RRS. Radio del Museo Reina Sofía

El viernes 26 de septiembre de 2025 el mundo se levantaba convulso un día más. En ese contexto agitado, le pensadore y activiste Judith Butler visitaba el Museo Reina Sofía con motivo del reconocimiento que el suplemento Ideas de El País le otorgaba a su trabajo y al impacto de su pensamiento en la sociedad contemporánea. Seiscientas personas llenaron las butacas de los dos auditorios del Museo para escuchar en vivo a una de las voces referentes en el ámbito de los feminismos y la teoría queer.

En esta entrevista, concedida a RRS unas horas antes del evento, Judith Butler vuelca reflexiones de gran envergadura sobre el genocidio en Palestina, sobre el sentimiento de ira que nos invade como sociedad y sobre el género como una materia de interrelación entre todas las personas. Acerca del valor de la escucha en su pensamiento —y de su plasticidad para entrar, salir y comprender algo de la complejidad del mundo actual—, apunta que la escucha es síntoma de la interdependencia entre lo humano y lo no humano, pero también posibilidad de escucha de lo que no nos gusta y a quien no nos gusta. Butler postuló hace casi cuatro décadas la performatividad del lenguaje y del cuerpo y, desde entonces, no ha dejado de vincular estos conceptos con otros como la interdependencia, el duelo o la no violencia. Concluye así la entrevista apuntando a la transformación del mundo y al cultivo de la no violencia como el único futuro posible.

Judith Butler es filósofe. Es Distinguished Professor de la Escuela de Posgrado de la Universidad de California, Berkeley (Estados Unidos) y, previamente, ocupó la Cátedra Maxine Elliot de Literatura Comparada y Programa de Teoría Crítica en la misma universidad. En 2016, impulsó la constitución del Consorcio Internacional de Programas de Teoría Crítica, del que ahora ejerce como parte del consejo directivo y del equipo editorial de la publicación seriada Critical Times. Su trayectoria ha sido distinguida con numerosos honores, como el Premio Andrew Mellon al Mérito Académico en Humanidades, el Premio Adorno de la ciudad de Fráncfort por sus contribuciones al feminismo y la filosofía moral, y el diploma de Caballero de la Orden de las Artes y las Letras del Ministerio de Cultura francés. Entre sus publicaciones destacan El género en disputa. El feminismo y la subversión de la identidad (Paidós, 2006), Cuerpos que importan. El límite discursivo del sexo (Paidós, 2002) y Vida precaria. El poder del duelo y la violencia (Paidós, 2006). Su último libro ¿Quién teme al género? (Paidós, 2024) examina el lugar del género en la emergencia del autoritarismo y el fascismo y defiende los estudios de género en su esencialidad para la democracia.

El Instituto Cáder de Arte Centroamericano (ICAC) es un organismo dedicado al estudio, investigación y difusión de las prácticas, escenas e historias del arte centroamericano y sus diásporas, alojado dentro de la Dirección de Estudios del Museo Reina Sofía. Su funcionamiento se despliega en varios programas y velocidades: por un lado, busca contribuir al enriquecimiento del conocimiento del arte de esta región a través de las Colecciones, la Biblioteca, las residencias y los programas de estudio del Museo; por otro lado, tejer diálogos, colaboraciones y conexiones basadas en la reciprocidad con la escena cultural en Centroamérica. Se trata de una iniciativa pionera en su ámbito, no solo por dar visibilidad a una región históricamente desatendida por la historiografía, sino por avanzar unos modos de hacer que a través de la imaginación estructural y el trabajo de investigación genere redes y proyectos duraderos.

Esta cápsula forma parte de una de las iniciativas de este instituto, consistente en dar forma a una posible historia oral del arte contemporáneo centroamericano. A través de una constelación de voces del campo de la creación, la investigación, el comisariado y la gestión cultural, este proyecto recoge un mosaico de visiones y experiencias sobre diferentes episodios que han definido las escenas locales y regionales en las últimas décadas. También reúne distintos testimonios sobre la práctica individual y colectiva que permiten esbozar el abanico de lenguajes estéticos y corrientes de pensamiento propios que definen este territorio. En esta historia tentativa nacida de la conversación, la oralidad y la escucha, que huye de cualquier vocación totalizadora, anida una necesidad de buscar formas más porosas, mudables y afectivas de construir relatos, de crear archivo y de generar, en torno a ellos, comunidades interpretativas.

