcionam de forma cumulativa, ou seja, é possível que um único disco seja certificado como ouro, platina e, posteriormente, diamante. É possível também que alcancem, com as vendas, o status de “platina duplo” ou “triplo”.

As premiações podem ocorrer, também, com o poder de venda daquele disco no mercado atual. Por exemplo: A medida é baseada geralmente em transferências de atacado para todos os tipos de comércio, não apenas em vendas no varejo. Ou seja, isso significa que um prêmio ou ranking para um novo lançamento reflete as expectativas de um distribuidor do álbum e seu poder de mercado.

Veja como são feitas as premiações no Brasil (Venda de Álbuns):

Certificação por número de vendas – Repertório nacional:

Certificação por número de vendas – Repertório internacional:

O DISCO DE URÂNIO

Essa premiação é real, mas não completamente. Mas também não podemos dizer que seja um mito.

O Disco de Urânio não se trata de uma premiação oficial da indústria da música mundial, ela foi criada por uma extinta gravadora espanhola chamada Hispavox, no ano de 1982, para homenagear o cantor espanhol , em comemoração ao seu sucesso num total de vendas de toda a sua discografia. Como o cantor Raphael já tinha recebido discos de ouro e de platina, a gravadora (que hoje é apenas um selo da gravadora EMI) criou o disco de urânio e deu ao astro espanhol.

Além de Raphael, os outros artistas que também receberam este título, que podemos chamar de… Simbólico.

São eles:

No entanto, nenhum desses álbuns tinha vendido mais de 50 mil de cópias na época.

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Remasterização é o processo pelo qual se produz um novo master para produção de novas mídias. A fonte pode ser a partir de qualquer outra matriz já existente como uma fita magnética (tape), um disco de vinil, fita cassete, compact disc, DVD, e todas as demais fontes de áudio possível.

Este processo muitas vezes é bastante criticado por puristas, mas o objetivo final é proporcionar maior qualidade sonora, melhorando a percepção de timbres que muitas vezes estão ocultos por ruídos e distorções.

Mas como é realizada a remasterização?

1ª Etapa – Limpeza Após avaliar o estado físico da matriz, uma limpeza é realizada para a retirada de impurezas e corpos estranhos das mídias, como poeira e mofo.

2ª Etapa – Ouvir a mídia Após a higienização, reproduz a gravação original em equipamentos que digitalizam o som. Esses equipamentos, normalmente são de alta fidelidade podendo extrair o máximo do som das mídias.

3ª Etapa – Análise A análise é realizada pelo engenheiro de som, normalmente um especialista em masterização que é treinado para ouvir e perceber as falhas, estalos e distorções de som que podem ser restauradas durante o processo.

4ª Etapa – Edição em softwares Em programas específicos, utiliza-se compressores são para uniformizar o volume do áudio e também trata-se com os equalizadores para que o som soe semelhante em todas as mídias.

Em suma, no processo de remasterização o som é alterado em seu todo, em todas as faixas e toda a música, mas não há alteração das configurações individuais de cada canal, que é responsável por cada instrumento, efeito ou voz na gravação, este processo do tratamento individual é denominado mixagem, o que muitas vezes também vem acompanhado das remasterizações.

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O fenômeno que ficou conhecido como o Verão do Amor marcou o apogeu do movimento hippie e mudava as regras do jogo no rock. 

Junho de 1967. Por um breve momento, a juventude parecia ter tomado conta do mundo ocidental. Naquele mês, tudo o que vinha sendo fermentado nos anos anteriores explodiu em São Francisco, Califórnia, em um fenômeno social que ficou conhecido como Verão do Amor. Cerca de 100 mil jovens rumaram até a cidade para se estabelecer na vizinhança do distrito de Haight-Ashbury. Foi um movimento espontâneo, com frentes em outras partes dos Estados Unidos e na Inglaterra. Os hippies traziam uma mensagem pacifista e a rejeição de um estilo de vida consumista. E, claro, se opunham aos horrores da Guerra do Vietnã.

Não era apenas um modo alternativo de viver. Era também o retrato de uma efervescência cultural que iria mudar o panorama pop. Em 14 de janeiro de 1967, ocorreu o primeiro ponto alto desse processo, o Human Be-In, evento que juntou diversas tribos na Golden Gate, em São Francisco. Esse prelúdio do Verão do Amor reuniu cerca de 30 mil pessoas e juntou palestras, atividades culturais e shows. O mote inicial era protestar contra o decreto que bania o uso de LSD na Califórnia. As drogas lisérgicas eram uma das principais forças da contracultura e tinham como principal guru o doutor Timothy Leary, um ex-professor universitário que decidiu abandonar o sistema. Foi lá que ele entoou a célebre frase “Turn on, tune in, drop out” (algo como “fique ligado, entre de cabeça, caia fora”). Personalidades como o poeta beat Allen Ginsberg marcaram presença, além de diversos artistas que acabaram estabelecendo a cena musical de São Francisco, entre eles The Jefferson Airplane, The Grateful Dead e Janis Joplin & Big Brother and the Holding Company.

