L'œuvre Even Light is a Few Minutes Late de l'artiste Lynn Kodeih explora les trajectoires par lesquelles la violence et la perception circulent, parfois lentement, souvent en différé, à travers les dispositifs, les espaces, les corps et les vies déplacées. L'artiste met en relation deux lieux séparés par une distance physique, géopolitique et des fuseaux horaires : la corniche méditerranéenne de Beyrouth et les rives tranquilles de Laval. ⁠En savoir plus ⁠

— Artiste —

Lynn Kodeih est née à Beyrouth, et réside à Tiohtià:ke/Mooniyang/Montréal depuis 2020. Sa pratique explore la politique de l’image, axée sur l’espace, les frontières et l’appartenance dans un contexte toujours colonial. Mêlanttextualité, autothéorie, vidéo et installation, elle se concentre sur l’effacement et le démantèlement de la matière, en abordant l’imagerie argentique et numérique. Kodeih adopte une approche décoloniale et intersectionnelle pour révéler les dynamiques de pouvoir et la violence systémique liées à la dépossession. Depuis 2009, elle collabore avec diverses universités et institutions artistiques, notamment la Leonard & Bina Ellen Gallery.Co-fondatrice de⁠ polycephaly.net⁠, une plateforme qui traite du rapport entre art et politique, sa pratique a été soutenue par plusieurs bourses et subventions. En 2024, elle a reçu le Prix Powerhouse ainsi que la Bourse Claudine et Stephen Bronfman en art contemporain. Kodeih est diplômée en études littéraires, théâtre et arts visuels d’institutions libanaises et canadiennes, et son travail a été présenté dans le cadre d’expositions nationales et internationales.

⁠Siteweb de l’artiste⁠

— Collaborateur·rices du projet Even Light —

Martín Rodríguez, transmission radiophonique

Abed Kobeissy, captation sonore

Ji-Yoon Han, dramaturgie

Irem Karaslaan, assistance à la recherche

Elias Nafaa, cartographie spéculative

— Partenaires du projet Even Light —

L’artiste remercie le Conseil des arts et des lettres du Québec de son soutien.

Une partie de cette œuvre a été réalisée avec le soutien du MAI (Montréal, arts interculturels)  dans le cadre du Programme Alliance: soutien aux artistes 2022-2023 du MAI.

Le projet du MAI est financé dans le cadre de l’Entente sur le développement culturel de Montréal par la Ville de Montréal et le gouvernement du Québec, ainsi que par le Conseil des arts du Canada.

— Crédits —

Le balado Carnets d’expériences est une production de Verticale — centre d’artistes. Suivez-nous sur :

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Alexis Bellavance, co-réalisation

Frédéric Lavoie, co-réalisation

Gabrielle Desgagné-Duclos, narration

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Les entrevues ont été enregistrées dans le ⁠⁠⁠laboratoirenouveaux médias de Oboro⁠⁠⁠.  

Ce projet est réalisé grâce au soutien financier du Ministère des affaires municipales et de l’habitation, dans le cadre du programmation Soutien au rayonnement des régions pour la région de Laval 2023-2025.

Verticale — centre d'artistes est soutenu au fonctionnement par le Conseil des arts et des lettres du Québec et la Ville de Laval. 

*Le contenu de cet épisode est principalement en anglais

Avec ce projet, l’artiste Chris Boyne s’est donné comme tâche de se procurer à Resolute (ᖃᐅᓱᐃᑦᑐᖅ) au Nunavut un camion squarebody du Gouvernement du Canada.

L’action apparemment simple de réexpédier un véhicule abandonné depuis le Nord, ne peut être accomplie que par un artiste subventionné. En savoir plus

— Artiste —

Né en 1984 à Halifax en Nouvelle-Écosse, Chris Boyne est un artiste multidisciplinaire qui adopte une démarche dans laquelle il s’assigne des tâches afin d’explorer des idées et de créer du contenu conceptuel. Il s’intéresse principalement aux approches génératives, sa pratique d’atelier comprend la photographie, la fabrication et la manipulation d’objets, le dessin et l’écriture. Il détient un baccalauréat en beaux-arts de la Toronto Metropolitan University et une maîtrise en beaux-arts de l’université Concordia. Il est récipiendaire de bourses du Conseil des arts du Canada et du Conseil des arts et des lettres du Québec. Boyne vit et travaille actuellement à Montréal au Québec (Canada).

Site web de l’artiste

— Partenaires du projet Squarebody —

Chris Boyne remercie le Conseil des arts et des lettres du Québec de son appui financier.

L’artiste et le centre remercient chaleureusement le Groupe Desgagnés, transporteur maritime dont la contribution a rendu possible la réalisation de ce projet artistique inédit.

