Willkommen zu einer weiteren Folge des Recording of Arts Podcasts. Ich bin Alex – Musikproduzent, Tontechniker und Bassist mit über 15 Jahren Erfahrung im Studio und Live. Mein Ziel: echten Rock- und Popmusikerinnen und -musikern helfen, das Beste aus ihren Songs herauszuholen. Diesmal habe ich gleich zwei Gäste bei mir: Simon und Timon von Insane Perception, einer Modern-Metal-Band aus Stuttgart. Simon spielt Rhythmusgitarre und Synthesizer und übernimmt inzwischen auch den Clean-Gesang, Timon spielt Bass und die Background-Screams. Wir kennen uns seit rund drei Jahren, seit ihrem ersten Gig – und haben in dieser Zeit gemeinsam ein komplettes Album und jetzt eine EP produziert. Wir sprechen heute über: Warum das erste Album vor allem eine Lehrstunde war. Die Band war frisch zusammen und ging direkt mit einem kompletten Album ins Studio. Mitten in der Produktion gab es Besetzungswechsel, das Live-Equipment funktionierte im Studio nicht wie erhofft – und als der Gesang für zehn Songs bereits fertig editiert war, stieg die Sängerin aus. Wie dieselbe Band bei der EP nach zwei Mix-Sessions fertig war. Simon und Timon haben sich im Vorfeld mehrfach getroffen, Verstärker, Boxen und Mikrofone in allen Kombinationen durchprobiert und dasselbe Riff rund dreißig Mal eingespielt, um festzuhalten, welches Setup für welche Gitarre wirklich funktioniert. Warum echte Amps und Mikrofone den Unterschied machen. Drei Verstärker und bis zu fünf Mikrofone an einer Gitarre, vier unterschiedliche Mikrofone allein an der Bassdrum, ein Engl mit Tube Screamer und Equalizer für die Lead-Gitarre. Am Ende blieben nur zwei Plugins pro Spur im Mix, und die digitalen Signale wurden fast vollständig verworfen. Was Vorbereitung wirklich bedeutet. Die Songs auswendig und zum Klick spielen können, Tabs und Noten aus Guitar Pro mit ins Studio bringen, eine saubere Vorproduktion bauen und darauf üben. Simon bringt es auf den Punkt: Er kann jeden Song der Band aus dem Stand zum Klick spielen, ohne Backing Tracks und ohne andere Instrumente. Warum Abgeben keine Schwäche ist. Alex erzählt, warum er Video und Licht längst aus der Hand gegeben hat, und alle drei sprechen darüber, was es bringt, den Mix gemeinsam mit der Band zu machen statt über lange E-Mail-Ketten – inklusive der unscheinbaren Dinge, die den Unterschied machen: regelmäßig Pause machen und leise abhören. Diese Folge ist für alle Bands, die zum ersten oder zweiten Mal ins Studio gehen und wissen wollen, woran es wirklich hängt, ob eine Produktion am Ende nach ihnen klingt – oder nach allen anderen. 📌 Kostenloses Strategiegespräch mit Alex: Du willst wissen, ob dein Song bereit fürs Studio ist – oder was der nächste Schritt für dich als Künstler ist? Im kostenlosen Erstgespräch schauen wir gemeinsam, wo du stehst und was deine Musik auf das nächste Level bringt. ➡ Jetzt Termin sichern: https://recording-of-arts.de

