VENTAJAS DE VIAJAR EN CINE

Hola excursionistas, soy José Luis Arribas y éste es el súper sonido de 'Ventajas de viajar en cine', desde 'Siéntelo con oído'. Procuren todos su billete de ida, acomódense en su butaca y durante este tiempo háganme el favor de parar sus relojes. El viaje comienza. Hoy: 'Cine Quinqui'.

Hay que estar atentos y ser precavidos. Uno en una esquina de la calle, preparado para avisar por si surge algún problema, principalmente si se acerca una patrulla. Otro al volante, esperando en el coche, con el pie sobre el acelerador, dispuesto a arrancar como un resorte automático. Sin pensar, sólo actuar. Los demás darán el golpe, rápidos y precisos, violentos y directos. Sin escatimar en lo que se lleven por delante. Suena una alarma y se mezclan gritos con un motor que quema la calzada. Un atraco imperfecto, otro más, a añadir a la lista de antecedentes de la banda de delincuentes. Podría ser ésta una de las múltiples secuencias que conformaban la estructura de una película Quinqui, el género cinematográfico que nació a finales de los años setenta en España. Más o menos su corta vida abarcó una década, hecho que no se volvería a repetir nunca más. El cine Quinqui tuvo su significado y su razón de existir en una época y un contexto determinados. Aunque se realizaran obras posteriores y a pesar de que el cine contemporáneo, en los últimos tiempos nos haya dejado una revisión del género, ésta no deja de ser un homenaje, ya que las circunstancias que rodeaban a ese mundo fueron irrepetibles. Por ejemplo, era habitual tener entre el elenco de actores, a los mismos delincuentes, interpretándose a sí mismos o a otros conocidos malhechores, como parte protagonista y del reparto, y en la figuración. El cine Quinqui forma parte de la gran categoría del cine de explotación. Sus peculiaridades son consecuencia del marco histórico de la época de la transición, de las zonas marginales de las grandes urbes y del retrato realista de las capas más bajas de la sociedad. Precisamente el cine social alcanza aquí una significación auténtica y fiel, colocando frente a los ojos del espectador la violencia, la droga y la delincuencia, de una forma incómoda y bruta, sin concesiones.

La historia de los quincalleros, los vendedores de quincalla, comerciantes de bisutería, modelaron y construyeron el origen de la figura del quinqui. Generalmente de etnia merchera, viajaban entre ciudades, hasta que se asentaron en su extrarradio. La degradación del término junto con la evolución de la conducta y actividad que les rodeaba, derivó en el quinqui, tal y como entendemos la palabra. Y allí, en la periferia, los héroes maleantes preparaban sus atracos. El cine Quinqui no solamente consistía en la narración concatenada de asaltos, tirones y robos de automóviles, con las consiguientes persecuciones. Había un importante espacio de denuncia comunitaria, de las diferencias entre la gente adinerada y la desfavorecida, y de la corrupción y los abusos de la autoridad.

Los principales realizadores del cine Quinqui son José Antonio de la Loma y Eloy de la Iglesia. El primero es el pionero, el padre del género, con títulos como 'Perros callejeros' de 1977, 'Los últimos golpes de El Torete' de 1980 y 'Yo, “El Vaquilla”' de 1985. Con el segundo se alcanza el esplendor del estilo con trabajos como 'El pico' de 1983 y 'La estanquera de vallecas' de 1987. Mención muy destacable la de Carlos Saura con 'Deprisa, deprisa' de 1981, Oso de Oro a la mejor película en ese año en el Festival Internacional de Cine de Berlín. Entre los filmes que rescatan el género posteriormente, a modo de celebración de la época, como apuntábamos anteriormente, se encuentra 'Las leyes de la frontera', película realizada por Daniel Monzón en 2021. En esta última nos integramos en la banda del 'Zarco' y sentimos con ellos cómo se nos dispara la adrenalina, en el lado donde no existen normas y prevalece un código de valores diferente, al margen de la ley pero bajo la propia y personal, la que conduce la lealtad entre los semejantes y hacia uno mismo.

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Suele ocurrir que visionamos una película, independientemente de que termine siendo de nuestro agrado o no, y cuando llegamos al final de la misma, poco antes de los créditos o una vez superado su clímax, nos ofrecen la historia sin concluir. Nos dejan un final abierto. Han plantado la semilla de una posible secuela futura por diversos motivos. Puede tratarse de una acción lógica y acorde con la trama, si ésta se basa en una historia que finaliza de ese modo y la lleva a la gran pantalla de una forma totalmente fiel. También es posible que el realizador, ante la posibilidad de desarrollar más el guion, el argumento y los personajes, deje la puerta abierta a su creatividad, para que quizá más adelante sea posible retomar su obra desde el punto en el que la dejó. En estos dos casos planteados, los motivos de la existencia de la segunda parte son artísticos. Existe otra predisposición a la continuación de un trabajo cinematográfico y es la razón económica. En esta tercera visión que se ha sumado, una producción de cine comienza a mover su maquinaria con la vista puesta en los beneficios derivados de la taquilla. Podría pensarse también que la voluntad de continuación atiende a una combinación de las anteriores razones. Sea de la forma que sea, la secuela se lanza, o bien con una antelación o bien desde la sorpresa. Y en ese momento el público recoge la noticia de muy diversas formas. Su reacción es diferente según la implicación del mismo con la historia original. Si una película te atrapó desde el primer momento que la viste y pasó a formar parte de tu lista de mejores, por los motivos que fueran, de una forma subjetiva y en consonancia o no con la calidad real de la misma, tu reacción ante el anuncio de la posibilidad de disfrutar de su secuela no va a ser idéntica a la que pueda tener otro espectador con un grado de vinculación menor. O aparece el temor a que se cumpla la máxima de que lo segundo es peor o quien surge es la ilusión por el retorno al mundo mágico que vivimos la primera vez. Lo que está claro es que nos encontraremos expectantes y llegado el momento nos sentiremos completados o defraudados. Es el tiempo del fan exigente. Existe un sentimiento parecido cuando lo que consumimos es un remake o una precuela, la continuación de una saga o un reboot, aunque todos estos términos conllevan diferentes connotaciones y merecen un estudio particular. Ahora nos centramos en las secuelas y en algunas muy especiales, las que obtienen en su resultado una nota que supera el simple aprobado. Éstas poseen una calidad indiscutible y son merecedoras de considerarse grandes películas, brillan con luz propia y en algunos casos más que la original que las precede. Hay una especie de consenso en la consideración de qué filmes pasan a este peculiar podio, del cual debemos recalcar una serie de matices. Algunas películas son dignas sucesoras y otras superan con creces a la primera, como ya dijimos, pero en algunos casos, si la primera fue una obra maestra, el mérito de la secuela es doble. Vamos a analizar objetivamente algunos ejemplos, orientando la mirada en este último caso. Son títulos que aparecen frecuentemente en todo estudio que se precie de riguroso y coinciden además con la opinión de la mayoría. Lanzamos el guante de nuestras propuestas en el centro de la mesa para iniciar el debate.