Esta primera serie, titulada Construyendo el Instituto Cáder de Arte Centroamericano, se acerca al proceso de creación del ICAC y de su principal antecedente, el Instituto Y.ES Contemporary, un espacio que ha sido, durante la última década, una referencia fundamental para la dinamización del arte contemporáneo en El Salvador. Una de las piezas clave en su engranaje fue el comisario Omar López-Chahoud, actual director internacional de este Instituto y protagonista del segundo episodio de esta serie.

Omar López-Chahoud es comisario independiente asentado en Nueva York. Tras obtener maestrías en Bellas Artes por la Yale School of Art de Yale University (New Haven, Connecticut) y la Royal Academy of Arts de Londres, se ha desempeñado como director artístico y comisario de Untitled Art (Miami Beach, Florida) desde su fundación en 2012 y como director internacional de Y.ES Contemporary - The Robert S. Wennett and Mario Cáder-Frech Foundation. Ha comisariado y cocomisariado numerosas exposiciones dentro y fuera de Estados Unidos y ha participado en paneles de discusión curatorial en Artists’ Space, Art in General, MoMA PS1 y Whitney Museum of American Art. En esta cápsula, López-Chahoud repasa su trayectoria como comisario estrechamente vinculado al arte centroamericano, desde su implicación en la IX Bienal de Artes Visuales de Nicaragua en 2014 hasta la actualidad. A lo largo de la entrevista describe una escena centroamericana constituida por regiones muy distintas, deudoras de tradiciones dispares que se aúnan, por contradictorio que parezca, en una identidad común con carácter diferenciador: «un arte visceral». Un arte que está condicionado por la violencia y la inestabilidad y es producido tanto en el territorio centroamericano como en las diásporas. En definitiva, Omar reflexiona sobre el pasado y el presente de la escena artística de Centroamérica, para imaginar después un futuro deseable y el papel que puede cumplir el ICAC en su construcción.

En 1967, el New York Avant-Garde Festival (1963-1980), fundado por Charlotte Moorman, tuvo lugar durante 24 horas a bordo del ferry de Staten Island. Siguiendo el espíritu de ese evento, The FM Ferry Experiment, presentado por neuroTransmitter en septiembre de 2007, integró la radiodifusión y las actuaciones en directo en uno de los espacios públicos más transitados de Nueva York, ampliando su arquitectura a las ondas radiofónicas y atrayendo al público tanto en el ferry como en la emisión.

Durante ocho días en septiembre de 2007, neuroTransmitter transformó el ferry de Staten Island en una emisora de radio flotante que emitía en la región de Nueva York mientras se desplazaba ininterrumpidamente entre Staten Island y el Bajo Manhattan.

Los programas en directo consistían en actuaciones, conferencias y conversaciones que se desarrollaban a bordo del ferry y se emitían junto con música, sonido y ruido ambiental a través de WSIA 88.9 FM y fmferryexperiment.net.

Haciéndose eco del espíritu de emisoras de radio pirata como Radio Caroline, que emitían desde barcos anclados en aguas internacionales para eludir las regulaciones nacionales, The FM Ferry Experiment reimaginó el ferry no solo como un lugar de tránsito, sino como una plataforma para la emisión en movimiento, el discurso público y la experimentación sonora dentro del tejido urbano de la ciudad de Nueva York.