Willkommen zu einer weiteren Folge des Recording of Arts Podcasts.
Ich bin Alex – Musikproduzent, Tontechniker und Bassist mit über 15 Jahren Erfahrung im Studio und Live. Mein Ziel: echten Rock- und Popmusikerinnen und -musikern helfen, das Beste aus ihren Songs herauszuholen.
Diesmal ist Alexander Lachner bei mir zu Gast – klassisch ausgebildeter Tenor und Sänger. Wir arbeiten schon länger zusammen und sprechen darüber, was eine Stimme wirklich belastbar, kontrolliert und emotional glaubwürdig macht.
Wir sprechen heute über:
Was klassische Gesangsausbildung wirklich bedeutet. Alexander erklärt die verschiedenen Stimmfächer, den Sitz der Stimme, Stütze und Vibrato – und warum hohe Töne, Volumen und Kontrolle nicht einfach vom Talent allein kommen.
Warum Üben, Coaching und auch Rückschläge dazugehören. Vom Training mit Besenstiel auf der Treppe bis zu drei Monaten Gesangsverbot wegen einer falschen Technik erzählt Alexander offen, wie man seine Stimme schützt und entwickelt.
Wie Gesang im Studio entsteht. An gemeinsamen Produktionen wird deutlich, warum Emotion, Artikulation und die passende Klangfarbe wichtiger sind als ein schneller Take – und weshalb Autotune keine fehlende Gesangstechnik ersetzen kann.
Wie Künstler ihre Musik sichtbar machen. Alexander berichtet von der Zusammenarbeit mit einer PR-Firma, neuen Solo-Projekten und seiner musikalischen Zeitreise – während Alex zeigt, warum gute Planung und ein klares Ziel im Studio den Unterschied machen.
Diese Folge ist für Sängerinnen, Sänger und Künstler, die ihre Stimme ernst nehmen, ihre Songs mit echter Emotion aufnehmen und sich professionell weiterentwickeln wollen.
📌 Kostenloses Strategiegespräch mit Alex:
Du willst wissen, ob dein Song bereit fürs Studio ist – oder was der nächste Schritt für dich als Künstler ist? Im kostenlosen Erstgespräch schauen wir gemeinsam, wo du stehst und was deine Musik auf das nächste Level bringt.
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Diesmal ist Milalove bei mir zu Gast – eine 13-jährige Pop-Punk- und Rock-Sängerin und Songwriterin aus Calw. Gemeinsam haben wir ihre erste EP mit vier eigenen Songs produziert: von selbst aufgenommenen Demos über eine komplette Band bis zum fertigen Gesangsrecording.
Wir sprechen heute über:
Wie aus einfachen Demos eine echte Bandproduktion wurde. Schlagzeug, Bass, Gitarren und Gesang entstanden Schritt für Schritt – und Milalove erlebte zum ersten Mal, wie sich ihre eigenen Songs im Studio zu einem vollständigen Sound entwickeln.
Warum Vorbereitung und Emotion beim Gesangsrecording entscheidend sind. Markierte Songtexte, Chöre, Adlibs, Terzen und Quinten zeigen, wie schnell Milalove gelernt hat, nicht nur sauber zu singen, sondern musikalische Entscheidungen selbst zu hören und mitzugestalten.
Wie sie mit Kritik und fehlender Anerkennung umgeht. Statt sich entmutigen zu lassen, schreibt sie neue Songs wie „Maximal“ und „Wahres Gesicht“ – mit dem Ziel, andere Jugendliche zu erreichen und ihnen Mut zu machen.
Warum Künstler wissen müssen, wer sie sind und wohin sie wollen. Eigene Songs, eine funktionierende Band, Merchandising, eine Website und ein durchdachter Release-Plan machen aus einer Idee ein greifbares Künstlerprojekt.
Außerdem sprechen wir darüber, weshalb handgemachte Musik trotz KI-Songs ihren besonderen Wert behält – und warum ein krummer Ton korrigiert werden kann, echte Emotion aber nicht.
Diese Folge ist für alle, die erleben wollen, wie Artist Development in der Praxis aussieht und wie aus Talent, Arbeit und einer klaren Vision Schritt für Schritt eine eigenständige Künstlerin wird.
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Wie viel Selbstliebe steckt eigentlich in deiner Stimme? Diesmal ist Schlager- und Crossover-Künstlerin Anuschka Miccoli zu Gast im Studio.
Seit unserem gemeinsamen Weihnachtssong und dem Track „Ich bin so wie ich bin" verbindet uns mit Anuschka mittlerweile eine echte Zusammenarbeit.
Wir sprechen heute über:
Warum Emotion wichtiger ist als technische Perfektion. Viele singen technisch sauber ein, vergessen dabei aber, die Worte wirklich zu fühlen. Anuschka erklärt, wie sie lernt, jede Textzeile mit echter Bedeutung zu füllen statt sie nur auszusprechen.
Wer bist du eigentlich? Die wichtigste Frage, bevor man überhaupt ins Studio geht. Anuschka wusste von Anfang an genau, wer sie ist – und warum genau das so vielen Künstlerinnen und Künstlern fehlt.
