Recensione de La sottile linea della vendetta, miniserie franco-belga in quattro episodi su Rai 2 e RaiPlay, più Parole Serie con la storia del termine “defaticante”.

Esther Lefèvre riceve una diagnosi di Alzheimer e decide che, prima che la memoria se ne vada del tutto, c’è un conto vecchio da chiudere. Tira fuori dall’archivio del tribunale in cui ha lavorato una vita la lista di chi l’ha fatta franca e comincia a sistemarli uno per uno. Tanto poi se lo dimentica.

Titolo originale Mémoire vive, in onda su M6 nel febbraio 2025, titolo internazionale Unforgettable – Memories of Revenge, liberamente tratta dalla serie turca Şahsiyet, quella dell’International Emmy. Regia di Arnaud Malherbe, già dietro Chefs, con Clémentine Célarié protagonista ed Elisa Erka nei panni della poliziotta Célia Le Goff.

Il comparto tecnico è quello di una fiction col budget in ordine: fotografia ottima ma di servizio, regia che fa il suo, attori bravi e sempre un po’ sul filo della performance televisiva. A tirare su tutto è il plot. La malattia che diventa un superpotere perverso, gli omicidi pianificati a colpi di post-it per aiutare la se stessa del futuro, il gioco a specchio con una poliziotta che invece un pezzo di memoria lo sta rincorrendo, e una spalla che è la trovata più bella della serie. Il “ma” riguarda qualche coincidenza troppo comoda e un finale che si sbilancia sul dramma. Sul ritmo la questione è un’altra: è ritmo francese, e quello non è un difetto, è geografia.

Si passa dalla Scala Tecnica, dove la nostra gamma va da All’s Fair a The Pitt, e dalla Densità Narrativa, dove stavolta è venuto fuori un caso di studio. Poi Scala della Scimmia e Consiglio per la Fruizione.

Chiude Parole Serie, lo Zibaldone di Sono Cose Serie: il termine “defaticante”, che nel nostro vocabolario non ha niente a che vedere con la stanchezza e vale piuttosto come hakuna matata applicato alle serie. Prima comparsa ufficiale nel documento della 5×16, marzo 2015, mentre parlavamo di Marvel’s Agent Carter. Da lì in poi La Signora in Giallo, Castle e perfino The Orville.

E ricordate: chi sta pianificando un omicidio e chi non ci ascolta è un birimbino!

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The Bear è arrivata alla quinta e ultima stagione su Disney+ e noi ci prendiamo tutta la serie: recensione definitiva, dalla paninoteca di Chicago all’ultimo servizio. In chiusura Parole Serie, il nostro zibaldone, con il termine “controritmo”.

Cinque stagioni di forme diverse: la prima è un attacco di panico lungo otto episodi, la seconda la ricostruzione dalle macerie, la terza e la quarta il prezzo della scalata, la quinta comprime quasi tutto in un’unica giornata di lavoro, con il temporale sopra Chicago. Alle origini c’è un locale vero, il Mr. Beef di Joe Zucchero, dove Christopher Storer andava a mangiare da ragazzo e dove Jay Leno, comico squattrinato, dormiva in macchina nel parcheggio.

Carmen “Carmy” Berzatto (Jeremy Allen White) e il fratello Mikey che vediamo solo nei flashback (Jon Bernthal). Richie (Ebon Moss-Bachrach), che passa dalla tuta acetata alla gestione millimetrica della sala senza perdere un grammo di cazzimma. Sydney (Ayo Edebiri), che si ritrova brigata allo sbando, bilancio in rosso e una stella Michelin da inseguire, ed è il baricentro emotivo del finale. E poi Tina (Liza Colón-Zayas), Marcus (Lionel Boyce) con la faccenda che chiamiamo soltanto “la candela”, lo zio Jimmy di Oliver Platt, la Donna Berzatto di Jamie Lee Curtis.

Sull’estetica ci fermiamo parecchio: realismo ruvido da documentario indipendente e pulizia da videoclip anni Ottanta, lenti da 50mm per restare nella prospettiva dell’occhio umano, la cucina che diventa un acquario di acciaio e vetro, e nell’ultima stagione lo score di Christian Lundberg per il collettivo Bleeding Fingers Music di Hans Zimmer. Nel mezzo risolviamo pure il giallo dei premi: perché una serie così finisce nella categoria commedia agli Emmy e ai Golden Globe, con tre motivi dal più idiota al più furbo.