Nuestra primera candidata es 'El padrino: Parte II', película de 1974 dirigida por Francis Ford Coppola, segunda de las películas que conforman la trilogía de la familia Corleone. Es al mismo tiempo secuela y precuela, ya que desarrolla dos tramas de forma paralela. Por un lado como presente la historia de Michael, interpretado por Al pacino, al frente ahora de los negocios de la familia; y por otro lado como pasado la vida del joven Vito, su padre, con la actuación de Robert De Niro, desarrollando su infancia en Sicilia hasta su llegada a New York. Es considerada una de las mejores películas de la historia y se trata de la primera secuela en ganar un premio Óscar como la mejor en la edición del año 1975. Nuestra segunda aspirante es 'Star Wars: Episodio V - El imperio contraataca', segunda película estrenada sobre la saga galáctica y quinta en el orden cronológico sobre la historia de la familia Skywalker. Es realizada por Irvin Kershner y estrenada en 1980. El planteamiento inicial de George Lucas, de que su historia daba para una serie de películas para poder desarrollar todo su universo, se estaba materializando. El guion del nuevo episodio se basaba en una de esas historias aunque ahora Lucas se ponía al frente de la producción ejecutiva. Esta secuela adquiriría unos tonos mucho más oscuros, trataría temas más adultos y sería considerada como la mejor de la trilogía original.

En un mundo invadido por la vuelta a lo mismo, por el reinicio de lo que funcionó y en definitiva por la falta de originalidad, es de agradecer cuando una secuela crece tanto o más que la primera, con personalidad propia, con un trabajo detrás que ha ido más allá que la simple estrategia comercial. Hemos repasado dos películas totalmente diferentes y al mismo tiempo con una característica que las une: son secuelas maestras. ¿Qué otras merecen ese honor?

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El tema que ocupa el espacio de hoy es el adecuado a tratar. No está elegido al azar. Se necesita hablar de ciertos temas y el cine realiza el papel adecuado siempre que es necesario. Una terrible y devastadora guerra se libra en Ucrania. Una contienda desigual y repulsiva. Como todas las guerras, porque por un lado se encuentran los civiles y por el otro los que ordenan las matanzas. Y podríamos haber empezado mucho antes, ya que conflictos armados existían y existen, en diferentes partes del mundo, antes de que comenzara la que nos ocupa y mientras asistimos desconcertados diariamente a tanta violencia. Se ha comentado otras veces que el cine realiza una importante función como testigo de la historia y como medio de denuncia, mostrando al espectador una realidad de la cual era quizá desconocedor. O sencillamente como recordatorio, para que no se pierdan en la memoria las acciones del ser humano. En el caso de la guerra, para mostrar su mezquindad. En el espacio de hoy realizamos un análisis comparativo entre dos grandes películas, que transcurren en el vergonzoso escenario de la Segunda Guerra Mundial: 'La lista de Schindler' y 'La vida es bella'. La elección del conflicto no responde a una determinada causa pero la decisión sobre los títulos elegidos sí. Tenemos ante nosotros a dos obras maestras de la cinematografía, que desde dos puntos de vista completamente diferentes narran por igual dos historias sobre la barbarie del hombre contra el hombre. La misión que nos hemos encomendado no pasa por el análisis en profundidad de las dos películas en particular, describiendo detalladamente todos sus aspectos. No es la forma habitual con la que dedicamos el tratamiento de un título, cuando es el elegido para coronar el tema de este espacio. En este caso recogemos las semejanzas y las diferencias con las que exponen la guerra más mortal de la historia de la humanidad, tocando uno de sus episodios más vergonzosos, el Holocausto. Queremos debatir sus visiones sobre este contenido, y las formas y procedimientos que utilizan para hacernos llegar su mensaje lo más claro posible. El genocidio perpetrado por los nazis se materializó en la forma de campos de exterminio, enclaves donde realizar sistemáticamente sus despreciables asesinatos.

'La lista de Schindler', película de 1993 dirigida por Steven Spielberg, nos presenta a Oskar Schindler, personaje basado en la persona real, empresario alemán dueño de diferentes fábricas, que salvó las vidas de más de mil doscientos judíos, contratándolos como sus trabajadores. Se basa en la novela 'El arca de Schindler' de Thomas Keneally, autor inspirado a su vez por los testimonios de Poldek Pfefferberg, uno de los supervivientes y empleado de una de las fábricas. La película está rodada en blanco y negro, ya que representa al propio Holocausto, según explicaciones de su director. Conforme al pensamiento de Spielberg, el color representa la vida y por lo tanto una película sobre el sufrimiento y el dolor de la población judía debe estar realizada sin color. Solamente hay una excepción coloreada y es el rojo del abrigo de una niña, que camina por el gueto de Cracovia y parece únicamente visible para los ojos del espectador. De nuevo, de acuerdo al realizador, la niña significaba lo evidente de lo que estaba ocurriendo y se representaba ante todos de una forma extremadamente clara, dando a entender con este simbolismo que aunque los altos mandos de Estados Unidos conocían lo que tenía lugar en Europa, no hicieron absolutamente nada para prevenir esta destrucción y ruina contra los judíos. Por eso destaca el rojo entre la ausencia del color: los hechos eran visibles y algunos no quisieron mirar. Otro aspecto importante de la fotografía del filme, al haber utilizado el blanco y negro, es que ayuda a dar la sensación de tener ante nosotros un documental real realizado en ese tiempo. No tiene que existir nada que pueda otorgar algo de belleza a los sucesos narrados. Fue una realidad cruda y por lo tanto la película sostiene la responsabilidad de mostrar la verdad descarnada.