Aussprache als unterschätztes Handwerk. Warum überdeutliches Sprechen beim Singen kein Zufall, sondern harte Arbeit ist – und wie kleine Korrekturen den kompletten Sound eines Songs verändern können.
Die Kunst des Spannungsbogens. Warum ein Song nicht sofort sein ganzes Pulver verschießen darf, sondern Raum für Wiederholung, Mitsing-Parts und einen Refrain braucht, der hängen bleibt.
Diese Folge ist für alle, die verstehen wollen, warum ein Song erst dann wirklich berührt, wenn die Stimme dahinter echt ist – und warum Selbstliebe der erste Schritt zu jedem großen Auftritt ist.
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Diesmal ist wieder jemand Altbekanntes zu Gast: Tom O'Hara, The Living Tribute to Frank Sinatra. Wir blicken zurück auf knapp zwei Jahre Zusammenarbeit – von der ersten Studio-Session bis zum ausverkauften Theaterhaus Stuttgart.
Wir sprechen heute über:
Wie Tom, komplett ohne Social-Media-Erfahrung und mitten im Wiedereinstieg nach langer Krankheit, sich Schritt für Schritt in Instagram, TikTok und YouTube reingearbeitet hat. Ein Mutmacher für alle, die glauben, dafür "zu oldschool" zu sein.
Die ewige TikTok-Sperre als Running Gag im Studio – und warum gerade TikTok für Tom überraschend die meiste Reichweite bringt, obwohl die Zielgruppe eigentlich nicht zu seiner passt.
Den Weg vom ersten Auftritt über Alexander Lachner and Friends bis zum Konzert im Theaterhaus Stuttgart – und wie professionelle Social-Media-Arbeit mit Kamerateam neue Bühnen erst möglich gemacht hat.
Die Learnings rund um das neue Doppelalbum mit 18 Songs: Warum CD statt Vinyl im Nachhinein nicht die richtige Bauchentscheidung war, was bei der Spotify-Veröffentlichung schiefging und welche Rolle KI-gestützte Plattformen wie Fire dabei künftig spielen könnten.
Toms große Vision: der Aufbau einer eigenen Big Band, ein neuer Song in Zusammenarbeit mit einem Filmmusik-Produzenten – und seine Philosophie, "am Programm zu arbeiten" statt sich selbst verändern zu wollen.
Eine Folge für alle, die wissen wollen, wie aus Unsicherheit gegenüber Social Media in zwei Jahren ausverkaufte Bühnen werden können – und warum Konsequenz dabei wichtiger ist als Talent.
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Willkommen zu einer weiteren Folge des Recording of Arts Podcasts.  Ich bin Alex – Musikproduzent, Tontechniker und Bassist mit über 15 Jahren Erfahrung im Studio und Live. Mein Ziel: echten Rock- und Popmusikerinnen und -musikern helfen, das Beste aus ihren Songs herauszuholen. In dieser Folge ist Michaela Kuti wieder mit dabei – Vocal Coach, systemische Coach, Musikproduzentin und Videografin. Vor fast genau zwei Jahren war sie schon einmal zu Gast. Seitdem ist einiges passiert. Wir sprechen heute über: Ein Projekt, das so kaum jemand wagt. Michaela hat für ihr 10-jähriges Jubiläum als Vocal Coach einen Song produziert – mit 12 ihrer Schülerinnen und Schüler. Jeder hat zwei Zeilen selbst geschrieben. Was dabei entstanden ist, überrascht selbst sie.
 Warum Technik allein nicht reicht. Wenn du ins Studio gehst, ohne zu wissen, was du transportieren willst, wird auch das beste Equipment nichts retten. Die Stimme ist Persönlichkeit – und die kann man nicht per Mikrofon herbeizaubern. Was im Studio wirklich passiert. 12 Menschen. Einige davon noch nie vor Publikum gesungen. Einige noch nie mit einem Mikrofon. Wie du als Künstlerin über dich hinauswächst – und warum Bewegung in der Kabine manchmal mehr bringt als jede Technik. Mut, Verletzlichkeit und der Unterschied zwischen „aufnehmen" und Kunst machen. Was passiert, wenn du aufhörst, daran zu denken, was andere denken – und anfängst, für dich selbst zu singen. Wer bin ich als Künstler – und warum das die erste Frage ist, die du beantworten musst. Bevor du ins Studio gehst. Bevor du Geld ausgibst. Bevor du irgendetwas veröffentlichst.
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📌 Kostenloses Strategiegespräch mit Mir. Du willst wissen, ob dein Song bereit fürs Studio ist – oder was der nächste Schritt für dich als Künstler ist?Im kostenlosen Erstgespräch schauen wir gemeinsam, wo du stehst und was deine Musik auf das nächste Level bringt. ➡ Jetzt Termin sichern: recording-of-arts.de 
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Herzlich willkommen zu einer weiteren Folge des Recording of Arts Podcasts.