Il tema vero sta in una frase che Carmy dice allo zio Jimmy: per rompere gli schemi bisogna rompere gli schemi. Da lì passiamo ai nostri sistemi di valutazione, applicati a tutte e cinque le stagioni: Scala Tecnica, Densità Narrativa, Scala della Scimmia e Consiglio per la Fruizione, più un Consiglio per la Sopravvivenza che vi servirà il giorno dopo.

Chiude Parole Serie, lo Zibaldone di Sono Cose Serie, con il termine “controritmo”: con poliritmia e controtempo non c’entra niente, il primo posto in cui lo troviamo scritto è la 8×02 dedicata a Mindhunter, e serve a dire che una serie lenta può essere una scelta di coraggio.

E chi fa la carbonara con la pancetta e non ci ascolta è un birimbino!

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Supergirl, recensione doppia: il film di Craig Gillespie con Milly Alcock contro il fumetto La Donna del Domani di Tom King e Bilquis Evely. Sei round, carta contro pellicola, un arbitro e un cartellino finale.

Supergirl ubriaca al bancone il giorno del suo compleanno: comincia così il fumetto, e comincia quasi uguale il film. Da lì in avanti, però, le due storie prendono strade diverse, e questa settimana cambiamo formato per raccontarvele una contro l’altra.

Il fumetto arriva con un curriculum importante. Supergirl: La Donna del Domani è la miniserie in otto numeri con cui Tom King, ex agente antiterrorismo della CIA prestato ai supereroi tristi, ha preso Il Grinta di Charles Portis e lo ha portato nello spazio: ragazzina cocciuta, pistolera riluttante, un viaggio di pianeta in pianeta. Disegna Bilquis Evely, in Italia lo pubblica Panini.

Dall’altra parte il film. Supergirl esce nel giugno 2026 per Warner Bros., lo dirige Craig Gillespie su sceneggiatura di Ana Nogueira ed è il secondo capitolo del DC Universe di James Gunn. Milly Alcock tiene insieme spirito punk e una malinconia di fondo, ed è l’unica cosa su cui i due contendenti si trovano d’accordo. Intorno a lei un cinecomic da 107 minuti con tre compositori in tre mesi e due montatori di scuole opposte.

I sei round girano intorno alle differenze fra il film e La Donna del Domani. Lobo: nel pitch originale del fumetto c’era, poi gli editor DC lo tolsero e King inventò Ruthye. Gunn lo ha rimesso nel film come puntello alla struttura in tre atti, e Jason Momoa è perfetto per un personaggio che qui non ha niente da fare. Krem delle Colline Gialle promette stragi e poi lascia vivi i protagonisti, come il Joker del Batman anni Sessanta che ti lega al congegno mortale e va al bar a prendersi un gingerino.

Sul perché sia andata così ci sono una tesi e dei fatti. I fatti li ha raccolti The Hollywood Reporter: Gunn e Gillespie non allineati, un test screening di dicembre con punteggi da Batgirl e, a marzo, due montaggi in gara davanti al pubblico di prova. Ha vinto quello dello studio per due punti, ed è il film uscito in sala. Poi il retroscena sul finale, che Ana Nogueira ha raccontato a Variety: aveva letto male il finale del fumetto. La tesi ve la ascoltate in puntata, insieme a un consiglio per la Warner: let Gunn be Gunn.

Vi toccano comunque le nostre scale di valutazione una accanto all’altra, applicate ai due sfidanti separatamente: Scala Tecnica, Densità Narrativa, Scala della Scimmia e Consiglio per la Fruizione. I due voti non si somigliano per niente.

Poi Parole Serie, lo Zibaldone di Sono Cose Serie, racconta la genesi dell’espressione “la sovrastruttura mitologica del volemose bene”: non un lieto fine, molto peggio. Una religione narrativa in cui famiglia e vero amore piegano la logica e ammansiscono anche il più cattivo con la motosega. Quella definizione nasce da una nostra videorecensione del 2013, quando facevamo solo radio.

Fonti citate in puntata:
 The Hollywood Reporter, sui due montaggi in gara: https://www.hollywoodreporter.com/movies/movie-features/supergirl-making-box-office-bomb-1236636425/
Variety, Ana Nogueira sul finale (contiene spoiler): https://variety.com/2026/film/features/supergirl-writer-ana-nogueira-comic-changes-wonder-woman-1236790034/

E chi non mette un like sulla fiducia pensando a Milly Alcock e non ci ascolta è un birimbino!