Em maio, o cantor Scott McKenzie lançou a canção “San Francisco (Be Sure to Wear Flowers in Your Hair)”, escrita por John Philips, do grupo The Mamas and the Papas. O single vendeu mais de 7 milhões de cópias e se tornou o hino definitivo da era hippie. Mas quando os Beatles lançaram Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, no dia 1º de junho, a contracultura ganhava mais do que um hino – ganhava uma declaração de princípios.

Como profetizou Scott McKenzie, uma quantidade surpreendente de jovens rumou a São Francisco e entupiu as ruas na região de Haight-Ashbury. Muitos deles também foram a eventos como o Fantasy Fair and Magic Mountain Music Festival e o Monterey Pop Festival, que marcou o ápice do Verão do Amor. O festival, realizado de 16 a 18 de junho, reuniu cerca de 60 mil pessoas e hoje é considerado o primeiro grande evento do tipo na história do rock. Vários ícones se consagraram lá, como Jimi Hendrix e The Who, que eram praticamente desconhecidos nos Estados Unidos. Janis Joplin e Otis Redding viraram superastros depois de Monterey. Filhos da cena local, como Jefferson Airplane e The Grateful Dead, também marcaram presença, além de hitmakers como The Mamas and the Papas, The Byrds, Bufallo Springfield, Johnny Rivers e The Association. Paralelamente, Ravi Shankar mostrou a força da música indiana. As memoráveis apresentações foram registradas em um filme homônimo dirigido por D.A. Pennebaker.

O flower power se tornou palavra de ordem. Mas nem tudo era paz e solidariedade. Haight-Ashbury ficou pequena para tanta gente; houve uma explosão do abuso de drogas e da criminalidade. Quando junho terminou, muitos jovens voltaram para casa e São Francisco retornou, gradativamente, a uma certa normalidade. Independentemente disso, o que hoje é visto como apogeu hippie mudou a música, a moda, a cultura pop.

Por PAULO CAVALCANTI - August 2017

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Não apenas porque foi o estúdio onde os Beatles gravaram a maior parte de sua discografia, mas porque eles têm sido o lar de bandas como Foo Fighters, Iron Maiden, Michael Jackson, Jamiroquai, Muse, Pink Floyd, Queen, Oasis, Radiohead … a lista é interminável. É realmente um templo da música a ser visitado na rua Abbey Road, na capital Inglesa.

Em 1957, Elvis Presley comprou para seus pais esta mansão em Memphis, Tennessee, e residiu lá até seus últimos dias. É um centro de culto ao rock and roll e, ao lado da Casa Branca, é um dos lugares mais visitadas nos Estados Unidos. Se um dia forem até lá, não encontrarão apenas um museu com todos os seus pertences, mas também poderão sentir a magia que o Rei do Rock deixou por lá.

Se você for andar por Kingston, Jamaica, e encontrar um letreiro dizendo Tuff Gong, não deixe de entrar, pois o lugar é nada menos que o museu de Bob Marley. Localizado a 56 Hope Road na capital jamaicana, esta casa, que por muitos anos foi Marley, é o tema da peregrinação para os amantes da música jamaicana.

Se você tiver a oportunidade de ir, este é um verdadeiro local de encontro e reflexão. Tuff Gong Records é também uma gravadora jamaicana criada em 1970 por Bob Marley e outros membros da banda de reggae The Wailers.

Seja qual for a banda de rock que você pensar neste momento, qualquer uma delas já se apresentou pelo menos uma vez neste lugar, CBGB, em Nova York, um clube que desde sua abertura em 1973 até seu fechamento em 2006, abrigava centenas de músicos que se tornariam referências históricas ao rock.

Freddie Mercury viveu nesse edifício na década por algum tempo na década de 70. Esta é a terra sagrada para os amantes de Queen porque era o lugar onde eles levaram as primeiras fotos da banda usada na parte de trás do álbum “Queen”. Visitar Monumentos Musicais e não passar por aqui é um verdadeiro sacrilégio divino!

Por Bilesky Discos Blog - August 2017

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Um dos maiores sucesso da banda de rock brasileiro Titãs, é a canção Marvin que foi gravada pela primeira vez no ano de 1984.

