J’avais rapidement écouté Chat Pile et « God’s Country ». Une batterie martiale, une basse experte en lancé de parpaing, des riffs de guitare façon fil de fer barbelé qui vous découpent méthodiquement les oreilles et un chant qui passe de la froideur du post-punk aux déclamations viscérales du sludge en passant par quelques hurlement aiguës d’influence Black-Metal nous avait secouer si fortement l’épaule qu’on avait finit par déambuler seul et hagard dans des terrains vagues innommables. Le trio d’Oklahoma monte d’un cran avec les dix titres de leur second disque, « Cool World », où les dissonances poisseuses martèlent un portrait à la fois violent et désespéré d’une Amérique cauchemardesque.

La noirceur dissonante et les hurlements blafard de I am Dog Now nous sont jetés en pleine figure, et entre deux secousses véhémentes, l’origine du nom du groupe revient à nos esprits embrumés. Rien à voir avec les félins préférés d’Internet, Chat Pile fait référence aux amoncellements de déchets de plomb miniers, pollution à ciel ouvert et chose courante dans la région d’origine du groupe. Ca vous donne une idée de l’ambiance. Pour le reste, on passe de l’aliénation du corporatisme avec Funny Man, au voyeurisme malsain de Camcorder en s’arrêtant sur l’anéantissement total du monde avec The New World. Plus calme, et virant parfois vers l’indus, Milk of Human Kindness et Frownland ne reposeront qu’un temps nos oreilles, tout ceci n’est que rage contenue qui finira par exploser dans un déluge de larsens sur son dernier tiers.

Chat Pile semble se prévenir du sur-régime sur Shame, mais ce n’est que de courte durée. Sur une basse râpeuse comme jamais, Raygun Busch se met à chanter de façon étonnement calme. Dans un état de semi-détachement, il sonne comme dans un groupe de rock indépendant des années 90. Une guitare aussi cagneuse qu’une déflagration de bruit blanc fera basculer l’ensemble dans un massif mur du son sur lequel nous nous fracasserons sans aucune hésitation. Raygun Busch en profite pour scander le reste du titre avec un chant guttural à s’en arracher les cordes vocales. Il va sans dire que je serai là pour les voir jouer au Trabendo, le 28 avril.

( ♫) Chat Pile – Shame

Mathieu

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Parfois il ne faudrait rien faire d’autres que plaquer rageusement quelques accords de guitare. Shannon Wright revient de loin et rien n’est moins sûr en ce qui concerne l’avenir. La perte des proches – Philippe Couderc, le fondateur du label Vicious Circle qui avait cru en elle dès ses débuts à la fin des années 90, puis celle de Steve Albini, ingénieur en son attitré – ainsi que la découverte d’une maladie auto-immune n’ont pas arrangé les chose, loin de là. Il fallait donc revenir avec des chansons, huit titres dissonants que l’on découvre sur l’immense « Reservoir of Love ». Cagneuse et le spleen plein la tête, Shannon Wright sublime les riffs rageurs et fulgurants.

La noirceur saturée de Weight of Sun évoque les fantômes noisy du rock 90’s et c’est à la fois distordu, sourd et plein de détermination indestructible. Si les lignes mélodiques et déliquescentes de Hits et Mountains trimbalent leur lots d’émotions, de doutes, c’est pour mieux nous surprendre au détour de refrains qui tournent immédiatement à l’acte de résistance pour survivre dans ce monde qui s’écroule. Seule au piano sur Countless Days et le conclusif Something Borrowed, Shannon Wright nous prend par la main et chante d’une voix fêlées, comme pour mieux nous inviter à contempler le moindre recoin de nos mémoires fracassées. D’une rare justesse Shadows fera couler nos dernières larmes avec son final poignant, où les cordes viennent magnifier ce blues-rock cadavérique.

L’album est un chef d’oeuvre mais c’est son ouverture, Reservoir of Love, qui m’a le plus marquée. Shannon Wright nous accueille avec une petite boite à musique mixée sur un fond de nappes bourdonnantes, menaçantes. Le reste n’est que guitares mitrailleuses, pesantes, promptes à remplir l’espace de toute la pièce avec leur fuzz étouffée. La voix de Shannon Wright dit le son d’une époque qui tourne mal avant de nous offrir un espace, un abri à garder pour nous, jusqu’à la fin de nos existences. Des paroles fortes qu’on se rappellera quand tout par à vau l’eau, « Swim In Your Reservoir of Love / I Wanna / I Wanna ».