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La recensione del film Masters of the Universe (2026): He-Man torna al cinema con la regia di Travis Knight per Amazon MGM Studios. E in coda debutta Parole Serie, la rubrica sul lessico di Sono Cose Serie.

La recensione a caldo pubblicata negli shorts non bastava: i vostri commenti ci hanno costretto a riaprire la pratica. Prima del verdetto, Paolo si presenta con un volume patinato sottobraccio e ripercorre la storia dei Masters of the Universe: le action figure Mattel, i minicomics in salsa Conan, la serie animata della Filmation di Lou Scheimer, i rilanci che non si sono mai fermati fino a Revelation di Kevin Smith e il cult trash I Dominatori dell’Universo con Dolph Lundgren e Frank Langella. Perché no, He-Man non è tornato solo adesso: in quarant’anni non se n’è praticamente mai andato.

Poi il film: Nicholas Galitzine con la Spada del Potere, Camila Mendes, Alison Brie, Idris Elba e un Jared Leto che da Skeletor divide lo studio. L’estetica funziona, Eternia e Grayskull accontentano l’occhio dei fan, la colonna sonora di Daniel Pemberton si porta dietro le chitarre di Brian May. Ma un principe Adam che sembra uscito da American Pie, un Duncan debosciato e uno scontro finale senza vera minaccia fanno rimpiangere il Flash Gordon del 1980, camp, fracassone e con i Queen veri.

Quanto pesa tutto questo sulla nostra Scala Tecnica, che oggi va da All’s Fair a The Pitt? In quale quadrante della Densità Narrativa si sistema il nuovo Masters of the Universe? E che fine fa la Scala della Scimmia quando si parte da un buono scimpanzé e la visione rema contro? Le risposte in puntata, insieme al Consiglio per la Fruizione: cosa recuperare davvero tra Il Segreto della Spada, Revelation, i fumetti e le action figure della linea Origins.

In chiusura debutta Parole Serie, lo Zibaldone di Sono Cose Serie: Miki racconta la genesi del termine “Birimbino”, dal bambolotto Birimbo della Sebino Bambole (l’azienda di Cicciobello) fino al saluto-tormentone del podcast, passando per lo scrolling nostalgico del De Simone. La verità, tutta la verità, dopo anni di equivoci.

E ricordate: chi non conosce il significato di Birimbino e non ci ascolta è un Birimbino!

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Recensione di Widow’s Bay, l’horror comedy di Apple TV+ creata da Katie Dippold con Matthew Rhys, e gran finale della trilogia dell’Angolo Maledetto su come si valutano le serie TV: il themewashing e la Rosa di Dante.

Tom Loftis, sindaco arrivato dalla terraferma, vuole trasformare la sua isola del New England in una meta turistica. Peccato che per gli abitanti l’isola sia maledetta: la gente ci rimane secca e nessuno vuole villeggianti sulla coscienza. Paolo ci racconta i 10 episodi di Widow’s Bay, con Matthew Rhys (The Americans, Perry Mason) e una Dale Dickey che ricordiamo con i brividi da Them: una serie che declina in ogni puntata un sottogenere diverso del cinema horror, dallo slasher al folk horror, tra atmosfere alla Lo Squalo e una maledizione persecutoria a metà tra The Ring e It Follows, il tutto in un New England anni ’90 dove non squilla un cellulare. Un diesel che ci mette un paio di puntate a carburare, con un episodio sui funghetti allucinogeni che mette ansia proprio per quello che NON fa vedere. E ai social che gridano al nuovo Twin Peaks, Paolo risponde smontando il paragone pezzo per pezzo: chi lo fa, della serie di Lynch avrà visto il trailer. Quanto pesa sulla nostra Scala Tecnica? In quale quadrante della Densità Narrativa si piazza, con quale animale della Scala della Scimmia e quale Consiglio per la Fruizione? Le risposte in puntata.

