A mediados de la década de los '60 del pasado siglo irrumpe en Estados Unidos el Free Jazz como una manifestación más de los movimientos emergentes que reivindicaban, cada vez con mayor vehemencia, los derechos de los negros norteamericanos. Esta nueva música, suponía un nuevo paradigma en la concepción del jazz que prescindía de las normas que regían hasta el momento la forma de hacer jazz en sus aspectos melódicos, armónicos y rítmicos. Un movimiento rebelde y disruptivo, más político que musical, que rompía amarras con los estándares impuestos por la sociedad y la cultura blanca que mantenía una intolerable opresión sobre el colectivo afroamericano hastiado de abusos e injusticias.

Sin embargo. una buena parte de los músicos de aquella generación, aún simpatizando con los principios políticos y sociales que justificaban esa nueva música, decidieron no dar un paso tan osado hacia aquellos territorios desconocidos y se mantuvieron en una frontera musical en un límite que, conservando en lo esencial los vínculos con el jazz ortodoxo, introducía elementos innovadores procedentes de aquel revolucionario movimiento encabezado por músicos como Ornette Coleman, Don Cherry o Cecil Taylor y del que John Coltrane fue proclamado su líder espiritual. El resultado sería una música fronteriza y apasionante, navegando entre dos aguas, con continuas incursiones dentro y fuera de la tonalidad, que conformaría finalmente el mainstream jazzístico de los ‘60 y ‘70 del pasado siglo y que, aún hoy en día, es la principal referencia del jazz acústico contemporáneo.

Radio Jazznoend os invita en nuestro nuevo podcast a un largo viaje por aquella frontera azarosa y aventurera de la mano de algunos de los mas relevantes artistas de aquella era, como Miles Davis, Wayne Shorter, Herbie Hancock, Joe Henderson, Charles Tolliver, George Russell o Booker Ervin, entre otros.

El universo musical de Bill Evans, su pianística de extraordinario y profundo lirismo, ha sido un tema recurrente en Radio Jazznoend al que nos hemos aproximado, a través de los años, desde muy diversas perspectivas.

En nuestro nuevo programa os proponemos un recorrido a través de aquellos registros en los que el pianista introdujo en su música el sonido del piano eléctrico Fender Rhodes. El invento de Harold Rhodes estaba destinado a marcar el sonido de una era y Evans, más allá de su imagen de pianista académico, efectuó durante la década de los 70 del pasado siglo, una excitante inmersión en el sonido innovador y sofisticado de este legendario instrumento.

Mucho más que una anécdota o un mero experimento, Evans supo hermanar en su música los sonidos acústicos, con los del piano eléctrico sin desvirtuar la esencia de su música, dotando a sus interpretaciones de colores y texturas que hoy forman parte inseparable de su inmenso legado musical.

En nuestro nuevo programa, los estudios de Radio Jazznoend, reciben al guitarrista Doug Raney, un maestro de la seis cuerdas, hijo del gran Jimmy Raney, uno de los padres de la guitarra del jazz moderno. Un personaje maldito de las postrimerías de la gran era jazzística, que con tan solo veinte años, decidió instalarse en Europa, donde desarrollo una fértil carrera artística.

A través de algunos de sus muchos registros, efectuados durante más de dos décadas para la discográfica danesa Steeplechase, conoceremos la excelencia de su arte, su propuesta estilística, moderna y sofisticada, el soberbio tono de su guitarra de jazz y su lenguaje improvisativo fluido, fresco y lírico, caracteres que le sitúan finalmente como uno de los más grandes de la historia de la guitarra de jazz. Pero también conoceremos los aspectos más sombríos de su existencia atormentada por el fantasma de las adicciones que, aunque no interfirieron de manera sustancial el desarrollo de su carrera, si que desencadenaron una prematura decadencia física y su muerte a la edad de 59 años.

Hace ahora diez años que desde nuestros estudios en el barrio de Ruzafa en la ciudad de Valencia, se ponía en el aire el primer programa del podcast de Radio Jazznoend. Una iniciativa que no era más que la continuación del proyecto musical Jazznoend que nacía nada menos, que en el año 1996. La idea de dos amigos apasionados por el jazz, Lorenzo Orriols y Enrique de Ramón, que iniciaba su andadura sin pretensiones ni beneficios y que ha funcionado con el único combustible de nuestra insana pasión por la música improvisada.

