Samedi 8 Novembre, la soirée commence tranquillement avec le trio français Daren Muti qui incante les fantômes du slow-core, ce sous-genre musical apparu au milieu des années 90 où les guitares du rock indépendant ont subitement ralenti le tempo pour embrasser avec tristesse les ancêtres du folk. Jeff Martin, tête pensante de Idaho depuis 1992, est en tête d’affiche et c’est la première fois que je le vois en groupe. Le premier concert que j’ai vu de lui date de plus de 20 ans, c’était au Point Ephémère, il était en duo avec le regretté John Berry, accompagné d’un enregistrement pour la section rythmique et de quelques images cryptiques. Retour en 2015 à l’Archipel, une gigantesque bibliothèque entre Place Clichy et St Lazare, Jeff Martin joue cette fois seul et puis plus rien jusqu’à un album sorti l’année dernière, « Lapse » et ce concert au Petit Bain il y a deux semaines.

Si « Lapse » rappelle les premiers disques de Idaho, ce passage en concert fera de même. Jeff Martin, étrangement bavard et drôle entre chaque morceau semble heureux d’être sur scène. Est-ce dû à la présence d’un batteur et d’un bassiste qui lui permettent ce petit relâchement dans le contrôle ? Ne plus avoir à s’assurer du moindre détails de ce que l’on va jouer peut aider, même si le perfectionnisme du bonhomme ressortira avec les longs moment qu’il prend pour réaccorder sa guitare quatre-cordes et à préparer ses pédales d’effets entre chaque morceau. Un travail de longue haleine qui paye malgré l’attente, il n’en faut pas beaucoup pour que l’émotion décolle jusqu’à devenir palpable sur chaque note.

Je repars du concert avec le vinyle de « Lapse » sous le bras. Il faut dire que j’avais loupé ce disque sorti il y a un an environ et le rattrapage était plus que nécessaire. Outre le fait que les dix morceaux en question ont été composés pendant les confinements de la pandémie du COVID-19, avec l’aide du guitariste Robby Fronzo. Une fois n’est pas coutume, Jeff Martin ouvre sa musique aux autres pour une respiration supplémentaire. Il n’empêche, sur la plupart des titres, à l’image du single Accross the Sky, Idaho rejoue comme à ses débuts. On apprécie cette musique comme une agréable et lente fin d’après midi à l’ombre du soleil lointain de Laurel Canyon. Jeff Martin est probablement en train de refaire un pas de côté pour les quinze première années, mais on fera tout pour être là au prochain rendez-vous.

(♫) Idaho – Accross the Sky

Mathieu

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La basse ronfle, le break de batterie est simple et précis, le synthétiseur divague doucement en jouant une mélodie perdue dans le désert et la guitare évoque au loin les fantômes d’Ennio Morricone : On pourrait s’arrêter là concernant la musique de Tortoise mais on oublierait l’immense talent du groupe pour faire décoller le moindre morceau malgré une composition un brin cérébrale. C’est le cas de Vexations, entendu en ouverture de leur nouveau disque, sorti 9 ans après « The Catastrophist ». Au deuxième tiers du titre en question, ces musiciens nous jouent ce qu’ils savent faire de mieux : un mur du son où un chorus distordu arpente un groove hypnotique dans un mouvement perpétuel conviant machines, guitares et vibraphone.

Si le Tortoise de « TNT » ou « Standard » avait réussi à convier un certain public audiophile autour du terme « Post-Rock » à la fin des années 90 et au début des années 2000, il est clair qu’aujourd’hui le groupe joue sans ce préoccuper de tout cela, et c’est plutôt une bonne chose. Avec « Touch », sorti sur l’excellent label International Anthem, le groupe nous sort une série de morceaux mariant kraut-rock, jazz et musique électronique avec une fois de plus un travail de production aussi inaltérable qu’un puzzle complexe. Après quelques écoutes actives, les compositions de John McEntire, Doug McComb, Jeff Parker, Dan Bitney et John Herndon prennent ce côté un peu fonctionnel qui font de chaque note de clavier, de chaque ligne de basse, de chaque percussion un élément s’insérant soudainement dans le moindre temps mort du quotidien comme une ellipse indispensable.

