El movimiento ye-yé fue mucho más que una moda musical pasajera. Fue el momento exacto en el que la juventud, por primera vez en la historia moderna, comenzó a construir su propia identidad cultural, sonora y estética.

Nacido en la Europa de la posguerra, el ye-yé surgió como la reinterpretación local del rock and roll estadounidense y del pop británico, especialmente influenciado por la explosión cultural que provocaron bandas como The Beatles. Pero lo que comenzó como una adaptación musical terminó convirtiéndose en un fenómeno social que transformó la moda, el lenguaje, el entretenimiento y la forma en la que la juventud se veía a sí misma.

En Francia, el movimiento encontró su epicentro. A través de programas de radio icónicos y una industria musical que entendió el poder del mercado juvenil, surgieron figuras que marcaron una generación completa. Artistas como Françoise Hardy, France Gall y Sylvie Vartan representaron distintas caras del ye-yé: desde la introspección emocional hasta la estética pop brillante que definió los años 60.

En España, el ye-yé se desarrolló en un contexto político complejo. Bajo la censura del franquismo, la música juvenil tuvo que adaptarse para sobrevivir. Aun así, el movimiento logró convertirse en una vía de expresión cultural para toda una generación que buscaba modernidad, identidad y una ventana hacia el mundo exterior.

En México, el ye-yé encontró una identidad propia. A través del cine, la televisión y la radio, el movimiento se integró a la cultura popular de forma profunda. Figuras como Angélica María, Enrique Guzmán, César Costa y Julissa ayudaron a consolidar una narrativa juvenil cercana, aspiracional y profundamente influyente en el desarrollo posterior del pop en español.

Sin embargo, detrás del brillo del movimiento también existían tensiones. Muchos artistas rechazaban la etiqueta ye-yé por considerarla limitante o demasiado comercial. Algunas canciones fueron modificadas para cumplir con normas sociales, culturales o políticas. Y, como muchos fenómenos culturales intensos, el movimiento fue breve, transformándose rápidamente con la llegada del rock psicodélico, la canción de autor y los cambios sociales de finales de los años 60.

A pesar de su corta duración, el legado del ye-yé sigue vivo. Sentó las bases del pop moderno, del concepto de ídolo juvenil global y de la relación entre música, moda y cultura visual que hoy domina la industria del entretenimiento.

Este episodio de Vitamina M es un viaje sonoro y cultural hacia el momento en el que la juventud comenzó a hablar su propio idioma musical. Un recorrido por la historia, la memoria colectiva y el impacto invisible de un movimiento que, aunque breve, cambió para siempre la forma en la que entendemos la música popular.

Si alguna vez te has preguntado cuándo la música dejó de ser solo entretenimiento para convertirse en identidad generacional… este episodio es para ti.

Vitamina M — Donde la música no solo se escucha… se recuerda.

Hay géneros que nacen para dominar una época.

Y otros que nacen para acompañarte cuando nadie más lo hace.

El Trip Hop nunca quiso ser un género.

Fue un accidente.

Un cruce de culturas en Bristol, a finales de los 80, donde el hip hop, el dub, el soul, el post-punk y la electrónica se encontraron sin pedir permiso.

En este episodio de Vitamina M recorremos el Trip Hop como una guía definitiva:

sus orígenes urbanos y nocturnos,

los discos esenciales que lo definieron,

y las historias detrás de artistas como Massive Attack, Portishead y Tricky.

Hablamos de por qué:

– Massive Attack odia el término Trip Hop

– Portishead solo publicó tres discos en más de 25 años

– “Unfinished Sympathy” casi no se lanza

– muchos álbumes se grabaron en habitaciones improvisadas

– y cómo el Trip Hop llegó al mainstream sin perder su oscuridad

Un episodio para escuchar sin prisas.

Con audífonos.

De noche.

Esto es Vitamina M.

Donde la música no se explica…

se queda contigo.

En 1970, el futbol dejó de ser solo un juego.

Se convirtió en un idioma universal.

México 70 no fue únicamente una Copa del Mundo: fue el punto exacto donde el futbol moderno nació frente a los ojos del planeta. Por primera vez, el Mundial se transmitió a color y vía satélite a los cinco continentes. Por primera vez hubo balón oficial, sustituciones, tarjetas amarillas y rojas. Por primera vez, un país fuera de Europa y Sudamérica fue sede. Y sin saberlo, millones de niños comenzaron una tradición eterna pegando estampas en un álbum Panini.

Pero este Mundial fue mucho más que innovación.