( ♫) Shannon Wright – Reservoir of Love

Mathieu

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Plusieurs Will Oldham se croisent et se rencontrent avant de partir dans une direction différente. Il y a le Post-Blues fiévreux de Palace, le folk intime de Bonnie ‘Prince’ Billy et quand il ne vient pas juste chanter sur certains rares titres de Tortoise, Will Oldham se lance dans une reprise boisée d’une chanson de R’n’B. Parfois il fait tout cela en même temps et cela peut autant donner une suite de morceaux dispensables qu’un très bon disque. C’est le cas du très bon « The Purple Bird » sorti au début du mois de février. Pour ce nouvel album, Will Oldham est parti à Nashville et il a composé avec quelques légendes de la country, Tim O’Brien, Pat McLaughlin et John Anderson. C’est probablement grâce à cette rencontre que sa musique se trouve aujourd’hui magnifiée.

Will Oldham a été contacté par un grand mogul de la country, David Ferguson, puis il est venu en studio pour enregistrer sa musique alors qu’il n’est, pour une fois, pas son propre producteur. La méthode est une mécanique bien huilée : un lâcher prise au milieu de genres, le folk, la country, qui ne laisse pas toujours la place pour l’expérimentation. Mais il en faut plus pour entraver Will Oldham, qui, au détour de quelques accords, trouve le moyen d’évoquer en un clin d’oeil subtil les armes avec le faussement guilleret Guns Are For Cowards, les nuits de défonce avec Tonight With Dogs I’m Sleeping et une certaine idée de la dissolution des USA sur Turned to Dust (Rollin On). « Right is right, wrong is wrong / No matter what side you’re standing on / Can’t we all just get along? » Will Oldham ne s’en cache pas trop, c’est bien de l’Amérique de Trump dont on parle là au détour d’un couplet.

Will Oldham semble être en état de grâce sur Sometimes It’s Hard to Breathe. Sa chanson pourrait tenir avec juste une guitare acoustique, mais elle est ici accompagnée comme jamais. Un violon stratosphérique, une batterie légère, souple mais solide, une ligne de basse brillante et un petit riff électrique indispensable : tout ces détails prennent leur importance et emportent la composition vers un ailleurs qui magnifie le texte de Will Oldham. Le morceau s’arrête comme il démarre, comme un moment capturé qu’il ne faudrait jamais perdre. Une émotion à garder pour soi, entre deux trains, lors d’un retour pour le Kentucky.

( ♫) Bonnie ‘Prince’ Billy- Sometimes It’s Hard To Breathe

Mathieu

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Parmi toutes les formations néo-folk qui atteignent maintenant une vingtaine d’années d’existence, Tunng occupera toujours une place à part. A l’origine, le groupe anglais avait choisi de mélanger les guitares boisées avec les synthétiseurs, évoquant un cross-over entre les cordes pincées de Richard Thompson et les rythmes électroniques d’un maxi sorti chez Warp Records. Souvent enregistrés sous contraintes – n’utiliser que des guitares acoustiques, pas de réverb sur la voix – leurs disques distillent un psychédélisme doux que l’on savoure comme un thé raffiné en fin de dimanche après-midi. Je me souviens les avoir découverts sur leur troisième album, « Good Arrows », et je garde encore des images poétiques de cette pop mélangeant sons traditionnels et d’orchestration moderne.

Introspections et interrogations, telles sont les premières impressions ressenties à l’écoute des premières notes de « Love You All Over Again ». Les arpèges de Everything Else accompagnent une série de questions existentielles avant de nous laisser au milieu de quelques boucles hypnotiques, seuls, perdus dans nos pensées. Les harmonies vocales de Sam Genders, Mike Lindsay et Becky Jacobs s’entremêlent sur l’ensemble du disque, passant parfois d’un chuchotement intime à une chorale pour salon, comme sur le récit mélancolique de Snails. L’instrumental Drifting Memory Station laisse place au machine pour orchestrer une série de samples et de lignes mélodiques. Plus traditionnel, Levitate a Little retrouve le fingerpicking pluvieux du folk traditionnel anglais.