Para celebrar este feliz aniversario, nuestro nuevo podcast se transforma en un larga charla entre sus protagonistas, sobre nuestra historia y nuestra forma de sentir y vivir el jazz, amenizado todo ello con la música de algunos de nuestros héroes musicales que forjaron nuestra devoción por el jazz y que contará con la intervención de nuestros más estimados colaboradores que nos han acompañado durante estos diez años en esta apasionante aventura.

Un homenaje a nuestro proyecto, sin duda, pero también a esos queridos amigos que han acudido fielmente a nuestra cita mensual con el mejor jazz de la red y a los que emplazamos para que nos sigan acompañando en este incansable recorrido nocturno por los más recónditos y seductores rincones de la gran era jazzística.

Desde hace más de seis décadas, el compositor y multinstrumentista brasileño Hermeto Pascoal, viene ofreciendo al mundo una visión novedosa y original de la música de su país. Una aproximación heterodoxa y desafiante que supera los estándares y rehuye cualquier tentación comercial. La aparente extravagancia que en ocasiones puede transmitir su propuesta, se nos presenta como el camino hacia una vivencia musical total. Sus conductos son el jazz y una exploración del folclore cargada de connotaciones oníricas, casi mágicas. La música de Hermeto Pascoal se presenta como un acontecimiento comunitario en el que la improvisación y la espontaneidad, tienen un papel protagonista.

El piano, el acordeón, el saxo, la batería o el bajo, son un todo sin individualismos, son elementos de un complejo collage que no permite un análisis aislado, mas bien exige un alejamiento, una perspectiva sin pretensiones críticas o técnicas

Radio Jazznoend os invita a una excursión al universo musical del brujo de Alagoas. Una experiencia iniciática que, dejando atrás las rutas más trilladas, nos ofrece grandes recompensas al final del camino.

El 24 de enero de 1975, el majestuoso Teatro de la Ópera de la ciudad alemana de Colonia era testigo de un histórico acontecimiento musical protagonizado por el pianista Keith Jarrett. El evento, registrado y publicado por la discográfica germana ECM, con el título de The Köln Concert, consagraría al artista como una leyenda del piano y cimentaría definitivamente el prestigio de la discográfica del productor Manfred Eicher, convirtiéndose en el disco de piano solo más vendido de la historia.

Sin embargo, al contrario de lo que pudiera pensarse, el soberbio resultado artístico de aquella velada, aquel derroche de imaginación y creatividad que Jarrett desplegó sobre las teclas del piano, fue en realidad, el resultado de una sorprendente sucesión de nefastos acontecimientos que llevaron al pianista aquella noche, al límite de sus capacidades físicas y artísticas y que a punto estuvieron de dar al traste con aquel evento que hoy es objeto de veneración y recordado como el más brillante concierto de la carrera de Jarrett.

En Radio Jazznoend, siempre enamorados de las leyendas, historias y anécdotas que rodean el universo jazzístico, revivimos aquella noche mágica en el Teatro de la Ópera de Colonia en la que, entre una insólita conjunción de infortunios y adversidades, triunfó la belleza.

Durante los meses de febrero y marzo de 1974, se graba en Los Angeles un disco destinado a erigirse como un icono de la música popular brasileña del siglo XX. El álbum Elis & Tom reunía en un estudio de grabación por primera y última vez a la cantora Elis Regina con el compositor Antonio Carlos Jobim. De entre las brumas de los prejuicios y la beligerancia, de los recelos y las trincheras, que desde el principio nublaron el futuro de aquel proyecto, fue abriéndose paso entre ambos artistas, con el transcurso de las semanas, una corriente de respeto y admiración, una empatía humana y artística que finalmente alumbraron el arte y la emoción, la más perfecta y sublime expresión de la creatividad y la inspiración de dos figuras totémicas de la historia de la música brasileña.

