A días de cumplirse 20 años del 19/20 de 2001, nos acercamos un poco al cine argentino del período. Es inevitable hacer ese acercamiento sin hablar de lo que fueron los albores del (nuevo) Nuevo Cine Argentino a mediados de la década del 90 y que extendería sus luces hasta algunos años después del 2001. Los quiebres con la generación anterior, las nuevas narrativas, la configuración de un nuevo realismo, uno callejero, de bajo presupuesto, de personajes marginales.

En su momento hablamos de cómo esas nuevas formas habilitaron una narrativa del miserabilismo, el fetichismo, el morbo. En este caso elegí tres películas que habitan ese mismo paisaje estético, pero que escapan a la espectacularización, al regodeo en la violencia. Estas tres películas narran vínculos pequeños, íntimos, improbables, remendados entre personajes castigados por ese fuera de campo de la ficción que no es otro que el de ese presente y su pasado reciente.

Las conversaciones errantes entre Danilo y Ani en La fe del volcán, de Ana Poliak; los encuentros y desencuentros entre Andrés y Reni en Vagón fumador, de Verónica Chen; el doble comando de Dorotea cuidando de su nona y de su padre en Caja Negra, de Luis Ortega, son pequeños respiros que lxs cineastas les permiten a sus personajes y también a lxs espectadorxs. La condena a la miseria de la ofensiva neoliberal es el telón de fondo, pero las películas no reproducen esa condena, más bien posibilitan la ternura, la amistad, el encuentro en el ojo de la tormenta.

En el último capítulo adelantábamos algo de lo que iba a ser el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata y ahora cumplimos con traer algo de regreso. Un poco de balance del Festival y de la experiencia del mismo, otro poco de picadito por lo que nos encontramos ahí. Un recorte bastante rojo, por cierto: hablamos de Estrella Roja, de Sofía Bordenave y de Danubio, de Agustina Pérez Rial, dos películas bastante comentadas en los primeros días del Festival. De ahí saltamos a la retrospectiva de Helke Misselwitz, que repite a partir de mañana en la Sala Lugones.

Tatiana Mazú González fue protagonista del foco Política de las autoras del Festival Doc Buenos Aires, que exhibió sus películas junto a las de Clarissa Hahn y Nisha Platzer. Hablamos de sus películas Caperucita Roja (2019) y Río Turbo (2020), de algunas problemáticas (más) del INCAA con las películas y algunas cosas más. 

Este fin de semana empezó el 17° Festival internacional de cine independiente de La Plata FestiFreak. Charlamos con su programador general, Marcos Migliavacca, acerca de la identidad del FF, su diferencial en el panorama local, la programación de la edición de este año, la bimodalidad pandémica y la necesidad de militar la vuelta a las salas. ¡Escuche, escuche!

En las películas de Edgardo Castro nos encontramos con otro tipo de realismo, que escapa a esa categoría tanto como a la de documental. Castro toma situaciones y personajes de la realidad y monta en torno a ellos los mecanismos para que la ficción suceda. Comentamos su última película, Las ranas, que se encuentra inesperadamente en múltiples salas de cine, y revisamos a vuelo de pájaro sus anteriores películas: La noche (2016) y Familia (2019). 

¿Llegamos tarde para hablar de El Reino? Llegamos tarde para hablar de El Reino. Pero lo hicimos igual.

Con la mirada en perspectiva aprovechamos para hablar no sólo de la serie, sino también de las repercusiones que generó, de dónde hicieron foco. En cuanto a la serie en sí, pensamos qué pasa con el recorte temático que propone la serie y cuál es el resultado en términos de incidencia en la agenda y en los discursos en torno a la religión, para ver finalmente si es tan así eso de que generó revuelo y abrió debates en la sociedad.

Ufa con el cine es un segmento radial quincenal del programa Charco de arena: los lunes por la mañana en FM La Tribu (Buenos Aires).

Luego del episodio Larraín, y para no ser injusto con este breve pantallazo por el cine chileno, fuimos a ver qué cine se está haciendo en Chile más allá de las grandes marquesinas. Hablamos de dos películas que nos van a ayudar a seguir pensando algunos temas que son bastante recurrentes en esta columna. Las películas son Naomi Campbel, de 2013, y Harley Queen, de 2019. Si los nombres les suenan a figuras del star system y el entretenimiento yankee, es porque lo son, pero las identidades que estas películas ubican detrás de esos nombres son bien otras.

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De Larraín podemos tener opiniones tan diversas como lo es su filmografía, pero bien podemos agarrar un puñado de sus película para reponer un debate siempre vigente: ¿Cómo representar en el cine del presente los traumas políticos del pasado? La historia familiar del realizador chileno -inconscientemente, accidentalmente, o no- repercute en la construcción de historias centradas en personajes extrañados con respecto al contexto político que viven: herederos de sus políticas, más abajo o más arriba en la escala social, no participan activamente ni en la represión ni en la resistencia. Sin embargo, dicen algo sobre la ciudad que habitan, sobre el tiempo que viven, sobre los medios y la industria cultural, sobre la violencia, entre otras cosas. Hacemos foco en Tony Manero (2008) y No (2012).

A partir del reestreno de Okupas, volvimos a preguntarnos por la tradición del Nuevo Cine Argentino iniciada con Pizza, birra, faso por la dupla Caetano-Stagnaro. Pegamos un salto de 20 años y echamos un vistazo a la obra de Santiago Mitre (que venía de trabajar como guionista con Pablo Trapero) y el trabajo de Mariano Llinás como guionista a su lado. ¿Qué idea de la política construye en sus películas? ¿Cómo aparecen los sectores populares, cuando aparecen? De ahí pegamos un salto a otros modos de construir discursos sobre lo real: los documentales de Andrea Testa, Toia Bonino, Tatiana Mazú y Agustina Comedi; y películas como Un crímen común (Francisco Márquez, 2020) que nos hicieron pensar en la máxima freireana: "la cabeza piensa donde los pies pisan", a la que habría que encontrar una traducción para el ámbito cinematográfico. 

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Si bien 1971: The year that music changed everything responde al llamado de las plataformas y el formato serial, la metodología es la misma que en sus trabajos anteriores (Senna, Amy, Diego Maradona). Imagino cientos de horas de material de archivo en crudo, con piezas pocas veces o nunca difundidas. El trabajo de Kapadia es casi de ajedrecista: con una o dos hipótesis de trabajo en torno a la influencia de la música y al cambio de época que se dio en Estados Unidos y el Reino Unido en el paso de los 60 a los 70, comienza a mover las piezas. Pone a jugar a los materiales, les da una relativa autonomía, evita la tentación de la intervención y el refuerzo, la explicación, la conclusión.

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