Le quintette démarre Axial Seamount sur une rythmique motorik des plus hypnotiques. Guitare et basse conversent tranquillement avec un ensemble de riff et de courtes lignes mélodiques répétitives. Ce sont les synthétiseur qui partent explorer les territoires de l’inconnu musical en jouant des nappes bourdonnantes et atmosphériques. Et puis, au milieu du morceau, les percussions changent soudainement de mouvement, expédiant tout ça vers des cieux stratosphériques. Tortoise changera une seconde fois le tempo pour conclure avec la volonté de ne jamais jouer la note de trop.

(♫)Tortoise – Axial Seamout

Mathieu

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Quelqu’un joue de la guitare électrique dans le salon. On entend vaguement un arpège ou deux filtrés par un étrange delay et une réverbération glaciale. La personne chuchote dans son micro quelques paroles dont on comprend vaguement le sens. Il pince les cordes de son instrument pendant un instant avant de passer à d’autres choses, comme enregistrer un bourdonnement avec un petit synthétiseur ou encore mixer des fields-recordings qui capturent une conversation en espagnol dans un parc, à moins que ce soit en portugais. Cette musique se diffuse doucement dans notre quotidien comme un fantôme amical dont on apprécie la présence fugace dans les interstices de nos vies.

Jemima est un duo londonien dont le troisième album, « Even The Dog Knows », est sorti discrètement au cours de l’été, aidé par le label All Night Flight Records, aussi un magasin de disques. Treize morceaux qui convient les débuts de Labradford dans un post-rock minimaliste composé avec les moyens du bord. Ten Thirty démarre comme une chanson folk avant de s’arrêter net au bout d’une minute, comme si tout était déjà dit et Where did the birds go when it rained semble se désintégrer pendant qu’on l’écoute, à l’image des boucles hypnotiques de William Basinsky.

Sur What is it, le duo se lance dans un dialogue entre deux guitares dont les échos lointains viennent couvrir les quelques phrases ânonnées dans un cours moment d’introspection. Au milieu de cette idioglossie comateuse, Jemima fait décoller son morceau avec une rythmique sourde, fatiguée mais sereine. Ce qui fait de ce « Even The Dog Knows » l’un des disques les plus délicats à écouter en ce milieu d’automne, ce qui le rend particulièrement indispensable.

(♫)Jemima – What is it

Mathieu

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A l’instar de la myriade de groupes de Post-Rock apparus aux débuts des années 2010, les disques de Totorro sont l’assurance d’y retrouver des sonorités à la fois abordables et complexes. On rentre dans leur musique instrumentale avec l’impression qu’elle nous aide à nous concentrer ou bien qu’elle illustre un film imaginaire, c’est la moindre des choses avec un nom qui évoque vaguement un dessin animé de Hayao Miyazaki. Mais c’est surtout lors d’un concert joué au Petit Bain il y a 6 ou 7 ans que le groupe m’avait marqué. En accompagnant les images de l’intégralité du gameplay de « Another World » – une quarantaine de minutes sans se planter, bon courage – Totorro semblait avoir trouvé l’un des meilleurs vecteurs pour leurs compositions toujours à mi-chemin entre la précision nerveuse du Math-Rock et une certaine idée de la mélodie mélancolique.

Glissando de guitare extatique, riff à la fois claquant et distordu, une basse qui ronfle et bruisse dans nos oreilles et une batterie d’une incroyable précision : ces détails techniques ne sont là que pour servir un sens du rythme et de la mélodie dont l’équilibre instable résonne de morceau en morceau. Bang Bang ouvre leur nouvel album « Sofa So Good » sur une ligne de guitare algébrique avant de laisser la place à une sorte de rock simple et joyeux. New Music, Sensation IRL, Bonnet Free Jazz (on saluera l’effort sur les titres), chacune de ses mélopées donne autant envie de sauter dans tous les sens que de parcourir calmement la nature sans arrière pensée.

Sur Bernard Guez, Totorro met quatre morceaux en un seul et réussit à nous faire passer ça sans que l’on s’en rende compte. Leurs guitares à la fois distordues et réverbérées glissent sur nos oreilles avant de partir pleine balle dans la campagne pour une plénitude mélodique et virtuose. Entre deux breaks complexes de batterie et une ligne de basse saturée, le groupe nous laisse une place et nous tend une main respectueuse. L’accueil est sympa et il va s’en dire qu’il faut se serrer les coudes par les temps qui courent.

