日本流行音乐（英语：Japanese POP，简称J-Pop或JPOP）是指日本的流行音乐。此名称是在1988年由日本一家广播电台J-WAVE首先使用，并曾经用它来
代表“新音乐”，其后在日本被广泛地用来归类受西洋影响的现代音乐，包括了流行音乐、RAP、摇滚、舞曲、嘻哈和灵魂音乐。
现代日本流行音乐基本上从日本传统音乐演变而成，当中的转变当中最早可以追溯到1960年代，西方摇滚音乐的兴起。披头四和海滩男孩等组合启发了日本音乐界，于
1969年组成的Happy End就尝试把摇滚音乐和日本传统音乐混合[1]。1970年代晚期，新浪潮开始，将流行音乐和摇滚乐合二为一的南方之星定义了新一代的J-POP[2]，
最终在1980年代末，J-POP取代歌谣曲，成为了日本流行音乐的主流[3]。
截至2011年，日本拥有世界最大的实体音乐市场。2011年，日本的实体唱片市场（仅计算单曲，专辑与音乐录影带销量）年产值达到约31亿美元，占世界市场之30%，
为世界第一大实体音乐市场（30%
现时日本大部分的影音商店都会将音乐分成四种，分别是J-pop、演歌、古典乐及英语／国际。有些音乐则融合了演歌和J-pop，例如安全地带和中岛美雪。
1990年－1994年：Being系时代。
Being的领导者长户大幸与织田哲郎也受到极高推崇，可说是小室哲哉之前“音乐制作人”这一职业极致的代名词。
“低调”是旗下歌手的一大特色，其歌手除演唱会与音乐节目外，不常公开露面，极少参与综艺节目、广告代言，广告宣传也相对较少。
代表人物：ZARD、TUBE、WANDS、B&`&z等。其中B&`&z至今仍为日本音乐史上总销量第一的歌唱单位。
坂井泉水，

1994年－1997年：小室时代。小室哲哉这位可谓传奇的音乐制作人，此时期将电子舞曲推上了高峰。他负责的著名艺人包括：TRF、安室奈美惠、globe等。
小室哲哉制作的唱片总销量至今已达到1亿7000万。
代表人物：小室哲哉、安室奈美惠、globe、TRF等。
1997年－1999年：乐团时代。数个视觉系色彩的乐团在此数年间得到了巨大成功，1997年11月，GLAY推出了精选辑REVIEW-BEST OF GLAY，卖出487万张，
打破历史纪录。1999年7月，彩虹乐队同时发行Ark与Ray，两张合计初动达300万。
代表人物：GLAY、彩虹乐队、LUNA SEA（ 月之海）等，在下一期JROCK，日式摇滚中会介绍
其他在整个90年代也拥有重大影响力的乐团包括恰克与飞鸟、Mr.Children、南方之星、美梦成真、X JAPAN、SPITZ、小事乐团等。除此之外，大黑摩季、
槙原敬之、福山雅治等歌手的销量当时亦纷纷破千万。
歌姬时代（1999年 - 2003年）
滨崎步，日本史上销量最高个人歌手。（超过4800万）
1999年3月10日，16岁的新人歌手宇多田光发表了出道专辑《First Love》，销量达到了765万，再次打破了历史纪录，而此一纪录至今再也无人能挑战。
她的出现引领了日本R&B曲风之大开，并使往后数年市场呈女性个人歌手强势的情况。