Sur Deep Underneath, Tunng convie tous ces éléments avec une beauté stratosphérique. Les guitares folks brillent sur chaque note, les synthétiseurs jouent leurs nappes vaporeuses, les boites à rythmes se rebiffent sur quelques bleeps grésillants, et puis, au détour du morceau, le chant du groupe nous attrape comme jamais, avec émotion et apaisement, comme une ballade à vélo au bord de la mer, avant la pluie. On en gardera quelques beaux souvenirs d’une simplicité désarmante.

( ♫) Tunng – Deep Underneath

Mathieu

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Il est des rendez-vous que je ne saurais rater. La compilation « Pop Ambient » que le label Kompakt publie chaque année, en pleine hiver, contient toujours une belle collection de plages sonores introspectives. Marcher seul en pleine rue dans le froid de la nuit, errer dans une forêt alors que le soleil semble poindre à travers les nuages ou tout simplement se resservir une tasse thé : Ces quatorze morceaux s’écoutent comme une déambulation lente dans des inter-dimensions sombres et baroques. Un pas de côté bourdonnant qui sonne comme un refuge troublé face à l’anxiété chronique que l’on peut ressentir dans la dérive chaotique de notre monde.

Des premiers drones vaporeux de Goldwasserfluss aux instruments traditionnels à corde de In Defense Of Symbolic Value 1 en passant par les boucles hypnotiques de Analysis of Variance II, ces sonorités précieuses évoquent des ambiances presque palpables, comme une énigme que l’on pensait pouvoir élucider avant de se perdre dans de fausses pistes, des dédales rougeoyants et ténébreux sur des sols marbrés, noir et blanc. La compilation « Pop Ambient 2025 » rassemble une liste de petits chefs d’oeuvres qui, au fur et à mesure des écoutes, deviennent progressivement une sorte de rempart indolent contre la violence sauvage de l’ultralibéralisme.

Sur Artifacts of Synthese, un morceau de Segensklang, on entend une série de boucles qui finissent par s’entrelacer jusqu’à nous fasciner par son minimalisme hallucinatoire. Une note vaguement distordue et cotonneuse, une basse lointaine, comme une pulsation vivace, puis une petite phrase mélodique jouée sur un synthétiseur venu d’un autre temps. On n’entendra guère plus de cette musique qui est à la fois comme une descente crépusculaire et une saut intemporel. Un bon moyen de se rappeler que le passé conditionne le futur.

( ♫) Segensklang – Artifacts of Synthese

Mathieu

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Je dois la découverte de Horse Jumper of Love au plus grand des hasards. Programmés en première partie du concert de Corridor en Novembre dernier à la Maroquinerie, ils m’ont surpris en déployant lentement un mur de distorsion digne des plus beaux légataires de Slint ou Codeine. Guitares alternant accords au ralenti et riffs passés à la fuzz, gavés de larsen, basse lourde à la limite de vous briser les tripes et les tympans, une batterie martelée à la force du poignet ainsi qu’un chant cafardeux : je m’étonne encore de pouvoir écouter cette musique comme un refuge confortable pour ce début d’année. Mais que voulez-vous, on ne se refait pas.

Je découvre alors une poignée de disque. Le groupe provient de Boston et est principalement formé de Dimitri Giannopoulos au chant et à la guitare, John Margaris à la basse et Jamie Doran à la batterie. Ils poussent le volume jusqu’à leurs derniers retranchements comme s’ils n’assumaient pas complètement leur envie de jouer du folk triste. Je ne retrouve pas toute l’énergie brute du live sur « Disaster Trick », leur dernier album à ce jour, mais ces onze morceaux débordent de mélodies fulgurantes et de bruits en sur-régime. Une guitare acoustique suivi d’une saturation cotonneuse en ouverture de Snow Angel annonce la couleur et les paroles de Today’s Iconoclast naviguent entre le sarcasme et l’auto-dépréciation, nous rappelant les débuts glorieux d’Idaho. On a connu pire.