(♫)Totorro – Bernard Guez

Mathieu

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Mercredi 17 septembre, il fait encore un peu jour lorsque je rentre dans la salle de Petit Bain pour voir le concert de Preoccupations, avec en première partie le groupe Amantique qui mériterait que l’on s’y attarde pour une prochaine fois. Leur musique autoproclamée comme du post-punk labyrinthique donne effectivement une impression de perdition, entre la basse tentaculaire de Matt Flegel, les guitares fiévreuses de Scott Munro et Daniel Christiansen et la batterie répétitive de Mike Wallace, on a l’impression d’entendre un long mix entre The Sounds et Orchestral Manoeuvres in the Dark dans une ambiance annonçant la fin du monde. Des compositions dans l’air du temps que j’écoute volontiers en faisant autre chose, sûrement parce que le groupe sait parfaitement s’accrocher dans les tréfonds de ma mémoire.

Le cinquième album de Preoccupations, « Ill at Ease », est sorti en mai dernier, mais il s’est lentement imposé dans mes habitudes comme une sorte de paysage codé entre l’élégance et le détachement passif d’un quotidien en désolation. Sur le refrain de Sken Matt Flegel scande un « I Can’t Believe the Apocalypse is taking so long », mais le groupe esquive le cynisme juste après avec un touchant « You’re the only thing that’s keeping me calm » placé entre deux lignes de basse réverbérées. Si demain n’existe pas, ou presque, on pardonnera aisément au quatuor de vouloir se concentrer sur l’instant présent. On n’en attendait pas moins d’un groupe qui ouvre son disque avec un titre comme Focus.

Ecouter Bastards c’est d’abord accueillir le réveil des machines avec une boite à rythme rêche et un synthétiseur branché sur des harmonies 80’s. Il suffit d’une suite d’accords de guitare noyés sous une couche de chorus et de delay pour que le titre bascule dans une sorte d’écho lointain du post-punk. Il n’en faut pas plus pour que Matt Flegel déclame un « I Think We are ready for the Asteroïd » avant de se lancer dans un pont assez court où sa basse passe subitement en avant dans le mix. Un intermède mélodique qui dessine en filigrane toute la force évocatrice des compositions de Preoccupations. Une impression largement confirmée pendant leur concert au Petit Bain.

(♫) Preoccupations – Bastards

Mathieu

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En découvrant le nouveau disque de Marissa Nadler, difficile de ne pas repenser à cette anecdote concernant David Lynch. Pour des questions de droits, le réalisateur n’a pas pu utiliser la reprise de Song to the Siren par This Mortal Coil pour la bande-son de « Blue Velvet ». La rencontre avec Julee Cruise, accompagnée musicalement par Angelo Badalamenti, forgeront pour l’éternité l’ambiance sonore de ce film. David Lynch utilisera finalement Song to the Siren pour « Lost Highway » et il n’en faudra pas plus pour que l’idée d’une dream-folk à la fois vaporeuse, discrète et furieusement présente se retrouve ainsi profondément ancrée en nous. Ecouter aujourd’hui la musique du très beau « New Radiations » se fait immédiatement l’écho de cette atmosphère bourdonnante.

Guitares boisées, cordes pincées, voix réverbérée, une touche de synthétiseur par moment : Marissa Nadler ne nous proposera guère plus sur ces onze nouveaux titres que l’on se réservera pour certaines nuits où le calme et la contemplation sont une ultime résistance face à une réalité cauchemardesque. On peut se fier à l’ouverture de It Hits Harder pour planter le décors, par instant une guitare électrique laisse résonner un accord distordu lointain et ce sont des images de maison en feu au milieu du désert qui s’offrent à nous. C’est une infime partie de ce qu’on imagine en écoutant ce folk que l’on pourrait écouter en traversant la campagne d’une americana sombre et fantomatique.