— Crédits —

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L'œuvre Even Light is a Few Minutes Late de l'artiste Lynn Kodeih explora les trajectoires par lesquelles la violence et la perception circulent, parfois lentement, souvent en différé, à travers les dispositifs, les espaces, les corps et les vies déplacées. L'artiste met en relation deux lieux séparés par une distance physique, géopolitique et des fuseaux horaires : la corniche méditerranéenne de Beyrouth et les rives tranquilles de Laval. En savoir plus

— Artiste —

Lynn Kodeih est née à Beyrouth, et réside à Tiohtià:ke/Mooniyang/Montréal depuis 2020. Sa pratique explore la politique de l’image, axée sur l’espace, les frontières et l’appartenance dans un contexte toujours colonial. Mêlant textualité, autothéorie, vidéo et installation, elle se concentre sur l’effacement et le démantèlement de la matière, en abordant l’imagerie argentique et numérique. Kodeih adopte une approche décoloniale et intersectionnelle pour révéler les dynamiques de pouvoir et la violence systémique liées à la dépossession. Depuis 2009, elle collabore avec diverses universités et institutions artistiques, notamment la Leonard & Bina Ellen Gallery. Co-fondatrice de polycephaly.net, une plateforme qui traite du rapport entre art et politique, sa pratique a été soutenue par plusieurs bourses et subventions. En 2024, elle a reçu le Prix Powerhouse ainsi que la Bourse Claudine et Stephen Bronfman en art contemporain. Kodeih est diplômée en études littéraires, théâtre et arts visuels d’institutions libanaises et canadiennes, et son travail a été présenté dans le cadre d’expositions nationales et internationales.

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Une partie de cette œuvre a été réalisée avec le soutien du MAI (Montréal, arts interculturels)  dans le cadre du Programme Alliance: soutien aux artistes 2022-2023 du MAI.

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On the windowsill of hospitals – contributions à l’archive dé-psychiatrique est un script élaboré par l’artiste Alegría Gobeil et adapté à partir de dizaines d’heures de discussions avec des ami·es psychiatrisé·es. La prémisse du projet considère que l’esprit de l’hôpital nous suit jusque dans nos gestes de tous les jours, dans des pratiques, des manières d’être-au-monde,qui font qu’on ne cesse d’entrer à l’hôpital, et ce même sans être (nécessairement) physiquement entre ses murs. En savoir plus

— Artiste —

Alegría Gobeil vit/travaille avec des pratiques considérées comme autodestructives, improductives, invivables. Afin de déjouer l’aspect mortifère, individualisant et dépolitisé des perspectives actuelles en « santé mentale », A dé/joue des modes issus des procédés de psychiatrisation. C’est avec les pratiques de celleux qui vivent soi-disant mal qu’A apprend à vivre et réfléchir.

Sa pratique indisciplinaire a pris la forme de performances, de documents, d’objets altérés, de protocoles, et d’actions contextuelles. Ses propositions ont été présentées dans des ruelles, des cours, des appartements, des sous-sols – dans des espaces non institutionnels dirigés par des artistes en dehors des modes de présentations du circuit de l’art. Son travail circule également dans le milieu des arts au Québec (Le Lieu, Espace Maurice, Folie/Culture, OFFTA, Centre SKOL, FAAS, FAPTR) et, récemment, ailleurs (Gruentaler9, Berlin). Son travail se déploie aussi par l’écriture (Moebius, Cigale) et lors de lectures publiques (Calliope, Port de tête la nuit, Festival de poésie de Montréal).

En 2023-24, Alegría présentera les expositions avec ma main brûlée j’écris sur la nature du feu (Le Lieu, novembre 2023) et répétitions (L’Oeil de Poisson, mai 2024). A est résident·e pour l’année 2023-24 à LA SERRE – arts vivants, travaillant pour la première fois à mettre en scène l’un de ses textes pour le contexte théâtral.

Site web de l'artiste

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Dette sans raison is the river at your door est une œuvre qui prend la forme d’une situation performative mise en scène par l’artiste. Dans le cadre de cette œuvre, k.g. demandait à des participants et des participantes de s’inviter chez une personne inconnue. En l’absence de leur hôte, les invités devaient s’installer au salon ou dans la cuisine, et écouter une piste audio enregistrée par l’artiste afin d’être guidés dans l'exécution de différentes actions. En savoir plus

— Artiste —

k.g. Guttman (elle, iel) est un·e artiste interdisciplinaire, un·e performeur·e, un·e enseignant·e, un parent solo et un·e diplômé·e du programme PhD Arts de l’Université de Leiden et de l’Académie royale des arts de La Haye, aux Pays-Bas. Son travail se concentre sur la performance et la pratique située. En tant que personne blanche d’origine juive et irlandaise dans le contexte colonial du Canada, k.g. réfléchit aux moyens de contribuer aux pratiques décoloniales dans l’enseignement de l’art et la pratique artistique.