'La vida es bella', película italiana del año 1997 realizada por Roberto Benigni, cuenta la historia de Guido, personaje protagonizado por el propio director. Dividida en dos partes, la primera narra las transformaciones sociales y políticas que poco a poco van llegando y golpeando a su país, en la forma del creciente fascismo y antisemitismo que amenaza a Europa. En esta etapa comienza la relación con la mujer de la que se enamora a primera vista y años después, ya casados y con un hijo, en el contexto de una Italia ocupada por los nazis y el último año de la Segunda Guerra Mundial, como muchas otras familias judías, son detenidos y enviados a un campo de concentración nazi. En esta segunda parte, Guido, persona de desbordante imaginación, se valdrá de esta virtud como instrumento para salvar la infancia, la inocencia y la vida de su hijo. Como protección ante el horror de la realidad, creará un juego de puntos para su pequeño, convirtiendo su cárcel en un gran tablero donde todos luchan por el premio final, un tanque de verdad. La historia es original aunque posea ciertas influencias basadas en supervivientes, como la de Rubino Romeo Salmoni y su libro 'Al final derroté a Hitler', y como la del padre del director, tras pasar dos años en un campo de concentración. La forma irónica del relato del primero y las vivencias narradas del segundo, a modo humorístico para soportar de alguna forma su dolor y el de sus hijos, formarían la semilla desde la que construir la historia. Según Benigni, reír y llorar vienen del mismo punto del alma. 'La lista de Schindler' se acerca en primerísimo plano al sufrimiento y 'La vida es bella' coloca un filtro especial antes, pero no desvirtúa en absoluto la esencia de lo que pretende contarnos. El juego inventado para el niño nos hiere de la misma forma que la imposibilidad de poder escribir todos los nombres en la lista de la vida. Estas dos películas se han adentrado en una de las zonas más oscuras de la historia. Otras también lo hicieron y no importa si resultaron mejores o peores. Acordes a su finalidad, conmovieron a los que se acercaron a ellas y hoy, en este espacio, son las protagonistas de nuestra denuncia, la pequeña aportación ante el horror que se repite de nuevo.

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'Trainspotting' es una película del año 1996 realizada por el director y productor británico Danny Boyle, la cual está basada en la novela del mismo nombre, cuyo autor es el escritor escocés Irvine Welsh. Es considerada una de las películas de culto de finales del siglo pasado, refiriéndose algunos a ella como 'La naranja mecánica de los noventa'. Esta importante y polémica película inglesa, cuenta la historia de un grupo de jóvenes heroinómanos, pandilla de amigos pertenecientes a las clases bajas de su ciudad, Edimburgo. Los protagonistas se mueven por los suburbios y las zonas más decadentes de la metrópoli, y recorren un camino cuesta abajo al infierno de las drogas. No tienen deseos, esperanzas y metas por las que luchar. Sus pretensiones y horizontes, siempre a corto plazo, consisten en drogarse y el dinero proveniente de actividades ilícitas, cantidades de libras esterlinas ensuciadas también por el mundo de los narcóticos. Es una espiral de autolesiones vitales y destrucción personal de la que es difícil escapar. Solamente uno de ellos parece tener un atisbo de voluntad para poder salir del pozo: Mark Renton, principal personaje del conjunto de la banda, interpretado por Ewan McGregor. Famoso es su monólogo que da comienzo al filme, durante una persecución por las calles de Edimburgo, huyendo de unos guardias, en el que deja bien clara cuál es su ideología y los principios que rigen su existencia.

Es clara la causa por la que la película fue calificada de controvertida. El tratamiento descarnado del tema de las drogas se consideró como un posible detonante en la juventud de la época, que les llevaría por el mal camino, avivando en ellos el deseo de consumir estupefacientes. La forma de exponer, sin rodeos, la temática que aborda la película, causó un impacto en la sociedad de entonces. Habría que esperar al año 2000 para encontrarnos con otro título totalmente diferente pero igual de desagradable: 'Requiem for a dream' de Darren Aronofsky. Ambas comparten el contenido pero la última exprime el drama hasta unos niveles de dureza bastante elevados. Mucho más tarde en el año 2017, Danny Boyle vuelve a ponerse tras la cámara y dirige 'T2: Trainspotting', secuela que también se basa en otra obra de Irvine Welsh, continuación de la primera historia, libro titulado 'Porno'. En esta segunda parte la acción se sitúa veinte años después de los acontecimientos narrados en la original.

La temática abordada en 'Trainspotting' nos puede proporcionar la excusa suficiente para estudiar el modo en el que el cine ha hablado sobre las drogas. Es variada la materia y puede abordarse desde diferentes puntos de vista. Incluso podemos acercarnos a ella desde la comedia. El debate está servido: denuncia social, elemento conductor de una trama o motivo de un giro argumental, pueden ser algunos de los posibles aspectos a desarrollar. Volviendo a nuestra película, es preciso indagar en el origen y significado de la palabra 'Trainspotting', solución que podemos encontrar si nos embarcamos en la lectura de la novela. Entre sus páginas alguien se refiere a la misma con un significado muy particular de la región: hobby británico nacido en la década de los años cuarenta cuyo adepto es un 'train spotter', un observador de trenes. Ellos anotaban informaciones y las compartían entre la comunidad fanática del sector ferroviario. En la película el sentido es doble, ya que el argot escocés nos indica que se trata de la búsqueda de la vena por la que poder inyectar la droga.

Este significado tan demoledor nos adelanta unas pistas sobre lo que nos encontraremos, de golpe y forma cristalina, sin nada que pueda suavizarlo. Merece la pena acercarse a 'Trainspotting', un trabajo imprescindible del cine inglés de los noventa, impactante guion que recoge para la posteridad un conjunto de escenas delirantes y unas frases tan difíciles de olvidar como de asimilar: 'Yo elegí no elegir la vida: yo elegí otra cosa. ¿Y las razones? No hay razones. ¿Quién necesita razones cuando tienes heroína?'.