Poi Matteo chiude la trilogia su come si valutano le serie TV con l’ultimo strumento: la Rosa, rubata al Paradiso di Dante con tante scuse alla professoressa d’italiano del liceo. Quattro spicchi, tre anelli e un nome per un vizio dell’industria: il themewashing, l’equivalente narrativo del greenwashing, quando una serie ti riempie il trailer di temi importanti e poi dentro non ne trovi traccia. Con Scarpetta, The Pitt e All’s Fair come banchi di prova, più l’Eco e il Consiglio di Sopravvivenza. Alla prossima cena in cui qualcuno dirà «bella serie, le do 7», saprete cosa rispondere.

Se vi siete persi i primi strumenti, recuperate le due puntate precedenti dell’Angolo Maledetto; e per il piccolo lutto di quando una serie finisce, c’è l’Angolo Maledetto sul Lutto Seriale nella puntata 16×19.
Riferimento: Dante Alighieri, Paradiso, canti XXX-XXXI (la Candida Rosa).

Dalla prossima settimana modalità estiva: puntate leggere da ombrellone fino a settembre.

E ricordate: chi sfida le maledizioni centenarie e non ci ascolta è un birimbino!

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Recensione di Heated Rivalry (HBO Max) e Bait – Fuori Parte (Prime Video): il romance sull’hockey diventato fenomeno mondiale e la miniserie con cui Riz Ahmed fallisce il provino da James Bond.

Matteo chiede una mano per scegliere la serie da recensire, Paolo e Miki gli indicano la più chiacchierata del momento, lui vede due che pattinano e si aspetta una storia di sport. Finisce con le nostre macchine rigate e con una recensione controcorrente: per Matteo Heated Rivalry, il romance sul ghiaccio di Jacob Tierney (Letterkenny, Shoresy) tratto dai romanzi di Rachel Reid, con gli esordienti Hudson Williams e Connor Storrie, è una serie più interessante per il successo che per la sostanza. In mezzo ci stanno la scena cult in discoteca sulle note delle t.A.T.u., un episodio 3 che da solo fa meglio del resto della stagione, un conflitto disinnescato in partenza e una deviazione nel mondo dello yaoi e dei Boys’ Love per capire perché queste storie stanno conquistando le piattaforme.

Miki risponde con Bait – Fuori Parte, sei episodi da meno di mezz’ora in cui Riz Ahmed racconta Shah Latif, attore britannico di origini pakistane che manda all’aria il provino da nuovo 007 e diventa virale suo malgrado. Una commedia che scivola in una riflessione su identità e appartenenza, con la benedizione di Barbara Broccoli, un cast pieno di reduci da Black Mirror e Sir Patrick Stewart a dare la voce alla testa di un maiale. La seconda visione rivela cose che alla prima sfuggono, e da lì parte lo sfogo di Matteo contro chi giudica le storie solo dal plot.

Chiudono le nostre scale: la Scala Tecnica, che oggi va da All’s Fair a The Pitt, la Densità Narrativa, che inquadra il tipo di visione, la Scala della Scimmia, che misura la voglia di far partire l’episodio dopo (una delle due se la passa maluccio), e il Consiglio per la Fruizione per dosare gli episodi di entrambe.

Consigliato in puntata: Valentina Pigmei, «Non sottovalutiamo i romance», Internazionale (20 maggio 2026): https://www.internazionale.it/notizie/valentina-pigmei/2026/05/20/romance-libri

E ricordate: chi non gioca a hockey e non ci ascolta è un birimbino!

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Due Spicci, la terza serie animata di Zerocalcare su Netflix, e l’Angolo Maledetto sulla nostra Densità Narrativa: in questa puntata recensione di Due Spicci e seconda parte di come Sono Cose Serie valuta una serie TV.

Terza serie animata per Zerocalcare, ma ha il sapore di una terza stagione vera e propria. Zero, Secco, Cinghiale, Sara e tutto il pantheon calcareo tornano in Due Spicci, l’animazione Netflix uscita a maggio 2026, solo che qui i pugni allo stomaco si moltiplicano: un’operazione al cervello senza anestesia, biologica e psicoterapica, interrotta ogni tanto dalle uscite da stand-up comedian dell’Armadillo doppiato da Valerio Mastandrea. Zero entra in società con Cinghiale per salvargli il locale, l’amico finisce indebitato fino al collo con i Tartallegra, famiglia di strozzini che gli sguinzaglia dietro il violento Paturnia. Nel frattempo Zero ospita Smeralda, cotta di gioventù in fuga da una relazione violenta, e Secco si è fatto latitante per una cosa che pare indicibile. Nell’ultimo episodio un personaggio si prende una voce tutta sua: è Emanuela Fanelli, due David di Donatello.