Mas ela não é uma canção genuinamente brasileira, trata-se de uma versão, de uma música da banda Chairmen Of The Board, gravada nos anos 70 com o nome “Patches”. A regravação da música mais conhecida internacionalmente até hoje, é a do músico de blues, Clarence Carter.

A inspiração para uma versão brasileira por parte dos músicos Sérgio Britto e Nando Reis veio da versão cantada pela banda de reggae: King Sounds & The Israelites

A história da música Marvin, não é real, nunca aconteceu. É uma história que conta o dia a dia de muitas pessoas que vivem em áreas rurais do nosso país, desprovidas de recursos, que em muitas vezes passam necessidades básicas até para se alimentarem.

O nome Marvin, do personagem principal da história, foi sugerido por Nando Reis, como uma forma de homenagear o cantor norte americano, Marvin Gaye que morreu naquele mesmo ano em que a letra da música foi concebida. Como é uma versão brasileira, não seguiram à risca o que diz a letra original, adaptaram para o cotidiano do nosso país, mantendo apenas a ideia central.

Traduzindo do inglês para o português, a palavra patches quer dizer: Retalhos.

A música conta a história de um menino que vive em uma área muito humilde do Alabama, mas que em hipótese alguma abandonou os estudos, pois seria através deles que enxergava a possibilidade de ter um futuro melhor. Na versão brasileira, Marvin precisou ajudar no sustento da casa, por conta disso deixou de ir à escola para se dedicar ao trabalho. 

Na história cantada pelos Titãs, em muitas das vezes o menino precisava cometer alguns furtos na redondeza, mais especificamente roubar galinhas, pois só dessa forma ele e a família teriam condições de comer carne.

Na canção original, Patches, o menino se vangloria por ter conseguido manter a casa sem precisar tirar nada de ninguém, nunca precisou roubar, mesmo tendo muitas oportunidades e facilidades para isso. De forma muito criativa, os músicos brasileiros conseguiram transportar a canção para a realidade brasileira.

A música relata a vida de um homem do campo de origem humilde, que não teve oportunidades na vida para estudar, e que agora se submete a trabalhos pesados para poder criar a sua mulher e filhos. O trabalhador, parte dessa para uma melhor, deixando a cargo do filho mais velho a tarefa árdua de cuidar da família.

A história narrada por Marvin na canção, tem o seu início com ele lembrando das dificuldades e malabarismos que o pai fazia para poder sobreviver com a família. Mesmo trabalhando com afinco, sem pausas, dia a dia, o pouco que ganhava não era suficiente para se manterem. Nada poderia ser pior do que aquela triste realidade. Marvin pensa em fugir, abandonar tudo, mas sabe que agora todos dependem dele. Quando perde a mãe, se vê obrigado a cuidar dos irmãos. Conforme os irmãos vão crescendo, seguem esse mesmo caminho.

Enfim, esse é o legado que é passado de pai para filho, se repetindo em um ciclo interminável. Acontecendo frequentemente nas regiões rurais do interior do nosso país.

Carlos William Leite da Revista Bula fez uma compilação baseada em listas publicadas por sites, jornais, revistas e suplementos culturais especializados em música. O objetivo da pesquisa era identificar quais eram os mais importantes discos de rock de todos os tempos. Participaram do levantamento o canal de música VH1, os jornais “The Guardian” e “The Telegraph”, os sites “NPR Music”, “All Music”, “Aol Music” e “Amazon”, e as revistas “Slate” e “Rolling Stones”.

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band — Beatles

Lançado em junho de 1967 pela Parlophone Records, na Inglaterra, e pela Capitol, nos Estados Unidos, “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” é o oitavo álbum lançado pelos Beatles e o mais influente da história da música.

The Dark Side of the Moon — Pink Floyd

Lançado em março de 1973 pela Harvest Records, na Inglaterra, e pela Capitol, nos Estados Unidos, “Dark Side of the Moon” é considerado a obra-prima da banda de rock inglesa Pink Floyd. Marco do rock progressivo.

Nevermind — Nirvana

Lançado em março de 1991 pela DGC Records, “Nevermind” é o segundo álbum de estúdio da banda norte-americana Nirvana. Estima-se que o álbum tenha vendido mais de 30 milhões de cópias. A capa, um bebê nadando atrás de uma nota de 1 dólar presa num anzol, foi eleita como a melhor capa de todos os tempos. 

Are You Experienced — The Jimi Hendrix Experience

Lançado em maio de 1967 pela Track Records, “Are You Experienced” é o álbum de estreia do The Jimi Hendrix Experience e possivelmente o maior disco de estreia da era do rock. O The Jimi Hendrix Experience era formado por Jimi Hendrix na guitarra, Mitch Mitchell na bateria e Noel Redding no baixo.