-José Luis Arribas-

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Si echan una mirada atrás en el tiempo, recordarán dos programas de este espacio, cuyo nombre atendía al título de 'Personalidades de cine'. Pues bien, aunque no lo crean, éste es otro más de la saga. Si aquello constituía un subespacio dentro de 'Ventajas de viajar en cine', lo que viene ahora es otra subdivisión, cual partícula subatómica, cada vez más pequeña y singular. 'Entrevistas imposibles' llena el hueco de la posibilidad imposible y ofrece lo que pudiera o pudiese ser, con la magia radiofónica, con la imaginación y con el mayor respeto posible por el personaje a entrevistar. Esa imposibilidad rompe la barrera del espacio, del tiempo y de la mortalidad. Rescatamos de la historia a personajes que no existen en nuestro presente y los traemos a nuestra radio, como el cine y la literatura hacen continuamente, y les damos personalidad y voz. Contestamos a la gran pregunta condicional de “¿Y si…?”. Sin más. Hoy nos visita Segundo de Chomón, por lo tanto nos vamos a lanzar la cuestión: “¿Y si Segundo de Chomón entra en nuestro espacio y le hacemos unas preguntas?”.

Nuestro invitado de hoy a 'Entrevistas imposibles' responde al nombre de Segundo Víctor Aurelio Chomón y Ruiz, natural de Teruel, nacido en 1871, y si acortamos un poco su nombre, no despistaremos tanto al personal, ya que es conocido mundialmente como Segundo de Chomón. Don Segundo es un cineasta de nuestra tierra y uno de los más importantes pioneros en la historia de la cinematografía. Principalmente en el cine mudo y en los emergentes efectos especiales. Es uno de los reyes del trucaje y un maestro en su campo: la técnica. Su calidad artística y profesional son incomparables, por mucho que se le confronte con el ilusionista y también cineasta francés Georges Méliès. Gran personalidad de su época, requerido, disputado y contratado por las más prestigiosas empresas del momento, como la Pathé Frères y la Itala Films, guarda en su vida como un antes y un después, el descubrimiento del Cinematógrafo de los hermanos Lumière. Casado con Julienne Mathieu, precursora también en el cine mudo pero más en la interpretación, como una de sus primeras actrices en Francia, y entusiasmado completamente por el nuevo invento, comienza su vida y leyenda, forjando una carrera impresionante, quizá poco reconocida en nuestros días, inventando y desarrollando novedosas técnicas. Obras conocidísimas e importantísimas de Segundo de Chomón, entre muchas otras tantas, destacan 'El hotel eléctrico' en 1908 y 'Excursion dans la lune' en 1909, versión de 'Viaje a la Luna' de Georges Méliès en 1902. Y ahora, entrando en escena, es un honor saludarle. Bienvenido a 'Ventajas de viajar en cine'...

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'Un perro andaluz' es un cortometraje. ¿Por qué motivo una película rodada en ese formato, temporalmente hablando, posee una importancia tan grande, que se eleva mucho más allá de las fronteras de su extensión? Por muchos, no uno tan sólo, y cada uno de ellos en particular es igual de grande y valioso que los demás. 'Un perro andaluz' es un hito en la historia de la cinematografía y un referente en todos los estudios sobre el séptimo arte que se realizan en cualquier academia, en todos los ensayos que se pretenden escribir y en todas las tertulias que quieren alcanzar un alto escalón de cultura. Son muchas las causas que dan origen a la ubicación de esta obra en el lugar de honor que le corresponde. De momento, antes de desmenuzar a conciencia, de analizar paso a paso el título que corona nuestro primer espacio del año, resumiremos en un frase, no el significado de la película, y nos permitirán una leve sonrisa y ya comprenderán más adelante, si no que será la que en sí misma contiene ciertas de las razones de peso que hacen de este cortometraje lo que es: 'Un perro andaluz', película producida, dirigida e interpretada por Luis Buñuel en el año 1929, escrita y coguionizada junto a su amigo Salvador Dalí.

Si viajamos muy atrás en el tiempo, seguramente nos encontraremos con una serie de edificios muy famosos, localizados en 'La Colina los Chopos', bautizado así el enclave por Juan Ramón Jiménez, el famoso lugar donde se encontraba la célebre 'Residencia de estudiantes', centro fundado en Madrid en 1910, ideado como un complemento paralelo a los estudios universitarios, no accesible a todo el mundo, foco de movimiento cultural con vida propia, de creación en el arte y en la ciencia, entre la colaboración y la convivencia de personalidades irrepetibles. Allí se conocieron Luis Buñuel, Salvador Dalí y Federico García Lorca. La semilla ya la tenemos y los dos primeros, mucho tiempo después, crearían 'Un perro andaluz', hito que hemos llamado antes, ya que es considerada la película más expresiva del surrealismo en el cine. Y como toda buena vanguardia que se precie, la obra de Buñuel rompía con los esquemas establecidos y las directrices que habían sido acordadas como canon. El estudio de las vanguardias cinematográficas debe tener su propio espacio y cada una de ellas el suyo, individual y pormenorizado, como el Impresionismo francés, el Expresionismo alemán, o el cine surrealista que tratamos a pequeñas pinceladas hoy, debido a la película de la que nos ocupamos. Las vanguardias, desarrolladas a lo largo del siglo XX, influenciadas por la pintura, en principio paralelamente, aunque como vanguardias artísticas conocemos de forma general al mismo movimiento en los diferentes ámbitos del arte, pretenden resquebrajar lo preestablecido, experimentando por medio de sus películas en el caso del séptimo arte, con nuevos lenguajes y fórmulas.

