Sold Out

George est coordinateur de sécurité, physio, et sans doute le visage le plus connu de la Bellevilloise : celui qu'on croise en premier rue Boyer, avant même d'avoir franchi la porte.

Derrière lui, un parcours que rien ne laissait prévoir : un commercial de formation venu du Cameroun, embarqué presque malgré lui dans la sécurité de nuit par une bande de boxeurs, puis des discothèques, des stations de ski, des clubs gay et libertins, jusqu'à la Bellevilloise qu'il illumine depuis 2015.

Dans cet épisode de Sold Out, enregistré le jour des 20 ans de ce lieu mythique, Georges raconte ce qui fait sa signature : un costume trois pièces porté chaque soir, une voix qui apaise avant même d'avoir tranché, et cette conviction que la première image d'une maison se joue sur le pas de sa porte.

Il parle aussi de ce que la nuit révèle des gens, de ces visages qui disparaissent, de l'art de désamorcer sans jamais humilier, et d'une équipe qu'il a appris à aimer son métier.

Un épisode chaleureux et singulier, à l'image de celui qui vous accueille.

Sold Out, le podcast pour se glisser dans les coulisses du spectacle vivant.

Avec le soutien de Delight.

Production : Big Red Machine / Réalisation : Marc H’LIMI / Interview & programmation : Marc Gonnet / Communication & image : Joey Colas

Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

David Rothschild est promoteur, producteur exécutif, directeur de production et sans doute le plus grand nom que personne ne connaît du spectacle vivant. Derrière lui, des projets qu'on croirait sortis d'une légende : Taylor Swift et ses 100 semi-remorques, un Johnny Cash que personne ne voulait booker, la K-pop en France quand tout le monde le traitait de fou, le catch jusqu'aux salles combles, un tournoi de sumo à Paris après trente ans d'obstination.

Dans cet épisode de Sold Out, il raconte ce qui se cache derrière cette carrière qui ressemble à aucune autre : deux obsessions qui le gouvernent en silence, une tête qui fonctionne par petites boîtes qu'il faut sans cesse imbriquer, et cette manière bien à lui de voir tout en noir pour ne jamais être pris de court. Il parle aussi de ce qu'il cherche vraiment derrière chaque projet, de ces équipes avec qui tout devient possible, et de ce goût pour les chemins que personne n'a encore empruntés.

Un épisode profondément atypique, à l'image de son invité.
Bonne rentrée <3

Sold Out, le podcast pour se glisser dans les coulisses du spectacle vivant.

Avec le soutien de Delight.

Production : Big Red Machine / Réalisation : Marc H’LIMI / Interview & programmation : Marc Gonnet / Communication & image : Joey Colas

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Quinze ans après sa première édition au Bois de Vincennes, We Love Green est devenu l'une des références européennes : trois jours dans un écrin naturel au cœur de Paris, entre découvertes musicales, grandes têtes d'affiche et engagement environnemental concret. Une édition 2026 qui, selon sa directrice générale Marie Sabot, s'est déroulée avec une douceur et une maîtrise qu'elle n'avait peut-être jamais ressenties à ce point.

Mais derrière cette apparente sérénité, il y a une réalité bien plus complexe. Celle d'une productrice indépendante qui jongle depuis trente ans avec les modèles économiques, les cachets qui explosent, les aides publiques qui disparaissent et les artistes internationaux dont les productions géantes ne rentrent plus dans aucune scène de festival. Dans cet épisode de Sold Out, Marie revient sur un parcours hors norme : de la gym artistique au cirque, de l'Élysée Montmartre aux Jeux Olympiques d'Athènes, des raves underground des années 90 à la direction d'un festival de 14 millions d'euros de budget.

Elle évoque ce que veut vraiment dire " produire un festival" aujourd'hui : trouver un lieu, convaincre des financeurs, négocier avec des agents internationaux, construire une route en terre dans un bois certifié, tisser des alliances avec Primavera Sound ou Roskilde pour ne pas se faire concurrence. Elle parle aussi de l'avenir : ces artistes qui rêvent de "Greenfield", ces shows trop grands pour les festivals, ces nouvelles formes à inventer pour garder la magie du plein air sans perdre les grandes têtes d'affiche. Et de ce moment qu'elle ressent cette année,celui où une équipe devient enfin suffisamment solide pour qu'on puisse, juste un peu, souffler.

Un épisode lucide, généreux et concret.. Un épisode idéal de fin de saison. Bel été. Bonnes vacances. Merci d'être là, tellement.

Rendez vous en Septembre 2026 pour la suite de nos aventures, avec une saison 8 qu'on a hate de vous dévoiler <3

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Production : Big Red Machine / Réalisation : Marc H’LIMI / Interview & programmation : Marc Gonnet / Communication & image : Joey Colas

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Il y a des festivals qu'on croit connaître par cœur. Ceux dont on fredonne les têtes d'affiche depuis des années, dont on a arpenté les allées un soir d'août, bière à la main, avec l'impression d'avoir tout compris.