Et s’il ne fallait garder qu’un seul titre, il faudrait peut être se pencher sur Lip Reader où l’on retrouve ici mélangées toutes les velléités du groupes, l’alternance entre le folklore d’une guitare boisée et jouer fort en faisant monter le volumes des amplificateurs jusqu’à rendre prégnante l’électricité de ses instruments. Le morceau commence comme il se termine, en égrenant ses paroles sombres et glaçantes avant de s’arrêter sur un écho disparate. Il ne m’en fallait pas plus pour affronter le froid de ce mois de Janvier.

( ♫) Horse Jumper of Love – Lip Reader

Mathieu

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Un clignement d’oeil et 2024 se termine déjà. A l’occasion des tops de fins d’année de Popnews, j’ai pu rassembler quelques disques qui semblent être les 10 plus beaux de cette année. Dix, ce n’est pas beaucoup et il y en a plein d’autres qui mériteraient d’entrer dans cette liste. Toujours est-il que le classement en question méritait un petit mix de fin d’année, histoire de parcourir une fois de plus les titres en question.

Adrianne Lenker n’a pas son pareil pour écrire une belle chanson avec juste quelques accords de guitare acoustique, un violon et puis une poignée de mots profondément touchants. Sadness as a Gift, c’est la fin d’une histoire et le début d’une nouvelle.

J’ai déjà écrit des papiers ici et là sur le dernier disque de Geordie Greep, du coup je ne m’étendrais pas plus dessus. Son concert en décembre m’a donné l’impression que sa carrière solo semble bien partie pour marcher sur les pas de Frank Zappa, un père spirituel qui n’était pas en reste avec le jazz et les personnages outranciers.

Mélodies parfaites pour Cassandra Jenkins qui donne effectivement envie de trainer dans un magasin pour animaux de compagnie.

Les Fontaines D.C partent vers le succès et c’est tant mieux. Starbuster a tout du tube instantané, probablement une capsule temporelle des années 2020, quand on l’écoutera dans quelques années, entre deux coupures d’électricité, rationnée par un gouvernement totalitaire alors qu’il fait déjà 70 degrés à l’ombre.

Zoom, travelling arrière et mise au point pour ce titre de Corridor dont le riff de guitare me paraît assez imparable.

Une ruée vers l’or pleine de regrets, c’est la très belle histoire que nous raconte The Reed Conservation Society où les cordes pincées d’une guitare rencontrent un orchestre Morriconien et le piano d’un vieux bouge.

Retour au pays pour Myriam Gendron, dont le second disque trimballe son lot de fantômes apaisants.

« Tattoo the names of the Dead / On your hands ».

Il y a vingt ans Godspeed You! Black Emperor écrivait sur la pochette de leur disque la liste des multinationales qui à la fois produisent des disques et vendent des armes. Aujourd’hui leur musique est devenu une sorte de blues post-apocalytique capturant une fois de plus les horreurs de la guerre.

Je ne attendais rien du dernier Cure, et pourtant j’ai quand même été boulversé par certains passages du disque, une ouverture et conclusion atmosphérique et une poignante chanson sur son frère décédé.

Et pour finir, bonne année 2025 ! Je vous laisse avec un petit mix à écouter d’une traite.

( ♫) Adrianne Lenker (Sadness as a Gift) – Geordie Greep (Holy, Holy) – Cassandra Jenkins (Petco) – Fontaines D.C (Starbuster) – Corridor (Camera) – The Reed Conservation Society (Le Tamis) – Myriam Gendron (Long Way Home) – Shellac (Tattoos) – Godspeed You! Black Emperor (Pale Spectator Takes Photographs) – The Cure (Endsong)

Mathieu

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On imagine une maison plongée dans le noir. Il est tard dans le studio et David Pajo repose dans un coin de la pièce sa Fender construite à partir de morceaux de Jazzmaster, Stratocaster et Telecaster. Le musicien regarde un temps ses mains tatouées avant d’écouter la prise enregistrée avec un sens de l’équilibre proche de l’acrobatie. Il arrête le mix et relève la tête pour regarder l’ampli et les micros avec un sourire de satisfaction. Celui qui a été un temps l’un des premiers combattants du Post Rock (Slint, Tortoise, excusé du peu) compose aujourd’hui au gré de l’humeur, en égrenant les riffs sur sa guitare comme un miroir tendu sur sa psyché.

