Chroniques narratives – Random Songs

Effroi, cris assourdis, martellements tambourinés dans vos oreilles, distorsions grésillantes qui attaquent votre cerveau, vous n’êtes pas en train de vous perdre dans un jeu vidéo horrifique digne de Silent Hill 2, vous réécoutez un disque de The Body. Depuis leur premier album sorti en 2004, le duo formé par Lee Bufford et Chip King n’a cessé de composer des pièces expérimentales, extrêmes, à la fois portées par une ambiance malsaine, mais aussi un cri salvateur quand tout va mal. Une sorte de croisement entre Post-Rock dépressif et Doom Metal qui lorgne rageusement vers des vapeurs bruitistes dignes d’un rituel poisseux.

Profitons de la ressortie d’une version étendue de leur EP « Master, We Perish », sorti en 2013 et virage nécessaire pour The Body, avec six titres glaçants qui explorent dangereusement de nouveaux territoires sonores. Dès l’inaugural The Ebb and Flow of Tides in a Sea of Ash le duo distord totalement ce qu’il reste de son rock lourd pour s’aventurer dans une sorte d’avant-garde cauchemardesque avant de se lancer dans une danse de Saint-Guy de l’enfer sur Worship et d’appeler à l’insurrection sur Dead Cop et Cop Killer. On pourra d’ailleurs s’amuser à comparer ces ambiances terrifiantes avec celles de leur prochain disque, « Whole Wide World », qui devrait sortir le 13 Novembre. L’ajout d’éléments électroniques n’est pas de trop et l’endurance auditive sera une fois de plus de mise pour outrepasser l’angoisse et l’effroi de cette musique.

The Blessed Lay Down and Writhe in Agony démarre sur deux accords de guitares cagneux, suivi des psalmodies flippantes de The Assemby of Light Choir et d’une batterie qui progresse comme un flux déshumanisé. Un coup de feu – les armes sont très présentes chez The Body – et la suite n’est que déluge de distorsions autodestructrices, de cris violents, sombres, comme une cendre grotesque qui s’abat sur vos épaules pour tout faire disparaitre. Si vous cherchez à faire réellement peur à votre entourage pour Halloween, c’est ici que ça se joue.

(♫) The Body – The Blessed Lay Down and Writhe in Agony

Mathieu

« Half-Told Tales » est le troisième album de Arab Strap depuis leur reformation en 2021. Un autre retour de vieux briscards des années 90 pour qui l’esthétique résonne encore aujourd’hui grâce à ce slow-core tiraillée par une dépression de lendemain de cuite, un rock survitaminé par une boite à rythmes incroyable, et le flow orageux de Aidan Moffat. Le disque s’ouvre sur un I Get Noise plutôt enlevé, à la fois en phase avec son époque et en même temps complètement décalé, un regard encore énervé malgré la cinquantaine bien entamée. On n’a pas fait plus honnêtes dans ce mélange de lucidité et d’inadéquation avec son temps.

Une fois n’est pas coutume, prenons le temps de rendre hommage au jeu de guitare de Malcom Middleton. Que ce soit dans l’enchainement de triolets surboostés par un mix over the top sur le tubesque You You You, les arpèges distordus et tristounets de Glamour Magick ou l’irruption de l’acoustique à la fois précieuse et fragmentée de Sunsong, il faut saluer ici un usage à la fois passe-partout et omniprésent de la six cordes, trouvant ici une place quasi-parfaite dans ces magnifiques compositions. A la fois teigneux et touchant, on y entend le véhicule parfait pour accueillir les textes assombris de Malcolm Middleton.

Sur Under Offer, le duo est probablement à son meilleur en racontant cette histoire d’une vieille maison du nord de l’Angleterre, vendue aux plus offrants et pleine de souvenirs d’un autre siècle, un constat désarmant de l’appauvrissement de notre société, une incursion mélancolique absolument désarmante. Un intermède émouvant que l’on réécoutera avec attention entre le spoken-word colèrique de Gape et les désillusions sentimentales de Ampersand. C’est rapeux et cagneux comme un vieux whisky que l’on se reprendra les soirs de pluie durant le mois de Novembre.