仓木麻衣出道于1999年，当时的日本业界正处于小室家族的势力减退，及MISIA、宇多田光等R&B歌手流行的全盛年代。仓木麻衣在这风潮中成功出道，并于2000年
在ORICON全年排行榜中得到单曲总销量1位、专辑总销量及艺人类别的第2位，之后其第二张专辑《PERFECT CRIME》及精选专辑《Wish You The Best》也录得百万的销量。
代表人物[编辑]
宇多田光、滨崎步、仓木麻衣、椎名林檎、MISIA、aiko、岛谷瞳、小柳由纪、SMAP、铃木亚美、BOA。歌姬与小室家族女歌手的特色多半都偏女高音，歌曲难度高。
多样化（2003年 - 2009年）
约从2003年开始，宇多田光与滨崎步两人的号召力渐渐减退，其他类型歌手团体开始受到广泛欢迎，例如EXILE、无限开关、杰尼斯系团体如岚、KAT-TUN等，
音乐市场重新变得多样化。2003年，SMAP的单曲兼代表作《世界上唯一的花》在Oricon公信榜总共7周占据冠军位置，并以绝对的优势成为2003年度日本单曲销量冠军，
总销量接近260万张，成为日本史上销量第9高的单曲。2005年开始，德永英明VOCALIST男声系列掀起了一股老歌翻唱旋风，该系列在日本达到销售近700万张的辉煌成绩。
2008年，老牌歌手安室奈美惠发行02年后所有歌曲精选专辑《BEST FICTION》，累计销量高达170万，当年即拿下日本唱片大赏。

代表人物[编辑]AKB48、早安少女组、SMAP、幸田来未、中岛美嘉、EXILE、Perfume、YUI、绚香、西野加奈、生物股长
偶像战国时代（2010年－）[编辑]

桃色幸运草Z，最年轻兼为首支于国立霞丘陆上竞技场进行演唱会的女子组合
踏入2010年代，各个偶像团体均在日本音乐界获得成功，尤其以岚和AKB48最为突出。

值得注意的是，部分独立歌手于偶像团体的激烈竞争下仍然能在唱片市场获得一定的销量和关注，例如福山雅治、宇多田光、安室奈美惠和YUI四人于2013年的
“最受欢迎艺人”中也跻身Top 20，并分别获得第4、6、11及16位[17]。

听MEAT LOAF 的歌曲，总有一股鬼气，令人想起中世纪的古堡，幽灵及凄美的爱情故事，最打动人的是结尾处男女生对唱，一问一答，似乎是在古城堡里的对话 ,荡气回肠
信誓旦旦，而爱情真的可以经历前年岁月的腐蚀吗？
大爱的歌曲
可以一直听终生的不多曲子
因此也曾将这首歌曲推荐给一个最好最好，想要一生珍惜与交心的人，曾经坐在一起，电脑前听这首歌曲，看着MV，
仿佛两颗心贴在一起的感动，而经过几段时间的分离，再见已是陌生的感觉，那个我可以连死都不怕，愿意用生命去帮助的人，中间已经隔了冰凉的一座墙
也许人生就是孤单的旅程，即使相遇，最终也会分开的吧
今晚一个人坐在这里，重新听起这首
Meat Loaf - I&`&d Do Anything For Love
而你，在做些什么呢？也曾像我这般思念着你，怀念我们的过往吗？

Triskilian一直给我的印象都是比较偏阿拉伯式的中古民谣，虽然很好听，终究并不是特别经典，底蕴深厚的团。像Sava，Omnia等等让人回味不断的团
，也是因为其底蕴深厚，感情丰富，让人产生共鸣才能让我依依不舍。中古团那么多，若没有特别的点，若只是低唱着Palastinalied，必然无法突围成功。

　前半张Birkenhain仍然是那样的，传统的中古，热闹的原声乐器，淳朴的人声，欢快的旋律，营造出欢乐祥和的中世纪小山村形象。但是从Schäferstündchen开始，
风笛和竖琴的比例陡然加重，整个乐曲的走向完全缓和下来，从Schäferstündchen的悠扬婉转荡气回肠到Bienlein的甜美低吟，从风笛和摇琴的合奏到竖琴的淅淅沥沥，
一洗前半张的喧哗和多彩，回归至森林/凯尔特中古的宁静和安然，如森林里树木的高大和小溪的闲适。