'Un perro andaluz', cuyo título original es 'Un chien andalou', cortometraje de producción francesa, es un título de culto en la sala de la fama del cine artístico y una obra única en su género, el cine surrealista, corriente que antepone lo irracional a lo real, valiéndose del mundo onírico, fortaleciendo el pensamiento subconsciente, desarrollando al máximo la imaginación al servicio de lo visual y utilizando elementos incongruentes y carentes de toda lógica. El coste de producción de 'Un perro andaluz' asciende a 25000 pesetas y el origen del dinero proviene directamente de la madre de Luis Buñuel. El joven Luis, por aquel entonces, tiene veintinueve años, mientras que Salvador tiene veinticinco. Tras medio mes de rodaje, la obra maestra finaliza. Todo parte de una misma idea, duplicada, la suma de dos sueños, cada uno de ellos perteneciente a cada artista. Y si a esa idea añadimos el talento y la imaginación desbordantes de sus dos creadores, la genialidad está servida. La película es transgresora y desde el comienzo pretende impactar al espectador, y lo consigue con la secuencia inicial, el famoso corte de la nube a la luna, que después repite un hombre, el propio Luis Buñuel actuando, con una navaja de afeitar y seccionando el ojo de una mujer.

La película no sigue una estructura lineal y consiste en una concatenación de visiones, que podrían o no tener relación causal entre ellas, o un significado simbólico, aunque todo apunta a que no existe una interpretación lógica, si tenemos en cuenta las palabras de su realizador, que explicaba el proceso de desarrollo del filme. Con un guion terminado en menos de una semana y las reglas pactadas de no aceptar ninguna clase de pista que otorgara una aclaración a 'Un perro andaluz', Luis Buñuel y Salvador Dalí, presentaron al mundo su obra antivanguardista, definida y considerada así según el director de Calanda. Y con ella sellaron un trabajo imprescindible en la historia del cine universal, un clásico cuyo valor trasciende a lugares, quizá inmersos en sueños, que ni ellos mismos pudieron imaginar. O puede que sí.

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Los principios de las historias, los comienzos de las grandes aventuras, las antesalas de las comedias más divertidas y los primeros momentos de los dramas más profundos. Es el pistoletazo de salida, cuya misión es enganchar, atrapar, y atraer la atención del que se adentra en la nueva odisea ensoñada por otros antes que él, y creada para su viaje interior. En los libros recorre las primeras líneas del primer capítulo y muchas de ellas se enmarcan en un salón de la fama popular, reconocible la obra a la que representan, en el momento que alguien las pronuncia. En el cine, como en un cuadro impresionista, impactan las primeras escenas, con el mismo cometido, ayudándose de todos los elementos que permite este arte, con diálogos de guion, escenografía y acciones, a modo de líneas de párrafo e introducción a otro imaginario que nos haga volar durante las horas que permanezcamos inmersos, sea en nuestros salones o en el interior de un cine, rodeados de desconocidos compañeros o a solas, cualidades y aspectos significativos sólo hasta cierto punto, a partir del cual nos mimetizamos con la historia y dejamos de ser nosotros mismos.

Escuchamos “anoche soñé que volvía a Manderley” y el maestro del suspense Alfred Hitchcock, en su obra 'Rebeca', solamente ha necesitado de una de las mejores frases iniciales de película que existen, para atraparnos en su magia y que continuemos dentro, cada vez más, de la historia que nos está presentando, mientras la cámara nos acompaña a través de la puerta que da entrada a una vivienda, escenario donde viviremos los próximos acontecimientos; y este ejemplo es el ideal que da paso a los demás, ya que queda bien definida la esencia y propósito de nuestro escrito: frases y escenas de apertura que obligan al espectador, cómplice de la trama, a no apartar la mirada y lanzarse con curiosidad y pasión en las profundidades de la obra cinematográfica. Y de un genio pasamos a otro, y a otra clase de abismo: el del interior del mar, del que surge el gran enemigo. En 'Tiburón' de Steven Spielberg, una inocente bañista, al abrigo de la noche, nos adentra en el fatal descubrimiento de ese gigante antagonista de temidas mandíbulas. Seguimos con otra obra del Rey Midas, engrosando este título además en la lista de las mejores sobre guerra. En 'Salvar al soldado Ryan', asistimos a una de las secuencias más impactantes y angustiosas que dan comienzo a un filme. Sentimos el padecimiento de aquellos soldados estadounidenses que desembarcaron en las costas de Normandía, su terror, su espera agobiante y el cruel fuego enemigo que desencadena una masacre.

Con angustia y temor, del que hace todo lo posible por no emitir sonido alguno, agazapado en un escondite, así sentimos en nuestro interior la tensión del grupo de judíos que se esconde en el sótano del hombre que los oculta del enemigo, del infame nazi Hans Landa en 'Malditos bastardos' de Quentin Tarantino. Hablemos de otra apertura de historia que también toca el nazismo pero hagamos una mezcla con la mejor de las comedias. Efectivamente, esto es posible. En 'Ser o no ser' de Ernst Lubitsch, el actor de una compañía de teatro, que en esos momentos representa 'Hamlet' en Varsovia, decide salir a la calle a verificar su parecido con el führer, ya que su próximo montaje versará sobre esa Alemania; y si su protagonista decide pasear caracterizado de su personaje, la reacción en los viandantes es difícil de olvidar. Hace unas cuantas palabras, el príncipe de Dinamarca, 'Hamlet', llegó a nuestros oídos. Si convertimos de cierta forma su argumento en algo salvaje y animal, y además utilizando la técnica de la animación, obtendremos otro inicio impactante, grabado en la mente de aficionados o no a la factoría Disney. En 'El rey León' de Rob Minkoff y Roger Allers, la fantástica canción que abre la película, nos invita a acompañar al legítimo dueño del trono real, Simba, desde el destierro hasta su regreso para reclamar el lugar que le corresponde, reinando sobre toda la sabana africana.

La música es un gran recurso para esos primeros minutos decisivos, como en 'Sonrisas y lágrimas' de Robert Wise y en 'La La Land: La ciudad de las estrellas' de Damien Chazelle, aunque en estos casos no puede ser de otra forma, ya que nos movemos en el género musical y en dos de sus grandes títulos, ambos separados por más de cincuenta años, representantes de dos etapas muy diferentes. Es imposible olvidar otros principios cinematográficos, como los que se envuelven de la grandeza del universo, como en '2001: Una odisea en el espacio' de Stanley kubrick, con su alineación perfecta de la Luna, la Tierra y el Sol; o como los que dejan en el aire un interrogante que permanecerá siempre presente, como en 'Ciudadano Kane' de Orson Welles, con la muerte del magnate, Kane, y su última palabra pronunciada, “Rosebud”. Existen muchas primeras escenas, objetivamente hablando, que completarían perfectamente a las ya mencionadas; pero el cine también es subjetividad y cada película mueve los engranajes necesarios, que conectan directamente con los sentimientos y pensamientos de cada uno de nosotros, quedando atrapados en una red de la que es difícil escapar, de la que no queremos escapar.