Né·e à une époque (1975) où il n’y avait pas d’accès à des conseils familiaux ni de soutien à la parentalité tenant compte des traumatismes, le reniement des émotions et l’intense anxiété étaient les conditions entourant son enfance. Les pratiques somatiques tenant compte des traumatismes ont été intégrées dans sa pratique artistique et éducative.

La recherche de Guttman a reçu le soutien financier du Conseil de recherches en sciences humaines (CRSH), du CALQ et du Conseil des arts du Canada. Ses expositions et ses performances ont eu lieu à la TPW Gallery et à la Blackwood Gallery (Toronto), à VIVA! Art action, Dazibao, et La Centrale (Tiohtià:ke/ Montréal), au Musée d’Art de Joliette, à Klupko (Amsterdam), à la Galerie Khiasma (Les Lilas) et au Palais de Tokyo (Paris). Ses résidences et commandes chorégraphiques incluent l’Agora de la Danse et Tangente (Tiohtià:ke/ Montréal), le Festival Danse Canada, Dancemakers (Toronto), LeGroupe Dance Lab (Ottawa), l’Université de Sonora (Mexique), Buda Kustencentrum (Kortijk) et Pointe Ephémère (Paris). Iel est présentement artiste en résidence à Intermedia Area en Studio Arts de l’Université Concordia à Montréal/Tiohtià:ke.

Site web de l'artiste

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Avant de tracer un carré est un projet artistique qui propose l'exploration d'un périmètre urbain inaccessible et la création d'une capsule temporelle biodégradable en collaboration avec des participant·e·s. Le site exploré est celui d’une ancienne carrière de pierre, actuellement en voie de revitalisation pour devenir un grand parc urbain. En savoir plus

— Artiste —

Natacha Clitandre a complété en 2000 un B.A. en arts visuels de l’UQAM. Elle a complété en 2007 un Master en Théorie et pratique de l’art contemporain et des nouveaux médias à l’Université Paris 8 et l’École nationale supérieure des arts décoratifs (ENSAD). Dans le cadre de ce cycle d’études, elle a effectué un séjour à Brown University et RISD, à Providence, Rhode Island. Par son travail, elle invite à porter un regard autre, elle cherche à créer du lien social, à décloisonner les milieux de vie et à révéler différentes strates d’histoires dont recèlent l’espace urbain et les contenus d’intérêt pour une diversité de communautés. Ses oeuvres ont été présentées en Europe (Nantes, Paris, Bruxelles) ainsi qu’en Amérique du Nord (Montréal, Laval, Québec, Gaspésie, Pittsburgh, New York, Baltimore). Également travailleuse culturelle, elle a notamment développé la posture Slow Tech du centre d’artistes féministe Ada X, où elle a été — de 2017 à 2022 —, coordonnatrice à la programmation et au festival HTMlles. Ces jours-ci à la Fondation PHI, elle présente une installation interactive, Constructions réflexives, qui propose de réfléchir collectivement à la construction d’un milieu urbain. Natacha Clitandre vit et travaille à Montréal/Mooniyang/Tiohtià:ke. Site web de l'artiste

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1 et demi: techniques, défis et tranches de vie est un projet combinant art relationnel, dessin et micropublication. Pour le réaliser, l'artiste Annie-Kim Rainville a été accueillie à Laval chez des personnes qui, comme elle, habitent un micrologement. En savoir plus

— Artiste —

Originaire de Boisbriand, Annie-Kim Rainville vit et travaille aujourd’hui à Montréal / Tiohtià:ke. Dans son travail, l’humour et la production artisanale s’entremêlent pour lui permettre de poser un regard critique sur les territoires du quotidien.

Ses recherches se concrétisent par une perpétuelle cueillette, intéressée notamment par les plantes locales, les poubelles au bord du trottoir et les histoires racontées autour d’elle. Les lieux anodins l’imprègnent par leurs microévènements, et nourrissent chez elle un désir de ralentissement. En tentant de partager son enchantement face aux images ordinaires, ses œuvres s’incarnent surtout par le dessin, l’imprimé, la broderie et la fabrication de papier. Une certaine dualité émane de celles-ci, alors que son amour pour le «broche-à-foin» coïncide avec celui pour un travail doux et attentionné.

Annie-Kim a complété un baccalauréat en arts visuels et médiatiques à l’UQAM en 2022. Son travail fut exposé entre autres à Gham & Dafe, au CDEx, à la Galerie de l’UQAM et au centre Clark.  Depuis, elle s’implique notamment avec le centre DARE-DARE et la coopérative Le Service Artistique du Sous-sol.

