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Plus de deux mois après sa sortie aux États-Unis (ce qui le rend déjà trouvable partout, mais chut), Dog Man, le petit dernier de DreamWorks Animation débarque enfin chez nous, pile pour les vacances de Pâques. Dans la foulée des Bad Guys, du Chat Potté 2 ou encore du Robot Sauvage, force est de constater que le studio livre encore une petite pépite visuelle, avec une animation 3D adorable façon fausse stop motion et des idées à la pelle.

Lorsqu’un policier et son compagnon de la brigade canine sont blessés au cours d’une mission, une opération chirurgicale les lie à jamais et fait naître celui qu’on appellera désormais Dog Man. Sous cette nouvelle identité, ce dernier cherche à impressionner son supérieur en mettant fin aux exactions du chat Monpetit. Jamais à court de mauvaises idées, le félin n’a récemment rien trouvé de mieux que de se cloner lui-même afin de doubler sa malveillance.

C'est son rythme qui rend avant tout Dog Man unique. Frénétique, gueulard, à la limite de l’hystérie, le film est un tourbillon dont on a toutes les chances de ressortir lessivé. D’autant que si vous survivez à sa première partie, vous devriez être surpris par la tournure des événements que, pour une fois, la bande-annonce ne spoile pas. Loin d’être un simple “film pour enfants” auquel il ne se destine pas forcément, Dog Man a plus d’un tour dans son sac et c’est ce qui le rend réjouissant. Car sous ses airs de sale gosse, Dog Man est avant tout le film des “daddy issues”, de la famille recomposée et de la parentalité moderne. Tout un programme, qui a un peu du mal à se mettre en place durant une première moitié qui balade pas mal son spectateur avant de finalement retomber sur ses papattes (vous l’avez ?). N’essayez pas d’en savoir trop, laissez-vous tenter et foncez, vous ne le regretterez pas.

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Générique : Encounter of Every Possible Kind - Midnight Commando
CC BY 4.0 DEED

Considéré à tort comme un Ghibli mineur, Porco Rosso est à l’inverse une œuvre essentielle, à la fois dans la grande filmographie du maître Hayao Miyazaki et dans l’histoire de l’animation japonaise en France. Car avant les succès de Princesse Mononoké et du Voyage de Chihiro, Porco Rosso fut le premier film Ghibli distribué en France, avec au casting vocal, Jean Reno, Jean-Luc Reichmann ou encore Gérard Hernandez. Excusez du peu !

Porco Rosso conte une histoire du porc vaillant surnommé « le Porc rouge », qui se bat contre les pirates de ciel, pour son honneur, pour sa Madone d'adoration et pour ses biens. La scène se passe en les Mers Méditerranées à l'époque où l'hydravion gouverne les eaux de mer.

Porco Rosso est un film qui dit bien plus que ce qu’il laisse supposer. Rare film de Miyazaki situé dans un contexte géopolitique clair, à savoir les côtes italo-croates durant l’entre-deux-guerres, il parle aussi bien de la montée du fascisme marquant la fin d’un certain monde et de la perte de ses idéaux. Bien sûr, à travers les personnages de Gina, Fio ou les nombreuses femmes qui participent à la rénovation de l’hydravion de Marco, Porco Rosso est aussi un grand film féministe. Autant de sujets et bien plus encore que le film encapsule en à peine 1h30, sans oublier d’offrir son lot de scènes d’action trépidantes et d’humour cartoon. Surtout, Porco Rosso est un éloge du romantisme, une capsule de tendresse teintée d’une douce nostalgie, sublimée par de somptueux décors peints à la main et de l’une des plus belles partitions de Joe Hisaishi. Un très grand film, pas loin d’être parfait, qui gagne en épaisseur à mesure que l’on grandit.