On le sait, David Pajo aime composer des disques qui semblent se répondre en prenant des directions inverses. Après le folk de « A Broke Moon Rises », le voilà de retour aujourd’hui avec « Ballads of Harry Houdini ». On y entend tour à tour une surcharge de distorsions bluesy avec Thanks You For Talking To Me (When I Was Fat), un détour vers le Western crépusculaire sur Devil Tongue et un mélopée diaboliques où les lignes mélodiques virent à l’hypnose dès les premières notes de People’s Free Food Program. Six morceaux où le folk primitif rencontre le krautrock méthodique. Les riffs s’étirent parfois vers le psychédélisme doux avant que sa voix blafarde ne vienne chanter par surprise quelques paroles qui nous touchent en plein cœur. Des ballades griffonnées sur un coin de table qui en quelques accords traduisent une émotion à fleur de peau.

Avec Barfighter c’est la dérive dans les méandres de Palm Springs, comme dans un film de Monte Hellman où l’on pourrait se retrouver face à un Warren Oates crépusculaire. Batterie cagneuse, lignes de basse en béton armé et guitares aventureuses, il n’en faut pas plus pour que ce titre de Papa M décolle. Au bout de 2 minutes et trente secondes, David Pajo marque une pause en marmonnant quelques paroles d’une voix grave qui convoque à la fois les fantômes du blues et les errances existentielles de Brian McMahan. Un tour de passe-passe mené d’une main de maitre, justifiant parfaitement le titre du disque, « Ballas of Harry Houdini ».

( ♫) Papa M – Barfighter

Mathieu

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On l’oublie un peu vite, mais les années 90 se sont déroulés comme un remake bruyant des années 70. Le retour des guitares et des cheveux longs après une décennie marquée par les synthétiseurs et les looks chics aura été aussi une gigantesque cacophonie où la moindre émotion sincère a souvent été broyée par l’ironie cynique de l’époque. Au milieu de tout ce marasme, la scène indie a perduré grâce au shoegaze et au post-rock tout en faisant un pas de côté pour se réfugier dans une poignée de disque truffés de fulgurances cagneuses et de longues plages atmosphériques. Beaucoup de tempête sous les crânes qu’un label comme Numero Group choisit de rééditer depuis une quinzaine d’année. Une pugnacité qu’il faut saluer et sans qui un groupe comme Duster n’aurait probablement pas eu la carrière que l’on connait aujourd’hui.

Lignes de basse épaissies par une couche de distorsion, guitares recluses, voix cafardeuse et boite à rythme rachitique : voilà à peu près tout ce que vous entendrez sur le cinquième album de Duster, « In Dreams ». Le plus surprenant, et cela même si le label Numero Group croit toujours autant dans le groupe de Clay Parton et Dove Amber – Jason Albertini est parti après « Together » à la suite de problèmes de santé mentale – le succès est au rendez-vous depuis 2020 grâce à TikTok. Envers et contre tout, la génération Z s’est prise d’amour pour cette musique à travers ce réseau social, et si, du haut de votre quarantaine vieillissante, un doute vous assaille, allez donc faire un tour du côté de la chaine YouTube NeoPunkFM et vous serez agréablement surpris.

Et s’il fallait choisir un titre plutôt qu’un autre, pourquoi pas Black Lace. Le morceau démarre sur une suite de notes éparpillées dans l’espace avant de laisser la place à une flux de saturation joué sur une guitare réverbérée, elle sonne comme un étrange refuge, un abri loin du reste du monde, un havre paisible. Le chant est quasiment chuchoté devant le micro avant de laisser quelques accords distordues nous prendre par la main. Dans ces moments les plus calmes, le titre est porté par une basse précise et prognathe. Et puis, au bout de 2 minutes et 32 secondes, Clay Parton et Dove Amber s’arrêtent sans prévenir, sur une note stratosphérique.

( ♫) Duster – Black Lace

Mathieu

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