Radio Jazznoend, celebra en este nuevo podcast, los 50 años de aquel registro, considerado como uno de los más destacadas e influyentes de toda la historia de la música grabada. Un recorrido que nos llevará a su música pero también al proceso, al anecdotario y la intrahistoria de una obra maestra que el crítico del New York Times Jon Pareles ha descrito poéticamente como "Un diamante fluyendo en la belleza del espacio más brillante."

Este es el primer programa conjunto entre dos podcasts hermanos, Radio Jazznoend y Autopista Sin Fin. Y su contenido no podía ser otro que el blues, ese género musical histórico nacido del dolor de un pueblo oprimido, el de las comunidades afroamericanas del sur de los Estados Unidos en los albores del siglo XX. Una estructura musical sencilla pero que por su enorme significado, por los sentimientos que transmite, ha permanecido en el tiempo como una corriente principal que alimenta a todos los géneros musicales modernos, entre los cuales se encuentran sin lugar a duda nuestras principales pasiones, el jazz y el rock.

Por ello, en el programa escucharemos, de la mano de los presentadores de ambos podcasts, temas de blues legendarios, especialmente relevantes en el jazz y en el rock, con aproximaciones completamente distintas al género que nos permitirán comprobar de que maneras tan variadas puede sustanciarse el sincero, el emotivo homenaje de los músicos de ambos mundos al impresionante legado de sus antepasados artísticos y espirituales.

Radio Jazznoend realiza una nueva incursión en la mitología del jazz moderno para documentar el encuentro entre el saxofonista Julian Cannonball Adderley y el pianista Bill Evans. El encuentro de dos astros emergentes, apadrinado por el trompetista Miles Davis en cuya banda coincidieron durante algunos meses en el año 1958. Dos personalidades diferentes, Cannonball jovial, locuaz y extrovertido; Evans. tímido y reservado. Dos estilos divergentes, Cannonball era puro blues, un destacado representante del soul-jazz. Evans pionero en una nueva pianística de inspiración clasicista, lírica y etérea, que se abrÍa camino entre las nuevas corrientes del jazz modal que el propio pianista lideraba en aquellos años. Cannonball fascinado, al igual que Davis, por la cautivadora concepción armónica de aquel joven pianista blanco y por el potencial de aquel innovador estilo, no dudó en contar con él en tres álbumes grabados a su nombre entre los años 1958 y 1961, que le permitieron, alejarse por un momento de los clichés de un estilo arraigado en el blues y el góspel y exhibir la versatilidad de su saxofón para adentrarse con osadía, en las nuevas tendencias de un jazz más complejo y cerebral. Los discos Portrait of Cannonball, Know What I Mean y Jump for Joy, son el resultado de aquel improbable encuentro de artistas alejados en personalidades y estilos, pero unidos en la grandeza de su arte.

La irrupción del jazz fusión a principios de la década de los '70 del pasado siglo, marcó el inicio de un periodo de vacas flacas para el jazz acústico, una travesía del desierto que puso a centenares de músicos en el dilema de mantenerse fieles a sus raíces musicales o dejarse llevar por los derroteros de los nuevos estilos emergentes.

En este desértico y desolador escenario, hasta los Jazz Messengers de Art Blakey, garantes de las esencias de un hard bop académico y acústico hasta la médula, se enfrentó a este inquietante dilema.

Radio Jazznoend, explora en este nuevo programa, un breve periodo en la larga vida de aquella legendaria banda, en el que Blakey, bajo contrato con la discográfica Prestige, protagonizó una tímida incursión en las sonoridades del jazz fusión que nacía en aquellos años.

Unos mensajeros verdaderamente excepcionales, no sólo por la introducción de instrumentación electrónica o por la peculiar naturaleza de su repertorio, sino también porque suponen la única oportunidad de escuchar, en las filas de Blakey, a esa leyenda de la trompeta que fue Woody Shaw. Estas recónditas sesiones desarrolladas en estudios de New Jersey y California dieron lugar a tres discos: Child's Dance, Anthenagin y Buhaina.

Os invitamos pues, a disfrutar de estos registros efectuados entre los años 1972 y 1973, un instante casi olvidado en la ingente producción discográfica de los Jazz Messengers, que por su rareza y singularidad y merece ser recordado.