Site web de l'artiste

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Les entrevues ont été enregistrées dans le laboratoire nouveaux médias de Oboro.  

Ce projet est réalisé grâce au soutien financier du Ministère des affaires municipales et de l’habitation, dans le cadre du programmation Soutien au rayonnement des régions pour la région de Laval 2023-2025.

Sourbodies est une installation médiatique documentant des processus de fermentation, présentée dans un couloir souterrain reliant une station de métro à un campus universitaire. Dans cet épisode, l'artiste Peter Flemming discute de son rapport à la fermentation, des idées et expériences à la source de l'œuvre, ainsi que de son nouvel intérêt envers l'image et certains dispositifs de vision cinétiques. En savoir plus

N.B. Le contenu de cet épisode est en anglais.

— Artiste —

Peter Flemming est actif dans le milieu de l’art depuis plus de vingt ans. Ses recherches portent notamment sur l’architecture ad hoc, l’ingénierie informelle, la fermentation, les neuromimes, l’énergie solaire, les déchets, les saunas, les matériaux activés électromagnétiquement, les dispositifs d’amplification bricolés et la création de matériel informatique libre. Il développe des écologies techniques et conceptuelles en constante évolution, concrétisées sous la forme d’œuvres in situ conçues selon une approche intuitive et expérimentale.

En plus d’enseigner et de participer à des résidences d’artistes à l’international, Flemming expose abondamment dans des galeries, des musées et dans le cadre de festivals. Il a reçu de nombreux prix et bourses, tant pour ses activités de recherche que pour sa pratique créative. En 2019, il a effectué une résidence au Studio du Québec à Berlin (Künstlerhaus Bethanien) qui s’est terminée par l’exposition individuelle Sourbodies + Low Places. Site Web de l'artiste 

— Galerie photo —

— Partenaires pour Sourbodies —

La création de cette œuvre a été rendue possible grâce à l’appui financier du Conseil des arts et des lettres du Québec à travers le programme de résidences internationales de la Künstlerhaus Bethanien (Berlin, 2019).

La présentation de cette œuvre a lieu dans le cadre d’une collaboration avec l'Université de Montréal.

— Crédits —

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Équipe de Verticale :

Charlotte Panaccio-Letendre, directrice générale et artistique

Émylie Bernard, coordonnatrice aux communications

Gabrielle Desgagné-Duclos, coordonnatrice à la programmation

Lawrence Hagg, coordonnateur à l'administration

Ce projet est réalisé grâce au soutien financier du gouvernement du Québec et de la Ville de Laval dans le cadre de l’Entente de développement culturel.

Verticale est soutenu au fonctionnement par la Ville de Laval et le Conseil des arts et des lettres du Québec. 

Déroute est une sculpture monumentale composée de vestiges du système routier et intégrée à un terrain laissé à l'abandon. Dans cet épisode, l'artiste Philippe Allard situe son geste artistique au sein

— Artiste —

Philippe Allard vit et travaille à Montréal. Il est titulaire d’un baccalauréat en design graphique de l’Université du Québec à Montréal. Ses œuvres ont fait l’objet d’expositions individuelles et collectives au Canada, en France, au Portugal, au Maroc et en

— Galerie photo —

— Partenaires pour Déroute —

L’artiste reconnaît le soutien du Conseil des arts du Canada.

Le centre et l’artiste remercient la Ville de Laval de soutenir le projet en permettant l’utilisation du site.

— Crédits —

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Charlotte Panaccio-Letendre, directrice générale et artistique

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L'enquête des nuisances est une fiction documentaire au sujet du ver blanc, une espèce jugée « nuisible » dont l'étude par les artistes fabrique une allégorie de la cohabitation non anthropocentrique. Dans cet épisode, Clément de Gaulejac et Marc-Alexandre Reinhardt relatent la recherche de terrain, les rencontres avec des experts et non-experts, et le processus de collaboration ayant mené à la création de leur série de micropublications et leur vidéo performance. En savoir plus

— Artistes —

Artiste, auteur et illustrateur, Clément de Gaulejac vit à Montréal depuis le début des années 2000. Son travail d’artiste a été exposé à la Galerie de l’UQO (Les Maîtres du monde sont des gens, 2019),

Marc-Alexandre Reinhardt est artiste multidisciplinaire, écrivain et chercheur. Il développe une pratique au croisement de l’installation, de la performance et de l’intervention in situ. Il a présenté des œuvres au Québec, au Canada, en Europe et en Amérique du Sud. Depuis 2016, il fait également partie d’ACTION INDIRECTE, un collectif à composition variable explorant des gestes qui

— Galerie photo —

— L'intégrale numérique des Cahiers des nuisances —

— Crédits —

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