吉他大师们更多的是在和听众进行心灵深处的交流，往往能在某种时刻让你触动，低吟浅唱之间几乎是在朗诵一篇篇诗篇，
当手指滑过吉他的瞬间，就如同拂过心弦般让人心动。
而对于我，这首歌的回忆，确是一种一见钟情，多年以后，却仿佛变成了从来没有认识过一个人
后来一天在遥远的夜深小酒馆里，忽然就听到了《Wonderful Tonight》, 然后整张桌子里的朋友就忽然都不说话，静得只听见门口烤羊肉串的噼啪声。
我听见ERIC唱着“Is that you just don&`&t realize, how much i love you" 于是我想起了某人，想起挂掉的那些电话，还有那些再没回过的短信
也许我们今生不会再见
如果我们在天堂相遇，你是否还会记得我，还会不会大声地喊出我的名字
是否还会记得相爱的那个夜晚，那个浪漫一生难忘的车里的夜晚，当酒醉的朋友们散去，只有两个人在一起，你看着我，眼睛像是夜晚的星星一般的闪亮

《红旗下的蛋》，崔健在94年发表的第三张专辑——当然，刨去《浪子归》不算，此专辑距89年首张《新长征路上的摇滚》是五年代时间，距91年代第二张专辑《解决》三年，崔健以两到三年的时间来创作与录制，
　　 不可谓不精工细作了，而专辑《红》所传达出的内涵与诠释手法应该是那个时期最出色最先锋的，即便是放到十五年后的今天来看这种褒奖亦不为过。 
这张专辑的编曲更加趋向于将旋律节奏化的特点，并且着重突出了多声部打击乐的编配和音色变化。音乐更趋于Jazz和Funk风格，大量的民乐和打击乐的运用，
也体现出崔健对Jazz的热衷和他长期与伴奏乐队的酒吧表演的背景。标题曲《红旗下的蛋》和《飞了》是崔健的演唱风格像说唱风格衍变的明显体现。
《北京故事》中崔健开始了对拼贴音效的尝试。这里面有种此时此地独一无二的时代感。无论是歌迷还是评论界对崔健的这一变化始料不及。由于某种原因，
这张专辑刚刚上市就被停止销售了
　　抛开音乐看，这张专辑里以《红旗下的蛋》、《盒子》为代表的词作理应得到更多的重视。崔健——作为中国摇滚的首要人物——甫出道就带有着鲜明的反叛意识，但这种反叛更多的是在迂腐而虚伪、
以谄媚权贵为内容的主流文化对照下彰显出来的觉醒后的自我意识。如果硬要说崔健的前两张专辑的作品里涉及到了某些政治因素，那也是用了异常隐晦、曲折的方式来表达。但在《红旗下的蛋》中，
崔健终是做出了改变。如果说过去摆出的是姿态，那么而今则露出了獠牙。 
　　“权力在空中飘荡/经常打在肩上/突然一个念头/不再跟着别人乱走” 
　　“肚子已经吃饱了/脑子也想开了/别说这是恩情/永远报答不尽/我们不再是棋子儿/走着别人划的印/自己想试着站一站/走起来四处看看”（摘自《红旗下的蛋》） 
　　歌曲《红旗下的蛋》清晰明确地表达出了对现实与自身的冷静认知，那种冲出政治欺蒙和压榨后的勃勃生气极具震撼力。相比之下，《盒子》的歌词要更加犀利。对“胜利者”，
对他们的愚弄民众和虚假的乌托邦幻梦的抨击透骨入髓！而最后一段口号般的歌词也可以看作是崔健为那些独裁者写出的檄文！ 
　　“回去砸烂那些破盒子/回去撕破那个烂旗子/告诉那个胜利者他弄错了/事情早就开始变化了”（摘自《盒子》） 
　　尽管两首歌仍旧是以修辞手法来诠释愤怒，但其矛头的指向已清晰明了。在之后的专辑中，崔健再也没有写出这般带有政治批判性的作品。然而恰恰是这两首颇具战斗精神的歌曲，
为尚在初起阶段的中国摇滚撑起了一副铮铮铁骨。 
 每个时代都应该有属于人民的英雄，英雄并不一定都咱战场上诞生。有些英雄为自由而战，为祖国而战，为梦想而战。我们的时代是没有希望的时代，但却不乏英雄，他们用铿锵的言语 文字 音乐去击醒大家。 
　　崔健的每张专辑里面带着愤怒 带着不满，字字珠玑的去呐喊。 
　　 我们需要愤怒年轻人的时代，并不是一提愤怒就代表着危险，过多的顺从只会让我们更加的迷失。 
　　 没有理想的生命，没有自由的生命，没有生活的生命，这就是我们活着的时代。 
　　 我们需要的不仅仅是一个英雄，我们所需要的是所有人都变做时代的战士，时代的英雄。只有这样我们的生命才不会缺失、 
　　 时代的战士 
而崔健，就是这样一个时代的战士