Et puis on rencontre celui qui tire les ficelles depuis le tout début.

C'est l'histoire de Matthieu Ducos.

En 2004, il envoie un mail à l'adresse contact d'un festival qui vient de naître. Pas de réseau, pas de piston, pas de grand oncle qui connaît l'arrière-grand-père. Juste une candidature spontanée et une vraie envie. Vingt ans plus tard, il en est le directeur général.

Ce que raconte Mathieu dans cet épisode, c'est l'histoire d'un festival qu'on ne lâche pas. Une édition fondatrice en 2003, une seule journée, devenue aujourd'hui cinq jours au Domaine national de Saint-Cloud, dans un écrin classé monument historique, avec des marronniers qu'on éclaire la nuit comme une scénographie à ciel ouvert.

C'est aussi une réflexion très honnête sur ce que coûte vraiment de faire du live en 2026 : les cachets qui explosent, les subventions qui s'effacent, les grandes salles qui captent les artistes. Et sur ce qu'il faut d'obstination et de feu sacré, pour continuer quand même

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Il y a des albums qu'on croit connaître par cœur. Ceux qu'on a écoutés des centaines de fois, en voiture, dans le métro, un soir de pluie. Et puis un jour, on les entend vraiment, dans le noir, sur un système son qu'on n'aurait jamais pu se payer, entourés d'inconnus qui ressentent exactement la même chose. Et parfois même de l'artiste qui a crée ce disque... C'est là qu'on réalise qu'on n'avait encore rien entendu.

C'est ce que fait Sonorium....

Depuis quelques années, Sophie et sa co-fondatrice Mélanie transforment l'écoute d'un disque en expérience collective. Pas un concert. Pas une conférence. Quelque chose qui n'existait pas vraiment avant elles, et qui depuis a même fait pleurer Camille à la redécouverte de son propre album culte, "Le Fil".

Ce que raconte Sophie dans cet épisode, c'est l'histoire d'une idée qu'on ne lâche pas. Un projet griffonné sur un bout de papier à HEC, nourri pendant des années en parallèle d'un vrai boulot, testé dans des salles improbables, jusqu'au Grand Palais, jusqu'à la Salle Pleyel et bientôt, peut-être, jusqu'à un flagship parisien, puis au reste du monde.

C'est aussi une réflexion sur ce qu'on perd quand on écoute de la musique seul, distrait, en flux compressé. Et sur ce qu'on retrouve quand on se donne vraiment la peine d'écouter. Ensemble. Dans un moment fugace... Quand un album devient du live, on adore dans SOLD OUT, forcément....

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Il y a des gens qui choisissent leur métier. Et puis il y a celles et ceux que leur métier finit par choisir...

Annaïg a passé des années à s'engager, dans le sport, dans le bénévolat, dans des projets citoyens, sans jamais vraiment chercher à en faire son quotidien professionnel. Créer une crèche interentreprises pour 60 enfants, organiser des congrès nationaux, tenir des bureaux associatifs : tout ça, gratuitement, par conviction.

Jusqu'au jour où quelqu'un lui a dit : "Je te verrais bien là-dedans." La Brest Arena, c'est 80 événements par an, 300 000 spectateurs, un club de handball féminin résident qui joue au plus haut niveau européen, et une ville de 150 000 habitants capable de remplir trois salles en même temps un soir de semaine. Pas le bout du monde. Le début de quelque chose.

Ce que raconte Annaïg, c'est qu'on peut arriver dans un secteur sans en connaître les codes, et y trouver exactement ce qu'on cherchait sans le savoir. Un endroit où l'engagement a du sens. Où chaque soir, quand les portes s'ouvrent, on a encore la chair de poule.

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Il y a des lieux à Paris qui traversent le temps sans jamais devenir figés. Des lieux où l’on vient pour voir une pièce, boire un verre, découvrir un film… et où l’on finit surtout par revenir pour l’atmosphère qu’on y trouve.

Le Lucernaire fait partie de ceux-là.

Depuis plus de cinquante ans, ce lieu installé au cœur de Montparnasse mélange les disciplines, les publics et les générations. Théâtre, cinéma, librairie, restaurant : ici, tout cohabite. Et rien ne fonctionne vraiment comme ailleurs.

Pour Maxence Gaillard, président du Lucernaire, faire vivre un endroit comme celui-ci demande bien plus qu’une programmation. Il faut penser plusieurs métiers à la fois, faire dialoguer des modèles économiques différents, trouver les bonnes personnes et accepter une part de risque permanente.

Parce qu’au fond, produire un spectacle, c’est presque créer une entreprise à chaque fois.