Articles
Portrait d'un cochon volant : Entretien avec Hayao Miyazaki - Positif n°412, juin 1995
L'Ère des Hydravions : les 15 planches qui ont servi d'inspiration à Porco Rosso
Cyril Lacheze - « Une vraie pièce de musée ». Les machines volantes dans l’œuvre d’Hayao Miyazaki

Vidéos
Porco Rosso : la bande-annonce par L'Absurde Séance
Porco Rosso - Joe Hisaishi in Budokan - Studio Ghibli 25 Years Concert

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Première série originale Pixar, Gagné ou perdu se veut le “Rashōmon du softball”. Chaque épisode raconte le point de vue d’un personnage différent sur deux matchs clés d’une équipe de collège, en ajoutant pour chacun un gimmick visuel. L’une voit son stress matérialisé sous la forme d’une grosse goutte de sueur, l’un se protège des agressions extérieures avec une armure de chevalier, un autre voit le monde en deux dimensions, etc. Mais cela suffit-il pour transformer cette première tentative sérielle en home run ?

Les Pickles forment l’équipe mixte de softball au collège. D’ici à une semaine, ils disputeront la finale de leur championnat. Un match plein d’enjeux pour lesquels ils sont tous extrêmement bien préparés... ou pas. Dans chacun des huit épisodes, la série explore le point de vue d’un personnage différent à l'approche de cette rencontre décisive, qu'il soit membre de l'équipe, coach, parent ou arbitre.

Son concept fort qui est à la fois la principale qualité et le principal défaut de Gagné ou perdu. Qualité car on peut y voir une large diversité de situations, de styles graphiques et certaines idées sont parmi les meilleures jamais vues dans un Pixar. Défaut parce que cela donne justement un côté pot pourri dans lequel tous les personnages et toutes les idées ne se valent pas. En plus de cela, le contexte ancré dans le monde d’aujourd’hui et très américain (le softball, vraiment ?), ne facilite pas l’identification pour nous autres Européens. On sent que les créateurs de la série ont mis beaucoup d’eux-mêmes, de leur enfance et de leur expérience, en oubliant ce qui faisait le sel et la magie d’une production Pixar : son caractère universel à même de s’adresser à tous les publics, qui y trouveront différents niveaux de lecture. Si l’on ajoute à l’ensemble une polémique autour du retrait de l’identité transgenre d’un personnage quand un autre est chrétien pratiquant, on a le sentiment que Pixar ne sait plus où il va…

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César du meilleur film d'animation 2013, Ernest et Célestine fait partie de ces nouveaux classiques du cinéma d'animation français. En réunissant deux rebelles en marge de leurs sociétés respectives, le film pulvérise le cadre de ce qui aurait pu n'être qu'une fable enfantine de plus. À la place, cette relecture des livres jeunesse de Gabrielle Vincent se transforme en un buddy movie tendre et déjanté, prônant la tolérance, le vivre ensemble et la fin des préjugés.

Dans le monde conventionnel des ours, il est mal vu de se lier d’amitié avec une souris. Dans le petit monde des souris, il ne faut surtout pas se faire remarquer par les grands méchants ours de la surface. Et pourtant, Ernest, gros ours marginal, clown et musicien, va se lier d'amitié avec la petite Célestine, une orpheline qui a fui le monde souterrain des rongeurs, au point de l'accueillir chez lui. Ces deux solitaires vont se soutenir et se réconforter, jusqu'à bousculer ainsi l’ordre établi.

N'y allons pas par quatre chemins : Ernest et Célestine est une réussite artistique et narrative totale. Venus d'horizons très différents, les réalisateurs Stéphane Aubier, Vincent Patar et Benjamin Renner se complètent à merveille pour servir un scénario bien plus profond qu'il n'y paraît. Visuellement, le film est à tomber, avec cette animation aux traits épurés complétée de dessins à l'aquarelle aux couleurs pastel. Ajoutez à cela la musique sautillante de Vincent Courtois et l'interprétation impeccable du duo Lambert Wilson/Pauline Brunner, accompagnés d'une galerie de voix mythique du doublage francophone et vous obtenez une pierre angulaire de l'animation de ce siècle, à (re)découvrir à tout âge !