En este episodio de Vitamina M viajamos al México previo a 1970: un país marcado por 1968, por la tensión social, por la necesidad de mostrarse moderno ante el mundo. Un Mundial que convivió con la política, con el silencio y con una rechifla histórica al presidente Gustavo Díaz Ordaz durante la inauguración en el Estadio Azteca.

Recordamos el partido inaugural entre México y la URSS, un empate 0-0 que fue mucho más que un marcador: fue dignidad. Revivimos la primera clasificación de México a la segunda ronda en un Mundial y la dura derrota ante Italia en Toluca que, aun así, cambió para siempre la percepción del futbol mexicano.

También exploramos los momentos que se volvieron eternos:

⚽ La Atajada del Siglo de Gordon Banks a Pelé

⚽ El Partido del Siglo entre Italia y Alemania

⚽ El odio del público mexicano hacia Inglaterra y su aislamiento cultural

⚽ El primer jugador sustituido en la historia de los Mundiales

⚽ El primer amonestado y el primer expulsado bajo el nuevo sistema de tarjetas

Y por supuesto, celebramos a las leyendas que hicieron de México 70 un torneo irrepetible:

Pelé, Jairzinho, Beckenbauer, Gerd Müller, Bobby Charlton, Teófilo Cubillas… futbolistas que no solo jugaron un Mundial, sino que definieron una época.

Cerramos con Brasil, el jogo bonito llevado a la perfección, el conflicto que casi deja a Pelé fuera del torneo y la consagración definitiva: Brasil quedándose para siempre con el trofeo Jules Rimet.

Este no es un episodio de resultados.

Es un episodio de memoria.

Porque México 70 no fue solo un Mundial.

Fue el día en que el futbol aprendió a mirarse en colores…

y el mundo decidió quedarse viendo.

🎧 Dale play, ponte cómodo y acompáñanos en este viaje sonoro.

Esto es Vitamina M.

Porque la memoria… también se escucha.

¿Qué pasa cuando la música deja de sonar humana…

y comienza a sonar como el futuro?

En este episodio de Vitamina M, exploramos la historia completa de Kraftwerk, la banda que redefinió la música electrónica y trazó una frontera —cada vez más difusa— entre el ser humano y la máquina.

Desde sus experimentos en el krautrock alemán hasta la creación de himnos como Autobahn, Trans-Europe Express, The Man-Machine y Computer World, recorremos su evolución sonora, estética y filosófica.

Hablamos de su obsesión con la tecnología, los robots, la automatización, la identidad digital y la modernidad.

Analizamos también obras clave como “Tour de France” y Tour de France Soundtracks, donde el cuerpo humano se convierte en una máquina rítmica perfecta.

Abordamos la salida de integrantes históricos como Karl Bartos y Wolfgang Flür, así como la muerte de Florian Schneider, una figura esencial en la concepción artística del proyecto.

Más que una banda, Kraftwerk es una idea.

Una instalación sonora.

Un sistema operativo cultural que sigue funcionando en la música electrónica, el techno, el synth-pop, el hip hop y la cultura digital.

Hoy, en la era de la inteligencia artificial y los algoritmos, Kraftwerk suena más vigente que nunca.

Porque no solo imaginaron el futuro.

Lo programaron.

🎛️ Dale play y entra en la central eléctrica donde nació el sonido del mundo moderno.

Hay años que simplemente pasan.

Y hay otros que rompen algo por dentro.

1991 fue uno de esos años.

Un año en el que la música dejó de maquillarse.

Dejó de prometer futuros brillantes.

Dejó de sonar perfecta…

y empezó a sonar real.

En un mismo punto del tiempo coincidieron guitarras sucias, voces cansadas, beats lentos, rabia contenida y una necesidad urgente de decir la verdad. Seattle explotó sin pedir permiso. El metal se transformó sin desaparecer. Bristol bajó el ritmo y creó una nueva forma de sentir la noche. Y el Reino Unido empezó a gestar, casi en silencio, lo que años después llamaríamos britpop.

1991 no fue una moda.

Fue un parteaguas generacional.

Ese fue el año de Nevermind, pero también de Ten.

Del Black Album de Metallica y de Blue Lines de Massive Attack.

De Loveless, Screamadelica, Achtung Baby, Out of Time.

Un año donde todo convivió, chocó y cambió para siempre el rumbo de la música popular.

En este episodio de Vitamina M hacemos un viaje profundo —sonoro y emocional— por el año en que la música dejó de fingir.