neuroTransmitter estuvo activo entre 2001 y 2008. Creado y organizado por Angel Nevarez y Valerie Tevere, neuroTransmitter es un proyecto cuya obra fusiona prácticas conceptuales con la transmisión, la producción sonora y el diseño de emisiones móviles. Su trabajo rearticula la radio en múltiples contextos, considerando nuevas posibilidades para el espectro de la emisión como espacio público. Entre sus proyectos, actuaciones y exposiciones se incluyen: The New Museum (Nueva York, Estados Unidos), WUNP, unitednationsplaza (Berlín, Alemania), The Contemporary Museum (Baltimore, Estados Unidos), viafarini (Milán, Italia), The Anna Akhmatova Museum (San Petersburgo, Rusia), Govett Brewster Museum (Nueva Plymouth, Nueva Zelanda), Centre d'Art Passerelle (Brest, Francia) y Museu da Imagem e do Som (São Paulo, Brasil). Tevere es artista y profesora de Cultura Mediática en el College of Staten Island (CSI) (Nueva York, Estados Unidos). Nevarez es artista y músico, y enseña en la Parsons School of Design, The New School (Manhattan, Nueva York, Estados Unidos).

WSIA 88.9 FM fue fundada a mediados de la década de 1970 por un grupo de estudiantes del College of Staten Island (CUNY), que llevaron unos cables hasta la cafetería y empezaron a pinchar discos. Más adelante, solicitaron una licencia y han estado emitiendo de manera habitual desde el 31 de agosto de 1981. Durante más de cuarenta años, WSIA ha ofrecido una programación variada, y los estudiantes del CSI que dirigen la emisora están comprometidos con la novedad, la innovación y el servicio a la comunidad de Staten Island y el área metropolitana de Nueva York. WSIA emite las 24 horas del día, los siete días de la semana, por aire y online en www.wsia.fm.

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La radio, como mezcla heterogénea de progreso tecnológico y deseo estetizado, va más allá de ser un mero medio de comunicación. Esta serie de cápsulas pretende resaltar este hecho, ofreciendo una selección dentro de la amplia variedad de temas que se exploran actualmente, donde destacan las confluencias y los límites, las posibilidades de difusión o la presencia de historias silenciadas.

Según el paradigma histórico y teórico que se elija, se pueden construir historias múltiples e incluso contradictorias de la radiofonía. En este sentido, la investigación parte de un corpus general de conceptos que explora, a la vez que la fascinación por el medio, el tratamiento utópico y no convencional: el Radio-Ojo y el manifiesto Radiopravda de Dziga Vértov, la interacción y comunicación pública de Bertolt Brecht, los cut-up y la disrupción comunicativa de William Burroughs, La radio del futuro de Velimir Jlébnikov y el Radio Mind del psicólogo Upton Sinclair. Y es que, como afirma el teórico de los medios Allen S. Weiss: “La radio no es una entidad singular sino una multitud de radios” y “La radiofonía es un campo heterogéneo que abarca diversos aparatos, prácticas, formas y utopías”.

Frente a la canonización del campo y los modos de hacer radiofónicos, existen personas y colectivos que optan por mantener los márgenes fluidos y alientan a la participación, la reflexión y la interacción a través de enfoques y aplicaciones experimentales. Inventar y reinventar la radio es abordar el espacio radiofónico como un espacio creativo. Así, esta serie busca establecer un diálogo abierto y fragmentado con artistas, creadores y pensadores mediáticos sobre la relación entre radio, sociedad, tecnología y experimentación a partir de piezas radiofónicas singulares e idiosincrásicas.

"Musically homeless" es una pieza que fue escrita para una retransmisión online en directo realizada para el festival chileno de música Tsonami. Su título procede de una expresión que utilizaron en alguna ocasión los artistas suizos Peter Fischli y David Weiss. Para esta composición también me inspiré en las reglas de su juego favorito.

 

Para cuatro intérpretes de diferentes lugares. Una hora.

Prepara algo de comida y aperitivos típicos de la zona.

Cada persona prepara una pieza de música local.

(El «lugar» puede ser tu ciudad natal o cualquier lugar en el que hayas vivido durante un tiempo).

Comed y bebed con naturalidad, observad la comida y hablad sobre ella.

Cada vez que una persona da una instrucción a otra, esta la cumple y da una instrucción a la siguiente persona, y así sucesivamente.

Instrucciones:

(Podéis comunicaros con tarjetas o gestos)

Detén todo movimiento y sonido.