Sur Weightless Above the Water la musique semble disparaître progressivement derrière quelques drones de clavier. On a l’impression d’entendre la voix de la song-writer à travers un mur lointain et sa guitare acoustique tient un arpège de blues que l’on croirait sortie d’une murder ballad imaginée dans un cauchemar d’outre-monde. Dormir, c’est mourir un peu, et il est déjà trop tard pour demander à David Lynch ce qu’il pense des chansons de Marissa Nadler.

( ♫) Marissa Nadler – Weight Less Above The Watter

Mathieu

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Ecouter le dernier album de Ty Segall relève parfois d’un hasard improbable. Selon le moment, vous pourrez vous retrouvez avec un disque instrumental de funk-jazz expérimental, comme « Love Rudiments » sorti il y a pile un an et dont les arrangements m’évoquent étrangement une version lisse de « The Mix Up » des Beastie Boys, ou bien vous aurez droit à du folk-rock assez classique avec « Possession ». La guitare acoustique est de rigueur, mais le solo en électrique demeure généreux, surtout quand une basse élastique et une batterie en béton armé lui servent une rythmique imparable. Ty Segall y chante d’une voix qui évoque autant le glam-rock que celui de ses ainés de San Francisco. Autant dire qu’on navigue en territoire connu.

Il n’y a pas si longtemps (une dizaine d’années quand même), Ty Segall jouait avec le chaos et subjuguait autant qu’il interrogeait avec une sorte de punk-rock-garage dont les contours vaguement indéterminés allaient relancer une musique plusieurs fois morte et enterrée. On a découvert en même temps John Dwyer dont la folie cathartique de Thee Oh Sees sera la plus jusqu’au-boutiste de cette scène, tandis que Ty Segall ou même King Gizzard and the Lizard Wizard prendront une tournure plus classique. « Possession » est sorti tout juste pour l’été et il demeurera un disque de plein soleil, si possible en road-trip vers la campagne, en n’oubliant pas de se rafraichir entre deux titres comme The Big Day, où la guitare est parfaitement accompagnée par le saxophone de Mikal Cronin, et Hotel avec ses arrangements symphoniques ourlés comme jamais.

En écoutant attentivement Shining on pourrait presque deviner les prochaines notes. Que ce soit la guitare électrique jouant un riff simple et tranchant avant de se terminer sur un solo des plus classiques, en passant par la suite d’accords joués en acoustique, sans oublier le pont avec ses inflexions légèrement prog, ça doit venir du saxophone, tandis que le chant de Ty Segall est plus lumineux que jamais. Tout laisse à penser qu’il s’agit d’un titre que l’on a déjà entendu mille fois et pourtant il donne envie qu’on le redécouvre à nouveau. C’est là toutes les qualités sincères de sa musique, ne rien proposer d’autres qu’une parenthèse éclairée.

( ♫) Ty Segall – Shining

Mathieu

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L’ennemi est là, devant vous, il faut lui rentrer dedans sans somation et rire de lui, même dans la défaite, si possible en jouant le plus de riffs distordus jusqu’à la fin des temps. Tel pourrait être l’inéluctable mantra psalmodié par l’infatigable John Dwyer dont la production ne cesse de nous surprendre : 29 albums pour au moins un ou deux par an avec Osees, Thee Oh Sees, Oh Sees et une exploration sans vergogne de tous les spectres musicaux allant du rock garage sous caféine à la musique progressive jouées sur des synthétiseurs analogiques en passant par un post-punk aussi véhément que cette bonne vieille fripouille de Mark E. Smith. Aujourd’hui, les Etats-Unis et le monde qui va avec sont un peu plus au bord du chaos et le bruit de « ABOMINATION REVEALED AT LAST » semble être l’une des seules réponses positives à tout ça.

Après les synthétiseurs de « SORCS 80 », John Dwyer revient au punk garage qui nous ont fait découvrir le bonhomme il y a une quinzaine d’années. Guitares saturées comme jamais par une Fuzz aussi granuleuse qu’un terrain vague, ligne de basse balancée comme une mitrailleuse, une ou deux batteries dont on n’arrive pas à suivre les BPM : Les musiciens de Osees sont lancés à toute berzingue sur l’autoroute du hardcore hurlé envers et contre tout par un John Dwyer visiblement en forme. Avec des titres comme God’s Gut, Coffin Was ou Ashes1 le groupe convie autant les spectres des Sonics, de Dead Kennedys et de Can pour embarquer tout ça vers un ailleurs dont seul leur frontman a le secret. Même quand il ralenti légèrement le tempo pour laisser la place à quelques lignes de synthétiseur sur Sneaker ou Glass Window John Dwyer demeure en sur-régime, seule sa musique permettra d’évacuer avec rage, humour et fracas les relents fasciste qui nous entourent.