Un recorrido por el grunge, el metal, el trip hop, el rock alternativo y el germen del britpop, pero sobre todo por el contexto, las emociones y las fracturas que hicieron de 1991 un año irrepetible.

No es una lista de discos.

No es nostalgia vacía.

Es una historia contada con música.

Porque algunas fechas no se recuerdan…

se escuchan.

🎙️ Dale play y vuelve a un año que todavía sigue sonando.

🎶 Disponible ahora en Spotify, iVoox, Amazon Music y Apple Podcast

📌 Vitamina M – La dosis exacta de música que no envejece

Hay artistas que envejecen.

Otros que se repiten.

Y unos pocos —muy pocos— que convierten el final en una obra de arte.

En este episodio final de Vitamina M, cerramos la trilogía dedicada a David Bowie recorriendo su etapa más compleja, humana y consciente: el ocaso, los regresos inesperados y una despedida que cambió para siempre la forma de entender la muerte en la música popular.

Desde Scary Monsters (and Super Creeps), donde Bowie reescribe el mito de Major Tom en “Ashes to Ashes”, hasta el éxito masivo de Let’s Dance, analizamos el delicado equilibrio entre creatividad y mercado, fama y vacío artístico. Un periodo donde Bowie conquistó el mundo… pero comenzó a perderse dentro de su propia leyenda.

El viaje continúa hacia los años 90, una década clave de reinvención. Discos como Black Tie White Noise, Outside y Earthling muestran a un Bowie dispuesto a arriesgar de nuevo, a dialogar con la electrónica, la narrativa fragmentada y la modernidad sin concesiones. En 1997, ese Bowie vigente y desafiante llega a la Ciudad de México, ofreciendo un concierto histórico en el Foro Sol y recorriendo distintos puntos emblemáticos de la capital, atraído por su energía, su arquitectura y su caos creativo.

También hablamos de los años 2000, del silencio prolongado tras Reality, de la pausa que muchos interpretaron como un retiro definitivo. Pero Bowie siempre tuvo una última mutación preparada. En 2013 regresa sin aviso con The Next Day, un disco que observa el pasado sin nostalgia y confirma que el artista sigue ahí, aunque ya no busque el centro del escenario.

El cierre llega con Blackstar. Oscuro, enigmático, profundamente simbólico. Publicado apenas dos días antes de su muerte, el álbum funciona como un testamento artístico. En especial, “Lazarus”, una despedida consciente, lúcida y estremecedora. Bowie no dramatiza su final: lo transforma. Convierte la fragilidad en lenguaje y el adiós en creación.

Este episodio no habla de una caída.

Habla de una decisión.

De un artista que entendió que incluso desaparecer… puede ser un acto creativo.

David Bowie no murió.

Se transformó por última vez.

🎙️ Vitamina M

Porque la música también se despide dejando huella.

Para crear algo nuevo, a veces hay que desaparecer.

Cambiar de ciudad.

Romper con el pasado.

Volver a empezar.

En este segundo episodio de Vitamina M, nos adentramos en uno de los periodos más fascinantes y decisivos de la carrera de David Bowie: la Trilogía de Berlín y los años de transformación que redefinieron su sonido, su estética y su relación con el arte.

Tras el exceso y la fragmentación de su etapa estadounidense, Bowie se traslada a Europa buscando anonimato, equilibrio y libertad creativa. Berlín no es solo un lugar: es un estado mental. Junto a Brian Eno y Tony Visconti, Bowie da forma a Low, “Heroes” y Lodger, tres discos que rompen con la estructura tradicional del rock y abren la puerta a la experimentación electrónica, el minimalismo y la música ambiental.

Este episodio analiza en profundidad cada álbum, su contexto histórico, su impacto en la música contemporánea y su influencia directa en géneros y artistas que marcarían las décadas siguientes. Bowie ya no busca el centro del escenario: busca nuevas formas de expresión.

También recorremos los discos posteriores a Berlín, como Scary Monsters (and Super Creeps), donde Bowie dialoga con su pasado, y observamos cómo esta etapa sienta las bases de todo lo que vendrá después. La trilogía no es un paréntesis: es el corazón creativo de su carrera.

Este episodio es sobre el cambio.

Sobre la valentía de destruir para reconstruir.

Sobre un artista que entendió que transformarse también es sobrevivir.

🎙️ Vitamina M

Porque algunas revoluciones no hacen ruido: cambian el rumbo.

Antes del mito, estuvo la búsqueda.

Antes del ícono, estuvo la duda.