Levántate, camina por la habitación y pon música en tu teléfono.

Repite tus acciones y sonidos actuales.

Utiliza un software de traducción para traducir el nombre de un alimento al inglés y reprodúcelo.

Habla uno o dos dialectos o idiomas extranjeros.

Sígueme y haz lo mismo.

Yan Jun

Yan Jun vive y trabaja en Pekín, China. Es poeta y músico, y trabaja con grabaciones de campo, el cuerpo, el ruido electrónico y las ideas (¡muchas!). Entre otras, ha participado en la Bienal de Gwangju (2018), Documenta (2017) y la Bienal de Shanghái (2014). En 2016 fue artista residente en el DAAD de Berlín. Sus principales actividades más recientes son lo que él denomina «no música», la banda Fen (Otomo Yoshihide / Ryu Hankil / Yuen Chee Wai/ Yan Jun) y el proyecto The Living Room Tour (en múltiples ubicaciones, una de ellas Montreal, Canadá, en 2016, con seis actuaciones comisariadas por Eric Mattson). También es uno de los cerebros detrás del sello discográfico chino Subjam.

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La radio, como mezcla heterogénea de progreso tecnológico y deseo estetizado, va más allá de ser un mero medio de comunicación. Esta serie de cápsulas pretende resaltar este hecho, ofreciendo una selección dentro de la amplia variedad de temas que se exploran actualmente, donde destacan las confluencias y los límites, las posibilidades de difusión o la presencia de historias silenciadas.

Según el paradigma histórico y teórico que se elija, se pueden construir historias múltiples e incluso contradictorias de la radiofonía. En este sentido, la investigación parte de un corpus general de conceptos que explora, a la vez que la fascinación por el medio, el tratamiento utópico y no convencional: el Radio-Ojo y el manifiesto Radiopravda de Dziga Vértov, la interacción y comunicación pública de Bertolt Brecht, los cut-up y la disrupción comunicativa de William Burroughs, La radio del futuro de Velimir Jlébnikov y el Radio Mind del psicólogo Upton Sinclair. Y es que, como afirma el teórico de los medios Allen S. Weiss: “La radio no es una entidad singular sino una multitud de radios” y “La radiofonía es un campo heterogéneo que abarca diversos aparatos, prácticas, formas y utopías”.

Frente a la canonización del campo y los modos de hacer radiofónicos, existen personas y colectivos que optan por mantener los márgenes fluidos y alientan a la participación, la reflexión y la interacción a través de enfoques y aplicaciones experimentales. Inventar y reinventar la radio es abordar el espacio radiofónico como un espacio creativo. Así, esta serie busca establecer un diálogo abierto y fragmentado con artistas, creadores y pensadores mediáticos sobre la relación entre radio, sociedad, tecnología y experimentación a partir de piezas radiofónicas singulares e idiosincrásicas.

Las grabaciones de este programa no son fiables. Se realizaron de forma involuntaria o sin intervención humana. Algunas de ellas, como las interferencias electromagnéticas, pueden explicarse científicamente. Otras, no. Lo que las une es su aparición inesperada. Estos sonidos surgieron de la nada, como fantasmas. Se manifestaron en cintas viejas, canales de streaming online, discos duros averiados y equipos de estudio rotos, y grabaciones reproducidas a una velocidad incorrecta o contaminadas accidentalmente por interferencias de señales externas. Esta obra radiofónica fue encargada por el Instituto Internacional de Investigación sobre Radio y Magia

Felix Kubin

Felix Kubin es compositor, creador de obras radiofónicas, intérprete, artista multimedia y comisario. Hijo predilecto de la era de la grabación casera —comenzó a componer música electrónica en cuatro pistas a los doce años—, sus actividades abarcan el pop futurista, la música electroacústica y de orquesta de cámara, el arte radiofónico, las conferencias con performances y la escritura. En 1998 fundó su propio sello discográfico, Gagarin Records. Durante las últimas dos décadas ha publicado numerosos álbumes en diferentes formatos conceptuales y ha actuado en más de cien festivales internacionales de música contemporánea. La cineasta francesa Marie Losier (The Ballad of Genesis and Lady Jaye) rodó un galardonado «docufantasma» sobre él que se estrenó en el Festival de Cine de Locarno en 2019 y se ha emitido en ARTE TV y en festivales de cine de todo el mundo. A Felix Kubin le gusta moverse entre la alta y la baja cultura y los clubes y las salas de conciertos, ya que su principal interés es el cambio de contextos y expectativas.