(♫) Arab Strat – Under Offer

Mathieu

J Mascis, Lou Barlow et Murph ont réussi une chose que je ne pensais pas vraiment possible : connaître parfaitement un disque avant même de l’avoir écouter. C’est le cas de « There Near », le sixième album de Dinosaur Jr depuis sa reformation en 2007. Une période qui affiche presque 20 ans au compteur, c’est plus que celle qui s’étend de 1984 à 1997, de « Dinosaur » à « Hand It Over ». Un laps de temps où le trio a réussi à forger dans nos cerveaux une série de mélodies inoubliables gorgées de fuzz qui débarquent comme une horde de frelons, de voix nasillardes, de gammes pentatoniques traversées en long, en large et en travers, avec une certaine nonchalance.

Une suite d’accords majeurs distordus par un nombre incalculable de pédales Big Muff placées les unes après les autres, une basse ronronnante, écrasante, jouée comme une seconde guitare rythmique, parfois en contrepoint avec le reste du morceau, un solo de Fender Jazzmaster qui donne l’impression d’avoir toujours été entendu mais qui arrive encore à nous tirer un sourire béat, une batterie en béton armé et une voix inimitable, à la fois aiguë et ailleurs, quasiment peu impliquée dans son propre chant. Dinosaur Jr donc, des compositions qui sonnent comme une évidence, que l’on réécoutera comme toutes les autres, comme un instant confortable, comme une capsule où les temps n’aurait aucune prise.

Lou Barlow a toujours droit à composer deux titres sur lesquels il chante aussi. Je ne vous cache pas que je l’ai toujours trouvé un peu plus touchant que son frère ennemi Joseph Donald Mascis, mais c’est juste une histoire de goût. Sur Blowin’ Up, il fredonne sur une épaisse guitare slide jusqu’à nous faire regretter qu’il n’ait pas sorti d’album solo depuis 2021. Un bourdonnement probablement bidouillé sur un synthétiseur lo-fi dans son mini-studio s’incruste dans le mix sur la seconde partie du morceau. Il ne faudra pas chercher plus loin pour y entendre ici une ultime expérimentation sonore.

(♫) Dinosaur Jr – Blowin’ Up

Mathieu

La musique de Esse Pi Enne donne parfois l’impression d’être coincé dans une voiture à l’arrêt au milieu d’une banlieue lointaine, sous la pluie et pas très loin d’une sortie d’autoroute. Une instrumentation en basse fidélité semble provenir d’une vieille radio. On y entend des fantômes du post-rock enregistrés dans une autre pièce. La saturation est cagneuse, cassante par moment, comme un effet un peu malaisant, comme une vieille K7 enregistrée approximativement. Au milieu de ce son distant, vous relevez la tête, soudain il fait beau après avoir entendu cette musique hors du temps. Pour ce pas de côté salutaire, cette suite de compositions parfois exigeantes fait plutôt plaisir à écouter.

Quelques mois après la sortie de « Chamber Music », Esse Pi Enne revient avec un nouveau disque intitulé « Industrial Relations ». Moins acoustique et plus électrique, proche de ses confrères de label Jemima, l’ensemble de ces compositions naviguent entre une sorte d’hommage à l’Angleterre pluvieuse de Hood, période « The Cycle of Days and Seasons », et le travail de field-recording, d’enregistrement lo-fi de Movietone ou Crescent. Au détour d’une suite d’accords de guitare distordue, d’une ligne de basse fatiguée, d’une batterie qui a mal aux articulations, de chants contrariés, on entend un étrange discours qui ressemble vaguement à un manuel de traductions pour s’intégrer dans une sorte d’Empire Britannique coincée au milieu du siècle dernier.

L’album s’ouvre sur Address and Name et une rythmique fatiguée comme ce matin où l’on se réveille fiévreux, avec un rhume. Le chant n’est qu’une succession d’idioglossies comateuses et la guitare joue une suite de notes saturées qui donnent parfois l’impression d’entendre une horde de frelons qui tournent en rond dans un champs encore en friche. Au milieu de tout ça, une basse tente de tenir le morceau tant bien que mal avant de se raviser à la dernière minute. Evidemment le morceau sans demander son reste et tout « Industrial Relations » ressemble à une succession de pièces collées ainsi.

(♫) Esse Pi Enne – Address and Name

Mathieu

La ligne de guitare est mélancolique mais mélodique, comme suspendue. Il faut dire que les premières minutes du morceau, le silence, les temps morts et l’intonation ont leurs importances dans cet instant suspendu. Une seconde guitare, une batterie primale, une basse souterraine et un orchestre à cordes entrent en scène et le morceau décolle vers des cieux immémoriaux. Depuis ses débuts le groupe japonais Mono a toujours su marier les symphonies lumineuses avec un Post-rock plongé vers l’Abîme, où un monolithe sonore indépassable laisse souvent la place à l’écho de quelques notes réverbérées d’une infinie tristesse.