在俄罗斯лунофобия（月光恐惧症）已经很出名了，因为大量的演出，俄罗斯的听众能够在最近的由俄罗斯歌特俱乐部(край)组织的万圣节晚会上听到他们的东西。
然而他们并没有迎合听众，这不奇怪，俄罗斯歌特乐队出cd或卡带很不容易，他们没有雇员，对销量不关心，因此
（这句不明白：поэтому остатется одно - самиздат）。《关于太阳的幻想》是他们的第一张专辑，最新的一张《雪下》
使我们（又不明白了：в самиздатовском виде），起初这张专辑是以迷你碟的形式给我的，用作万圣节晚会的资料。这张盘有三首歌，
《她》《雪下》和《这是梦》。参加音乐会的人都能听到它们，但在剧场版中，他们加入了更柔和更悦耳的东西，《她》《雪下》被认为是gothic pop
(基于歌特音乐的),最后一首《这是梦》接近于dakewave，更阴郁，更前卫。russian gothic compilation筛选出了这首《雪下》。在它和《她》
之间我们很难取舍，俄语抒情诗，让人难忘的旋律，完美的编曲使《雪下》更趋于流行。乐队的成员也同意用这首歌，并用它来命名专辑。
总体上说，这是一张高水准的专辑，虽然现在还不知道哪能买到。

San Francisco(Be sure to wear some flowers in your hair)到了舊金山，別忘了頭上戴幾朵花

1967年6月16至18日，一個標榜著”音樂，愛和鮮花，的流行音樂節，
（Monterey International Pop Festival）於離舊金山不遠的蒙特利市舉行。
在音樂節開始以前，John Phillips寫了一首宣傳用的音樂節主題曲，
這首歌曲僅僅用了不到一個小時就完成，完成之後要有人來唱呀，
於是John Phillips請了他的好友Scott McKenzie演唱這首以城市為名的歌曲San Francisco，
並在節日開始之前的一個禮拜就發行了這首歌曲，
由於節奏輕快、曲調優美，因此即使在全美的排行榜僅僅得到第4名的成績，
但這首歌曲在世界各地卻紛紛上了排行榜的冠軍寶座。

從歌詞的字面上看來，這不過是一首歡迎人們到舊金山觀光的歌而已，
其實不只如此，這首歌的誕生和美國60年代的嬉皮仕運動( Hippies )有十分密切的關係。

60年以前的美國，是個國力強盛，社會安定的國家，但美國介入越戰，將大批的美國子弟送入越南叢林打仗，
另到在安逸環境中長大的年輕一代開始對自身處境及國家政策產生質疑。
後來有一批年輕人以消極的生活態度為抗議，並積極追求自我的表現，
搖滾樂，迷幻藥，長髮便成為這批人的標誌，他們並且自稱"嬉皮仕"，而舊金山在當時就是嬉皮仕的大本營。
嬉皮仕們認為"愛"可以改變世界，他們提倡回歸自然，並以"愛與和平"作為反越戰的精神口號，
他們同時認為"花"是愛的最佳象徵，當時凡是參與這個運動或認同嬉皮仕思想的年輕人，都被稱為"花童"( flower children )。