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A Scanner Darkly est un peu la carte maîtresse que l'on joue lorsque l'on souhaite démontrer que le cinéma d'animation n'est pas qu'une affaire de "dessins animés pour les enfants". Réalisé par Richard Linklater, cinéaste américain farouchement indépendant, à la carrière aussi prolifique qu'insaisissable, le film est une adaptation du roman éponyme d'anticipation de Philip K. Dick (Substance Mort, en VF), transposé dans un contexte de surveillance post-11 septembre.

Nous sommes dans la banlieue d'Orange County, au sud de Los Angeles, en 2013, dans un futur proche. L'interminable et vain combat de l'Amérique contre la drogue se confond désormais avec sa guerre contre le terrorisme. Dans ce climat morose, Bob Arctor est Fred et Fred est Bob Arctor : un policier membre de la brigade des stupéfiants. Infiltré dans un milieu de toxicomanes, il mène deux vies à la fois, en coloc avec ses potes Barris et Luckman, complètement déphasés par rapport à la réalité. Tous sont accros à la Substance D, fournie notamment par l'amie de Bob, Donna. Une drogue qui mine peu à peu leur identité et leur enlève toute volonté d'action. Un jour, Bob reçoit l'ordre de s'espionner lui-même, marquant le début d'une inexorable descente dans l'absurde et la paranoïa, où loyautés et identités deviennent indéchiffrables.

Un incontournable de la littérature paranoïaque par l'un des auteurs de science-fiction les plus estimés, qui s'offre, pour sa version cinéma, un casting cinq étoiles composé de Keanu Reeves, Robert Downey Jr., Winona Ryder, Woody Harrelson et Rory Cochrane, tous bien reconnaissables à l'écran grâce à l'utilisation du procédé de rotoscopie. Tous les ingrédients étaient là, et pourtant, A Scanner Darkly n'a pas rencontré son public, essuyant un sérieux gadin au box-office. Alors que, derrière ses atours de film de stoners mal aimable, se cache une véritable pépite de cinéma paranoïaque, dans la plus pure tradition de cette tendance du cinéma des années 1970, magnifiée par l'emploi d'une animation essentielle au récit. Faut-il donc réhabiliter ce film oublié, portant en lui les angoisses et les questionnements de toute une équipe ? C'est ce dont nous discutons avec Gauthier Jurgensen du podcast Originals, invité d'honneur de cet épisode, qui se prête en préambule au désormais traditionnel Questionnaire Animédia. Bonne écoute !

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Guest star : Gauthier Jurgensen, journaliste cinéma chez Satellifacts et co-créateur du podcast Originals.

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Sorti en avril 2021 sur Netflix, New Gods: Nezha Reborn marquait l'une des premières irruptions de l'animation chinoise grand public sur nos terres, là où certains autres projets du même acabit restaient cantonnés à l'Empire du Milieu. Qui plus est, en réinterprétant à la sauce moderne un roman historico-fantastique essentiel de la littérature chinoise, avec une surcouche esthétique mêlant néo-rétro et steampunk, le film offre une porte d'entrée étonnante vers un folklore aussi dense qu'enchanteur.

Fan de courses de motos et livreur d'apparence banal, Li Yunxiang découvre qu'il est la réincarnation du dieu Nezha, celui qui a combattu il y a 3 000 ans le roi-dragon des mers de l'est. De nouveau confronté à de vieux ennemis, il va devoir apprendre à maîtriser ses pouvoirs pour protéger ses proches et la ville de Donghai.

Film d'action débridé, New Gods: Nezha Reborn surprend par sa générosité, sa radicalité parfois et la beauté de certains de ses environnements, fonctionnant comme un aperçu d'une mythologie largement méconnue en Occident. Le film demande toutefois un premier effort pour se faire à un character design et surtout une animation spécifiquement chinoise, et on peut lui reprocher une structure et des personnages qui ne sortent jamais des sentiers battus. Mais que ce soit le cinéphile curieux avide de s'ouvrir à de nouveaux horizons, ou le spectateur lambda cherchant un divertissement bien rythmé et spectaculaire, ils seront récompensés de s'être aventurés en dehors des sentiers battus. D'autant qu'avec un Ne Zha 2 en train de pulvériser tous les records sur le simple marché chinois, l'animation chinoise pourrait bien tout écraser sur son passage dans les années à venir…