Le nouvel album de Mono, « Snowdrop », est le premier que Tamaki Kinishi, Takaakira Goto, Hideki Suematsu et Dahm Majuri Cipolla enregistrent sans le regretté Steve Albini depuis « Walking Cloud and Deep Red Sky, Flag Fluttered and the Sun Shined ». Attristés par le décès du producteur qui était devenu avec le temps une composante indispensable de l’univers sonore du groupe, les membres de Mono ont souhaité rendre hommage au frontman de Shellac a travers les huit compositions de « Snowdrop », enregistrées cette fois par Brad Wood dans le fameux Electrical Audio Studio. Proche de Steve Albini depuis une dizaine d’année, Brad Wood a su trouvé la bonne approche pour que « Snowdrop » voit le jour, et ce n’est pas peu dire que l’émotion est quasi palpable dès l’écoute des premières notes du titre inaugural.

Si le deuil est présent à travers ces compositions introspectives – au passage on se rejouera les notes ambiants de Hedera pour nos prochaines longues soirées d’hiver – la majesté de ces mouvements demeurent. Pour preuve, Winter Daphne démarre sur un mur du son distordu où la fuzz est bigarrée, batterie cagneuse et les glissandos stellaires forment un riff lointain avant de nous laisser la place à un saisissante orchestration. Il va sans dire que cette symphonie claire-obscure finit par devenir l’un des endroits les plus apaisants de ce monde implacable.

(♫) Mono – Winter Daphne

Mathieu

Mardi 7 Juillet, le soleil est à son plein zénith et je profite un temps de la fraicheur de la Maroquinerie. Knife Crime ouvre la soirée : Fender Jazzmaster, Fuzz, basse rebondissante, mélodique, batterie précise et le chant de Meera Shenoy qui nous raconte des histoires à rendre supportable la moindre peine de coeur. Puis, après de longues années, je revois enfin sur scène Jon Spencer, la dernière fois c’était du temps du Blues Explosion, c’est dire. J’avoue avoir poliment ignoré son passage avec Heavy Trash et je n’attendais pas grand chose de ce retour, si ce n’est un riff de blues, des fûts qu’on cogne et des monologues débités sous un reverb infernale. Quel ne fut pas ma surprise de voir ce soir un Jon Spencer dans une forme olympienne grâce à la section rythmique en béton armé de The Bobby Lees.

En 2023, Jon Spencer produisait le punk-blues de The Bobby Lees avec un « Skin Suit » prompt à faire exploser toutes les lampes des amplis du studio. Au passage, leur dernier disque, « New Self », sorti en début d’année trouve une énergie supplémentaire en invoquant autant les fantômes des années 90 que certains passages énervés des Deftones. Au milieu de tout ce bruit salutaire, la basse de Kendall Wind transperce le mix avec un volontarisme inébranlable. On la retrouve aussi forte sur « Songs of Personal Loss and Protest », impériale, portée par le batteur Macky Bowman, accompagnant Jon Spencer qui s’amuse à faire du Jon Spencer et ça fait plaisir à entendre.

L’été est là, les vacances arrivent et il est temps de prendre une pause jusqu’en août. D’ici là reposez-vous bien, et écoutez bien ce que raconte Jon Spencer sur Fanfare (Another Point of View), « treat yourself, you deserve it ! ».

(♫) Jon Spencer – Fanfare (Another Point of View)

Mathieu

Jeudi 25 juin, je traverse un Paris devenu invivable avec sa température approchant les 40°. J’arrive au Trabendo, par chance il reste encore un peu de fraîcheur dans la salle lorsque Dewey démarre tranquillement son set avec le rock éthérée et prophétique de City Has Come to Crash. On le sait, les années 90 et le shoegaze fascinent par moment la jeunesse et le quatuor capture ça merveilleusement bien. On y reviendra sûrement car le reste de la soirée est sous le signe du punk-rock californien, voire du skate-core comme on disait en 1998, avec le retour de Nathan Williams et son groupe Wavves, que j’avais un peu perdu de vue depuis « You’re Welcome » (presque dix ans donc). La chaleur n’empêchera pas le public de se lancer dans une infernale danse de Saint Guy, prouvant une fois de plus que l’enchainement de quatre power-chords sur une guitare distordue peut encore transformer la vie des gens en un mosh pit.