Antes de Bowie… hubo un joven decidido a no parecerse a nadie.

En este primer episodio de Vitamina M iniciamos un viaje profundo por los orígenes y el ascenso de David Bowie, desde sus primeros pasos en la escena londinense de los años 60 hasta la creación de uno de los personajes más influyentes de la historia de la música popular.

Exploramos sus primeros discos, la inquietud constante por encontrar una voz propia y la manera en que Bowie absorbió influencias del teatro, la literatura, el cine y la ciencia ficción para construir algo completamente nuevo. Desde David Bowie (1967) hasta Space Oddity, analizamos cómo la figura del Major Tom se convierte en el primer gran símbolo de su universo creativo.

El episodio se adentra en la transición hacia los años 70, cuando Bowie entiende que la música no solo se escucha: se encarna. Con The Man Who Sold the World y Hunky Dory, comienza a perfilarse una identidad artística que desafía el género, la estética y las normas culturales de su tiempo.

El punto de quiebre llega con Ziggy Stardust. Un personaje, un concepto, una declaración. Bowie no solo crea un alter ego: crea un lenguaje. The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars marca el nacimiento de un fenómeno cultural que transforma el rock en performance y al artista en un canal de ideas.

Este episodio no solo cuenta cómo Bowie llegó a la cima.

Cuenta por qué nunca fue como los demás.

🎙️ Vitamina M

Porque algunas estrellas no caen del cielo: se inventan.

No todos los músicos están hechos para agradar.

Algunos están hechos para resistir.

En el episodio final de la primera temporada de Vitamina M, rendimos homenaje a Lemmy Kilmister, una de las figuras más indomables, honestas y coherentes en la historia del rock. A diez años de su muerte, este especial recorre la vida de un hombre que jamás se adaptó a las reglas del juego… y por eso mismo lo cambió para siempre.

Desde sus inicios en la escena británica de los sesenta, pasando por su etapa decisiva en Hawkwind, hasta la fundación de Motörhead, Lemmy construyó una identidad sonora y personal basada en la lealtad absoluta a sí mismo. Su música no buscaba aprobación, buscaba verdad. Y la encontró en el volumen alto, en el bajo distorsionado y en una voz que sonaba como una advertencia permanente.

En este episodio exploramos al músico, al sobreviviente, al provocador y al símbolo. Hablamos de su ética inquebrantable, de su relación con el exceso, de su influencia transversal en el punk, el metal y el hard rock, y de cómo su figura trascendió géneros para convertirse en una actitud ante la vida. Lemmy no predicaba moral; predicaba libertad.

Este cierre de temporada no es solo una despedida, es una declaración de principios. Vitamina M concluye su primera etapa celebrando a un artista que entendió que perderlo todo también puede ser una forma de ganar, siempre que no traiciones quién eres.

Porque Lemmy no fue solo el rostro de Motörhead.

Fue —y sigue siendo— el espíritu eterno del rock and roll.

🎧 Dale play y acompáñanos en este último viaje de la temporada, al volumen que Lemmy habría aprobado: al máximo.

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Hay voces que se escuchan. Y hay voces que se sienten.

En este episodio de Vitamina M nos sumergimos en la vida y obra de Joe Cocker, un intérprete irrepetible que convirtió cada canción en una experiencia emocional cruda y honesta. A más de diez años de su partida, este especial recorre su trayectoria completa, no solo desde los hechos históricos, sino desde la intensidad humana que definió su manera de cantar.

Desde sus primeros pasos en Sheffield, influenciado por el blues y el soul estadounidense, hasta su consagración mundial tras aquella actuación mítica en Woodstock 1969, Joe Cocker demostró que no hacía falta componer canciones propias para dejar una huella eterna. Bastaba su voz: rota, apasionada, imperfecta y profundamente real.

En este episodio analizamos cómo transformó canciones ajenas en interpretaciones definitivas, cómo enfrentó los excesos, las caídas y los silencios, y cómo logró reconstruirse artística y personalmente para volver a conectar con el público desde un lugar más maduro y honesto. Joe Cocker cantaba como quien confiesa, como quien se desangra en cada nota, como quien entiende que la emoción está por encima de la técnica.

Vitamina M te invita a escuchar la historia detrás del mito, a redescubrir la fuerza interpretativa de un artista que jamás fingió ser otra cosa que él mismo. Porque algunas voces no se apagan con el tiempo… se quedan resonando para siempre.

🎧 Dale play y acompáñanos en este homenaje sonoro a una de las gargantas más conmovedoras de la historia de la música.

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