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La radio, como mezcla heterogénea de progreso tecnológico y deseo estetizado, va más allá de ser un mero medio de comunicación. Esta serie de cápsulas pretende resaltar este hecho, ofreciendo una selección dentro de la amplia variedad de temas que se exploran actualmente, donde destacan las confluencias y los límites, las posibilidades de difusión o la presencia de historias silenciadas.

Según el paradigma histórico y teórico que se elija, se pueden construir historias múltiples e incluso contradictorias de la radiofonía. En este sentido, la investigación parte de un corpus general de conceptos que explora, a la vez que la fascinación por el medio, el tratamiento utópico y no convencional: el Radio-Ojo y el manifiesto Radiopravda de Dziga Vértov, la interacción y comunicación pública de Bertolt Brecht, los cut-up y la disrupción comunicativa de William Burroughs, La radio del futuro de Velimir Jlébnikov y el Radio Mind del psicólogo Upton Sinclair. Y es que, como afirma el teórico de los medios Allen S. Weiss: “La radio no es una entidad singular sino una multitud de radios” y “La radiofonía es un campo heterogéneo que abarca diversos aparatos, prácticas, formas y utopías”.

Frente a la canonización del campo y los modos de hacer radiofónicos, existen personas y colectivos que optan por mantener los márgenes fluidos y alientan a la participación, la reflexión y la interacción a través de enfoques y aplicaciones experimentales. Inventar y reinventar la radio es abordar el espacio radiofónico como un espacio creativo. Así, esta serie busca establecer un diálogo abierto y fragmentado con artistas, creadores y pensadores mediáticos sobre la relación entre radio, sociedad, tecnología y experimentación a partir de piezas radiofónicas singulares e idiosincrásicas.

Lauren Postigo, el presentador del mítico programa de RTVE “Cantares”, entrevistó a Doña Concha Piquer en 1978. En un momento de la conversación ella pronunciará estas palabras que nos sirven de título: “Si no gano dinero” - pausa dramatizada - “no me divierto”. El dinero, el money o el “Parné”, como llamó Gloria Ribera a uno de sus espectáculos, una oda al “fucking money” en el que mezcla sintetizadores y castañuelas, cuplés y reguetón, luces, humo, brillis y billetes verdes. Una mujer sola y satisfecha de lanzarnos esos mismos billetes con su cara. Lo hemos titulado así porque, y esto lo dice Mery Cuesta, nuestra segunda invitada, las mujeres que siempre fueron tachadas de “malas”, entrecomilladas, no eran más que mujeres emancipadas. 

Las mujeres malas, las que eligen la senda torcida, las que sacan los pies del tiesto, las que hacen lo que no está en el guión. Aquellas que, como escribió Álvaro Retana, están en pecado mortal pero huelen bien. Esas son las que nos interesan realmente y a ellas llegamos en la segunda parte del programa. Para introducirnos en su naturaleza y derivas, habladas y cantadas, nada mejor que las dos súper mujeres expertas en desvarios femeniles y posibilidades otras de ser mujer: Mery Cuesta y Gloria Ribera. Por un lado, la máxima experta en Cine Quinqui y en Spanish Noir, o sea, en cine delincuente español, se ha encargado de auscultar los bajos fondos y de retratar las potenciales derivas de la vida en la ciudad al margen de lo previsible; por otro, la cupletista más interesante del panorama español demuestra que es capaz de mezclar cuplés, coplas y cajas de ritmo, y de hacer bailar pegados el fumando espero y las uñas de gel.

Esté programa ha sido grabado en Radio Fabra gracias a la residencia que Gloria Ribera está disfrutando en Fabra i Coats: Fàbrica de Creació de Barcelona.