Ce que raconte Maxence, c’est aussi une certaine idée des lieux culturels : des endroits vivants, ouverts, où l’on peut encore prendre le temps de rester après la représentation, discuter, lire, dîner, croiser du monde.

À l’heure où tout se digitalise, la moitié des billets du Lucernaire sont encore vendus au guichet. Comme un rappel que certains lieux continuent d’exister avant tout par les rencontres qu’ils provoquent...

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Il y a des endroits à Paris qui ne s'expliquent pas vraiment. On y entre, et on comprend...

Le Supersonic est de ceux-là.

Hadrien-Paul Ménard n'a pas suivi le chemin le plus direct. L'Allemagne d'abord, des études, une autre façon de voir les choses. Puis Paris, et l'envie de construire quelque chose de vivant, un bar, un restaurant, des endroits où les gens se retrouvent et où l'on revient.

C'est peut-être ce détour-là qui a tout changé. Parce que le Supersonic qu'il dirige aujourd'hui, ce n'est pas juste une salle de concert. C'est un modèle pensé, assumé, avec sa propre logique : la nuit finance le jour, la discothèque finance les concerts. Sept soirs de concerts par semaine. Une scène ouverte à ceux qui débutent comme à ceux qui percent. Et derrière, une promesse tenue à chaque groupe accueilli — une scène propre, des loges, du backline, de la nourriture.

Ce que raconte Hadrien, c'est qu'on peut faire les choses bien sans attendre que quelqu'un vous en donne les moyens. Que parier sur un groupe qui se lance, ce n'est pas de seulement de la passion ou un coup de main, c'est un choix artistique et ça peut équilibrer un modèle économique.

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La Garonne coule depuis toujours. Et Garorock, depuis 30 ans, coule avec elle.

Derrière le festival, il y a Ludovic. Pas un manager, pas un directeur de salle, un amoureux du Sud-Ouest, du vin, de la culture, et de ce que ça donne quand tout ça se rencontre. Son mémoire de fin d'études en était déjà le présage : "La Garonne comme fil conducteur".

Trente ans plus tard, Garorock n'est toujours pas abouti. Et c'est une volonté. C'est ce qui le rend vivant. Parce qu'un festival qui se repose sur ses acquis, c'est un festival qui vieillit. Celui-là, il cherche encore.

Ludovic ne parle pas de son festival comme d'une success story. Il parle de ce que ça fait de vivre quatre jours ensemble, de dormir sur place, de croiser des inconnus qui deviennent autre chose. Il parle de la scène, bien sûr, mais surtout de ce qui advient autour, dans les allées, sous les tentes, au petit matin. Ce que seul un festival peut créer, et qu'aucune salle de concert ne remplacera jamais.

Il parle aussi de convictions. Sur l'artistique, qu'on ne négocie pas. Sur le confort, la sécurité, et tout ce qui fait un festival. Et il parle en transparence aussi de l'achat par VIVENDI et de la revente à CTS EVENTIM.

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Le rouge des moulins tourne depuis 1889. Pas comme une relique. Comme une promesse renouvelée chaque soir à 21h et à 23h30. Derrière ce lieu, il y a un parcours. Rien de linéaire, rien de tout tracé.

Pour Jean-Victor, avant la direction du groupe, il y a Singapour. Une formation en commerce international, une idée qui germe, celle d'importer un spectacle à Macao. Parfois, les trajectoires les plus inattendues mènent aux endroits les plus évidents. Alors on revient à l'essentiel...

À la transmission, à l'exigence artisanale, à cette idée que le french cancan ne s'apprend pas dans un manuel, il se passe de corps en corps, de génération en génération.

Au Moulin Rouge, une certaine vision se défend : 500 personnes, une culture d'entreprise profondément humaine, une ambiance résolument festive, et un directeur qui se balade, écoute, s'imprègne.

600 000 spectateurs par an. Deux shows par soir. Des costumes réparés la nuit pour être de nouveau sur scène le lendemain. Et bientôt une Cité des métiers d'art, pour que ce qui se fait dans l'ombre trouve enfin la lumière qu'il mérite.

Ici, on ne parle pas seulement de spectacle, mais de patrimoine vivant. De ce qui se construit dans le temps, dans le soin, dans la transmission. Dans cet épisode, Jean-Victor revient sur ce chemin singulier, sur ses choix, ses convictions aussi, et sur ce qui le guide encore aujourd'hui : préserver, transmettre, et faire vivre un lieu unique, exigeant et ouvert sur le monde.

🎙️ Sold Out, le podcast pour se glisser dans les coulisses du spectacle vivant.

Avec le soutien de Delight.

En partenariat avec Ekhoscènes

Production : Big Red Machine / Réalisation : Marc H’LIMI / Interview & programmation : Marc Gonnet / Communication & image : Joey Colas

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