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Si somos extremadamente amigos del resumen y la síntesis, el villano en el cine es el malo de la película. Pero si accedemos a un análisis más profundo del significado de esta entidad dentro de la cinematografía, descubriremos que existen muchas más aristas, antes ocultas, de un ser que adquiere una relevancia que va mucho más allá de la denominación de “malo”. Además podemos extrapolar este significado a otros ámbitos diferentes a la cinematografía, como por ejemplo el literario, o cualquier terreno de arte donde nos movamos, lugar propio de la imaginación y de la noble labor de las historias contadas, en el cual una trama es desarrollada alrededor de un héroe o protagonista. En base a este ejercicio de definiciones, el villano es el antagonista, el personaje que se opone al héroe, y su misión es la de dificultar e incluso anular el camino del mismo hacia la consecución de sus deseos. Digamos que el villano, dando una vuelta de tuerca, es el protagonista de una historia interna cuyo deseo último es la eliminación del héroe. Podemos analizar innumerables películas e identificar al villano pero debemos ser muy precisos. Existen algunas que presentan a un personaje protagonista de moral dudosa. En este caso en vez de un villano quizá tenemos ante nosotros a un hombre infame y su antagonista es interior, si por ejemplo su historia es el deseo de redimirse. En otras ocasiones el villano no es completamente ese antagonista y adquiere tintes de otras personalidades, como el mentor que ayuda al héroe. En el cine todo es posible. Siempre encontraremos combinaciones y respuestas ocultas: villanos que finalmente se comportan como héroes, protagonistas que terminan cayendo en el lado de la maldad y obras aparentemente carentes de antagonista. Una buena película debe presentar un villano a la altura del héroe y este equilibrio es esencial a la hora de determinar su calidad. Y todo villano sólido, fuerte e impactante, sostiene con una importancia decisiva la narrativa de la historia y el éxito de la misma de cara al público. El villano, como respuesta a este sencillo estudio, nos atrae y resulta fascinante, y en ocasiones se convierte en nuestro personaje favorito. Repasemos entonces nuestras preferencias e iniciemos la visita a este especial museo de la maldad.

“No hay escapatoria. No me obligues a destruirte. Luke, todavía no te has dado cuenta de tu importancia. Sólo has empezado a descubrir tu poder. Únete a mí y yo completaré tu entrenamiento. Combinando nuestras fuerzas, podemos acabar con esta beligerancia y poner orden en la galaxia. Si conocieras el poder del reverso tenebroso. Obi Wan no te dijo lo que le pasó a tu padre. No, yo soy tu padre. Examina tus sentimientos. Sabes que es verdad. Luke, tú puedes destruir al emperador. Él se ha percatado de eso. Únete a mí y juntos dominaremos la galaxia como padre e hijo. Ven conmigo. Es el único camino”: Darth Vader en 'El imperio contraataca'.

“¿Qué está usted haciendo Dave? Dave, creo que tengo derecho a que conteste a mi pregunta. Ya sé que no me he portado del todo bien, pero ahora puedo asegurarle con absoluta certeza que todo irá bien otra vez. Me siento mucho mejor. De veras que sí. Mire, Dave. Usted está trastornado por esto. Debería tomar una píldora para la fatiga y una vez tranquilo pensar las cosas de nuevo. Ya sé que recientemente he tomado unas decisiones equivocadas pero puedo asegurarle que mi trabajo volverá a la normalidad. Tengo todavía el mayor entusiasmo y la máxima confianza en la misión, y quiero ayudarle. Dave, deténgase. Deténgase, ¿quiere? ¿Quiere detenerse, Dave? Deténgase, Dave. Tengo miedo. Tengo miedo, Dave. Dave. Mi cabeza se va. Siento que se va. Me doy cuenta. Me doy cuenta. Buenas tardes, señores. Soy un computador HAL de la serie 9000. Me pusieron en funcionamiento en la fábrica H, A, L, de Urbana, Illinois, el 12 de Enero de 1992. Mi instructor fue el señor Langley. Me enseñó una canción. Si usted quisiera, podría cantársela”: HAL 9000 en '2001: Una odisea del espacio'

“Recuerda lo que dijo no sé quién. En Italia, en treinta años de dominación de los Borgia no hubo más que terror, guerras, matanzas. Pero surgieron Miguel Ángel, Leonardo Da Vinci y el Renacimiento. En Suiza por el contrario tuvieron quinientos años de amor, democracia y paz. ¿Y cuál fue el resultado?: el reloj de cuco. Hasta la vista, Holly”: Harry Lime en 'El tercer hombre'.

“Yo no soy ningún tarado. Valgo más que vosotros tres juntos. Sé más que vosotros. He leído más que vosotros. Pienso más que vosotros y sé más filosofía que vosotros. Y puedo más que vosotros. ¿Creías que un par de mamporros en las pelotas bastarían para acabar conmigo? Te va a hacer falta mucho más que eso para demostrar que eres mejor que yo, abogado. Soy como Dios y Dios es como yo. Soy tan grande como Dios. Él es del mismo tamaño que yo. No está por encima de mí ni yo estoy por debajo de él. Selicius. Siglo XVII”: Max Cady en 'El cabo del miedo'.

“Se ha apostado usted la vida pero no lo sabía. ¿Sabe de qué año es esta moneda?: 1958. Ha estado dando vueltas veintidós años y ahora está aquí. Todo se reduce a cara o cruz. Así que tiene que elegir. Todo. Todo está en juego. Elija. Enhorabuena. En el bolsillo no, señor. Allí no. Es su moneda de la suerte. Donde sea menos ahí, o se mezclará con las otras y se volverá una moneda corriente. Lo que es”: Anton Chigurh en 'No es país para viejos'.