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Sorti en 2007 (cela ne nous rajeunit pas), Ratatouille est comme le bon vin : il se bonifie avec le temps. Signé du génial Brad Bird, à qui l'on doit notamment Les Indestructibles et Le Géant de fer, ce film mettant en scène un rat grand chef cuistot et marionnettiste dans le milieu de la haute-gastronomie parisienne est devenu l'un des fers de lance de l'originalité, l'ingéniosité et l'universalité à la sauce Pixar. Pour en parler pendant une bonne heure, je reçois celle qui partage ma vie et m'a fait redécouvrir ce chef-d'œuvre étoile : Amélie, qui se prête également à l'exercice inédit du Questionnaire Animédia.

Rémy est un jeune rat qui rêve de devenir un grand chef français. Ni l'opposition de sa famille, ni le fait d'être un rongeur dans une profession qui les déteste ne le démotivent. Rémy est prêt à tout pour vivre sa passion de la cuisine… et le fait d'habiter dans les égouts du restaurant ultra-coté de la star des fourneaux, Auguste Gusteau, va lui en donner l'occasion ! Écartelé entre son rêve et sa condition, Rémy va découvrir le vrai sens de l'aventure, de l'amitié, de la famille… et comprendre qu'il doit trouver le courage d'être ce qu'il est : un rat qui veut être un grand chef.

On pourrait résumer Ratatouille en un film d'animation bien rythmé, basé sur un concept de base 100% cartoon aussi improbable que bien mis en scène, s'il n'était pas immensément plus que ça. En racontant l'histoire d'un jeune rat qui s'extrait des bas-fonds pour devenir le plus grand chef de France, le film nous parle aussi bien d'émancipation, de développement personnel, de la nécessité de créer lorsque l'on est talentueux et plein d'ambition, pour finalement trouver sa place dans un monde qui ne nous fait pas de cadeau. Tout ça, sans oublier de tailler un costard à la critique, sublimer Paris, nous donner faim et nous faire rire ! Une œuvre complète, qui se destine à tous, et à revoir à différents moments de sa vie pour l'apprécier à ses justes valeurs. Bon appétit, bien sûr !

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Guest star : Amélie

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Il y a des doudous générationnels qu'il faut savoir laisser dans le coffre à jouets. Sorti en 1997 en plein nouvel âge d'or de Disney, Hercule continue de bénéficier d'une certaine cote de sympathie auprès d'une certaine génération, qui le considère comme une aventure épique, ponctuée de chansons entraînantes et portée par des personnages forts. Sauf que… vraiment ? Et si, dans ce nouveau format d'Animédia, on essayait d'aller au-delà de nos souvenirs pour remettre certains classiques à leur juste place.

Dans la Grèce antique, alors que la fête bat son plein et que les fées se penchent sur le berceau d'Hercule, fils de Zeus, Hadès, seigneur des enfers, ronge son frein. En consultant les Moires, il apprend que les planètes lui seront favorables dans dix-huit ans. Pour gouverner l'Olympe, il lui suffira de libérer les Titans, jadis emprisonnés par Zeus, après avoir éliminé le seul dieu capable de le tenir en échec : Hercule.

N'y allons pas par quatre chemins et puis de toute façon tout est dans le titre : Hercule est le pire Disney de l'ère moderne. En sacrifiant les espoirs d'odyssée mythologique sur l'autel de la comédie bas du front, le film déçoit sur à peu près tous les niveaux. Nettement plus impardonnable est son aspect visuel, entre dessin grossier, arrière-plans vides, character design de mauvais goût et 3D aux fraises. Plutôt que de s'élever vers le toit de l'Olympe, tel un James Woods en plein cabotinage, Hercule prend alors la direction des enfers, et ce n'est pas nous qui nous sacrifierons pour l'en sortir.

