Dans ce nouveau Portrait d'Artiste de Regard d’Art, partez à la découverte d'une figure majeure de l’impressionnisme, d'un maître du regard sur la vie rurale et urbaine : Camille Pissarro.

Artiste visionnaire et patient, Pissarro a su observer le monde avec attention, capturer la lumière et le mouvement et transformer les scènes les plus simples comme les vergers, les chemins de campagne ou encore les boulevards parisiens, en œuvres vibrantes et poétiques. De ses premières toiles anglaises à ses paysages de Pontoise, de ses expérimentations néo-impressionnistes à ses vues urbaines depuis les fenêtres de Paris, il a développé un langage artistique unique où la lumière, la couleur et le rythme du quotidien deviennent des sujets à part entière.

Entre influences hollandaises, réalisme, impressionnisme et néo-impressionnisme, son œuvre témoigne d’une sensibilité humaniste et d’une curiosité sans cesse renouvelée. Ses toiles célèbrent la dignité du travail, la beauté du monde rural et la poésie des villes, tout en inspirant des générations d’artistes.

Qui était vraiment Camille Pissarro ? Comment a-t-il su observer, transmettre et révolutionner la manière de peindre la lumière et le quotidien ? Et pourquoi son regard continue-t-il de résonner aujourd’hui dans l’art et la culture ?

Un épisode pour plonger dans l’univers lumineux et profondément humain d’un peintre qui a fait de l’observation et de la lumière les véritables moteurs de son art.

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Dans ce nouvel épisode de Regard d’Art, partez à la découverte d’un portrait aussi singulier que profondément humain : le Portrait d’Antonietta Gonsalvus, peint en 1595 par Lavinia Fontana.

Sous les traits délicats d’une jeune fille au visage entièrement couvert d’un fin duvet, Lavinia Fontana offre bien plus qu’un portrait étonnante : elle dresse un véritable exemple de tolérance et d’humanité. Loin des représentations de “curiosités” de son époque, elle choisit de peindre Antonietta non comme un phénomène, mais comme une enfant digne, calme et rayonnante de douceur.

À travers ce portrait, c’est tout un monde qui s’ouvre : celui des cabinets de curiosités de la fin du XVIᵉ siècle, des échanges entre science, art et pouvoir, mais aussi celui d’une peintre audacieuse qui, dans une société dominée par les hommes, impose un regard féminin empreint d’empathie.

Des siècles plus tard, ce tableau résonne avec force. Il questionne notre rapport à la différence, à la beauté et à la représentation du corps.

Un épisode sensible et lumineux, à la croisée de l’histoire de l’art, de la science et de l’humanisme, où le pinceau d’une femme peintre du XVIᵉ siècle continue, encore aujourd’hui, à nous apprendre à regarder l’autre.

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Dans cet épisode de podcast hors-série de Regard d’Art, de « Une œuvre dans la ville de… », nous prenons la direction de Londres, au cœur de la gare de St Pancras. Là, sous la verrière, se dresse une sculpture monumentale de bronze : The Meeting Place, signée Paul Day.

Haute de près de 9 mètres, cette étreinte figée raconte bien plus qu’un simple adieu ou un retour. Elle célèbre le voyage, l’attente, les retrouvailles et cette émotion universelle que l’on retrouve sur les quais du monde entier. Une œuvre à la fois romantique et urbaine, pensée comme un hommage à la rencontre humaine dans un lieu de passage.

Dans cet épisode, nous revenons sur son histoire, sur la vision de son créateur, Paul Day et sur ce que cette œuvre dit de notre rapport au temps, à la mémoire et à l’amour. Car à Saint-Pancras, au milieu du bruit des trains et des pas pressés, The Meeting Place nous rappelle qu’il existe toujours un moment pour se retrouver.

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Dans ce nouvel épisode de podcast de Regard d’Art, partez à la découverte d’une œuvre contemporaine aussi spectaculaire que poignante : Blood Swept Lands and Seas of Red, l’installation monumentale imaginée par Paul Cummins et Tom Piper en 2014 au pied de la Tour de Londres.

Composée de 888 246 coquelicots rouges en céramique, chacun représentant un soldat britannique tombé durant la Première Guerre mondiale, cette mer rouge a bouleversé des millions de visiteurs venus se recueillir dans le silence et l’émotion.

À travers cette œuvre éphémère, les artistes mêlent mémoire, participation collective et puissance visuelle. Chaque fleur devient le témoin d’une vie, le symbole d’un peuple en deuil. En transformant un lieu chargé d’histoire en champ de mémoire, Cummins et Piper rappellent la fragilité de la paix et la nécessité du souvenir.

Une installation inoubliable, à la croisée de l’art contemporain et du devoir de mémoire, où la beauté devient souvenir et où le rouge éclatant de ces coquelicots raconte la guerre, la perte… mais aussi la résilience et l’espérance.

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Dans ce nouvel épisode de podcast de Regard d’Art, plongez au cœur de l’une des fresques les plus célèbres de la Renaissance : L’École d’Athènes de Raphaël. Peinte entre 1508 et 1512 pour les appartements pontificaux du Vatican, cette œuvre monumentale réunit les plus grands penseurs de l’Antiquité dans un espace architectural idéal, où chaque geste, chaque regard et chaque posture raconte le un idéal de philosophie.