這絕對是加州音樂的代表作，San Francisco(Be sure to wear some flowers in your hair)到了舊金山，別忘了頭上戴幾朵花，
充分表現出當時嬉皮仕文化的特色，也因此舊金山成為嬉皮仕文化的重鎮。

San Francisco ~ Scott McKenzie

If you&`&re going to San Francisco
Be sure to wear some flowers in your hair
If you&`&re going to San Francisco
You&`&re gonna meet some gentle people there

For those who come to San Francisco
Summer time will be a loving there
In the streets of San Francisco
Gentle people with flowers in their hair

All across the nation such a strange vibration
People in motion
There&`&s a whole generation with a new explanation
People in motion, people in motion
如果你要到舊金山
記得在頭上戴幾朵花
如果你要到舊金山
你會遇見許多和善的人們

對那些到舊金山的人們來說
那兒的夏日時光充滿了愛
在舊金山的街道上
和善的人們把花朵戴在髮上

整個國家瀰漫著一股奇特的氣象
人們在變
新生代自有新的詮釋
人們在變，人們都在變

岛屿心情乐队的“风格”的确很难界定--有些模糊。四个生活十分朋克的小子对bules Indie 英式等音乐元素的运用，是岛屿心情的音乐会给所有人带来
一种不可预知的感觉。让你不会一直沉浸在上一首歌当中。你可以从他们身上看到音乐简单而不失细腻。古灵精怪的现场表演。会让你忘记一天的烦恼
专注于台上的他们。这就是“岛屿心情”。永远真诚的微笑，永远又脏又旧的鞋。永远乱成一团的头发，永远充满故事他们。

因为这世界有黑暗，所以黑暗金属音乐就有存在的理由；因为它总是在提醒着我们这世界存在着黑暗，所以它就具有了超越它本身的价值；抛开黑暗金属音乐外在的极端，
我们所看到的常常是扭曲的情感，而情感的扭曲源自于现实的黑暗，当我们直面了这黑暗，也就拥有了黑暗金属音乐所赋予的真诚。但丁在《神曲．地狱篇》的最后这
样写道：“……我们一步一步往上走，……直走到我从一个圆洞口望见了天上美丽的东西；我们就从那里出去，再看见那灿烂的群星。”

谁看见我赤身裸体，不遮羞丑
我就是月亮、太阳、天空和星斗！
——节自波德莱尔（1821-1867）的《恶之花》之《吸血鬼的化身》

这是金属摇滚乐队Limp Bizkit（软饼干）2003年翻唱The Who的一首抒情歌。由主唱Fred Durst、贝司手Sam Rivers、吉他手Wes Borland
（后为DJ Lethal）、鼓手John Otto组成的Limp Bizkit于1994年成立于佛罗里达，为"现代金属"的杰出代表
主唱Fred Durst的声音中隐藏着激情，狂燥抑或愤怒在压抑中积蓄，仿佛下一秒就会迸裂一般。我惊异于硬摇滚乐队演绎崩溃边缘的柔情是这般自然。
不加修饰的原始听觉。这种真实的完美沧桑感让第一次听时就惊为天人，而且百听不厌。或许符合了我骨子里另一面。
个人比较喜欢这个版本，感觉TheWho的版本虽朴素但有些单薄，不过带有那时代久远的气息，大家也可以听一下：）The Who的版本

老摇滚的魅力其实是无穷的。《Behind Blue Eyes》是首特别经典的金曲了，原唱是The Who，后被Limp Bizkit（软饼干）翻唱。两个版本都很棒，好像还不乏很多人
更喜欢Limp Bizkit的翻唱版本，毕竟他们的翻唱更适合现代人的听觉审美。歌词很棒，基本上这些知名的歌，都是旋律+歌词的完美结合。这首歌带给我很大的触动，
虽然我没有蓝眼睛，但blue或也可以理解为忧郁，是的，躲藏在忧郁眼神的背后，孤独、痛苦以及其他那些感受，没有人了解那是何种滋味，除了自己。