Le groupe de Nathan Williams est venu défendre sur scène son nouvel album sorti en 2025, « Spun », et dont le punk-rock me redonne un peu d’énergie au petit matin lorsqu’il s’agit de traverser les espaces liminaux de la Défense et de la ligne 1 du métro Parisien. Bien sûr, on connait déjà tout ça par cœur, mais on y retourne à chaque fois sans déplaisir : le Rock ‘n’ Roll Garage de Lucky Stars avec son petit riff mignon chargé de réverbération et sa basse qui ronfle comme jamais, le mur de saturation dès l’ouverture avec Spun, et même les inflexions digne d’un Sum 41 qui aurait passé l’âge de la maturité avec ce Goner au refrain que l’on chantera sous la douche pendant de longs moments.

Au milieu de ce déluge de fuzz, un morceau accroche l’oreille : Holding Onto Shadows sonne parfois comme une belle ballade mélancolique, prouvant une fois de plus que le talent de composition de Nathan Williams demeure intact et à l’épreuve du temps. Passé l’introduction sur des cordes ténues, un piano et une guitare acoustique accompagnent tristement le chanteur avant de laisser la place à un mur de distorsion ample comme jamais pour un refrain indépassable. River Cuomo aurait pu enregistré un tel titre en 2001 mais il ne le fera jamais et le petit solo qui vient conclure Holding Onto Shadows laisse résonner un larsen strident jusqu’au surrégime. Ce n’est peut être pas grand chose mais c’est déjà beaucoup.

(♫) Wavves – Hold Onto Shadows

Mathieu

L’histoire donne l’impression de se répéter mais ce n’est pas très grave dans ce cas là. Il nous semble avoir déjà entendu cet arpège de guitare qui joue un temps seul avant que la batterie ne démarre sur un rythme précis et tenu. La basse rentre en jeu avec un ligne bourdonnante qui résonne dans les derniers recoins de nos cerveaux. La composition ainsi mise en place s’accélère sur un enchainement brut exécuté de plein pieds. Les accords se font plus âpres, le mur du son s’intensifie pour n’être plus qu’une distorsion à la fois granuleuse et stridente. Le seul chant que l’on entendra sera hurlé jusqu’à s’en déchirer la gorge. Post-Rock, Math-Rock, Post-Hardcore, on connait ça depuis Codeine, Shellac et les débuts de Mogwai, mais il suffit parfois de quelques intonations savantes et brutes pour qu’un nouveau groupe nous fasse retomber dans cette passion incommensurable.

Les trois musiciens de Rhododendron – Ezra Chong à la guitare, Gage Walker à la basse et Noah Mortola à la batterie – n’ont probablement pas choisi le meilleur moment pour se lancer en 2019, mais l’arrivée aujourd’hui de leur disque « Ascent Effort » au milieu du label The Flenser ne peut que plaire à nos oreilles décharnées. Apparu en 2010, The Flenser trace sa route en compilant avec acharnement des groupes comme Chat Pile ou Agriculture, à savoir le meilleur aujourd’hui du Hardcore, Noise, Black-Metal et autres hurlements désespérés scandés un soir de pleine lune. « Ascent Effort » s’inscrit parfaitement dans cette lignée, réveillant soudainement nos accouphènes avec les envolées distordues et nerveuses de Like Spitting Out Copper.

Firmament démarre sur une courte plage atmosphérique, quasi-ambiante avant de faire venir une ligne de guitare passée sous le filtre d’un étrange chorus. La batterie démarre avec une intense précision et il n’est pas interdit d’y voir aussi quelques influences à trouver du côté du Jazz, une évidence parfois rapidement écartée quand il s’agit d’écouter du Post-Rock. La basse est râpeuse, cagneuse, elle occupe quelques espaces harmoniques avant que le trio ne propulse cette musique vers une gigantesque saturation chaotique qui vous tombe dessus comme un coup de massue. Parfaitement chaotique et maitrisé dans son abyme.