El Instituto Cáder de Arte Centroamericano (ICAC) es un organismo dedicado al estudio, investigación y difusión de las prácticas, escenas e historias del arte centroamericano y sus diásporas, alojado dentro de la Dirección de Estudios del Museo Reina Sofía. Su funcionamiento se despliega en varios programas y velocidades: por un lado, busca contribuir al enriquecimiento del conocimiento del arte de esta región a través de las Colecciones, la Biblioteca, las residencias y los programas de estudio del Museo; por otro lado, tejer diálogos, colaboraciones y conexiones basadas en la reciprocidad con la escena cultural en Centroamérica. Se trata de una iniciativa pionera en su ámbito, no solo por dar visibilidad a una región históricamente desatendida por la historiografía, sino por avanzar unos modos de hacer que a través de la imaginación estructural y el trabajo de investigación genere redes y proyectos duraderos.

Esta cápsula inaugura una de las iniciativas de este instituto, consistente en dar forma a una posible historia oral del arte contemporáneo centroamericano. A través de una constelación de voces del campo de la creación, la investigación, el comisariado y la gestión cultural, este proyecto recoge un mosaico de visiones y experiencias sobre diferentes episodios que han definido las escenas locales y regionales en las últimas décadas. También reúne distintos testimonios sobre la práctica individual y colectiva que permiten esbozar el abanico de lenguajes estéticos y corrientes de pensamiento propios que definen este territorio. En esta historia tentativa nacida de la conversación, la oralidad y la escucha, que huye de cualquier vocación totalizadora, anida una necesidad de buscar formas más porosas, mudables y afectivas de construir relatos, de crear archivo y de generar, en torno a ellos, comunidades interpretativas.

Esta primera serie, titulada Construyendo el Instituto Cáder de Arte Centroamericano, se acerca al proceso de creación del ICAC y de su principal antecedente, el Instituto Y.ES Contemporary, un espacio que ha sido, durante la última década, una referencia fundamental para la dinamización del arte contemporáneo en El Salvador. Ambos proyectos no habrían sido posibles sin la iniciativa, el apoyo y la implicación de Mario Cáder-Frech, que protagoniza la primera cápsula de esta serie.

Mario Cáder-Frech es un coleccionista y gestor cultural salvadoreño, miembro de distintas fundaciones de museos y centros de arte, como la Fundación Museo Reina Sofía, la del MoMA, el Instituto Cáder de Arte Centroamericano y Y.ES Contemporary. Además, es miembro fundador del Comité Global de Patrocinadores de Art Basel. Tras haber trabajado como ejecutivo de medios durante más de veinte años en ViacomCBS Paramount, hoy lidera DeeperDive.org y el Festival de Cine de Harvard Divinity School, donde también forma parte del Consejo del Decano. En esta cápsula, Cáder hace un recorrido, desde los años noventa hasta la actualidad, por los hitos personales y profesionales de una trayectoria dedicada al cuidado, la promoción y el desarrollo del arte contemporáneo centroamericano. Además, formula un diagnóstico y lanza una mirada a futuro sobre la actualidad del arte contemporáneo en su país y en la región.

En los años veinte, una fiebre invadió nuestro país: la fiebre de la radiomanía. Un siglo después, tenemos una nueva fiebre, o una palabra ubicua que nos invade como una pulga maligna: la inteligencia artificial, la IA. Tenemos banners de IA que no hemos pedido, conversaciones de IA, sospechas frente a una IA que todo lo hace, terror porque una IA se quedará con nuestro puesto de trabajo y placer porque una IA dará la mejor versión de nosotras mismas.

En este capítulo hemos elaborado una lista de reproducción de cuplés a partir de letras originales, hilada con una delirante conversación en torno a esta ola tecnológica y su posibilidad, o no, de ser sicalíptica.