“Vamos, no estoy para bromas. Tienes que destruir esa bazofia. Sé que es muy duro para ti pero es por tu bien. Enciende la cerilla, Paul. No hay nada que entender. Hazlo. Sé que es el único ejemplar. Escribiste tu primera novela a los veinticuatro años y no hiciste copias porque no creías que te la publicaran; pero lo hicieron y no haces copias por superstición. Es lo mismo que lo de venir siempre a Silver Creek. Se lo contaste a un periodista hace once años. Mientras exista, tendrás contaminada la mente. Debes encender la cerilla, Paul. ¿No te das cuenta de que es por tu bien? Eres tan genial, que seguro que ya has descubierto el porqué. Tenemos que ayudarnos unos a otros. Y yo lo estoy intentando. Por favor, déjame que te ayude”: Annie Wilkes en 'Misery'.

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Antes de hablar de la magnífica película 'Amadeus', debemos hacerlo de su director, Milos Forman. Este realizador no puede ser simplemente nombrado, al lado del título de esta gran obra, y directamente pasar al análisis de la misma. Milos Forman merece bastantes líneas y en el espacio de hoy tendrá su lugar de honor. Checo de nacimiento y emigrado a New York, Milos Forman fue un director y guionista de cine, formado en la escuela de cine de Praga, con varias películas en su haber, reconocidas no solamente por premios internacionales sino por la calidad de las mismas, elevadas a obras de culto y a formar parte de ese listado de grandes títulos de la historia del cine. Entre esas joyas destacan dos y brillan con luz propia: 'Alguien voló sobre el nido del cuco', de 1975, y 'Amadeus', de 1984, ambas premiadas con los Óscar a la mejor película y al mejor director, en sus respectivas ediciones. No podemos olvidar otros filmes como 'Valmont', 'El escándalo de Larry Flynt' y 'Man on the Moon'. De la primera, 'Alguien voló sobre el nido del cuco', destacar el papel protagonista de Jack Nicholson y el logro de hacerse con los cinco principales premios tanto en la academia como en los Globos de Oro. Basada en la novela de Ken Kesey, cuenta la historia de un criminal condenado a cumplir su castigo en un hospital psiquiátrico, lugar donde su personalidad chocará con las reglas estrictas impuestas por otro personaje igual de intenso, la enfermera que dirige la clínica. El deseo por escapar del primero, tras existir la posibilidad de permanecer perpetuamente en ese lugar, desbordará los acontecimientos, algo que se siente inevitable en todo momento. Y del drama con toques de comedia, del peculiar sanatorio y sus habitantes, saltamos a la película que encabeza y preside nuestro espacio: 'Amadeus'.

Perteneciente al género de cine histórico, esta inmensa obra cinematográfica se basa en un texto teatral de 1979, escrito por Peter Shaffer, guionista y dramaturgo de origen británico. En el año 1981, Milos Forman, presencia el estreno en Broadway de 'Amadeus', y aunque personalmente no se siente atraído por las historias basadas en biografías de músicos, emprende junto a Shaffer la tarea de escritura del guion de una película basada, al igual que la obra de teatro, en la figura de Wolfgang Amadeus Mozart. Tras cuatro meses de trabajo mano a mano y un intenso esfuerzo, finalizan su redacción, teniendo ante ellos un argumento fascinante, en el cual se narra la vida de Mozart, contada por otro insigne compositor, Antonio Salieri, narrador y antagonista de la historia que los envuelve, incluso hasta la muerte de Amadeus, oscuro acontecimiento rodeado de sombras. Existen diferencias entre la puesta en escena en los teatros y la versión en cine, pero sobre todo en lo concerniente a la realidad y a la ficción, ya que aunque se basa ligeramente en aspectos de la vida de ambos compositores, verdaderamente no se trata de un documental que relata con rigor la vida de Amadeus. Hablemos del narrador: Salieri, anciano, en tentativa de suicidio y culpándose como autor de la muerte de Amadeus, cuenta la historia en confesión. En el patio de butacas habla al público y en la película el personaje lo hace frente a un sacerdote. Como decíamos, existían factores distintos entre teatro y cine. Aparte del ya mencionado, otro fundamental reside en la música: no hay música en el escenario; pero en la película lo es casi todo y se alza triunfante como uno de los personajes principales. Es un espectáculo desbordante que envuelve la trama.

Las conspiraciones de Salieri contra el joven y extravagante Mozart, recién llegado a la corte del Emperador José II de Austria, alimentan la narración. Sus motivaciones hacia la destrucción del oponente crecen en su interior fruto de la rabia, abocado ahora a un plano secundario, adelantado por el recién llegado, el músico nacido en Salzburgo. Aunque Salieri aborrece al intruso que le ha desplazado, una profunda admiración se mezcla en sus sentimientos. Salieri comienza con una sana esperanza, emocionado por conocer a Mozart pero, cuando ocurre el encuentro, torna a una terrible decepción, y desde ese punto todo es cuesta abajo. Ahora ya no soporta ni su risa, esa risa especial y marca personal del personaje de Amadeus.

La realidad histórica diverge completamente. Esta película de género de época solamente es un ejercicio de conversión de una leyenda en una ilusión, en un torrente de imaginación, que modula al antojo de sus creadores, la vida real de Amadeus. Y en esta realidad no existe un Salieri con la amenaza constante que devora sus entrañas, ni sus maquinaciones contra el joven compositor. Lo que sí posee fundamento es el reconocimiento merecido a una de las grandes películas de los años ochenta y de la historia del cine en general, obra de culto en mayúsculas, recibiendo un total de cuarenta premios entre Óscars, Globos de Oro y Bafta. Todo es comprensible y encaja a la perfección: la música, las interpretaciones de Tom Hulce como Amadeus Mozart y Murray Abraham como Antonio Salieri, la solidez del guion y la dirección de Milos Forman. Todos como instrumentos de una colosal composición para disfrutar desde la primera nota.