Pet Sounds — The Beach Boys

Lançado em maio de 1966 pela Capitol Records, “Pet Sounds” é o décimo primeiro álbum de estúdio da banda de rock americana The Beach Boys. Considerado um dos discos mais influentes da música pop, o álbum traz camadas elaboradas de harmonias vocais, juntamente com efeitos de som e instrumentos não-convencionais.

Revolver — Beatles

Lançado em agosto de 1966 pela Parlophone Records, “Revolver” é considerado um dos mais importantes álbuns da história da música e marca a adesão dos Beatles ao psicodelismo. O álbum, que chegou ao primeiro lugar nas paradas de sucesso americana e inglesa

Exile on Main St. — Rolling Stones

Lançado em maio de 1972 pela Rolling Stones Records, “Exile on Main St.” é o décimo álbum de estúdio da banda de rock inglesa Rolling Stones. Recebido de forma negativa pela crítica, o álbum que mistura gêneros como rock, blues, soul, gospel e country music, hoje é considerado uma das obras-primas do rock. 

Highway 61 Revisited — Bob Dylan

Lançado em agosto de 1965 pela Columbia Records, “Highway 61 Revisited” é o sexto álbum de estúdio do cantor Bob Dylan. A faixa “Like a Rolling Stone”, que abre o álbum, ocupa a 1ª posição na lista das 500 maiores canções de todos os tempos, da revista “Rolling Stone”. 

The Velvet Underground & Nico — The Velvet Underground

Lançado em março de 1967 pela Verve Records, “The Velvet Underground & Nico” é o álbum de estreia da banda norte-americana The Velvet Un¬der¬ground, com participação de Nico (cantora, modelo e atriz, que foi sugerida por Andy Warhol quando ele se tornou empresário da banda). Embora tenha fracassado comercialmente no lançamento, “The Velvet Underground & Nico” é considerado um dos álbuns de rock mais influentes e criticamente bem-sucedidos da história da música.

Postado 13th August 2017 por Melissa Brendler

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A década de 70, como um todo, foi um dos momentos mais produtivos da música.

Mas temos um ano em especial que marca esse solo fértil brasileiro.

Foi o ano de 1972. Um recorde de produções de altíssimo nível e nós vamos trazer alguns exemplos aqui hoje:

Trata-se do primeiro disco de Gil após a volta do exílio em Londres.

O nome do trabalho é uma homenagem ao trem no qual Gil deixava sua cidade natal em direção a Salvador. Entre as clássicas estão a faixa-título e os sucessos Chiclete com Banana e O Sonho Acabou;

Tamanha era a inspiração naquele momento que Lô Borges produziu dois trabalhos, um em parceria com Milton Nascimento, e o outro de maneira solo. Um tênis surrado por uma vida ainda breve, mas cheia de histórias e andanças. “Lô Borges” foi lançado quando tinha apenas 20 de idade.

Esse clássico foi gravado em Londres, lugar que acolheu Caetano Veloso durante o exílio, e é uma alegoria de tudo que acontecia na vida de Caê. Suas novas descobertas, um novo idioma, novos ritmos, e a saudades de sua Terra.

Acabou Chorare era algo totalmente novo para os próprios Novos Baianos. Os rumos foram outros depois da amizade com João Gilberto, e sofreram uma inteira reformulação sonora e poética. Um respiro ao momento melancólico, tenso e obscuro que ocupava a música, a Ditadura Militar no Brasil.

Clube da Esquina é também a beatlemania aliada ao folclore. É o Jazz e a Bossa Nova em copos de cerveja. Numa época em que o prazer em ouvir música exigia um esforço a mais, era uma época em que passava-se um mês todo desfrutando o mesmo Vinil, Clube da Esquina, foi um álbum duplo.

Esse disco dos Mutantes foi o último a ser feito com a parceria do trio original e criativo: Rita, Arnaldo e Sérgio. Era a última vez que a psicodelia mutante se reunia, sendo, inclusive, um ritual de passagem ao rock progressivo. Fato que desagradava a Rita Lee.

Após o sucesso de Jardim Elétrico, Cometas no País do Baurets mudava os rumos que a banda tomava.

A gíria baurets é invenção de Tim Maia, e significa cigarro de maconha. Mas o lance na época, na verdade, era outro. A pira da vez era o LSD. Não só para os Mutantes, a droga era uma das principais fontes de inspirações e viagens para outras bandas pelo mundo afora.

Apesar desse novo caminho tomado por eles, que no momento contavam oficialmente com os músicos Liminha e Dinho, o disco tem um grande valor artístico.

Postado há 13th August 2017 por Melissa Brendler

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