Civilcinema

Un western que sigue siendo tal, porque transcurre en una tierra maldita que condena a la gente a una eterna repetición de errores y violencia. Un noir sin mujeres fatales, sino con dos parejas asimétricas de hermanos que se persiguen entre sí, adornados por unas gárgolas extrañas y a veces divertidas que son los habitantes del oeste de Texas, esa tierra maldita que te expulsa y si no, te tuerce. Y la luz, puesta ahí para que los ojos se vean más verdes y azules, para que la piel blanca se vea más roja, por la sangre que tarde o temprano se va a derramar. Una perfecta cinta de género donde coinciden un buen guionista y un buen director, muy superior a cualquier otra cosa que hayan hecho por separado.

¿Qué hace una cineasta trasplantada desde China filmando a un vaquero de la nación Lakota, a su familia, a sus amigos y a su mundo; un mundo que se desvanece, después que él sufre un grave accidente y ya no puede volver al rodeo, a los caballos, a su pasión? Fascinante entramado de ficción con documental, The Rider -segunda cinta de Chloe Zhao- es una suerte de heredera natural de las certezas acumuladas por cineastas como Terrence Malick y Abbas Kiarostami, pero puestas al servicio de una historia que, sin buscar extraer grandiosidad, acaba encontrándola al observar atenta procesos que han venido repitiéndose de tiempo inmemorial: la relación del hombre con su entorno, con los animales y con su propia conciencia de ser.

El coreano Bong Joon-Ho tocó el cielo al ganar Cannes 2019, tras desatar la esperable euforia que sigue a una cinta de género prácticamente perfecta y que además pega donde duele. La comedia negra vertiginosa da paso al thriller y de ahí al drama grotesco con toques de terror ante una prosperidad deshumanizada y bastante cruel con los que se quedaron literalmente abajo. Sin embargo, la verdadera obra maestra de Bong se estrenó hace una década, bajo la forma de una historia de detectives donde el detective es una madre que se consume en el proceso hasta terminar explotando. De esto y más hablamos en el podcast.

#381 Woodstock: 3 Days of Peace and Music (1970), de Michael Wadleigh by Civilcinema

Este viaje al corazón del privilegio no es para reírse del privilegio ni de los privilegiados, al menos no del todo, sino que existe contar una historia de emancipación bajo el disfraz de la vieja dicotomía del drama romántico: dinero vs. amor. Plagada de buenos chistes, diálogos autodetonantes y actuaciones soberbias en sus respectivos rangos, esta película quedó encapsulada en su época por el declive de la carrera de Dudley Moore y por el repentino fallecimiento de su guionista y director.

#379 Peppermint Candy y el cine de Lee Chang-dong (1997-2002) by Civilcinema

Lo que iba a ser una denuncia incendiaria contra el poder establecido y su simbiótica relación con la violencia y el caos... fue encapsulada en el delirio de un loco, en una seguidilla de vueltas de tuerca que asombraban al espectador y que dejaban finalmente un sabor ambiguo respecto de las intenciones del conocimiento y el poder encarnados en el doctor Caligari. En su Alemania de origen no generó gran cosa, pero en Francia y Estados Unidos se percataron de inmediato de su afiebrada originalidad y de su capacidad de hacerse memorable por aquello que no se mueve y que no habla. Décadas después, fue reconocida como la primera cinta alemana en anunciar la pesadilla que asoló ese país. De eso y más hablamos en el podcast.

En el papel -y en el mito cinematográfico- Black Narcissus es uno de los grandes filmes en la primera década de las producciones en color y el ejemplo por excelencia de la cinta de suspenso con tensión erótica, pero esta historia acerca de un puñado de religiosas británicas que viajan a los pies del Himalaya para hacerse cargo de un abandonado harem de la era de los Maharajas, es mucho más: un relato sobre la decadencia imperial, los riesgos de la transculturización, el poder de los arquetipos, la mirada femenina y la consagración definitiva del dúo Powell-Pressburger. De eso y otras cosas hablamos en este podcast.

Un grupo de obreros alemanes van a realizar una obra a Bulgaria. ¿Qué puede salir mal? Depende. Siempre está la posibilidad de que este extrañamiento sea una excusa para la desinhibición. Siempre está la posibilidad de que no todos los obreros asuman la experiencia por igual. Con algo de pulso documental y sin actores profesionales, la cineasta apela a recursos mínimos para aludir al rol de Alemania en Europa del Este (como Toni Erdmann, de Maren Ade, productora de Western) y también para perfilar a un personaje enigmático que paulatinamente sale de las sombras para los espectadores y para él mismo.

Con una extensa carrera como crítico, programador y documentalista, Kent Jones llegó a la ficción relativamente tarde y -lo más probable- después de un largo período de reflexión. Eso es lo que salta a la vista al mirar Diane, su notable largo debut: un drama hecho a la medida de su actriz protagónica (Mary Kay Place), pero que sobre todo pretende dar cuenta del eclipse, de la extinción de lo que alguna vez se llamó "contracultura", la enorme energía creativa desatada de los 60 en adelante por la generación de posguerra. Jones no es el único que ha revisado este fenómeno en clave de requiem -ahí están los ejemplos de La La Land, Logan y First Reformed-, pero su acercamiento es único, ya que no precisa de cintas fílmicas, referencias o guiños a la cultura pop. Diane es una película acerca de la desintegración familiar, el quiebre de los lazos, el envejecimiento, la soledad y la muerte de un mundo (sin la seguridad de que será reemplazado por otro). De eso y más se habla en este podcast.