Le calendrier des sorties de ce mercredi 12 février
Daffy & Porky sauvent le monde, de Peter Browngardt
La Vie, en gros, de Kristina Dufková
Géniales !, d' Augusto Zanovello, Anne-Sophie Gousset, Clément Céard, Dina Velikovskaya et Alžbeta Mačáková Mišejková
Hola Frida, de André Kadi et Sophie Faucher

+ The Witcher : Les sirènes des abysses, sorti sur Netflix le mardi 11 février

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Pour son septième long-métrage, Jean-François Laguionie met fin à soixante ans de carrière avec Slocum et moi. Dans cette histoire largement autobiographique, ce vétéran de l'animation française, formé auprès du maître Paul Grimault, revient sur un épisode improbable de sa vie, qu'il double d'une véritable aventure en mer, le tout enrobé dans un récit de passage à l'âge adulte. Tout ça, en conservant son trait crayonné si sensible et sa palette de couleurs à l'aquarelle.

Début des années 1950, sur les bords de Marne. François, un jeune garçon de 11 ans, découvre avec intérêt que ses parents entament, dans le petit jardin familial, la construction d'un bateau, réplique du voilier du célèbre marin Joshua Slocum. Au long des années, dans une France d'après-guerre, le jeune François va voguer de l'adolescence à l'âge adulte. Au fil de la construction du bateau, tout en portant un regard tendre et poétique sur sa mère et son père, le jeune garçon entamera sa propre aventure, celle qui le mènera sur le chemin de ses passions, la mer et le dessin.

Découvert au Festival d'Annecy l'été dernier, Slocum et moi a eu l'effet d'un profond coup de cœur. En provoquant chez moi une identification immédiate avec son personnage principal, Jean-François Laguionie a fait remonter énormément de souvenirs, m'aidant à me projeter dans ce voyage immobile à trois. Parce que la destination ou même la réalisation du projet compte moins ici que les émotions qu'il provoque en nous et le trajet intérieur qu'il nous fait accomplir. Slocum et moi est un film d'un extrême sensibilité, qui passe grâce à une économie de mots, et nous rappelle qu'il est primordial de nous autoriser à rêver.

Littoral, le doc - Le marin imaginaire

Les nommés pour le César du court-métrage d'animation
Beurk !, de Loïc Espuche
GiGi, de Cynthia Calvi
Papillon, de Florence Miailhe

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Près de 20 ans après le précédent, Wallace & Gromit sont revenus le 3 janvier dans un deuxième long-métrage distribué chez nous sur Netflix : La Palme de la Vengeance. Une nouvelle aventure dans laquelle le duo de pâte à modeler retrouve l'un de ses plus féroces ennemis, pour le plus grand bonheur de tous.

Toujours aussi féru d'inventions, Wallace crée le Norbot, un nain de jardin intelligent censé aider Gromit dans ses tâches jardinières. Mais alors que le gnome prend une place de plus en plus importante dans la vie des deux amis, derrière les barreaux, le redoutable pingouin
Feathers McGraw prépare secrètement sa vengeance…

Cette fois encore, le studio britannique Aardman, spécialisé dans l'animation en volume, s'est surpassé pour nous offrir ce qui se fait de mieux dans le domaine de la stop motion. Wallace & Gromit : La Palme de la Vengeance est un bijou d'animation, un film au rythme impeccable, bourrée de références à de grands classiques du cinéma, transcendées par une réalisation aux petits oignons et un humour "à l'anglaise" qui fait mouche. Et en doublant l'absurde de thématiques fortes, notamment autour de l'intelligence artificielle et de l'usage de la technologie, le film de Nick Park et Merlin Crossingham réussit l'exploit de parler aussi bien aux petits qu'aux grands. Une réussite à tous points de vue pour l'un des meilleurs films de ce début d'année.

Bolchegeek - L'animation "pâte à modeler" va-t-elle disparaître ? 
BBC - Behind the scenes of Wallace & Gromit: Vengeance Most Fowl
BAFTA - Feathers McGraw is back... How Aardman Animation brought Vengeance Most Fowl to life

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