Adolfo Muñoz, profesor de la UPV e investigador de la inteligencia artificial, contesta a las preguntas de la abrumada y lúbrica Gloria: ¿Cuáles son los síntomas de esta fiebre? ¿La fecundación será tecnológica? ¿Morirá el humor, la vanguardia, el sarcasmo, la segunda peor intención? ¿Habremos de ser perfectos? ¿Seguirá el diablo teniendo algún lugar? ¿La aristocracia comprenderá por fin su galante misión o se hará influencer, replicable y royal? ¿Nos quedaremos sin trabajo? Y lo que es más importante: desde ese 1893, cuando Augusta Berges comenzó la caza y captura de la pulga indiscreta, ¿daremos con la IA indiscreta? ¿La cazaremos y le daremos muerte?

Muchos enigmas que, creo, se solventan poco. Con un guion un pelín pasado por la IA y otro mucho más por la sicalipsis, y unas letras originales, el dúo de Gloria y Adolfo ha creado nuevos cuplés: los “Cuplés de la IA-manía”.

Radio Ballet es una obra radiofónica producida para la recepción colectiva en lugares públicos concretos. Ofrece a grupos dispersos de radioyentes la oportunidad de subvertir las normas del espacio.

La pieza Radio Ballet – Übung in nichtbestimmungsgemäßem Verweilen tuvo lugar en la estación principal de Leipzig, Alemania, un antiguo espacio público que está bajo el control privado de la compañía ferroviaria alemana (Deutsche Bahn - DB) y sus socios desde mediados de los años noventa. Como todas las grandes estaciones de tren alemanas, está controlada por un panóptico de cámaras de vigilancia, guardias de seguridad y una arquitectura que evita cualquier rincón oscuro o «peligroso». Este sistema de control está diseñado para evitar cualquier tipo de comportamiento que se desvíe de lo considerado normal. Las personas que se sientan en el suelo o piden dinero son detectadas rápidamente y expulsadas al instante.

Radio Ballet devolvió los gestos excluidos de esos comportamientos “anormales” a la estación central. Unos 500 participantes (oyentes habituales de la radio, que no eran bailarines ni actores) fueron invitados a ir a la estación equipados con radios y auriculares baratos. Mediante estos dispositivos, escuchaban un programa que sugería una serie de gestos permitidos y prohibidos (mendigar, sentarse o tumbarse en el suelo, etc.). Esta coreografía se interrumpía con reflexiones sobre el espacio público y el propio Radio Ballet.

Radio Ballet no era una manifestación (que podría haber sido prohibida por la DB), sino una «Zerstreuung» (un término alemán con diferentes significados: dispersión, distracción, distribución y también entretenimiento). Tampoco se trataba de una acción masiva, ya que los participantes podían actuar donde quisieran: en los andenes, en las escaleras mecánicas o en Promenaden (el centro comercial de la estación). Actuaron como una asociación libre, que transformó la coincidencia de la recepción de radio en una intervención política.

El primer Radio Ballet tuvo lugar en mayo de 2002 en la estación principal de Hamburgo. En ambos casos, Hamburgo y Leipzig, la compañía ferroviaria alemana intentó prohibir la intervención antes de que tuviera lugar. En Hamburgo incluso lo llevó ante los tribunales, donde ganamos. El tribunal aceptó nuestro argumento de que Radio Ballet no es una concentración, que está prohibida por la normativa del espacio, sino una dispersión de oyentes de radio, que no puede prohibirse en ningún lugar.

LIGNA

LIGNA está formado por los artistas multimedia y escénicos Ole Frahm, Michael Hüners y Torsten Michaelsen. Desde 2002, su trabajo se centra en crear contextos temporales en los que su público se convierte en un colectivo de productores, una asociación capaz de generar efectos impredecibles e incontrolables que desafían la normativa de un espacio. Uno de los modelos de uso de los medios de comunicación de LIGNA, Radio Ballet (inventado en 2002), ofrece a los radioyentes una coreografía de gestos excluidos y prohibidos en espacios antes públicos, ahora controlados, como estaciones de tren o centros comerciales. Otros, como The New Man (2008) u Oedipus (2011), cuestionan el espacio del teatro en sí mismo como un aparato que da forma a la subjetividad. Obras más recientes como Secret Radio (2014) o The Great Refusal invitan a los participantes a escenificar una interacción compleja en un espacio público o en un escenario, que se les va revelando gradualmente. En 2017, LIGNA recibió el premio George Tabori, el galardón más importante de la escena teatral independiente alemana.