Scritta, diretta e interpretata da Zerocalcare, prodotta da Movimenti Production con Bao Publishing per Netflix, la serie alza l’asticella sull’animazione e si prende i suoi tempi: le scene emotive si allungano, la musica occupa più spazio. I personaggi restano l’elemento principe, densi e profondi, e tra i temi nuovi ci sono il rapporto complicato con il proprio successo economico mentre gli amici faticano a far quadrare i conti e le relazioni tossiche, raccontate senza paternalismo. Paolo la passa alla Scala Tecnica, alla Densità Narrativa, alla Scala della Scimmia e al Consiglio per la Fruizione: dove cade la nuova serie di Zerocalcare e quanto sale sulla scimmia, lo scoprite ascoltando.

Poi l’Angolo Maledetto di Matteo De Simone, seconda parte su come valutiamo una serie TV. Dopo la Scala Tecnica e la Scala della Scimmia viste nella prima parte, entra la Densità Narrativa: la mappa a quattro quadranti (Intenso, Disteso, Leggero, Frizzante) che non dice quanto una serie è bella ma che tipo di esperienza ti fa fare. Perché Breaking Bad e I Soprano hanno gli stessi voti ma sono esperienze opposte? Uno è un espresso di Giamaica Blue Mountain, l’altro una bottiglia di Barolo Riserva Monfortino. E poi il Consiglio per la Fruizione, il quarto strumento, con due novità rispetto alla stagione 15: il profilo a tre punti e la deriva di quadrante.

E ricordate: chi c’ha i buffi con la mala e chi non ci ascolta è un birimbino!

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Recensione doppia: lo Spider-Noir con Nicolas Cage su Prime Video e The Boroughs, la nuova serie Netflix dei fratelli Duffer. Due serie agli antipodi: una che non sa decidersi tra colori e bianco e nero, gli altri che fanno sempre e solo Stranger Things, stavolta coi pensionati.

Spider-Noir porta Nicolas Cage nella New York della Grande Depressione, nei panni di Ben Reilly: investigatore privato ed ex supereroe il Ragno, in uno spin-off nato dal personaggio che Cage aveva già doppiato in Spider-Man Un nuovo universo. Accanto a lui Brendan Gleeson, Li Jun Li, Jack Huston e Lamorne Morris. L’operazione esce in doppia versione, bianco e nero e colori, e la scelta visiva fa discutere; ma sotto c’è un omaggio fittissimo al noir e al cinema anni Trenta, e personaggi che prendono i cliché del genere e li ribaltano. Cage gigioneggia, a volte fin troppo, ma se la gioca con gusto e fa simpatia.

Per Spider-Noir tiriamo fuori la Scala Tecnica, e stavolta pure una seconda tarata sull’overacting, la Scala Tecnica Nicolas Cage. Poi Densità Narrativa, Scala della Scimmia e Consiglio per la Fruizione, dilemma colore contro bianco e nero compreso.

The Boroughs è Stranger Things coi pensionati: una comunità residenziale per anziani nel deserto del New Mexico, dove sotto la superficie placida si nasconde qualcosa di inquietante. È la terza serie live action dei fratelli Duffer per Netflix, con un cast da paura guidato da Alfred Molina e impreziosito da Geena Davis, Alfre Woodard, Denis O’Hare e Clarke Peters. La serie corre su due binari, il mystery soprannaturale e i personaggi, e funziona di più quando guarda alle persone invece che ai misteri.

Anche per The Boroughs ci sono Scala Tecnica, Densità Narrativa, Scala della Scimmia e Consiglio per la Fruizione. Due serie lontanissime, un solo verdetto da ascoltare: a fare da arbitro Matteo De Simone, con Paolo su Spider-Noir e Michelangelo su The Boroughs.

E chi non si decide tra i colori e il bianco e nero, è un birimbino!

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Legends (Netflix) e Margo ha problemi di soldi (Apple TV+): due serie 2026, due doppie vite, una sola ossessione. Inventarsi una vita falsa per sopravvivere a quella vera. Doppia recensione con Matteo, Michelangelo e Paolo.