Heute mit einer echten Premiere: Zwei Brüder gleichzeitig im Studio – Dennis und Samy – die auf ganz unterschiedliche Weise Musik machen. Und genau das macht diese Folge besonders.
Wir sprechen über Emotionen in der Musik, über R’n’B, Deep House und türkische Balladen – aber vor allem über Zusammenarbeit. Warum echte Musik nur entsteht, wenn du lernst, abzugeben. Warum du keine Angst haben darfst, dir Hilfe zu holen. Und warum Studioarbeit nichts mit Perfektion, sondern mit gemeinsamer Vision zu tun hat.
Dennis erzählt von seiner Entwicklung im letzten Jahr, vom Experimentieren mit Autotune, von echten Instrumenten statt MP3-Beats – und davon, warum Qualität immer mit Teamarbeit beginnt.
Samy spricht über den Weg in die türkische Musik, über kulturelle Emotionen, Live-Auftritte, Authentizität und den Mut, Fehler einfach mal drin zu lassen.
Ein ehrliches Gespräch über Musik, Wachstum, Teamgeist – und die einfache Wahrheit:

Große Songs entstehen nie im Alleingang.

Herzlich willkommen zu einer weiteren Folge des Recording of Arts Podcasts.
Heute ist wieder Günter Wiedemann bei mir im Studio – Schlagzeuger, Studioprofi und jemand, der weiß, wie man ein Drumset zum Klingen bringt.
Diesmal geht’s um die absolute Grundlage jedes Recordings: die Stimmung.

Denn ganz ehrlich: Wenn dein Drumset nicht klingt, liegt es nicht am Mikro, sondern an dir.
Wir reden über Fellwahl, Stimmtechnik, Soundästhetik und warum das beste Set der Welt mies klingt, wenn du’s falsch behandelst.

Günne erklärt, wie du dein Schlagzeug richtig vorbereitest, warum Gaffa-Tape im Studio tabu ist und weshalb „shit in, shit out“ das wichtigste Prinzip beim Recording ist.
Ein ehrliches Gespräch über Handwerk, Vorbereitung und den Unterschied zwischen „irgendwie aufnehmen“ und wirklich Musik produzieren.

Herzlich willkommen zu einer weiteren Folge des Recording of Arts Podcasts.

Heute ist Vivi bei mir im Studio – Sängerin, Songwriterin und seit 2021 Teil des Studios. Gemeinsam arbeiten wir an ihrer ersten eigenen EP – fünf deutschsprachige Songs, komplett aus eigener Feder und mit echter Live-Instrumentierung.
Wir sprechen über Songwriting, Emotion und Perfektionismus, über den Unterschied zwischen „gut“ und „echt“ – und warum weniger manchmal mehr ist. Vivi erzählt, wie sie gelernt hat, Emotionen über die Stimme zu transportieren, warum sie sich nicht auf ein Genre festlegen will und wie wichtig das richtige Umfeld ist, um kreative Freiheit zu leben.

Ein Gespräch über Haltung, Entwicklung, Zusammenarbeit – und den Mut, Musik zu machen, die nicht jedem gefallen muss, aber dir selbst etwas bedeutet.

Herzlich willkommen zu einer weiteren Folge des Recording of Arts Podcasts.

Heute ist Aljoscha wieder zu Gast – mehrfach ausgezeichneter Mix-Engineer mit zahlreichen Goldplatten, internationalen Credits und einem klaren Gehör dafür, was echte Qualität in der Musikproduktion ausmacht.
Wir sprechen über High-Class-Produktion im Jahr 2025: Was unterscheidet sie vom Durchschnitt? Warum scheitern so viele Studios – und wie erkennst du als Band, ob du wirklich bereit bist für das nächste Level?

Aljoscha gibt Einblicke in seine Arbeit in Deutschland und den USA, erklärt, wie Mentalität und Vorbereitung über Erfolg entscheiden und warum die besten Produktionen nicht im größten Studio entstehen – sondern dort, wo Professionalität und Leidenschaft zusammenkommen.

Ein ehrliches Gespräch über Haltung, Mindset und das, was eine Band wirklich groß macht.