Au-delà de sa beauté visuelle et de sa maîtrise technique, Raphaël illustre la rencontre des représentants, de la philosophie aux sciences et illustre la puissance de la réflexion humaine. La fresque devient ainsi un lieu où les idées se confrontent et se répondent, un témoignage vivant de l’humanisme de la Renaissance et de la capacité de l’art à rendre visible l’intellect et la curiosité.

Une œuvre fascinante, foisonnante et pleine de vie, qui continue d’inspirer et de captiver ceux qui la regarde d’aujourd’hui.

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Dans cet épisode hors-série de podcast de Regard d’Art, partez à la découverte de l’incroyable destin d’un tableau devenu légende.

Derrière le Garçon qui pleure de Giovanni Bragolin se cache une histoire étrange et fascinante : des incendies inexpliqués, des maisons réduites en cendres, et pourtant au milieu… le tableau intact. Une toile simple, mais qui aurait acquis une réputation de malédiction.

Entre tragédies supposées, pactes diaboliques et enquêtes scientifiques, laissez-vous emporter par l’histoire fascinante du Garçon qui pleure, ce tableau qui continue de captiver et d’intriguer, plusieurs décennies après sa création…

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Dans ce nouvel épisode de podcast de Regard d’Art, plongez au cœur d'une angoisse universelle avec Le Cri d’Edvard Munch, peint en 1893.

Ce tableau emblématique montre une silhouette figée dans la terreur, les mains plaquées contre le visage, la bouche grande ouverte dans un hurlement silencieux, tandis qu’un ciel rougeoyant et des lignes ondulantes semblent faire vibrer toute la nature autour d’elle. Une image d’une puissance émotionnelle rare, qui capte la peur et la fragilité humaine.

À travers cette œuvre et toute la carrière de Munch, découvrez comment l’art peut devenir le miroir de nos émotions les plus profondes, et continuer de résonner dans notre imaginaire collectif plus d’un siècle après sa création.

Un épisode pour comprendre la singularité et l’intemporalité d’une œuvre devenue légendaire.

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Dans ce nouvel épisode de podcast de Regard d’Art, plongez au cœur de l’Amérique rurale des années 1930 à travers American Gothic de Grant Wood, peint en 1930.

Ce tableau fascinant représente un couple de paysans debout devant une maison au style gothique, l’homme tenant une fourche dressée, dans une scène à la fois familière et pleine de mystère.

Derrière cette apparente simplicité se cache une maîtrise technique et picturale remarquable. Wood compose avec rigueur et précision, des proportions exactes aux textures détaillées, créant une image à la fois réaliste, solennelle et symbolique. Chaque détail contribue à l’ambiguïté et à la profondeur de l’œuvre, qui peut se lire comme un hommage à la vie rurale, une critique sociale ou un miroir de nos propres projections sur l’Amérique.

American Gothic n’est pas seulement un portrait régionaliste : c’est un tableau qui traverse les époques, devenu icône culturelle et source d’interprétations multiples, du monde de l’art à la culture populaire.

Un épisode à écouter pour comprendre, décrypter et ressentir la richesse, la subtilité et la puissance d’une œuvre qui continue de fasciner depuis près d’un siècle.

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Dans ce nouvel épisode de podcast de Regard d’Art, plongez au cœur d’une scène intime et bouleversante du XVIIᵉ siècle : Le Nouveau-Né de Georges de La Tour, peint vers 1648. Cette œuvre fascinante représente un instant simple mais chargé de sens : deux femmes entourent un nourrisson emmailloté, éclairé par la flamme vacillante d’une bougie, dans un intérieur plongé dans l’ombre.

Derrière cette simplicité apparente se cache une maîtrise technique et picturale exceptionnelle. La Tour utilise un clair-obscur subtil pour transformer un moment intime en méditation universelle sur la naissance, la vie et la fragilité de l’existence. Chaque geste, chaque expression, chaque nuance de lumière contribue à créer une atmosphère d’intimité et de silence, où l’émotion naît.

Le Nouveau-Né n’est pas seulement une peinture religieuse ou domestique : c’est une œuvre qui traverse les siècles, captivant les spectateurs par la force de son humanité et la poésie de sa lumière.

Un épisode à écouter pour contempler, comprendre et ressentir la profondeur d’un instant suspendu par Georges de La Tour.

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Dans ce nouvel épisode de podcast de Regard d’Art, partez à la découverte d’une artiste singulière, dont les pois, les citrouilles et les salles de miroirs ont marqué l’imaginaire contemporain… Yayoi Kusama.

Artiste visionnaire et audacieuse, Kusama a su transformer ses visions obsessionnelles et ses expériences intimes en un langage universel. De ses premières toiles au Japon à ses installations immersives à travers le monde, elle crée des œuvres qui repoussent les limites de l’espace et de la perception, où le spectateur devient acteur.

Entre héritage japonais, influences de l’avant-garde occidentale, exploration du surréalisme, minimalisme et pop art, son univers unique mêle poésie, émotion et réflexion. Ses installations, ses performances et même ses collaborations dans la culture populaire ont contribué à faire d’elle une figure incontournable de l’art contemporain.

Qui est vraiment Yayoi Kusama ? Comment a-t-elle transformé ses obsessions en œuvres universelles ? Et pourquoi continue-t-elle d’inspirer des générations d’artistes et le public du monde entier ?

Un épisode pour plonger dans l’univers fascinant d’une femme qui a fait de l’art une expérience totale, immersive et profondément humaine.

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