Legends è il crime thriller Netflix di Neil Forsyth, l’autore di The Gold. Sei episodi tratti dal libro-inchiesta The Betrayer di Guy Stanton e Peter Walsh: la storia vera, segretata per quasi quarant’anni, di un’unità sotto copertura delle dogane di Sua Maestà mandata a fermare il traffico di eroina nella Gran Bretagna di fine era Thatcher, con un budget ridicolo e zero addestramento. Don (Steve Coogan) recluta tra le scrivanie i doganieri più annoiati e gli chiede di costruirsi una “leggenda”, un’identità di copertura così credibile da doverci credere loro per primi. Al centro c’è Guy (un Tom Burke in stato di grazia), l’infiltrato la cui leggenda finisce per somigliargli più della vita vera. Regia di sottrazione firmata Brady Hood e Julian Holmes, fotografia anni Novanta in teal & orange, colonna sonora d’epoca: british fino al midollo.

Margo ha problemi di soldi è il dramedy Apple TV+ creato da David E. Kelley e tratto dal romanzo di Rufi Thorpe. Margo, ventenne incinta del suo insegnante e sommersa dai debiti, con un padre ex wrestler appena uscito dalla riabilitazione, apre un profilo OnlyFans dove prima delle foto sfonda recensendo i peni dei fan come fossero Pokémon. Prodotta da A24, mood Sundance, la serie si regge su un parterre da capogiro: Elle Fanning che domina lo schermo, Michelle Pfeiffer e Nick Offerman in stato di grazia, Greg Kinnear e una Nicole Kidman che gigioneggia il giusto. La regia di Dearbhla Walsh, Kate Herron e Alice Seabright si pianta sui personaggi, e la scrittura tiene insieme commedia sopra le righe e cazzotti drammatici allo stomaco. Parla di sex work, maternità e tabù senza una riga di morale, ed è esplicita senza essere mai morbosa.

Su entrambe le serie sono scattate la Scala Tecnica, la Densità Narrativa, la Scala della Scimmia e il Consiglio per la Fruizione. Per chi conosce l’altra serie di Neil Forsyth: la prima stagione di The Gold l’avevamo recensita nella puntata 14×06.

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Il finale di The Boys su Prime Video e lo spin-off Berlino su Netflix: due recensioni, due delusioni. Michelangelo si prende la quinta e ultima stagione di The Boys, Matteo le due stagioni di Berlino.

Due buone idee sepolte sotto una montagna di sterco, con somma soddisfazione di piattaforme e produttori. È il filo che lega le due serie di questa puntata.

The Boys chiude dopo cinque stagioni. La satira di Eric Kripke nata dal fumetto di Garth Ennis e Darick Robertson è stata, per tre stagioni, una delle cose più feroci del decennio: Homelander di Antony Starr come villain da manuale, Butcher di Karl Urban come sua faccia speculare, una capacità quasi profetica di anticipare la realtà. Poi il brodo si è allungato, e la quinta stagione arriva col fiato corto: personaggi sprecati, i ragazzi di Gen V ridotti a comparsate, un finale al chiuso e visivamente povero, buchi di logica su un’intera stagione di virus. Tre motivi top per la serie, tre motivi flop per come finisce.

Berlino è l’altro lato della spremitura. Lo spin-off de La casa di carta prende il personaggio che funzionava perché moriva presto e lo allunga per due stagioni e sedici episodi. Pedro Alonso prova a reggere col carisma, ma il vero tema è la messa in scena, e lì la serie crolla: tute anti-COVID inutili, viti svitate due volte con la stessa clip, una stanza segreta che è di fatto uno Stargate. Sulla carta si parla d’amore, in pratica si parla di scopare, troppo, con dialoghi da Baci Perugina dalle ambizioni shakespeariane.
 Voti agli antipodi sulla nostra Scala Tecnica, dove oggi il 5 è The Pitt e l’1 è All’s Fair (perché abbiamo scelto proprio loro come estremi l’abbiamo spiegato nelle puntate 16×11 e 16×15; il metodo della scala è nell’Angolo Maledetto della 16×32). Dove finiscono le due serie sulla Densità Narrativa e sulla Scala della Scimmia, e che Consiglio per la Fruizione ne tiriamo fuori? Una delle due ci ha fatto scoprire il twisted binge-watching: per sapere quale, premete play.

E ricordate: chi non lancia raggi cosmici dalle tette, ma soprattutto chi non ci ascolta, è un birimbino!

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