Sur Protection, Osees canalise sa colère envers et contre tout pour la recracher sur les milliardaire de la tech, les gouvernements aux relents fascistes, les bombardements génocidaires et l’Intelligence Artificielle. Le titre démarre sur des hurlements punk cagneux, une suite de power chords jouée sur une guitare désaccordée, une batterie en roue libre avant de laisser la place à un synthétiseur et une basse distordue répétant jusqu’à l’hypnose la même ligne progressive. Le titre se termine dans le mur, un ultime geste qui demeure l’un des sons les plus cathartiques de notre époque.

( ♫) Osees – Protection

Mathieu

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Pause estivale avant de repartir de plus belle, ça sera probablement autour de la mi-août. En attendant je vous laisse avec ce petit mix à l’ancienne, à écouter d’une traite. Bon été et prenez soin de vous !

(♫) Horsegirl (2468) – Stereolab (Aerial Troubme) – Zombie Zombie (Jungle The Jungle) – Model/Actriz (Cinderella) – Ditz (Taxi Man) – Chat Pile (Tape) – Radagast & Plastiboo (Into The Dark) – Grails (Visible Darkness) – Biosphere (Time of the Man)

Mathieu

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Le cheval épuisé s’écroule dans la plaine sombre, un vent souffle jusqu’au plus profond du donjon, un cri s’étouffe de désespoir, votre cœur bat la chamade sous votre armure. En serrant votre épée de vos deux mains, votre esprit embrumé se perd dans mille convolutions avant de se demander quelle sera votre prochaine action. Allez-vous traverser ce pont fragile pour rejoindre les hauteurs d’une colline perdue où se trouvent les ruines du château de la légion d’ébène, servant aujourd’hui de refuge aux calamités innommables qui ont forgées le destin de ces preux chevaliers ? Passerez-vous à travers le raccourci des douves où vos bottes de fer seront ralenties par la boue, votre faible torche vous permettra juste d’entre-apercevoir les milles chimères décharnées qui vous attendent ? Qui sait quels périples vous attendent dans cette forêt oubliée ? 

« Vermis » fait partie de ces livres qui n’auront pas échappés aux amatrices et amateurs de Dark Fantasy, de la librairie Aaapoum Bapoum, de jeux de rôles et de jeux vidéo édités par From Software. Depuis l’Italie, Plastiboo a imaginé un artbook aux airs de faux guide officielle d’une sorte de Donjons & Dragons désespéré, aux dessins sombres, passés à un étrange filtre pixellisé évoquant avec une certaine rétro-nostalgie un univers inconnu, prompt à titiller notre imagination en quête d’aventure. L’expérience s’est depuis prolongée avec une bande-son officielle composée par Radagast avec une poignée de synthétiseurs où chaque modulation de note, chaque nappe vaporeuse, chaque écho d’arpège renforce les vestiges de ce RPG imaginaire.

Abyss accompagne une séquence de ce jeu qui n’existe pas d’une musique électronique dont les thèmes ambiants dénotent des airs médiévaux, fantastiques, et introspectifs. C’est comme si Tangerine Dream et Bitchin Bajas étaient allé faire un tour dans le labyrinthe du Sorcier de la Montagne de Feu avant d’en revenir avec quelques pistes enregistrés autour d’un feu de camp salvateur. Cette musique atmosphérique et mélancolique est disponible en K7 chez Hollow Press, accompagnée de quelques illustrations supplémentaires de Plastiboo. Notre héros sans visage reprend son chemin à travers les restes de notre monde déchu. Arrachera-t-il des mains de cette momie tuméfié un précieux artefact légendaire ? La présence de quelques monstres millénaires, de prêtres transformés en zombies par une sorcière aveugle, et d’esprits illuminés l’empêcheront-ils de finir sa quête sans fin ?

( ♫) Radagast & Plastiboo – Abyss

Mathieu

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