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Antes de comenzar el nuevo viaje, o retomar el que empezamos hace tiempo, ya que nunca se deja de viajar, debemos una explicación del título. No vamos a comentar la preciosa película 'Despertares', que dirigió Penny Marshall y fue estrenada en el año 1990, una década que algún día tendremos que abordar. En esta película, un excelente Robert De Niro interpreta a un paciente que despierta de nuevo a la vida, tras un largo y desesperanzado estado catatónico, gracias al tratamiento de su médico, perfecto papel en la persona de Robin Willians. No vamos a desgranar mucho la obra ya que solamente nos interesa el sentido del despertar, del resurgir, del levantarse de nuevo y caminar otra vez. Desde hace un año y hasta ahora, todos los ámbitos de la vida cotidiana que conocíamos han sido mermados y trastocados por el mismo problema, un virus que apareció en nuestra existencia para ponerla del revés. El cine sufrió y sufre su parte, y mucho ya se debatió al respecto, incluso desde esta antena sonora, en alguno de los programas que emitimos en anteriores temporadas, en mitad del temporal, el cual no nos hizo reblar en ningún momento.

¿Recuerdan aquellos tiempos no lejanos del confinamiento? Recomendábamos películas como tema especial de programa. Y nos acordamos también de cuando dejamos de lado la cinematografía a la carta por internet y de las conocidas plataformas digitales, y pudimos volver a sentarnos en una butaca de sala de cine. ¿Podríamos asegurar que ahora es el momento del despertar? Hace poco una conocida sala de proyección anunciaba con alegría que se podía volver a consumir palomitas en sus sesiones. Para algunos, que no necesitamos de mucho para ser felices, eso es un grano de arena de uno de los innumerables despertares de este año. Los primeros tiempos de la debacle fueron caóticos. Los rodajes se retrasaron y los que se realizaban encontraban frente a ellos innumerables muros contra los que luchar. Y lo decimos con conocimiento de causa de cortometraje, así que imaginen los proyectos audiovisuales que, como muchos otros trabajos, dejaron a familias en la desesperación. Porque detrás de una película hay un mundo de técnicos y artistas, sí, esa interminable lista de créditos del final. Recordemos que la cartelera de entonces no era rica y abundante como en los buenos tiempos. Se decía que Tenet de Christopher Nolan salvaría el cine, pero quizá lo más probable es que dejó a un buen número de seguidores con la cabeza un poco perturbada.

Despertamos en el 2021, el año de la esperanza y las vacunas. Se reponen sagas en los cines habituales y se hace uso de la nostalgia para atraer a los espectadores, mezclando el buen acierto de volver a visionar en pantalla grande nuestros recuerdos, con la llegada de los estrenos, los que quedaron suspendidos y finalmente fueron retomados, y los que nacieron en esta era pandémica, multiplicándose poco a poco como Gremlins en un día de intensa lluvia. Echando un vistazo a la cartelera española, podemos elaborar un balance actualizado de la salud cinematográfica que afortunadamente crece por momentos. Si hacemos un barrido con la mirada a los carteles, como una radiografía de un momento determinado, siempre según los gustos de cada uno, realizaremos una pequeña parada en alguno de ellos, asomando una sonrisa al rostro, de esas que indican que no todo está perdido. El incombustible Clint Eastwood vuelve a la carga con 'Cry Macho', su nueva película, de nuevo tanto detrás de la cámara como delante, dirigiendo y protagonizando un guion basado en la novela de Richard Nash, coescrito éste junto a Nick Schenk, también coautor de 'Gran Torino'. Otro de los grandes realizadores, el maestro de los giros finales, amado y odiado a partes iguales, Night Shyamalan, presenta su nuevo trabajo, 'Tiempo', nuevo thriller fantástico lanzado directamente a nuestro entendimiento y capacidad de sorpresa. Aparte de otros títulos y géneros, vienen las novedades en el cine de terror con 'Maligno' de James Wan, uno de los nuevos creadores del sobresalto en butaca. No falta el cine de superhéroes, que se ha hecho un hueco importante en la industria, sin importarle mucho las críticas de los muy tradicionales. En este campo tenemos las recientes 'Shang-Chi' de Marvel Studios y 'El escuadrón suicida' de su eterna rival DC Cómics producida por Warner Bros. Pero el debate y la confrontación está servida de la mano de un título imprescindible, tanto en la literatura como en el cine: hablamos de 'Dune'. ¿Qué versión te gusta más? ¿Eres de David Lynch o de Denis Villeneuve?

Los despertares han sido como ráfagas de luz en momentos de oscuridad. Las noticias cinéfilas llevan un buen rumbo. Han cambiado los hábitos a la hora de consumir cine pero han llegado para sumarse. Las salas siempre acogerán a los amantes del séptimo arte. Repasemos algunos de esos destellos. Se inauguró el Festival de Cine de San Sebastián de este año y Marion Cotillard recibió el primero de los premios Donostia, entregado por Penélope Cruz. La edición número 69 del evento internacional finalizó con un resultado esperanzador y positivo, en el que la mujer ha tenido un protagonismo indiscutible y merecido, ya que actrices y directoras han dominado completamente el palmarés, con la mayoría de los premios importantes en su poder. Otro dato interesante que nos deja el Festival es la eliminación de la diferenciación por género de los premios de interpretación. Y como detalle de controversia, la concesión del segundo premio Donostia para Johnny Deep.

2021 es un año de impulso, de esfuerzo para que todo lo de antes recorra su curso normal, aunque sea asumiendo una nueva realidad. Habría muchas pinceladas que contar de todo lo acontecido, para terminar el cuadro de esta época, así que recordaremos tres breves planos de información. En uno de ellos, los tres títulos preseleccionados para representarnos en los premios Óscar han sido 'Madres paralelas' de Pedro Almodóvar, 'El buen patrón' de Fernando León de Aranoa y 'Mediterráneo' de Marcel Barrena. El segundo es la despedida de uno de los grandes maestros del cine español, Mario Camus. Y como final, de forma muy cercana a nuestra querida y comprometida tierra, este mes y el que viene, en Aragón se organiza de nuevo Zinentiendo, la Muestra Internacional de Cine LGTBQI. Podríamos seguir con este mosaico de cinefilia pero nos faltarían programas; pero esperamos devotamente que nos falten programas, ya que será la feliz señal de que no nos abandonan estos fantásticos despertares.