(♫) Rhododendron – Firmament

Mathieu

Ça commence par une note imperceptible de guitare, puis une seconde, avant de se transformer doucement en une petite mélodie distordue, reprise avec une légère variation par une seconde guitare lointaine. Le batteur tape avec énergie tout en retenant quelque chose, est-ce de la colère ou bien une forme de spleen plus profond ? La basse est là où on ne l’attend pas, elle surprend et nous rappelle d’où vient cette musique, du Punk-Hardcore qu’on aurait choisit de jouer en faisant l’éloge du ralenti, du Post-Rock comme disent les critiques rocks. Entre la fin des années 90 et le début des années 2000, de nombreux groupes, tous excellents, se sont succédés dans la construction de cette musique à la fois savante et brute. Parmi eux, on se souvient de Absinthe (Provisoire) dont l’un de leurs premiers morceaux s’ouvrait sur 24 minutes d’une beauté à nous faire perdre toute notion du temps.

23 ans plus tard, on retrouve Christophe Devaux, alias Yokiko Kamurasa, avec trois pièces musicales, deux voyages d’une quinzaine de minutes et une chanson plus courte, et dont les ambiances stratosphériques vous entrainent aux confins de nos dernières pensées introspectives. Des nappes de synthétiseurs douces par moment, inquiétantes à d’autres nous rappellent les atmosphères oniriques d’Angelo Badalamenti, quelques accords de guitare déformés par un étrange trémolo semblent se désagréger à mesure qu’on les écoute, un violoncelle joue avec la pénombre et le clair obscur : cette symphonie léthargique tourne doucement jusqu’à devenir un endroit apaisant dans ce monde implacable. Une voix répète jusqu’à devenir un mantra « Night Will Live Forever », c’est probablement dans ce lieu-là, cette entre-deux à la tombée de la nuit, que l’on pourra trouver encore un peu de bienveillance.

Parmi toutes les révélations que l’on peut entendre sur « Les Palmiers Sauvages », il y a cette mise en abyme à la fin de Night Will Live Forever. Comme pour rompre avec cette musique épurée, un narrateur imaginaire se lance dans une courte analyse et nous promet à la fin, une jolie chanson. Par respect pour ce voyage intemporel, je ne saurais trop vous recommander d’aller écouter l’intégralité de cette musique sur le bandcamp du label Teleferic Records. En attendant je vous laisse avec la jolie chanson.

(♫) Yokiko – Modest Tribute to Beauty

Mathieu

Le titre Plainsong sorti en 1993 sur « Quique », le premier album de Seefeel, fait partie de ces trucs que l’on pourrait écouter en boucle jusqu’à se perdre à jamais dans ses limbes labyrinthiques. Au croisement de la musique électronique, du Shoegaze, du Post-Rock et de l’ambiant, Seefeel réussit là quelque chose d’à la fois simple et beau : jouer toutes ses influences sans en perdre ce qui fait l’essence même de ses éléments de compositions. Après avoir signé sur le label Warp, le groupe continue de sortir des disques discrètement, au rythme d’une carrière parfois entrecoupée de pauses. « Sol.Hz » sorti fin Avril est une prolongation à la fois humble et déliquescent de leur précédent diptyque, « Squared Roots » et « Everything Squared ».

Les neuf titres de « Sol.Hz » sont une succession de pièces lancinantes et minimalistes que l’on peut aisément écouter indépendamment en naviguant dans un bus un dimanche matin à 6h du matin, alors qu’on se remet d’une nuit blanche et qu’il pleut abondamment. Nappes de guitares distordues déformées par une myriade de filtres cotonneux, boites à rythmes dub, synthétiseurs déformés par un ensemble de bleeps grésillants et voix réverbérées puis enregistrées dans une salle de bain sans lumière : on y entend ici la bande-son parfaite à écouter dans sa chambre, allonger sur son lit, le regard rivé sur la plafond, en rêvant à un futur réaliste du « Neuromancien » de William Gibson.

Sur Humidity Switch, la musique de Seefeel semble s’évaporer lentement jusqu’à s’éparpiller note par note dans les dernières ramifications de notre cerveau. Le titre est d’une simplicité désarmante, une phrase de clavier brumeuse, un pattern rythmique qui sonne comme un écho lointain, une vocalise qui vient hanter les machines utilisées pour jouer de cette musique et une suite de bruits électroniques qui se désagrègent avec le temps. A la fin du morceau, Seefeel semble éteindre l’ensemble de ses effets pour ne laisser planer que la voix de Sarah Peacock dans une sorte d’écho fantomatique d’une rare beauté.

(♫) Seefeel – Humidity Switch

Mathieu