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La radio, como mezcla heterogénea de progreso tecnológico y deseo estetizado, va más allá de ser un mero medio de comunicación. Esta serie de cápsulas pretende resaltar este hecho, ofreciendo una selección dentro de la amplia variedad de temas que se exploran actualmente, donde destacan las confluencias y los límites, las posibilidades de difusión o la presencia de historias silenciadas.

Según el paradigma histórico y teórico que se elija, se pueden construir historias múltiples e incluso contradictorias de la radiofonía. En este sentido, la investigación parte de corpus general de conceptos que exploran, a la vez que la fascinación por el medio, el tratamiento utópico y no convencional: el Radio-Ojo y el manifiesto Radiopravda de Dziga Vértov, la interacción y comunicación pública de Bertolt Brecht, los cut-up y la disrupción comunicativa de William Burroughs, La radio del futuro de Velimir Jlébnikov y el Radio Mind del psicólogo Upton Sinclair. Y es que, como afirma el teórico de los medios Allen S. Weiss: “La radio no es una entidad singular sino una multitud de radios” y “la radiofonía es un campo heterogéneo que abarca diversos aparatos, prácticas, formas y utopías”.

Frente a la canonización del campo y los modos de hacer radiofónicos, existen personas y colectivos que optan por mantener los márgenes fluidos y alientan a la participación, la reflexión y la interacción a través de enfoques y aplicaciones experimentales. Inventar y reinventar la radio es abordar el espacio radiofónico como un espacio creativo. Así, esta serie busca establecer un diálogo abierto y fragmentado con artistas, creadores y pensadores mediáticos sobre la relación entre radio, sociedad, tecnología y experimentación a partir de piezas radiofónicas singulares e idiosincrásicas.

Entre el 26 febrero y el 1 septiembre de 2025, el Museo Reina Sofía acoge la exposición Hello Everyone de la artista Laia Estruch (Barcelona, 1981). La exposición, comisariada por Latitudes (Max Andrews y Mariana Cánepa Luna) recoge un conjunto de piezas y documentos del trabajo y la investigación realizada por la artista desde 2011 hasta la fecha. De manera extraordinaria, la exposición Hello Everyone, que toma el título de una de las primeras performances que llevó a cabo Laia Estruch, reúne y pone en diálogo piezas que se muestran recurriendo a diferentes modos de exhibición. Desde la instalación a la documentación, la exposición permite identificar elementos que son fundamentales y recurrentes para la artista.

En particular la voz y la escultura. Pero también el trabajo de ambos con relación al espacio que las acoge. La voz, el cuerpo que se manifiesta a través de ella, es fundamental en el trabajo de Laia Estruch. Es una voz cantada, hablada, deformada o sonada en un ejercicio de colocarla con relación a su cuerpo, a sus cuerdas vocales y también con relación a sus límites corporales en diálogo con otros cuerpos que pueden ser de agua, de viento o de plástico. Así, en su producción artística encontramos obras en las que esa misma voz se sumerge en el agua de una piscina o de un abrevadero, o donde se restriega contra el plástico de una escultura hinchable o fluye y dialoga con el aire que deja pasar una superficie tensada. Tiene además su trabajo, una relación muy estrecha con los espacios, las arquitecturas y paisajes que la acogen en cada ocasión pues, no debemos olvidar que Laia Estruch trabaja con la performance y con todo el flujo de energías y presencias que se congregan allí en los cuerpos y presencias del público.

Esta cápsula de RRS recoge la conversación mantenida con la artista que mostramos entretejida con fragmentos de algunas de sus performances. Una ocasión para escuchar sus reflexiones sobre el trabajo que realiza al mismo tiempo que la escuchamos en registros de audio donde la reconoceremos cantando, sonando como un pájaro o gritando bajo el agua.